Diseno-de-portadas-y-flyers-para-musica-electronica-para-Iboga-Records-Mexico

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ACATLÁN 
UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO 
FACULTAD DE ESTUDIOS SUPERIORES "ACATLÁN" 
Diseño de portadas y flyers para música electrónica 
Para Iboga México Records 
T E S I S 
Para obtener Título de Licenciatura en Diseño Gráfico 
Licenciatura en Diseño Gráfico 
Presenta: 
Marco Aurelio Malagón Sánchez 
Presenta: Marisela Montes de Oca Tlalpan 
Mayo 2014 
 
UNAM – Dirección General de Bibliotecas 
Tesis Digitales 
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índice: 
Introducción .. .. .... .. .. ...... ..... . .. ... ....... .. .. ...... .. ..... .. ........ .... .. .... .... . .. .. ....... ..... .. .... . pág . 1 
Capítulo 1. Diseño de Portadas y Flyers 
1.1. Definición de portadas de discos y de flyers. ... ... . ....... .. ....... .. ..... ........... ... pág. 8 
1.2. Fundamentos para el diseño de portadas y de flyers ................................... ....... pág. 11 
1.3 Tipografía . .... ... .. ...... .. ....... ... .... .. ...... .... ...... .. ..... . ... ...... .. ....... ........ ........ .. ... . pág. 13 
1.4 Ilustración ................................................................ .. ........ .. ....................... pág. 20 
1.5 Fotografía ............................................................................................... pág. 28 
Capítulo 2. El diseño gráfico en la música electrónica 
2.1. Reseña de la música electrónica ...... .... ............ ....... .. .. .... .. .. ...... .... .. ........ .. .... .. pág . 33 
2.2. Diseñadores de portadas y flyers . "Los inicios" ...... .. .. . pág. 40 
2.3 Los años 60: Diseño de portadas y flyers . Abdul Matias Klarwei .. ................ .... .... .. . pág. 52 
2.4. Los años 70: Portadas y flyers: Storm Thorgerson .... .. ... .. .. ........................ .. . .... pág. 60 
2.5. Diseño de flyers y posters: Grimshaw, Mouse y Dope .. .. .. .... ..... .... .. ......... .. ......... pág . 68 
Capítulo 3. Iboga Records México 
3.1. Historia de la empresa . ........ .... ... ..... .. .. .... ......... ... ........... ........ .. ...... .. ......... pág. 93 
3.2. Misión, Visión , Valores . ........ .. ........ .. ..... .. ........ .. ........ .. .... .. .... .. ...................... pág . 96 
3.3 Productos y Artistas ...................................................................................... pág. 98 
Capítulo 4. Propuesta de diseño de portadas y flyers para Iboga Records 
4.1. Metodología para el diseño de portadas de Iboga Records ............. ... .. ... ... .. ........ pág .111 
4.2. Diseño de portadas y de flyers para Iboga Recods .. ......... .... ......... .. ........ .. ......... pág.114 
 
4.3 Portada "Kliment" .......................... .... .... ..... .... .... .. ... . ... .... ............................. pág.115 
4.4 Portada "STRATIL UNIVERSE" ............................ ............................................. pág.118 
4.5 Portada "Trancemission" ......... ........... .... . ... . ........... ...... ........................ ........ .. pág.121 
4.6 Diseño de Flyers "Technogarden" ........ ........ .... .... ........... .. .................. ............ pág.123 
4.7 Diseño de Flyers "ANTIX" .. ................. .... .. . .... .... .... .................... ................ pág.126 
4.8 Diseño de Flyers "Neelix" .......................... ........................................ .. ........... pág.129 
Fuentes Documentales ....... .... ............ . ...... .. ... ........................... .... .................... pág.135 
Glosario . ......... .. ... . ... .... ... ............ .... ........................ ............................. ....... pág.137 
Introducción. 
Hace años que trabajo en una empresa de discos, y diseño portadas y 
flyers, un día decidí titularme con algún tema que no tuviera que ver con mi 
trabajo, pero cuando fuí a mi alma mater, Acatlán, me encontré a una maestra que 
me dijo que no había tesis en la FES sobre diseño de portadas de discos y flyers 
de música electrónica, y eso me animó a desarrollar esta tesis que ahora 
presento, de acuerdo con lo siguiente: 
Planteamiento del problema. 
La música es un elemento vital en el ser humano, es una expresión creativa 
que provoca emociones para quien la escucha y es un medio cultural por 
excelencia ya que la gente puede identificarse con ella. La música mueve nuestros 
sentidos, nos hace bailar, brincar, meditar, etc. Además, como producción tiene 
una necesidad no sólo sonora sino también de presentación y en ello la parte 
visual es fundamental para su difusión. 
Las portadas de discos tienen una fuerza y una connotación apasionante y 
nos cuentan no sólo la música de cada estilo, de cada generación sino nuestra 
propia historia. 
El diseño de portada es un caso curioso dentro del mundo de las artes 
aplicadas y el arte comercial, porque la eficiencia comercial y la calidad artística 
conviven en perfecta armonía. No es casualidad que diseñar portadas para discos 
sea una de las actividades más importantes en el mundo musical. 
Diseñar este tipo de material supone el realizar proyectos de corta duración, 
que exigen un gran esfuerzo creativo en su elaboración y cuyas fases de 
producción suelen ser rápidas, o cortas en el tiempo de elaboración por la 
necesidad a la que se subsume este tipo de producto. Por tanto, con proyectos de 
este tipo es difícil caer en la monotonía. 
Una vez terminado un disco, comienza otro con nuevos retos y exigencias y 
vuelta a empezar. El diseñador de portadas de discos es, en cierta forma, una 
especie de corredor de velocidad. La propia diversidad inherente a los distintos 
tiempos en la música electrónica hace que cada proyecto sea un mundo nuevo, 
para explorar nuevos territorios creativos ya sea para una portada o un flyer o 
sencillamente para la promoción del material en una fiesta. 
Para el diseñador es un trabajo que puede proporcionarle gran exposición 
pública. Por ello, la necesidad de manifestar en este proyecto el proceso 
(creativo), de la realización gráfica de una portada y de un flyer para música 
electrónica, resulta no sólo interesante, sino también un campo de investigación 
poco explorado desde la perspectiva de la creación visual. 
Justificación 
La necesidad de realizar una tesis que explique el proceso de diseño de portadas 
y de flyers es de suma importancia, ya que como diseñadores nos enfrentamos a 
situaciones nuevas, la música electrónica es un área donde lo visual juega un 
papel importante para poder promocionar un EP o una fiesta, es generador de 
ideas, de creatividad y hasta llega a ser divertido pero también complicado, debido 
a la búsqueda de la funcionalidad y de la estética que requiere cada uno de estos 
productos. 
Tanto una portada como un flyer puede ser coleccionable, porque son 
objetos que cuentan con elementos importantes de contenido, de información, de 
gusto. El que posee un disco no sólo cuenta con la música sino con un recuerdo, 
que lo trasladará seguramente a diversas emociones y situaciones como a una 
fiesta o a la referencia de tal o cual artista y en determinado lugar y con cierto 
sentido y significado. 
Por eso, el planteamiento de una metodología de diseño adecuada y bien 
elegida para la elaboración de una portada y de un flyer pueden dar resultados 
óptimos, para la industria de música en generaly particularmente para la música 
electrónica. De la portada y del flyer dependen sus ganancias, pero no sólo es lo 
económico sino también influye el reconocimiento del público. En fin, el diseño 
también es y significa en este caso, representar a una marca y su reputación. 
La parte digital también está involucrada en el diseño, ya que es una 
herramienta primordial para llegar a más personas. En la actualidad no se quiere 
invertir en los formatos impresos, por lo que con la ayuda de la tecnología y la 
internet se puede llegar a más personas. 
Por lo tanto, el trabajo de diseño es fundamental e indispensable para el 
éxito de cualquier compañía dedicada a la música electrónica, tanto en medios 
digitales como en los impresos. Mi experiencia con el sello IBOGA MEXICO 
RECORDS es un referente para reforzar en cuanto a la práctica, la teoría de un 
documento de tesis que explique el proceso del diseño de las portadas de discos y 
los flyers de música electrónica, para que sirvan como ejemplo del proceso de 
diseño de este tipo de material. 
Objetivo General 
Exponer las bases de diseño de portadas y flyer para Iboga Records México. 
Objetivos Específicos 
1. Señalar qué son las portadas de discos, los flyers y la función que 
desempeñan. 
2. Reseñar la historia de la música electrónica. 
3. Identificar las características de la música electrónica y su relación con el 
diseño gráfico. 
4. Exponer las características del diseño de portadas de música electrónica 
5. Definir y explicar cuáles son los soportes y formatos para la elaboración de 
portadas y flyers. 
6. Realizar una reseña histórica de la empresa Iboga Records México. 
7. Proponer los elementos de diseño para las portadas y flyers para la música 
electrónica de Iboga Records. 
Metodología. 
Para la elaboración de la presente tesis se utilizarán las siguientes metodologías 
relacionadas con la investigación teórica y con el diseño: 
Para el desarrollo teórico se propone el método analítico, que consiste 
en descomponer el objeto de estudio en cada una de sus partes con el fin de 
llegar a la síntesis de las determinantes de la unidad de estudio, a saber, el diseño 
de portadas de portadas de discos y de flyers para la empresa Iboga Records. La 
propuesta de la metodología analítica se sustenta en la visión de Umberto Eco, 
quien señala que la investigación versa sobre un objeto reconocible y definido de 
tal modo que también sea reconocible por los demás, objeto que tiene posibilidad 
de ser objeto de indagación científica y susceptible de discurso. 
Para el diseño de portadas y flyers de Iboga Records para música 
electrónica, se propone la metodología de Bernd Löbach, quien considera al 
proceso del diseño como el conjunto de posibles relaciones entre el diseñador y el 
objeto diseñado para que éste resulte un producto reproducible tecnológicamente. 
El método de Löbach consiste en el proceso creativo para la solución de 
problemas que siguen las siguientes fases: 
• Un problema existente. 
• Reunión de información, valoración y relación creativa. 
• Desarrollo de soluciones para el problema. 
• Realización de la solución más adecuada. 
Marco teórico referencial 
Para explicar teóricamente las diferencias de género de la música 
electrónica, los recursos técnicos, su inclusión en los procesos de creación 
artística, la reflexión estética y el estudio del entorno intelectual de la música 
electroacústica, se tomarán en cuenta las siguientes fuentes documentales: 
• Javier Blánquez y Omar Morera, en, Loops Una historia de la música 
electrónica, Ed. Reservoir Books, 2006. 
• Supper Martin, en Música electrónica y música con ordenador, Ed. Alianza. 
España, 2010. 
• Pablo, G. Polite, y Sergi Sánchez, en El sonido de la velocidad. Cine y 
música electrónica, Ed. Alpha Decay, Barcelona, 2005 
Para el diseño de portadas y de flyers, incluyendo la vida útil de los 
documentos, los requisitos de distribución y exposición se considerarán como 
base a las siguientes fuentes documentales. 
• Fishel. C. El arte de la Producción Creativa. Ed. Index Book, 2008 
• Rubio, Tony., Pujagut, Jaume, 12 Inch Sleeves Disco Graphics, Ed. Actar 
2006 
• Lakshmi, B. ¿Que es el diseño editorial? Ed. Index Book, 2007 
Desarrollo Capitular. 
El primer capítulo lleva como título Diseño de portadas y flyers, en el cual 
abordo los siguientes temas: Definición de portadas de discos y de flyers, 
fundamentos para el diseño de portadas como tipografía, ilustración, fotografía, 
editorial y formatos. 
En el segundo capítulo realizo una reseña de la música electrónica con 
base en la historia de la música del citado género, e incluyo a los diseñadores más 
importantes de portadas y flyers como Storm Thorgerson, así como a Abdul 
Matias Klarwein, entre otros. 
El tercer capítulo lo he titulado Iboga Records México, donde expongo las 
características de la disquera, su historia, misión y valores, además de la lista de 
sus productos y artistas. 
En el cuarto y último capítulo, cuyo título es Propuesta de diseño de 
portadas y flyers para Iboga Records, expongo el proceso de diseño que he 
llevado a cabo para el diseño de portadas y flyers que he realizado para la citada 
empresa. 
Sólo me resta agradecer a la Universidad Nacional Autónoma de México y a 
La Facultad de Estudios Superiores Acatlán, la oportunidad de abrirme sus 
puertas para mi formación profesional en el diseño gráfico. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Capítulo 1. 
Diseño de Portadas y Flyers 
1.1. Definición de portadas de discos y de flyers. 
La portada de un CD es una pieza editorial que cuenta con elementos 
gráficos como la fotografía, la tipografía, los contrastes de color, composición, etc. 
Es parte de la envoltura, empaque o contenedor de un disco, en este caso, en la 
música, ya que juega un papel fundamental, para poder comunicar y persuadir al 
consumidor. 
 Es un soporte de información, donde se plasman formas, planos, figuras, 
colores, imágenes, signos, conjugando un lenguaje visual. Es el elemento esencial 
del objeto (envase primario), el cual ayuda a transmitir mensajes con significados 
específicos, logrando un vínculo especial con el espectador. Estableciendo así, un 
diálogo entre el objeto y la persona, teniendo como propósito la adquisición. 
 También está compuesta por un libro interno que puede ser desplegable, 
tipo acordeón o póster, o con forma de libro, con variable cantidad de hojas donde 
habitualmente se ubican las letras de las canciones, agradecimientos y ficha 
técnica. 
El Blog oficial de ciudad cítrica nos presenta lo siguiente definición, 
tomando en cuenta que la portada es el elemento fundamental de un emvase: 
Cuando se va a una tienda en busca de un producto determinado, el 
acto de compra se realiza por la necesidad de adquirir ese producto. 
Pero ante las numerosas opciones de marcas y fabricantes de cada 
objeto susceptible de ser comprado, pudiera afirmarse que la 
decisión final de compra se ve afectada por un elemento de Diseño 
Gráfico que tiene el poder de persuadir y convencer: el empaque, de 
tal manera que el éxito o fracaso de un producto nuevo muchas 
veces está determinado por el diseño de su contenedor1. 
 
