Manual de realización videográfica - Little A (1)

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Manual de realización videográfica 
Preproducción: 
Preparativos y actividades antes del primer día de producción en el estudio o la 
locación de grabación. Ocurre en dos etapas: La etapa 1 consiste en las actividades 
necesarias para transformar la idea básica en un concepto o guion. La etapa 2 se 
resuelven todos los detalles necesarios de la producción (locación, personal y 
equipo requerido) 
Producción 
La Producción Cinematográfica es el nombre que recibe el proceso de creación y 
rodaje de una película. Está formado por diversas etapas estructuradas gracias a 
un guión, y en las que intervienen distintos especialistas. Comprende desde el 
diseño del proyecto, hasta su distribución. El cine independiente, por otro lado, está 
al margen del estilo habitual de producción cinematográfica. Los cineastas que se 
dedican a esta variante, pueden filmar y editar una película en su propio ordenador, 
sin necesidad de invertir grandes recursos. 
 
Secuencia 
Una secuencia es un conjunto de escenas que forman una unidad narrativa. A su 
vez, un conjunto de secuencias formarían un acto. Y tres actos, una historia 
convencional con su planteamiento, nudo y desenlace. 
 
Plano 
Un plano es considerado como la unidad básica del lenguaje audiovisual y su 
definición depende del proceso de creación de una película. Se puede decir que hay 
dos definiciones para referirnos a un plano cinematográfico. En rodaje: «un plano» 
sería el equivalente a toma, que consiste en el espacio de tiempo que transcurre 
desde que se comienza a grabar con la cámara hasta que se detiene la grabación. 
Es decir, desde que se pulsa el botón REC hasta que se detiene la grabación. Las 
tomas de un mismo plano se repiten tantas veces como sean necesario. De esta 
manera, cuando lleguemos al montaje, tendremos diferentes tomas de un mismo 
plano y se elige la que consideremos mejor. 
 
Toma 
La toma se refiere, en rodaje, a todo lo que grabamos con la cámara desde que 
iniciamos la grabación, hasta que la detenemos. De cada plano, generalmente se 
ruedan varias tomas, y se van numerando en la claqueta. Así, cuando lleguemos al 
montaje, tendremos un mismo plano en diferentes tomas, y elegiremos la mejor 
toma de ese plano. O podremos elegir parte de una toma, y parte de otra 
 
 
Angulación de la cámara 
El ángulo que toma el eje del objetivo con relación al objeto o sujeto que se va a 
filmar, diferencia entre el nivel de la toma que se ve en el encuadre y el del objeto 
que se va a filmar 
 
 
• Ángulo normal o neutro: es aquel en el que la cámara está a la misma altura 
de los ojos de los personajes. 
• Ángulo picado: es aquel donde la cámara se pone encima del personaje, este 
ángulo tiene como función mostrar a los actores abatidos o minimizarlos. 
• Ángulo contra picado o enfático: sitúa la cámara por debajo del personaje, a 
45°, buscando la intención de magnificar o ensalzar al mismo. 
• Ángulo cenital: se coloca la cámara arriba del personaje. Este ángulo es 
utilizado para reflejar lo hermoso, así como también lo diminuto del objeto y/o 
persona. 
• Ángulo nadir: es contrario al cenital, ya que la cámara se pone por debajo del 
personaje engrandeciendo o haciéndolo imponente. 
• Over-shoulder o semi subjetiva: es una toma que se utiliza en las 
conversaciones o diálogos dentro de una escena. Aquí la cámara va 
posicionada por el hombro del personaje. 
• Subjetiva: consiste en que la cámara refleje al personaje como si fuéramos 
nosotros mirando el entorno, nos hace participes de la acción desde la vista 
del personaje. 
 
