ARTE ABSTRACTO

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ARTE ABSTRACTO 
 
El arte abstracto emplea formas y perspectivas que no son una copia de la 
realidad, propone una realidad distinta a través de un lenguaje propio e 
independiente de formas, colores y líneas, se proponen obras mucho más libres e 
innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador, este estilo surgió 
a inicios del siglo XX y perdura hasta nuestros días. 
Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de las formas y 
perseguir el “arte puro”. 
Algunos de los artistas más representativos de este movimiento artístico son: 
 
Robert Delaunay (1885 –1941) fue un pintor francés. Junto a su pareja, Sonia 
Delaunay, fueron pioneros del arte abstracto y creadores del simultaneísmo. Las 
pinturas abstractas de Delaunay se basaban en las características ópticas de 
colores brillantes tan dinámicas que funcionaban como la forma. Siendo el líder y 
la figura más famosa del Orfismo, Delaunay es clasificado entre los artistas 
abstractos más influyentes. 
 
Una obra realizada durante 
su estancia en España, es un 
trabajo de gran importancia 
dentro de la trayectoria 
artística de los Delaunay 
porque marca su breve 
regreso a la figuración, eso sí, 
con el que no abandonan 
por completo las prácticas 
abstractas, como puede 
verse en la configuración de 
algunas zonas del lienzo. 
En la series, Les Fenêtres (1912), 
Delaunay transforma ya 
plenamente el espacio pictórico 
tradicional para convertirlo en 
una composición abstracta y 
plana sobre la superficie de una 
ventana. 
Formas circulares N2 Sol,esta 
obra se encuentra en el Centro 
Georges Pompidou de París y 
forma parte de la serie en la 
que Robert Delaunay realizó sus 
primeras pinturas de carácter 
no figurativo, al mismo tiempo 
que rompía con las estructuras 
de inspiración cubista que se 
basaban en la presencia de 
objetos reconocibles. 
Contrastes simultáneos, es el 
ritmo del cosmos, porque el 
marco circular de la pintura 
es una señal para el 
universo, y su flujo de rojos y 
naranjas, verdes y azules, 
está en sintonía con el sol y 
la luna, Pero la estrella y el 
planeta, refractados por la 
luz, no se describen de 
manera literal. "La ruptura 
de la forma por la luz crea 
planos de colores", dijo 
Delaunay. "Estos planos de 
colores son la estructura de 
la imagen, y la naturaleza 
ya no es un tema de 
descripción sino un pretexto". 
 
 
 
Kazimir Severínovich Malévich (1879 -1935) fue un pintor ruso de origen polaco, 
creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo 
XX. En el otoño de 1930, el NKVD interrogó a Kazimir Malévich en Leningrado. Se lo 
acusa de espionaje polaco y se le amenaza con la ejecución. Permaneció en 
prisión tres meses. 
Cuadrado negro, es una 
pintura icónica del pintor 
ruso Kazimir Malévich. La 
primera versión fue hecha 
en 1915. Malévich hizo 
cuatro variantes, de las 
cuales se cree que la 
última fue pintada a fines 
de la década de 1920 o 
principios de la de 1930. 
Blanco sobre blanco es 
una pintura abstracta de 
óleo sobre lienzo de 
Kazimir Malevich. Es uno 
de los ejemplos más 
conocidos del 
suprematismo. Fue 
pintado un año después 
de la Revolución de 
Octubre. 
El suprematismo, la invención 
del artista ruso Kazimir 
Malevich , fue uno de los 
desarrollos más tempranos y 
radicales del arte abstracto. 
Su nombre deriva de la 
creencia de Malevich de que 
el arte suprematista sería 
superior a todo el arte del 
pasado y que conduciría a la 
"supremacía del sentimiento o 
la percepción pura en las 
artes pictóricas". 
Los suprematistas no seguían los 
estilos tradicionales de la pintura, y no 
trasmitían mensajes sociales. Las 
obras suprematistas fueron 
aumentando su colorido y 
composición con el paso del tiempo. 
 
Georgia Totto O'Keeffe (1887-1986) fue una artista estadounidense, conocida en 
especial por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo 
México. O'Keeffe ha sido reconocida como la "Madre del modernismo 
estadounidense". 
Blue and Green Music es una 
pintura de 1919–1921 de la 
pintora estadounidenseGeorgia 
O'Keeffe. Pintada en sus años en 
Nueva York con la idea de que la 
música y el sonido podrían 
traducirse en algo para la vista, 
Blue and Green Music es una que 
utiliza el contraste de bordes 
duros y suaves y formas 
geométricas para transmitir ritmo 
y movimiento. 
Cielo sobre las nubes IV 
Pintado en el verano de 
1965, cuando Georgia 
O'Keeffe tenía 77 años, 
este trabajo 
monumental culmina 
una serie inspirada en las 
experiencias del artista 
como pasajero de avión 
durante la década de 
1950. 
Serie Pelvis - Rojo con 
amarillo muestra muchas 
de las características del 
trabajo de O'Keeffe. La 
imagen del hueso de la 
pelvis se recorta 
firmemente usando las 
mismas técnicas de 
composición que se 
estaban haciendo 
populares en ese 
momento en la 
fotografía. 
“Iris negro” (1926, óleo sobre 
lienzo, 91 x 76 cm, Metropolitan 
Museum, Nueva York) A 
mediados de los años 20 del siglo 
pasado, la pintora 
norteamericana Georgia 
O'Keeffe empezó a pintar sus 
famosos cuadros de flores. Por lo 
general, son obras de formato 
grande en las que O'Keeffe 
representa a gran escala el 
interior de una flor, como si 
hiciese zoom sobre ella. 
 