El emvase secundario con diseño va más allá de las situaciones 
pragmáticas que rodean a productos de fabricación en masa, la función y la 
intención es comunicar, dar mensajes adecuados para generar un impacto en la 
mente del consumidor o usuarios, afectando así la decisión, en el momento de 
compra. Los CD.”s” de música o empaques son un claro ejemplo de este 
planteamiento. 
Un volante es un papel impreso, normalmente del tamaño de ¼ de carta, 
que se distribuye de mano en mano a las personas en las calles, también es 
repartido en los domicilios, empresas, oficinas, escuelas, bibliotecas, parques, 
hospitales, etc. Su proposito es anunciar, pedir, cuestionar o hacer constar algo. El 
mensajeque llevan es breve y conciso, de manera atractiva, para que le atraiga al 
lector y sea motivado a seguir leyendo, no lleva demasiada información, esta 
acompañada de imágenes, también con mesura, por lo que se distinguen de otra 
clase de folletos. Por esta razón son denominados como Flyers. 
Son usados por personas o por empresas para promover información, ideas 
productos o servicios, es una forma de publicidad masiva, en zonas determinadas 
estratégicamente. 
 
1 .Ciudad cítrica, http://ciudadcitrica.wordpress.com/2011/02/05/el-diseno-de-cubiertas-
para-discos/, (fecha de consulta: 07/ 01/ 2012). 
 
http://ciudadcitrica.wordpress.com/2011/02/05/el-diseno-de-cubiertas-para-discos/
http://ciudadcitrica.wordpress.com/2011/02/05/el-diseno-de-cubiertas-para-discos/
Los flyers también denominados "Volantes", son folletos de pequeñas 
dimensiones y gramajes reducidos, y que se utilizan para transmitir información 
publicitaria sobre productos y servicios de una empresa. En tríptico “publicidad” se 
señala que: 
Los folletos son elementos que pueden encontrarse también 
incluidos en un mailing. Presentan el producto o servicio de forma 
detallada e ilustrada, destacando las ventajas y las características de 
la oferta. Su formato o tamaño, varía en función de las necesidades 
del producto y del desarrollo creativo.2 
Los volantes se clasifican según el número de plisados en el papel, por 
ejemplo está el volante que es una sola hoja con dos caras y puede estar impresa 
por uno o ambos lados, el siguiente es el díptico el cual está compuesto por una 
hoja un plisado, cuenta con 4 caras, por último está el tríptico el cual se 
caracteriza por tener 2 plisados, 6 caras en una hoja. Así mismo el diseño tiene 
que ser el más óptimo y específico para cada formato tener una sola cara o 
espacio lleva a generar conceptos de publicidad más directos para lograr impactar 
al público. Tener más caras o espacios da la oportunidad de crear diseños 
secuenciales, jugando con las caras, conformando unidad visual, ampliar 
información, dando prioridad a las caras que serán observadas automáticamente 
en el primer paso de lectura visual. 
 
