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Música vocal: Música vocal del Renacimiento y
Barroco
Imagen Adagio Quant en Wikimedia Commons de Csmm bajo CC BY
1. Renacimiento: hay que ver o que sabes
Fíjate, son unos pocos datos sobre el Renacimiento los que hemos plasmado en la línea del
tiempo, personajes y detalles históricos de los siglos XV y XVI que se han quedado fijados en
nuestra forma de ver la cultura.
Seguramente estarás buscando en la Wikipedia seis nombres que no te suenan demasiado:
Dufay, Josquin Desprez, Palestrina, Morales, Guerrero y Victoria. Tanto por la importancia en su
época como por su repercusión posterior son los músicos que convierten la polifonía renacentista
en un arte sublime.
El sacerdote Martin Lutero es el origen de una ruptura trascendental en la Iglesia
católica. Sus quejas contra las indulgencias (la idea de que los pecados pudieran ser
perdonados a través de determinadas condiciones económicas) eran la punta del
iceberg de planteamientos que lo alejaron totalmente de la trayectoria que seguía la
iglesia católica en ese momento.
La música que escucharás en los puntos 1.1 y 1.2 tiene unas características técnicas
complejísimas. Compuestas e interpretadas por los músicos de las iglesias más
importantes, dejaban a los fieles como meros oyentes.
En nuestro terreno, la música, la Reforma luterana planteó interpretar melodías
sencillas de frases cortas, fáciles de cantar y con texto en alemán. Muchas veces
estaban basadas en canciones conocidas y, aunque al principio se cantaban al
unísono, también se compusieron a 4 voces.
Este género musical se denominó coral y tendrá una gran importancia en el
Barroco.
Escucha uno de los primeros corales publicados. 
Actividad
Fragmento de audio: Coral. J.Walter. Naxos.
 
 
La invención de la imprenta supuso
una mayor difusión de la música,
la creación de un estilo internacional generado por el conocimiento del
trabajo de diferentes artistas,
la interpretación musical en contextos “domésticos” que podían acceder a la
partitura,
unos beneficios para el músico producidos por el libro...
Al comienzo de este programa de Rne, puedes encontrar las condiciones en las que
Tomás Luis de Victoria mandaba imprimir en Madrid su libro de misas, magnificats,
motetes y salmos.
El programa es muy interesante pero lo que necesitas escuchar son sólo los 6
primeros minutos.
 
A la carta > Radio > Radio Clásica > Música antigua > Música antigua - Tomás Luis
de Victoria - 09/12/11
Ordena cronológicamente los compositores renacentistas que aparecen en la línea
del tiempo, mencionando la fecha de nacimiento y muerte.
Curiosidad
¿Cuál de estas tres músicas es un coral luterano?
 
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HMD1
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La primera
La segunda
La tercera
1.1. El hombre armado
Cuando en el primer tema te hablábamos de
textura polifónica escuchamos un fragmento
de una obra de Tomás Luis de Victoria.
La textura polifónica llevada a cabo con unas
estrictas normas que conocemos como técnica
contrapuntística, es la clave de la composición
religiosa de los siglos XV y XVI.
Tratados musicales como Le Istitutioni
Harmoniche de Zarlino explicaban como había
que componer las obras para que todo "sonara
bien".
 
Imagen en Flickr de manuelmg8 bajo CC BY
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
En la composición musical de esta época se utilizan melodías compuestas anteriormente, las
partes se persiguen, se imitan, suenan invertidas una con respecto a otra pero cumpliendo con
precisión unas estrictas normas.
El análisis de los motetes y misas del Renacimiento conlleva descubrir cuántos “trucos” en el
movimiento melódico de las voces, en las proporciones rítmicas, en los préstamos de otras obras
nos encontramos bajo la dulzura armónica que escuchamos.
 
 
 
 
Durante el renacimiento
se producen cambios en la
Para saber más
se rellenan de tinta
seguramente porque en
vez de pergamino se
utiliza papel que es más
frágil. Este tipo de
escritura se conoce como
notación blanca.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Imagen en Wikimedia Commons de Juandelenzina | Dominio público 
 
 
Componer polifonía fue en su origen una
labor de construcción sobre el canto
gregoriano: a la línea monódica del
gregoriano se le añadía una segunda
voz. Hemos visto que durante toda la
Edad Media, apoyarse en una melodía
tomada en préstamo era una manera
común de componer. Esa melodía, a
veces de procedencia profana para una
composición religiosa, se cortaba y se
manipulaba rítmicamente.
 
En la composición de la misa del Renacimiento se llegó más
lejos: como si de un corta y pega se tratara, se llevaba a la
nueva composición fragmentos de otras obras con todas sus
voces. Una vez pegado se comenzaba a “jugar” con ese
elemento dentro del sistema contrapuntístico de la nueva
obra.
Los compositores, lejos de pensar que su labor creativa
debiera comenzar de cero, utilizaban este material: 
 para dar unidad a todas las partes de la misa (un
Estas misas se titulan con el
nombre de la obra que han
utilizado.
Conocemos más de 30 misas
L'home armé.
Los seis compositores que
hemos nombrado en el punto
anterior tienen una (o dos)
misas basadas en esta canción
del Renacimiento.
elemento común en todas las partes),
 para captar la atención del oyente que pudiera
descubrirlo,
 para utilizar las características interesantes de esa
música ya compuesta,
 como un homenaje a otros compositores eligiendo
alguna de sus obras
 incluso como un reto entre músicos que tomaban la
misma referencia de partida.
 