Victor Vasarely (1906–1997) Op art, una forma corta para el arte óptico, en un 
género del arte abstracto en el que el artista crea una ilusión óptica a través de la 
manipulación precisa de patrones, formas y colores. Después de haber trabajado 
inicialmente como diseñador gráfico y cartelista, Victor Vasarely se convirtió en 
uno de los fundadores y la figura más famosa del movimiento Op art, uno de los 
movimientos más influyentes del arte abstracto. 
Vega-Nor , 1969 
óleo sobre lienzo 
Colección Albright-Knox Art 
Gallery, Buffalo, Nueva York 
 
Op Art Es la visión casi de un 
científico que descompone la 
realidad dando una imagen 
ilusoria que engaña nuestro 
ojo. Ilusión de movimiento, 
perspectivas opuestas y 
relaciones binarias que en sus 
primeros años serían mediante 
la utilización del blanco y el 
negro, y que más tarde, a 
partir del 1960, incorporaría el 
color como una de las 
características más atrayentes 
de sus obras. 
 Vonal-Stri (1975 - se muestra a la 
derecha), la sensación de 
movimiento y profundidad se 
crea mediante el uso de líneas 
de escala decreciente que 
avanza hacia el centro del lienzo 
de Vasarely: cuanto más 
miramos hacia el centro, más 
lejos aparece el campo ser de 
nosotros El uso de colores 
cambiantes en todo el campo 
también sirve para proporcionar 
al espectador la sensación de 
energía cinética, profundidad y 
espacio. 
Falsos volúmenes y 
perspectivas, obtenidos con 
gradaciones de color, nos 
muestran imágenes en las 
que parece que podamos 
sumergirnos. 
 
Marcus Rothkowitz (1903-1970), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que 
vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el 
movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en 
varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor 
abstracto. 
 Naranja, rojo, amarillo es 
unapintura de campo de color 
de 1961de Mark Rothko . El 8 de 
mayo de 2012, se vendió en 
Christie's de la finca de David 
Pincus por $ 86,882,500, [1] un 
precio nominal récord para el 
arte contemporáneo de 
posguerraen una subasta 
pública. 
 Sin título (Negro sobre gris) es una 
pintura de un rectángulo negro y un 
rectángulo gris. Hay una 
acumulación de capas delgadas y 
translúcidas de negros sombreados 
de manera diferente, que son 
luminosos y cálidos. 
El propio Mark Rothko nos explica 
el porqué de este tipo de obras: 
"mi arte es abstracto, vive y 
respira", aunque de igual modo 
afirmaba que, ante sus obras 
"callar es bastante acertado".Hace refencia el autor, con 
ambas ideas, a la necesidad de 
que sea el propio espectador el 
que construya la significación de 
la obra. 
Multiformas A finales de los años 
cuarenta Rothko elimina de su 
pintura cualquier elemento 
figurativo dando paso, con sus 
obras de transición realizadas entre 
1946 y 1949 conocidas 
posteriormente como Multiformas, a 
su enfoque basado en los colores 
puros en el espacio. 
Paul Jackson Pollock (1912-1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un 
influyente pintor estadounidense y principal artista del Expresionismo abstracto. 
Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo de chorrear pintura (dripping). Fue 
autor de 400 pinturas y alrededor de 500 dibujos. En 1945 se casó con la artista 
estadounidense Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su 
carrera y en su legado. 
 
 Lo profundo (1953) 
 Elaborada en su época de apogeo 
abstracto, esta pintura fue hecha en 
aceite y esmalte sobre lienzo. Los 
contrastes negros sobre blanco dan 
precisamente una sensación de 
profundidad. La pintura reposa en el 
Centro Georges Pompidou, en París. 
 “Autumn Rhythm (number 
30)” (1950) El ritmo de otoño 
es una de las más icónicas 
pinturas de la etapa 
dropping painting de 
Pollock. La predominancia 
de tintes negros y blancos 
sobre fondo café inspiran 
precisamente el paso 
estacional del otoño en 
occidente. La pintura se 
exhibe actualmente en el 
MoMa de Nueva York. 
 “Blue poles (number 11)” (1952) 
Para Pollock, titular sus obras no 
era una de sus tareas más 
queridas, comúnmente les daba 
nombres numéricos o de fechas. 
Blue poles, o la número 11, tuvo 
una polémica de compra en 1972 
donde la Australian National 
Gallery adquirió la imagen por 1.3 
millones de dólares. 
Número de 1A, 1948 Esta 
obra, es una de las más 
representativas de Pollock, 
realizada en Óleo y 
esmalte sobre lienzo. Se 
encuentra en el Museo de 
Arte Moderno de Nueva 
York, Modern Art, y tiene 
una dimensión de 172.7 cm 
× 264,2 cm.