2 Tríptico Publiciad, http://www.fotonostra.com/grafico/disenofolletos.htm, (fecha de 
consulta, 03/ 01/ 2013). 
 
 
http://www.fotonostra.com/grafico/disenofolletos.htm
Los flyer son considerados y clasificados también como folletos o panfletos 
de pequeño tamaño, su función es informar precisamente sobre algún producto o 
servicio, normalmente son utilizados en la calle repartiendo a gente que ande a 
pie. 
1.2. Fundamentos para el diseño de portadas y de flyers 
Para realizar un diseño eficaz se debe conocer el producto, fiesta, servicio, 
el objeto en sí, para lograr transmitir sus características, sus ventajas, sus 
novedades, en definitiva, e intentar convencer al público. Se tiene que seguir un 
orden de reglas para la ejecución del diseño, por ejemplo: 
 1. Definir el tema (sobre la base de éste, se plantea qué se quiere 
comunicar) 
 2. Definir el objetivo de comunicación del diseño a realizar. 
 3. Conocer el contenido (en caso de publicaciones especializadas). 
 4. Destacar cuáles son los elementos más adecuados. 
 5. Realizar un proceso de bocetos (pequeños dibujos que lleven a definir 
un buen concepto, tanto de composición como del desarrollo del tema y de 
su posible evolución). 
6. Realizar una retícula. 
 Otro aspecto importante es saber o conocer el tipo de público al que va 
dirigida la publicación, no es lo mismo una portada o flyer para anunciar zapatos o 
cosméticos, que para anunciar un lugar turístico o un concierto. 
Cada medio tiene sus propias características en cuanto a formato, 
composición, contenidos, jerarquía de los elementos, tipografía, auditorio, público, 
etc. Así se llegará a una metodología adecuada para desarrollar el diseño, 
logrando una comunicación eficaz, atractiva y armónica. 
 La diagramación es fundamental para lograrlo. Samara Timothy señala 
que el término diagramación: 
Es distribuir, organizar los elementos del mensaje bimedia (texto e 
imagen) en el espacio bidimensional (el papel) mediante criterios de 
jerarquización (importancia) buscando funcionalidad del mensaje 
(fácil lectura) bajo una apariencia estética agradable (aplicación 
adecuada de tipografías y colores)3 
Un método eficiente para lograr conjugar, llegar a una armonía entre 
elementos gráficos como las fotografías, la tipografía o texto y otros elementos 
como el color deben ser acomodados en un rango de importancia, siempre con la 
intención de ser agradable visualmente, funcionalmente al lector deberá ser más 
fácil la lectura, sin ser pesado, un equilibrio en el mensaje. Para esto es importante 
establecer claves de diagramación, como dice Timothy : 
Cuando hablamos de los fundamentos de la diagramación nos 
referimos en esencia a los fundamentos del diseño gráfico: la 
tipografía, el color y la composición. La diagramación de una revista 
es sólo el pretexto para conocer los mecanismos de la diagramación 
de boletines, revistas, periódicos, folletos, etc., ya que los 
fundamentos del diseño son comunes para todos ellos.” 
 
3 Samara, Timothy, Los elementos del diseño, Manual de estilo para diseñadores gráficos., 2008, 
Barcelona, España: Gustavo Gili, SL, p. 84. 
 
En ese sentido, los recursos, los métodos, las claves son las mismas para 
cualquier diseño, incluyendo los flyers. 
1.3 Tipografía 
El principal objetivo de cualquier diseño es comunicar, dar el mensaje de 
una forma directa, rápida, fácil de digerir visualmente, agradable y estético. Con la 
ayuda de la tipografía podemos lograrlo, se debe tener cuidado al momento de 
elegir una fuente: demasiado clásica, demasiado moderna, muy bonita pero no se 
lee, son las conclusiones a las que llegamos todos los diseñadores cuando 
tenemos el boceto casi terminado, y el resultado no nos agrada. 
La elección de una fuente tiene que ver con la temática de la portada y flyer, 
muchas veces la tipografía es el elemento principal, dándole énfasis en el diseño 
ya que es la base del mismo. 
La importancia que tiene la tipografía dentro de un diseño es tal que, con 
sólo cambiar el tipo de fuente podemos dar otro contexto al mensaje, para dar una 
sensación o significado diferente. Es decir, nuestra tipografía es el complemento 
de una imagen dentro de un diseño, por esta razón es de suma importancia saber 
elegir el tipo de fuente ideal para cada uno de los proyectos. 
La tipografía es una herramienta de comunicación que vista desde la 
perspectiva del diseño gráfico, es un transmisor de información e ideas. Más aún, 
la forma visual y el estilo de cada letra en las diferentes familias tipográficas 
provocan diferentes impresiones, que pueden ser usadas para capturar el tono de 
voz del autor o del cliente. La tipografía por sí misma puede persuadir y reforzar 
ideas presentadas con palabras. 
Así como extenso es el análisis de los elementos que pueden integrar una 
composición gráfica, la tipografía constituye otra dimensión formal de igual 
complejidad. 
Principalmente la tipografía como elemento de diseño, posee una dualidad 
funcional importante, como medio de comunicación alfabético y como elemento de 
comunicación gráfica. 
La tipografía hace referencia a la manera en la que las ideas escritas 
reciben una forma visual, y puede afectar radicalmente a cómo 
percibimos un diseño. Los tipos de fuentes tienen personalidad 
propia y son un excelente medio para comunicar emociones. Un tipo 
de fuente puede ser autoritativo, relajado, formal, informal, austero o 
humilde, mientras que un tipo de fuente gráfico es casi una imagen 
por derecho propio.4 
Las ideas en muchas situaciones son representadas con imágenes,(las 
fuentes tipográficas) tienen personalidad, están cargadas de significado, el 
aspecto visual con el que se visten ayudan a manifestar mejor conceptos, 
comunican estados de ánimo, cualquiera que este sea, por lo tanto, manipulan la 
percepción del observador para inyectarles eso, estados de ánimo, que puede ir 
desde la tristeza hasta la alegría, ese el poder las fuentes tipográficas Lakshmi 
señala que: 
En general, los diseñadores utilizan más de una fuente al diseñar una 
publicación. Ello crea de inmediato una jerarquía y proporciona un 
punto focal a la página. La jerarquía del tipo es la guía visual usada 
para distinguir entre diferentes titulares y cuerpos de texto. Ello de 
consigue a través del uso de diferentes tipos de fuentes y diversas 
variaciones de tamaño. En un libro, el diseñador podría decidir usar 
 
4 Idem. 
diferentes tipos de fuente para distinguir entre el título del libro, los 
títulos de los capítulos y el texto principal.5 
El uso adecuado de las diferentes fuentes tipográficas en los formatos, 
espacios de papel, cual sea, en sus diferentes estilos, combinaciones, tamaños, 
etc. Ayudan a tener una mejor jerarquía, un orden, una armonía visual, obteniendo 
como resultado un distinción entre textos, títulos o diferentes elementos textuales 
de alguna publicación. “Cuando se diseña un tipo de fuente, suele ser con una 
función concreta en mente”6, ya que: 
La tipografía es una herramienta muy poderosa en el diseño editorial, 
y su capacidad para transformar una publicación no debería 
subestimarse nunca. De hecho, se han creado preciosas 
publicaciones únicamente gracias al poder de la tipografía, tal como 
demuestran los muchos magníficos ejemplos.7 
La tipografía es capaz de crear texturas visuales en una buena 
composición, dando como resultado tonalidades en una página, la posición 
adecuada de rectángulos, hacen percibir orden, unidad y armonía. Así se logra 
una comunicación efectiva. 
El orden de una composición tipográfica en un espacio, se logra mediante 
un sistema reticular muy sencillo, como si fuese una fórmula, éste está compuesto 
por 3 filas x 3 columnas, también llamada ley de tercios. Se trata de un sistema 
que, aunque modesto, ofrece suficientes posibilidades de variación y de 
investigación profunda. Ya que como dice Kimberly: 
 
5 Lakshmi, Bhaskaran, Qué es el diseño editorial, 2008, Barcelona, Ed. Index, p. 34. 
6 Idem. 
7 Idem. 
El sistema reticular de 3 x 3 también responde a la ley de tercios, que 
anuncia que cuando un rectángulo o un cuadrado se dividen en 
tercios vertical y horizontalmente, los cuatro puntos de intersección 
resultantes, son los puntos focales óptimos en la composición.8 
Entonces se toma la decisión, como diseñador que importancia tendrá cada 
uno de los puntos, este sistema tiene muchas ventajas, ya que tiene muchas 
variantes para colocar los elementos tipográficos, haciendo así una composición 
visual muy dinámica guardando proporciones entre cada uno de estos elementos. 
Finalmente es una herramienta, una maqueta donde se puede jugar 
armoniosamente, logrando una comunicación más efectiva. 
La compresión de los elementos abstractos en la textura de una 
composición ayuda al diseñador a comprender mejor la función de 
los principios compositivos y las fuerzas visuales en el diseño.9 
.Para lograr ritmos visuales en los mensajes tipográficos es necesarios 
tomar en cuenta las posibilidades que te brinda este tipo de retículas, como por 
ejemplo, el agrupamiento de los elementos, dejar espacios en blanco o vacios, 
también ayudan mucho, estos condicionan la percepción que tendrá el lector, en el 
momento de la lectura, atraerá su atención, de una manera más sencilla, se 
consigue el orden visual y armonioso. 
Las relaciones geométricas como las líneas, en el espacio gráfico, son de 
gran ayuda, ya que se pueden lograr composiciones visuales mucho más 
efectivas. Las posibilidades son muchas, siguiendo un orden de reglas muy 
simples, colocando elementos tipográficos en posiciones especificas dentro de la 
 