Tamaño de plano 
 
• Gran plano general: panorámica, se aprecia la figura humana en su totalidad 
para dar un valor descriptivo, inclusive de objetos que tienen un valor 
narrativo y dramático 
• Plano General: describe la relación entre el ambiente y la situación de los 
personajes, además de una parte del escenario. 
• Plano entero : límites inferior y superior de la pantalla donde interesa la 
acción, coinciden cabeza y pies. También se llama plano figura, pues 
encuadra la figura del sujeto. 
• Plano americano ¾: de las rodillas o de la mitad de las piernas para arriba. 
• Plano medio o medium shot: corta la figura hasta la cintura, porque lo más 
importante es la reacción de los personajes. Ópticamente limita la acción y 
dirige la atención del público hacia algún objeto de interés 
• Plano medio corto o medium close shot De pecho y hombros hacia arriba, 
más subjetivo y directo, ayuda a la solidaridad emocional del espectador con 
los protagonistas. 
• Primer plano o close up: arriba de los hombros, el rostro del actor llena la 
pantalla. Tiene la capacidad de meter al público en la naturaleza del 
personaje para explorar su interior. 
• Detalle o extreme close up: enfoca un elemento en particular. 
• Over the shoulder: toma por encima del hombro, se usa comúnmente para 
presentar conversaciones entre dos sujetos 
• Cross-Shot: se trata de una toma alternada sobre el hombro de dos 
personajes. 
• Plano Holandés: la toma parece chueca o mal tomada. Se toma 
aproximadamente a 30 grados y sirve para generar tensión. 
 
Movimiento de cámara 
• Panorámica: movimiento sobre el eje horizontal, vertical o diagonal. Se 
coloca la cámara sobre trípode.(Tilt: se mueven en vertical- Pan: se mueven 
en horizontal) 
• Dolly: se desplace hacia el personaje o se aleje de éste. Puede usarse con o 
sin riel. Hay técnicas que juegan con el zoom y apertura de obturador para 
efectos diversos. 
• Travelling: la cámara se desplaza en relación al escenario. Se ejecuta 
situando la cámara en unos rieles, para facilitar el movimiento. 
• Steadycam: movimiento independiente de la cámara, se logra con un sistema 
de interrupción y asimilación de movimiento que deja que el operador realice 
tomas de seguimiento en situaciones imposibles para un travelling. 
• Crane up, Crane Down: es el movimiento que se hace con una grúa. Y 
consiste en elevar la cámara o descender con el brazo de una grúa. Es un 
movimiento que se usa en exteriores para planos de establecimiento 
principalmente. 
• Cámara en mano: punto de vista subjetivo, al transmitirle la imagen que se 
está filmando y por consiguiente, al espectador las vibraciones que produce 
el operar a la cámara al ir caminando o corriendo. 
 
Ejes 
El eje de acción o eje de interacción es una recta imaginaria que se traza sobre la 
dirección de la acción. Es decir, nos referimos a la línea invisible creada por la 
dirección de un personaje, por la que marca su mirada. La línea que marca el eje 
de acción divide la escena en dos campos, donde uno de ellos sería donde 
transcurre la acción y el trabajo el que llamaríamos campo de trabajo. Siempre 
colocaremos las cámaras a un lado de este eje de acción, así evitaremos la 
desubicación del espectador o el efecto del salto de eje. 
 
 
• El salto de eje: por lo tanto, es aquel fenómeno en el cual pasamos de una 
toma con una cámara a un lado del eje de acción, y posteriormente hacemos 
la toma en el otro lado del mismo. 
Etalonaje (color-grading): 
Proceso cinematográfico para mejorar la apariencia de una imagen para su 
presentación optima en distintos ambientes y medios. Algunos atributos propios de 
la imagen que son modificados pueden ser el contraste, el color, la saturación, el 
detalle, y el balance de blancos. 
Mezcla de audio: 
La combinación y balanceo de todo el sonido de la producción cinematográfica, ya 
sea para mejorar la calidad del sonido o para presentar un efecto artístico o práctico. 
Continuidad 
Garantiza que todos los detalles de un programa de televisión, película o 
cortometraje tengan coherencia entre diferentes planos y escenas, consecutivas o 
no. 
 