8 Kimberly, Elam., Diseño y retícula de una pequeña bibliografía, 2006, Barcelona, España, G.G., p. 20. 
9 Ibid, p. 25. 
retícula, que dan como resultado las relaciones axiales. Para lograrlo se necesitan 
más de un elemento, generando ejes simétricos, entre más elementos, más fuerte 
visualmente es el eje. 
La utilización de las líneas del perímetro del formato es fundamental 
para crear composiciones cohesionadas. Si ninguno de los elementos 
está cerca de las líneas superior e inferior del perímetro, el espacio 
en blanco oprime los elementos y la composición carece de base. Un 
único elemento no puede crear un eje, se requieren dos o más 
elementos para crearlo y, en general, cuanto mayor sea el número de 
elementos alineados que establecen un eje, más potente será dicho 
eje. 10 
Un elemento importante, también en este sistema reticular, es el círculo, que 
funciona como equilibrio en las composiciones, claro, depende de la ubicación en 
el espacio de trabajo, todo esto para atraer la vista del lector y controle el flujo 
visual, actúa también como elemento de contraste, organizando así, a los demás 
elementos. Hablamos del círculo como ejemplo, pero gráficamente podemos usar 
un título, una imagen, una ilustración, etc. 
En todas las composiciones el círculo constituye un acento y un 
elemento que contraste con los rectángulos. Puede ser un punto de 
pivotaje, un elemento de tensión, un punto de comienzo o de final, o 
contribuir a la organización visual o de equilibrio. Es una herramienta 
para el diseñador con la que controlar de manera consciente la 
reacción visual deseada.11 
Para elegir una tipografía adecuada, es importante dejar a un lado el gusto 
personal, se busca la estética, la función, de acuerdo al tema y objetivo del 
proyecto de diseño. La fuente tipográfica es en sí, un elemento independiente que 
ayuda a la composición, hace mucho más fácil la lectura del mensaje. Es por esto, 
 
10 Ibídem, p. 12. 
11 Ibídem, p. 14. 
que el aspecto visual de cada una de las letras que forman los textos de una 
composición gráfica es muy importante. 
 El conocimiento de las diferentes fuentes tipográficas existentes, y sus 
propiedades, además de su carga significativa, da al diseñador un panorama 
mucho más amplio de elección. 
 Las tipografías transmiten emociones, estados de ánimo, evocan 
situaciones y pensamientos, asocian y relacionan formas, estilos de vida, por lo 
que la correcta elección en la composición gráfica, debe ser cuidadosa, no es lo 
mismo un mensaje para un evento deportivo, que al de una portada de revista de 
cocina italiana. Aquí es donde se toman en cuenta aspectos como, el tipo de gente 
al que va dirigido el mensaje, sus gustos, la edad, la clase social, el género, etc. 
Las imágenes, deben estar paralelamente en armonía y no romper con el estilo 
tipográfico, los colores, el uso del contraste para reforzar frases, la sintonía con los 
otros elementos gráficos, considerar el formato donde se va utilizar la fuente, si es 
legible o es suficiente el espacio. Reforzando esta idea, Kimberly aprecia que los 
aspectos que influyen en la tipografía son: 
La audiencia a la que te diriges. El tipo de letra y el diseño en general 
deberá ser acorde a los gustos del público al que quieras llegar, no 
es lo mismo diseñar y escoger tipografías para gente joven, mayores, 
personas de gustos tradicionales o gente moderna. 
El tipo de texto. La tipografía que escojas deberá estar en 
consonancia con el mensaje que se comunique y el tipo de letra 
variará según se trate de textos informativos, educativos, 
promocionales, divertidos.1212 Idem. 
Tomar en cuenta los siguientes puntos para el uso tipográfico, hace una 
composición estética y funcional. 
La correcta relación entre tamaño de letra, ancho de columna e interlineado. 
Si varía una de las tres cosas se tendrá que adaptar las otras dos para que la 
proporción sea siempre la adecuada y no cansar al lector. Un tamaño entre 8 y 11 
puntos es ideal para una buena legibilidad de los textos. El correcto espaciado 
entre letras y palabras también es importante, ya que las tipografías demasiado 
comprimidas o muy expandidas cansan mucho, pero pueden funcionar bien en 
pequeños bloques de texto o para pies de fotos. La longitud ideal de línea es la 
que contiene entre 60 y 65 caracteres. 
 La mejor combinación en cuanto a legibilidad es el texto negro sobre fondo 
blanco. El texto negro sobre fondo amarillo se lee bien si se observan a distancia, 
con letras grandes y en textos breves. Los textos en blanco sobre fondo negro no 
se aprecian y cansan la vista, si los usas hazlo en textos cortos, con tipografías 
muy legibles, en un tamaño mayor y en bold que el de los textos en negro sobre 
fondo blanco. Los textos en color rojo o naranja es difícil leerlos, pero puedes 
usarlos en titulares y rótulos en los que quieras llamar la atención. 
Aunque tipografías muy diferentes bien combinadas pueden generar 
contraste, diseños atractivos y dinámicos, utilizar muchos tipos de fuentes en un 
mismo trabajo genera confusión y desorden. 
http://uzkiaga.com/blog/diseno-grafico/como-elegir-tipografias-en-diseno-grafico
Usar con moderación las mayúsculas, versalitas, negritas y cursivas. Están 
bien para destacar palabras concretas o enfatizar una frase, pero utilizadas en 
exceso perjudican la legibilidad y el diseño13. 
1.4 Ilustración 
La ilustración es un elemento más, una herramienta de mucho poder para 
diseñar, complementa, explica, enriquece de muchas formas, se utilizan en 
muchos soportes, como las revistas, envases, libros, películas, posters, etc. 
Desde hace mucho tiempo los investigadores, como los biólogos, han 
utilizado el dibujo a lápiz para describir prácticas. Los artistas, pintores logran con 
sus bocetos (ilustraciones) el principio de sus obras. 
En épocas más recientes, la ilustración se ha utilizado para decorar, 
explicar y documentar. Ha ayudado a dar otra dimensión a las 
palabras de muchos autores y ha proporcionado entrañables 
identidades a envases y productos que vemos cotidianamente”.14 
La ilustración tiene la facilidad de llevarse bien con otros elementos 
visuales, como el texto y la misma fotografía. Claro deberá ser llevada de una 
manera adecuada, por el diseñador o el director de arte, conjugarlos no es un 
trabajo fácil, pero cuando se compaginan logran resultado visuales, de 
comunicación muy atractivos, la funcionalidad de la ilustración es muy amplia, ya 
que es versátil, compite en muchos sentidos con la fotografía, también cuenta con 
mucho estilos y técnicas, por lo que es fácil la adaptación a cualquier diseño. 
 
13 Véase, Tipografía y diseño gráfico, en http://uzkiaga.com/blog/diseno-grafico/como-elegir-tipografias-
en-diseno-grafico. (consulta: 23/ 01/ 2013). 
14 Colyer, op cit, p. 8. 
 
http://uzkiaga.com/blog/diseno-grafico/como-elegir-tipografias-en-diseno-grafico
http://uzkiaga.com/blog/diseno-grafico/como-elegir-tipografias-en-diseno-grafico
Los ilustradores hoy en día se expresan en medios más variados, y 
su trabajo incluye una gran variedad de estilos. Cuanto más 
exhaustivo sea nuestro conocimiento de las gamas de técnicas 
usadas por los ilustradores, mas conoceremos que es lo que se 
puede hacer, como puede ser trasladado hasta la forma impresa final 
y que es lo que funcionara bien con la ilustración en términos de 
tipografía y maquetado. Seremos también capaces de hablar con 
más seguridad con los ilustradores si apreciamos lo que pueden 
conseguir. Como directores artísticos, hemos de tomarnos el tiempo 
necesario para aprender sobre los estilos de ilustración que 
admiramos y debemos pensar en por qué nos gustan y en las 
reacciones que suscitan en nosotros15. 
En un diseño, la ilustración estará ligada a otros elementos, por lo que es 
importante la posición en el espacio utilizado. Deberán estar conjuntados de una 
manera armoniosa, con la ayuda de retículas se logran excelentes resultados, 
tiene la capacidad de comunicar, de atraer visualmente al público, es importante 
que sea capaz de ampliar el tema que se está leyendo, o de mostrar el producto 
de un envase, hacer atractiva la marca de una empresa. Las imágenes como la 
tipografía, textos, figuras, colores, serán elementos que acompañen a las 
ilustraciones, interactuando eficazmente para lograr comunicar. 
Una ilustración bien dirigida artísticamente debe hacer que la ficción 
que estamos leyendo cobre vida o, como se dice en los folletos de 
propaganda del diseñador, hacer más agradable una visita al banco 
(al menos visualmente). El tema no debe limitar nunca la forma en 
que funciona el diseño y la ilustración. Mientras sean apropiados y 
exista una lógica detrás de lo que hacemos, no hay más fronteras 
para nuestro trabajo que las que establezcamos nosotros mismos.16 
La versatilidad de la ilustración es muy amplia, ayuda, no solo a describir 
una escena de personas en acción, tomando un café, a una pareja besándose, un 
 
15 Colyer, op cit, 1994, p. 9. 
 
16 Colyer, op cit, p. 13. 
asalto a un banco, las características de un rostro asesino, también es usada para 
decorar, dar perspectiva, contraste, ritmo, armonía a un espacio, que al momento 
de la impresión, da como resultado, medios tonos, semitonos o transparencias. 
En la publicidad se pueden agregar objetos ilustrados que ayuden a 
impactar de una manera más directa al espectador. 
Los ilustradores pueden poner énfasis donde quieran, usando el 
color o medias tintas para contrastar las áreas y guiar al lector a lo 
largo de los diferentes procesos. Pueden diseccionar, capa a capa, 
para mostrar cómo funcionan las cosas, tanto si se trata del cuerpo 
humano como de un submarino nuclear.17 . 
El estilo de ilustración es importante, la elección de este será factor 
primordial para la efectiva comunicación, se debe tener cuidado al momento de 
elegir, ya que no es lo mismo, la ilustración para una revista de moda, que una 
para un periódico político o de finanzas, o para una portada de disco de música 
clásica, que para una de música electrónica, la ilustración de debe estar 
íntimamente relacionada con otros elementos gráficos como la tipografía, los 
colores etc., se analiza al público que va dirigido la publicación o producto. 
Al considerar el uso de la ilustración en nuestro proyecto, hemos de 
decidir si el estilo de la ilustración tendrá una importancia definitiva. 
Si hemos de encargar una portada de revista sobre el tema de “La 
biotecnología y la cambiante faz de la ciencia”, necesitamos 
encontrar un ilustrador que pueda captar y visualizar un tema tan 
espinoso. Cómo vaya a funcionar la ilustración en términos 
estilísticos debe ser una consideración secundaria. El factor crucial 
es la capacidad del ilustrador para trasladar una idea abstracta a la 
portada de una revista que llame la atención de los ojeadores del 
quiosco o librería.18 
 
17 Ibid, p. 21. 
18 Colyer, op cit, p. 22. 
En la ilustración encontramos diversos medios para lograr objetivos 
específicos, que ayudan a dar sentido a muchas publicaciones, por ejemplo la 
pluma y tinta, la cual es ya tradicional, pero si no es manejada adecuadamente 
puede degradar en mucho el trabajo del dibujo. En el caso del lápiz y carboncillo 
se usa para gran variedad de temas clásicos de las bellas artes al natural, con 
tonos clásicos y tradicionales, junto con los lápicesde colores que logran tonos 
muy fuertes. 
El pastel, que es usado normalmente para ilustraciones irreales, sin 
detalles, los colores y tonos son impuros, para ilustraciones de gran tamaño. El 
Gouache da resultados muy eficientes limpios, que con pintura se logran tapar 
grandes espacios planos y el color es muy eficaz. Acrílico y el óleo, es el estilo del 
pintor, muy popular y versátil, los acrílicos secan rápido, a diferencia del oleo, pero 
se logran muy buenos matices, efectos de colores y brillos, excelentes resultados 
a gran escala. Como la Aerografía da origen para el retoque fotográfico, se utiliza 
cuando la ilustración necesita efectos altamente pulidos con detalles finos, se 
necesita de mucho talento, mucha habilidad del ilustrador, para lograr buenos 
resultados. La xilografía y grabado, técnica usada desde hace mucho tiempo, 
renació en los últimos años, el problema es el lento y largo proceso que requiere, 
pero no pierde el sentido artesanal y delicado. 
 
 
La ilustración es usada en los medios publicitarios gracias a su versatilidad, 
ya que con un dibujo o bosquejos se puede lograr aterrizar ideas del cliente hasta 
llegar a un concepto bien definido. 
El cartel publicitario es una alternativa para esta técnica, es un proceso 
entre varios personajes, el director de arte, el creativo del proyecto y por último el 
ilustrador quien es pieza clave para el éxito de la campaña. 
La ilustración en los anuncios irá acompañada de otros elementos: el papel, 
las fuentes, textos, plecas, etc. Por lo que esos pequeños detalles hacen del 
anuncio un éxito o un fracaso. “El estilo editorial se usa con efectividad para 
ilustrar un concepto. La simplicidad del dibujo es su punto fuerte y se aviene bien 
con el titular.”19 
La industria discográfica encarga portadas, cubiertas normalmente en 
formatos cuadrados, para estandarizar, logrando verdaderas obras de arte, 
muchos artistas, músicos acuden a esta técnica para realizar la presentación del 
empaque de los Cd, Lp y cassette, alcanzado un gran impacto visual en el 
consumidor. “Muchos de las obras de los grandes compositores clásicos han sido 
grabados decenas de veces, y una de las formas de diferenciar una nueva versión 
es la visual.”20 
 
19 ibidem 99. 
 
20 Ibídem, p. 112. 
El problema a los que se afrontaron muchos músicos es que tenían que 
sacar varias versiones de los discos grabados, por lo que la ilustración vino a 
ayudar a resolver el arte de las portadas, haciendo vertientes de una misma 
imagen, jugando con las tonalidades de color, la tipografía en diferente ubicación 
del espacio, abstracciones de la misma, etc. El músico o artista está en constante 
comunicación con el ilustrador para lograr el objetivo. Finalmente la flexibilidad de 
la ilustración genera imágenes únicas, obras de arte que logran comunicar de 
manera armoniosa, en muchos casos son coleccionables, para que el consumidor 
se sienta inmediatamente atraído por la imagen en su concepto más amplio. 
“Dado que la música y la ilustración pueden ser muy evocadoras, se compaginan 
muy bien. Recientemente se han hecho en este campo magníficas ilustraciones 
experimentales y abstractas.”21 
La ilustración está clasificada en varios géneros, por ejemplo la ilustración 
conceptual la cual está basada en ideas propias del ilustrador, no en textos, 
tampoco en información específica, solo en el tema. Representa ideas en general 
no en hechos particulares, dan una óptica abierta, ampliando así la creatividad y el 
estilo del diseñador. 
La ilustración narrativa es la que muestra algún suceso, acontecimiento 
en secuencia, siguiendo un guion ya establecido, este tipo de ilustración debe 
apegarse a los contenidos y textos del autor para así mantener un equilibrio entre 
la interpretación personal del ilustrador y la obra del escritor. 
 
21 Ibid, p. 113. 
Ilustración decorativa, normalmente es utilizada para embellecer o detallar 
textos de una página con formas abstractas dependiendo el tema o contenido. 
Las ilustraciones para periódicos normalmente se utilizan para satirizar 
cómicamente un hecho, un comentario, un artículo, etc. Los ilustradores que 
producen estos dibujos tienen la agilidad de reaccionar rápidamente a los temas 
hechos por el autor, deben tener muy buena comunicación para plasmar la idea 
del director artístico de la publicación. 
Las ideas para los dibujos de sátira política son siempre creadas por 
el dibujante, a partir de las sugerencias del editor y sus adjuntos; 
puede ocurrir que el director artístico no quede involucrado en lo 
absoluto en este proceso.22 
Las ilustraciones para portadas de un libro, donde hay un gran campo 
para ilustradores, es un espacio en el cual se pretende plasmar la idea del autor, 
dando coherencia con el tema del libro, integrándose con los textos, deberá tener 
unificación con todos los elementos que los componen, como los títulos, las 
viñetas, etc. Esta misma situación pasa con la ilustración de portadas para los 
discos, en la música. Para tener una mejor referencia de la ilustración a realizar de 
la obra es necesario la lectura y comprensión de los contenidos para tener una 
mejor ejecución de la ilustración. 
Para estar en condiciones de encargar ilustraciones para 
sobrecubiertas y cubiertas de libros, tenemos que haber leído del 
texto lo más detenidamente posible. Eso puede parecer obvio, pero 
la única manera de hacer justicia a la obra del autor es apreciar lo 
que intenta decir y trasladarlo visualmente.23 
 
22 ibídem, p. 68. 
23 Ibídem, p. 70 
La ilustración informativa nos remite automáticamente al uso de gráficas, 
símbolos, señales, estadísticas, tablas de referencia, diagramas, la cual requiere 
muchos estilos, con la ayuda de las ilustraciones será más fácil de apreciar la 
información, de manera lúdica, rápida visualmente. 
La ilustración es un gran medio instructivo: la información es 
asimilada más fácilmente cuando es transmitida visualmente. Aunque 
la información pueda ser presentada en un largo texto, e incluso 
combinando la fotografías alusivas (a menudo un recurso del director 
artístico por falta de otros medios), la única manera de potenciar sus 
intereses es el uso creativo de la ilustración.24 . 
La ilustración facilita la construcción de un objeto, ayuda como guía en la 
elaboración de una receta de cocina o realizar un camino hacia un objetivo, la 
variedad de las ilustraciones funcionan en esquemas de anatomía humana, como 
para explicar la galaxia de un sistema solar en forma muy detallada, de hecho hay 
una especialidad en esta área; la ilustración médica, la cual está desarrollada por 
médicos en su mayoría, ya que ellos interpretan gráficamente todo lo que tenga 
que ver con esta ciencia. En fin, “la ilustración es un campo increíblemente 
especializado, que requiere años de estudios de posgrado. Pero el adiestramiento 
científico es solo un paso para ser ilustrador médico, un uso imaginativo de estas 
capacidades técnicas es importante.”25 . 
1.5 Fotografía 
En la publicidad la fotografía es una herramienta fundamental, a través de la 
historia ha sido utilizada en esta campo tan amplio, ayuda a facilitar la venta de un 
 