• Continuidad de vestuario, maquillaje, peluquería y decorado 
• Raccord de iluminación: la luz y su intensidad no deben de variar 
excesivamente de un plano a otro. 
• Raccord de sonido: cuándo hay un cambio de plano, y el fondo sonoro 
cambia completamente. 
• Continuidad de interpretación: losactores deben cuidar su continuidad 
espacial y la interpretación de su personaje. Incluye gestos, la posición de 
las manos, el tono de voz y la expresividad. 
• Raccord de dirección: hay que intentar evitar a toda costa el llamado salto de 
eje, que si no se hace de forma deliberada, es un error de raccord. 
• Raccord de mirada: las miradas de los personajes deben coincidir aún con la 
diferencia de planos. 
• Raccord de movimiento: la dirección que mantiene un personaje o un 
vehículo. 
 
Postproducción: 
 
La postproducción es la edición de todo el material audiovisual para crear una 
película. Un editor ensambla las imágenes que han sido grabadas, incorpora la 
música y los efectos visuales y de sonido. Estos elementos se entrelazan para crear 
una experiencia multisensorial a la cual denominamos película. 
En una película la postproducción es el período en el que se edita la imagen y el 
sonido del proyecto. La música y los efectos visuales también se componen durante 
este tiempo y se agregan a la película. Por otro lado, se generan materiales de 
marketing y publicidad como el tráiler. 
 
Montaje Cinematográfico 
El montaje cinematográfico es la esencia en el mundo cinematográfico, el cual es 
usado para narrar la historia a filmar. Al producir una película, se debe planificar con 
antelación cuál será la presentación final. Con esta idea se podrán rodar los tipos 
de planos necesarios hasta alcanzar la realización pensada inicialmente. 
Esto a su vez, permitirá establecer con certeza lo que se quiere que vea el 
espectador en la pantalla como la forma, el orden y el ritmo. Una mala producción 
puede cambiarle el sentido al mensaje inserto en la historia. 
En definitiva, es el proceso donde se edita toda la película, allí se suprime lo que no 
gusta o encaja en la filmación, se aceleran los ritmos o se cruzan los tiempos. Gran 
parte de la responsabilidad sobre este proceso la tiene el director, pues es quien en 
definitiva construye el rodaje en tiempo y espacio. 
 
Sonido 
Igual que una imagen, también puede tener cualidades estéticas (texturas o 
frecuencias que se utilizan por ejemplo en películas de superhéroes o del espacio) 
o psicológicas (efectos y sonidos sugerentes, agradables, inquietantes, 
molestos…). 
Es decir, el sonido no sólo aporta realismo a las imágenes; también puede crear 
una ambientación. 
Además, podemos enfatizar el silencio, y utilizarlo de una manera simbólica y 
metafórica para representar la ausencia, o el peligro. 
 
Los efectos especiales 
Son los elementos que se utilizan en televisión o cine para crear ambientes o 
personajes que no pueden suceder en la vida real o no se pueden grabar. Por 
ejemplo, un viaje al espacio o la transformación de un hombre en un animal. 
Los efectos especiales se utilizan para crear objetos o seres que no son reales como 
un dragón o para crear efectos más normales, pero que sería peligrosos o 
demasiado caros grabarlos en la vida real, como por ejemplo una explosión. 
Los efectos especiales en el cine también sirven para mejorar elementos reales que 
se han grabado previamente, como por ejemplo un decorado donde la arquitectura 
es recreada con efectos especiales. 
 
Etalonaje (color-grading) 
Proceso cinematográfico para mejorar la apariencia de una imagen para su 
presentación óptima en distintos ambientes y medios. Algunos atributos propios de 
la imagen que son modificados pueden ser el contraste, el color, la saturación, el 
detalle, y el balance de blancos. 
Mezcla de audio: 
La combinación y balanceo de todo el sonido de la producción cinematográfica, ya 
sea para mejorar la calidad del sonido o para presentar un efecto artístico o practico.