24 Ibid, p. 80. 
25 Ibídem, p. 90. 
producto, hacerlo más atractivo, visualmente puede lograr una buena armonía, 
conjugándose con otros elementos utilizados en el diseño. Un buen diseño 
normalmente está acompañado de una fotografía porque es un elemento esencial 
para la creación del mismo. En la actualidad la foto comotal se hace más 
necesaria en el diseño para medios gráficos, actúa como complemento, no solo es 
suficiente con la información y el mensaje, la imagen debe ser impactante, para 
que llame la atención del espectador. Hay varias formas de lograr la atención, con 
una buena fotografía, con una buena calidad gráfica. 
Para lograr una fotografía impactante es necesario la adquisición de un 
buen tema que ayude a facilitar el de desempeño, está claro que sin una buena 
ejecución técnica adecuada sería imposible lograr el objetivo. Una buena 
fotografía debe tener cuatro complementos fundamentales, como dice Feininger 
dice: “Poseían cuatro cualidades físicas: capacidad para llamar la atención, 
propósito y significado, impacto emocional, calidad gráfica.”26 
El autor quiere decir que no es suficiente la foto en si, debe tener un 
contenido capaz de llamar la atención, provocando el interés por el observador, 
deberá estar cargada de significado, que transmita algo, al mismo tiempo que 
provoque sensaciones, por ejemplo, tristeza, alegría, frescura, frío, calor, 
ansiedad, etc. También deberá estar muy bien lograda gráficamente para tener un 
impacto visual muy importante, es así como funciona una buena fotografía, según 
 
26 http://www.march.es/arte/palma/exposiciones/Feininger/vision.asp Fecha de consulta: 31 09 
2013 
 
http://www.march.es/arte/palma/exposiciones/Feininger/vision.asp
el autor, sino se tienen estos elementos será difícil que una foto funcione 
adecuadamente. 
 
 
La fotografía es un medio necesario para la creación del diseño y sin estos 
elementos no será posible su compresión, y poder llegar a una buena ejecución, 
es tan importante la toma fotográfica y la realización gráfica, no solo es poner una 
imagen por poner, sino que detrás de esta exista una seria de significados, así 
como la elección de un buen tema, que ayudaran a mejorar la publicidad. 
La fotografía es el lenguaje de la imagen, el único inteligible en 
cualquier parte del mundo y por ello precioso y único. Sin embargo, 
del mismo modo que la palabra, hablada o escrita, puede utilizarse 
de forma inteligente para transmitir conocimientos, comunicar ideas y 
estimular la mente o bien desperdiciarse en discursos vacíos, la 
fotografía puede ofrecer al espectador algo que realmente vale la 
pena observar o, por el contrario, hacerle perder el tiempo con 
imágenes vanas. Por ello, la cualidad más importante de una 
fotografía es su contenido.27 
 
El impacto fotográfico en la humanidad ha sido determinante para lograr 
que se queden en imágenes la realidad en la que está envuelto, las personas se 
familiarizan con fotos que relatan acciones o situaciones vividas, de ahí que el 
diseño retoma esta herramienta para introducir en la mente del espectador estas 
 
27 Feininger, http://www.march.es/arte/palma/exposiciones/Feininger/vision.asp Fecha de consulta: 
31 09 2013 
 
 
http://www.march.es/arte/palma/exposiciones/Feininger/vision.asp
situaciones, de una realidad vivida. Donis A, Dondis, dice: “Hay pocas dudas de 
que estilo de vida contemporáneo está profundamente influido por los cambios 
que en el ha introducido la fotografía.”28 
 
La gran influencia que ha ejercido la fotografia en el aspecto visual de las 
sociedades, en cualquiera de sus manifestaciones ha sido de gran importancia 
para la manipulación mental del ser humano, ejerce una gran fuerza para 
determinar acciones, gustos, comportamientos, etc. 
La mayor parte de lo que sabemos y de lo que aprendemos, 
comprarnos y creemos, identificamos y deseamos, viene 
determinado por el predominio de la fotografia sobre la psique 
humana. Y este fenomeno se intensificara aun mas en el futuro.29 
(Dondis, 2008, Pag. 4) 
La creación de un diseño combinando elementos como la fotografía, 
ayudan a atraer la mirada, del consumidor, a identificar las propiedades de tal o 
cual producto, a reconocerlo y a gozar de sus beneficios. Igual que con otros 
elementos la foto debe ser bien elegida, deberá tener coherencia, unidad con otros 
elementos como la tipografía, los colores, las texturas, contrastes, para la lograr 
armonía visual. 
En este mundo tan competitivo en el que la gente es más exigente, ya no es 
tan fácil introducir al mercado productos, se recurre a estrategias donde la 
 
28 Dondis, Sintaxis de la imagen. Introducción al alfabeto visual, México, G.G., 2008, p. 4. 
29 Idem. 
fotografía toma un rol muy importante, influyendo al espectador directamente en la 
decisión de compra. 
Es importante saber cómo influye el medio de comunicación para así 
conocer y analizar de manera fácil la relación foto y diseño con el público, en 
general la comunicación es importante, con su ayuda se puede transmitir nuevos 
conocimientos, se crea una interacción con diferentes personas en general y esto 
se relaciona con el consumidor, porque el diseño, es transmitir ideas de manera 
más simple y efectiva. 
La gran aportación de la fotografía en el diseño es que llega a crear un 
buen lenguaje de comunicación, logrando mensajes muy definidos, crea 
sensaciones, estados de ánimo que conducen al espectador a tomar el objeto, lo 
atrae para que sea observado detenidamente. 
La composición en el diseño, conjugándose e integrando a la foto para 
solucionar un problema de comunicación de diseño, el objetivo de esta, es guiar al 
diseñador para desarrollar una imagen que impacte y comunique estas 
emociones, sensaciones, etc. 
El proceso de composición es el paso más importante en la 
resolución del problema visual. Los resultados de las decisiones 
compositivas marcan el propósito y el significado de la declaración 
visual y tienen fuertes implicaciones sobre lo que recibe el 
espectador. En esta etapa vital del proceso creativo, es donde el 
comunicador visual ejerce el control más fuerte sobre su trabajo y 
donde tiene la mayor oportunidad para expresar el estado de ánimo 
total que se quiere transmita la obra.”30 (Dondis, 2008, pag. 24) 
 
30 Ibídem, p. 24. 
 
En la creación de mensajes visuales, el significado ordena a los elementos 
de la composición, el acomodo de estos en el espacio gráfico determina la 
percepción del espectador, este resultado favorece la interacción entre el mensaje 
y el receptor, el público en este caso. Así la intención del creador debe ser 
impactar el sistema nervioso del ser humano, va mas allá de lo superficial, un 
buen mensaje está acompañado de una buena reacción física. “En la confección 
de mensajes visuales, el significado no estriba sólo en los efectos acumulativos de 
la disposición de los elementos básicos sino también en el mecanismo perceptivo 
que comparte Universalmente el organismo humano.”31 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
31 Ibid, p. 25 
 
 
 
 
 
 
 
 
Capítulo 2. 
El diseño gráfico en la música electrónica 
2.1. Reseña de la música electrónica. 
El movimiento "The Art of Noise" de principios del siglo XX fué lo que de 
verdad dió a luz a lo que se llama hoy cultura Rave, mediante composiciones 
inspiradas por el vaivén mecánico y eléctrico de la ciudad. Haciendo cajas 
caseras, a las cuales incorporaban los sonidos de sirenas, cornetas y pitos, estos 
futuristas ya estaban haciendo tecno pero sin la incorporación de beats. 
Al avanzar el siglo, compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry 
comenzaron a cortar y pegar cintas magnéticas (un ejemplo antiguo del sampling) 
para crear piezas con pedazos de sonidos provenientes de distintas fuentes. Antes 
de que los djs de clubs usaran platos - bandejas (turntables) de velocidad variable, 
Luigi Russolo y el compositor americano John Cage incorporaban tantocomo 42 
platos en una sola pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas 
contemporáneos, como Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim y Coldcut, entre 
otros. 
Ya para los años sesentas la música electrónica entró en el ámbito de la 
música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fué adoptada 
en la cultura popular. En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de 
sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las 
primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor 
Who, el cual estuvo al aire durante treinta y siete años (1963-1989). 
 
A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor 
amateur Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que 
imitaba el timbre del teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya 
que no utilizaba un teclado para generar los tonos) pero con un mecanismo de 
control más sencillo de usar. “Tanner tocó su instrumento en varias bandas de 
sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (música 
del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The 
Beach Boys (1966).”32 
La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada Walter 
Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach 
enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas 
reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado 
sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a 
 
32 G. POLITE Pablo y Sergi SÁNCHEZ, El sonido de la velocidad. Cine y música 
electrónica, Barcelona, España, Ed. Alpha Decay, 2005, p. 84. 
 
la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal 
como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en 
estudio. 
Hay una anécdota donde los amateurs que oían el disco, creían que 
el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un 
timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a 
los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el 
secuenciador).33 
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que 
surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se 
empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 
1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo 
características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar y a 
veces celebrar jubilosamente la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta 
el día de hoy su música ha permanecido total y absolutamente electrónica. 
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros 
incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas. 
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, 
donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que 
fué, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la 
música disco de los años setenta.34 
 
33 Supper Martin, Música electrónica y música con ordenador, España, Ed. Alianza, 2010. p. 32. 
34 Blánquez, Javier, Loops: una historia de la música electrónica, Barcelona, España, Ed., 2002 p. 
13. 
 
http://www.elargonauta.com/libros/loops-una-historia-de-la-musica-electronica/978-84-397-0901-5/
http://www.elargonauta.com/editoriales/penguin-random-house-grupo-editorial-sa/261/
A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores 
analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores. Los primeros 
sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New 
England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A 
mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores 
económicos. 
Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 
17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art 
of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New 
Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer 
música popular con medios electrónicos. En la música New Wave, el 
grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo electrónico.35 
Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los 
ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE.UU.) y la house (en Chicago, 
Illinois). 
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años 
ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir 
temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del 
pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode, lo que 
generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance 
europeo. 
 
35 G. POLITE Pablo y Sergi SÁNCHEZ, El sonido de la velocidad. Cine y música 
electrónica, Barcelona, España, Ed. Alpha Decay, 2005, p. 58. 
 
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago 
desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de 
acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el 
desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en 
las discotecas. 
La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más 
inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión 
tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de 
instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados 
electrónicamente.36 
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música 
popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Björk y Moby han 
popularizado variantes de esta forma de música. 
La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, 
inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música 
industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar 
y Cabaret Voltaire. Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed 
Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la musique concrète 
y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como 
Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido y crearon 
composiciones electrónicas infernales. 
 
36 Supper Martin, Música electrónica y música con ordenador, Barcelona, España, Ed. Alianza, 
2010. p. 98. 
 
Mientras tanto, otros grupos (Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron 
estos timbres destemplados y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y 
aun otros (Front 242, Skinny Puppy) combinaron esa aspereza con sonidos más 
bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body 
Music). 
Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se 
encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta 
área está el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los 
años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la 
producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el 
vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años 
noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y 
luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister. 
En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se 
combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. 
Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendomúsica de este 
tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters 
(‘los cazadores de cabezas’) 
En los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una 
amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró 
con más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con 
el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el 
éxito pop Rockit en 1983.37 
 
37 Idem. 
 Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, 
Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también 
popularizaron el sonido electrónico. 
La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica 
en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A 
Clockwork Orange (La naranja mecánica, filme de Stanley Kubrick y basada 
en la novela de Anthony Burgess, con el mismo nombre de la película y 
publicada en los años sesenta). Asimismo, la banda de sonido de Forbidden 
Planet (El planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido 
electrónico (aunque no sintetizadores, en 1956). Como señala Supper 
Martin: 
Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en 
las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como 
Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender fuertemente en 
el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el 
ambiente y la modalidad terrorífica.38 
Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas 
sonoras, en los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo 
el mundo. Desde varios países se incorporaron elementos nuevos, como es el 
caso del jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música 
caribeña, como el dub o el nortec, derivado de la música tradicional mexicana y la 
electrónica. 
 
38 Ibídem, p. 67. 
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el 
Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más 
géneros como el progressive y el deep house, los cuales reforzaron los gustos 
musicales. En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el 
mundo, “teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados 
por artistas que utilizan máquinas y computadoras”.39 
 
 
2.2. Diseñadores de portadas y flyers. “Los inicios” 
El inicio de la implementación del diseño en las tapas de los envoltorios de 
los discos o vinilos comenzó en la década de los cuarenta, lo cual fue una 
verdadera novedad, o mejor, revolución en las portadas. En esa época los 
envoltorios de los discos se vendían en fundas planas de cartón o papel de 
estraza, agujereadas en el centro para que se viese la etiqueta con el nombre del 
artista, la canción, los compositores y la discográfica. Dada la corta duración de 
cada pieza (cinco minutos de música por lado), se vendían en álbumes de tres o 
cuatro, unidos por un lomo de cartón. 
Todo esto cambió cuando llegó Alex Steinweiss, quien inventó la portada 
de los álbumes tal como la conocemos, y creó una nueva forma de arte gráfico en 
1940, y como nuevo y joven director de arte de Columbia Records, le dió la idea a 
 
39 Blánquez, Javier, op cit, p. 122. 
la disquera para adaptar una ilustración, o una fotografía en las tapas de los 
discos, con el objetivo de atraer la mirada de la gente. La compañía aceptó probar, 
y en sólo unos meses sus ventas de discos habían aumentado más del 800%. Sus 
carátulas para Columbia que combinaban tipografía impactante con ilustraciones 
modernas y elegantes arrasaron la industria y revolucionaron la manera de vender 
discos. 
Prolífico hasta extremos casi imposibles, Steinweiss siguió haciendo 
historia. En 1948, cuando el vinilo sustituyó a la laca y se estandarizó el formato 
de los discos de 33 revoluciones por minuto, fué el primero en llamar al soporte 
long play (LP, larga duración) y también el primero en hacer una cubierta 
específica para el producto. El canon del diseñador se mantuvo hasta 1989, 
cuando el disco compacto (CD) empezó a comer terreno al vinilo. 
Steinweiss diseñó miles de portadas para todos los géneros (a veces 
para empresas de las competencia: entonces firmaba con el 
seudónimo en castellano Piedra Blanca), tanteó con los títulos de 
crédito y los carteles de algunas películas (Charada y Casino Royale, 
por ejemplo), se dedicó a la publicidad y comercializó una fuente 
tipográfica basada en los trazos sinuosos de su rúbrica.40 
A partir de ese momento el envase de los discos junto con el diseño se 
volvieron aliados para un fin artístico, una especie de objeto con un valor muy alto, 
 
40 Véase, Música electrónica y portadas de discos, en Jazz, Index. 
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=42&Itemid=152 
(consulta 16 de diciembre, 2013). 
 
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=42&Itemid=152
la música, las bandas, se conjugaron para lograr un engrane en la industria 
musical, muy fuerte. 
Un disco, por ejemplo. Resulta casi imposible imaginarlo desnudo de 
envoltorio, disociado de un diseño gráfico -sean fotos, dibujos o 
ambos- y del material (cartón, papel, plástico, incluso metal) que lo 
empaqueta para hacerlo deseable. El disco, como cualquier otro 
producto de consumo pop, debe entrar por los ojos.41 
Jim Flora fue otro gran diseñador de portadas de discos, fué ilustrador y 
también trabajó para Columbia en los años cuarenta, con un estilo único, poco 
estético, pero funcional, de hecho se caracteriza por sus dibujos grotescos y muy 
coloridos. 
Jim Flora (25 enero 1914 hasta 9 julio 1998) es uno de los más importantes 
ilustradores y diseñadores del siglo XX, con un prolífico trabajo que se puede 
constatar en campos tan diversos como la publicidad, las publicaciones periódicas, 
cuentos infantiles o los discos de jazz, estos últimos trabajos con bastante 
repercusión y reconocimiento por muchos amantes del Jazz, coleccionistas de 
discos y de lo vintage. Ampliamente conocido por sus ilustraciones divertidas, 
desenfrenadas y diabólicas, con un endiablado sentido del humor y un toque 
yuxtapuesto entre lo lúdico, lo absurdo y la violencia. Ilustró portadas de álbumes 
para grandes del mundo discográfico como Columbia Records (finales de 1940) y 
RCA Victor (1950). 
 
41 Rubio Toni y Jaume Pujagut, 12 Inch Sleeves Disco Graphics, Barcelona, España, Ed. Actar 
2006, p. 94. 
Flora fue un artista versátil y podemos encontrar en sus obras trabajos de 
serigrafía, acrílicos, tempera y lápiz, grabado sobre madera, collage, entre otras 
técnicas. Sus obras están llenas de vitalidad y colorido. Criaturas extrañamente 
serpenteantes, yuxtapuestas en medio de torres de palillos retorcidos. Trombones 
que se aferran a las manos como si fueran nudos de estibador. Flora iba más allá, 
pues quería provocar con su humor y su alboroto de imágenes, sensaciones 
complementarias y paralelas a las que suscitaba la música, que puediera 
enriquecer la escucha. Con esa energía y ese caos ordenado, leyendas como 
Sinatra, Benny Goodman, Louis Armstrong o Gene Krupa, se verían retratados de 
forma descabellada con sus rostros verdes y morados. 
Algunas de las portadas más significativas de Alex Steinweiss y de Jim 
Flora se presentan a continuación.42 En las cuales podremos observar su estilo, 
uso del color y la unidad entre temas, contenido e imagen. 
 
42 Véase, Imágenes del portal 
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=
42&Itemid=152 (consulta18 de diciembre 2013) 
 
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=42&Itemid=152
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=42&Itemid=152
 
La primera portada de historia del disco, fué 
diseñada por Alex Steinweiss para Columbia en 
1939. El álbum estaba dedicado a la música de 
Rodgers and Dogal. El título, los artistas y el 
nombre de la etiqueta se escriben en caracteres 
luminosos sobre la carpa de una sala de fiestas en 
Broadway. Todo ello incrustado sobre los surcos 
rojos de un disco. 
 
 
 
'Rhapsody in Blue', 1941 Para ilustrar en 1941 el 
disco de 'Rhapsody in Blue', la obra de George 
Gershwin, interpretada por la orquesta de André 
Kostelanetz y Alec Templeton como solista de 
piano, Steinweiss recurrió a una simbología (luz 
nocturna, ambiente urbano) que predominaría en 
las portadas de jazz de la época. (Cortesía de 
Alex Steinweiss - Taschen) 
 
 
 
 
'Concierto de Piano Nº 5', de Beethoven – 1942. 
La cubierta de Steinweiss para el Concierto de 
Piano Nº 5 de Beethoven (Filarmonica de Nueva 
York, con Rudolf Serkin como solista) se adelantó 
en casi treinta años a la copia que firmó el 
aclamado estudio Hipgnosis para el disco The 
Dark Side of The Moon (Pink Floyd, 1973), uno de 
los más vendidos de todos los tiempos (Cortesía 
de Alex Steinweiss - Tasche
 
 
 
 
 
 
 
 
 
'Concierto en Fa' de Gershwin - 1942 Las 
propuestas de populizar la música culta del 
director André Kostelanetz, un pionero de la 
música ligera y el easy listening, fueron ilustradas 
con profusión por Steinweiss, que en esta cubierta 
apuesta por un paisaje urbano. (Cortesía de Alex 
Steinweiss - Taschen) 
 
 
 
 
 
'La consagración de la primavera' - 1944 En esta 
cubierta para una grabación de la obra más 
conocida de Igor Stravinsky, Steinweiss decidió 
asociar la disonancia y vanguardia de la pieza con 
la iconografía africana (Cortesía de Alex 
Steinweiss - Taschen) 
 
 
 
 
 
 
 
'Sinfonía Nº 2' de Rachmaninoff - 1944 La sinfonía 
Nº 2 de Sergei Rachmaninoff fue ilustrada por 
Alex Steinweiss con una ilustración esquemática y 
romántica de la campiña rusa. (Cortesía de Alex 
Steinweiss - Taschen) 
 
 
 
 
 
Tipografía Steinweiss Scrawl - 1951 Alex 
Steinweiss pintaba a mano los elementos 
tipográficos de sus portadas de discos. Así 
desarrolló la fuente tipográfica que se comercializó 
como Steinweiss Scrawl (el garabato Steinweis). 
(Cortesía de Alex Steinweiss - Taschen) 
 
 
 
 
'A Musical Autobiography of Bing Crosby' - 1961 
Para esta edición especial sobre la carrera del 
ídolo de masas Bing Crosby, la opción gráfica de 
Steinweiss fue el collage. El disco fue editado por 
Decca y Steinweiss, contratado en exclusiva por 
Columbia, lo firmó con su seudónimo habitual en 
estos casos: Piedra Blanca (en castellano). 
(Cortesía de Alex Steinweiss - Taschen) 
 
 
 
 
 
 
 
The Fabulous Peggy Lee' - 1964 Durante los años 
sesenta, el diseño de Steinweiss demostró su 
capacidad de adaptación a los dictados estéticos 
del pop. Cubierta para un disco de Peggy Lee. 
(Cortesía de Alex Steinweiss - Taschen) 
Imágenes del portal: 43 
 
 
43 Imágenes tomadas del portal: 
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=42&Itemid=152 
(consulta diciembre 2013) 
 
 
http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=42&Itemid=152
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Jim Flora. 1955 Mambo para gatos RCA Victor 
portada del álbum 
 
Gene Krupa y su orquesta fue lanzado por 
Columbia Records en 1947 en un 78 rpm set de 
cuatro discos. Krupa (1909-1973) fue uno de los 
estrenos bateristas de jazz de la década de 1930 
a través de la década de 1950 - un jugador 
brillante y showman maestro. Fue protagonista de 
la legendaria orquesta de Benny Goodman a 
finales de 1930, y más tarde afrontó su propia 
banda con el trompetista Roy Eldridge y la 
cantante Anita O'Day. Fue interpretado por Sal 
Mineo en la película de 1959 The Gene Krupa 
Story, y en 1979 fue el primer nuevo miembro a la 
Drummer Hall of Fame Moderno. 
 
 
 
 
 
BIX y TRAM, que ofrece una de las primeras 
portadas de álbumes ilustrados por Jim Flora 
Silvestres. Publicado por Columbia Records en 
1947, la cubierta cuenta con caricaturas 
extravagantes de dos compañeros de banda 
legendarios de la década de 1920 la escena del 
jazz "caliente": cornetist Leon "Bix" Beiderbecke 
(1903-1931) y el saxofonista Frankie Trumbauer 
(1901-1956). 
 
 
 
 
 
 
 
Kid Ory y su Creole Jazz Band fue lanzado por 
Columbia Records en 1947 en un 78 rpm set de 
cuatro discos. Jazz trombonista Edward "Kid" Ory 
(1886-1973) fue una figura legendaria en el 
desarrollo de estilos de New Orleans "calientes" 
de principios del siglo 20. Como líder de la banda 
contrató a un número de jugadores clave que más 
tarde alcanzaron gran importancia, tales como 
Louis Armstrong, Sidney Bechet, y King Oliver. 
 
 
 
 
INSIDE SAUTER-FINEGAN, uno de los más 
conocidos ejemplos de portadas de álbumes de 
Jim Flora Silvestres. Lanzado el RCA Victor en 
1954, el registro contó con el aventurerismo 
orquestal del compositor-arreglistas Eddie Sauter 
y Bill Finegan. Mientras que las cifras sobre la 
cubierta, de ninguna manera se asemejan a los 
dos músicos, caricaturas divertidas de Flora 
reflejan modernista, el enfoque de SF mediados 
de siglo para la redefinición de gran banda de jazz 
después de la decadencia de la era del swing. La 
cubierta se reproduce en nuestra antología de 
2004, The Art Mischievous de Jim Flora Silvestres. 
 
Imágenes del portal: 
www.jimflora.com (consulta diciembre 
2013) 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
http://www.jimflora.com/
2.3. Los años 60: Diseño de portadas y flyers. Abdul Matias Klarwein. 
Un artista muy importante que diseñó portadas de discos como verdaderas 
obras de arte, teniendo como antecendente haber estudiado en la Bauhouse, pero 
ya más en la epoca de los sesentas, inspirado por algunas drogas como el lsd, e 
influenciado por el surrealismo y que logra en su obra impresionantes diseños, es 
Abdul Matias Klarwein: fue un pintor surrealista célebre por su estilo, 
considerado psicodélico (que él no reconoció). Además, fue un arquitecto 
vinculado al movimiento Bauhaus, sus obras se hicieron famosas al aparecer 
ilustrando las portadas de discos de diversos artistas y grupos musicales. 
La obra de Klarwein está directamente influenciada por el surrealismo y la 
cultura pop. Se le considera un ícono del movimiento hippy y la contracultura de 
los años 60, especialmente de la psicodelia. Pese a que el artista ha reconocido 
que ha tenido experiencias con el LSD siempre ha afirmado que las drogas no son 
su principal inspiración e incluso ha llegado a negar cualquier influencia de este 
tipo. El propio Abdul Matias señala que su amigo Timothy Leary le dijo que a 
juzgar por su estilo no necesitaba drogas. Prueba de esto es que su estilo ya 
estaba plenamente definido antes de la Era Psicodélica en los años 60, y llegó a 
decir que se interesó por el LSD por curiosidad, de tanto escuchar que su arte era 
psicodélico. Klarwein reconocía como principal fuente de inspiración sus 
numerosos viajes y variados intereses culturales, lo cual resulta lógica y sería 
interesante realizar un estudio comparado entre surrealismo y la obra de Matias 
Klarwein respecto a las portadas que realizó, así como su manejo extraordinario 
de materiales y técnicas. 
Su estilo llama la atención por un colorido vibrante y unos detalles 
extremadamente minuciosos. Esto se debe a la técnica mixta que aprendió de su 
mentor Ernst Fuchs, consistente en mezclar témpera con caseína a la pintura al 
óleo. Esta técnica era usada por los maestros flamencos del siglo XVI y permite 
obtener un grán detalle en el trazo al evitar que los