Escucha esta lista de reproducción con algunos fragmentos de estas
misas. 
 
Este tipo de misas se denominan:
Misas de corta y pega
Misas profanas
Misas copiadas
Misa parodia
¿Cuál de estas partituras pertenece al Renacimiento?
 
AV - Pregunta de Elección Múltiple
AV - Pregunta de Elección Múltiple
 
 
 
1.2. De Sevilla a Roma pasando por Venecia
La “industria” musical de la época tiene
sus grandes factorías en las catedrales.
Maestro de capilla, cantores y
ministriles formaban una plantilla
mayor en número y en prestigio según
el nivel económico de la ciudad y la
catedral que los albergaba.
La imprenta permitía conocer y
admirar las partituras de músicos que
se convertían en pilares del estilo
polifónico.
Cristóbal de Morales (1500?-1553) y
Francisco Guerrero (1528-1599)
tuvieron una formación como niños
cantores en la catedral de Sevilla y
compartieron su trayectoria como
compositores con los más afamados de
sus contemporáneos, con los que
coincidieron físicamente mientras
trabajaban en Roma y también en
varios libros de composiciones.
Cristóbal de Morales murió siendo
maestro de capilla de la catedral de
Málaga. Francisco Guerrero, que llegó
a viajar a Jerusalem, murió como
maestro de capilla de la catedral de
Sevilla donde está enterrado.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Imagen en Wikimedia Commons de Anual con licencia CC BY
Sin duda un lugar fascinante por su ubicación y
su riqueza en el Renacimiento es Venecia. La
catedral de San Marcos albergaba un estilo
musical que aunaba la belleza del espacio y el
sonido: la policolaridad.
Conocíamos coros que se alternaban en salmos
responsoriales, pero en Venecia llegaron a
componer para cuatro coros con cuatro voces
cada uno. Algunas de esas voces se tocaban con
instrumentos.
Esos coros se situaban separados proyectando
sus sonido desde diferentes puntos de la
catedral y dirigidos por el maestro de capilla.
Todo un espectáculo que nos abre las puertas del mundo sonoro del Barroco.
Imagen en Ficrk de manuelmg8 con licencia CC BY
 
 
 
 
En este vídeo
interpretan una
obra de Giovanni
Gabrielli
compuesta para
varios coros con
los que
intervienen
instrumentos.
¿Podrías decir,
viendo la
interpretación,
cuántos coros
intervienen?
 
 
En este caso están todos situados en el mismo espacio pero puedes comprobar que
son diferentes pequeñas agrupaciones.
1.3. Un músico de otra época
"Si no hubieramúsica, la vida sería insoportable"
Entrevista a Jordi Savall en El País
Cancionero de Palacio
Las capillas musicales son instituciones vinculadas
a la corte y a las catedrales o iglesias en las que se
creaba e interpretaba música. En momentos de
riqueza y esplendor como el que vivieron la corte y
la iglesia de la España del XV-XVI, las capillas
musicales disponían de compositores destacados y
mayor número de intérpretes cantores e
instrumentistas. La corte de los Reyes Católicos fue
por lo tanto, un momento de riqueza musical que
quedó reflejado en el Cancionero de Palacio, un
manuscrito con casi 500 obras poéticas y musicales
compuestas e interpretadas en aquellos días.
Juan del Encina, Francisco
de Peñalosa y muchos otros
tienen sus canciones y
villancicos grabados en esta
caja.
Buscando este cancionero en
Youtube o Spotify te vas a
encontrar, si no te has
encontrado antes, con el
nombre de un músico
llamado Jordi Savall
(1941). Es un especialista en
música antigua que con su
investigación ha dado voz a
muchas músicas que estaban
dormidas.
Actualmente, el manuscrito del Cancionero de Palacio se encuentra en la
biblioteca de la Universidad de Salamanca.
Para saber más
Documental de la Televisió de Catalunya y Televisión Española (2010), sobre la grabación y elaboración
del disco LA DINASTÍA BORGIA: Iglesia y Poder en el Renacimiento, de Jordi Savall, Hespérion XXI y La
Capella Reial de Catalunya.
2. Moro, lasso, al mio duolo
MORO, LASSO , AL MIO DUOLO
E chi mi può dar vita,
Ahi, che m'ancide e non vuol darmi aita!
O dolorosa sorte,
Chi dar vita i può, ahi, mi dà morte!
…...
ME MUERO, POR DESGRACIA, EN MI SUFRIMIENTO
Y ella la que me podía dar la vida,
¡Ay, me mata y no me ayuda.
O triste destino,
Ella, que me pudiera dar la vida, ay, me da la muerte.
 
Partitura
Mira cómo suena la muerte (moro, lasso...) en notas largas, ese movimiento tan intrincado de
semitonos y una profunda textura homofónica. Escucha la viveza de las semicorcheas en la “vita”
que salta de voz en voz a las órdenes de la textura contrapuntística.
Moro, lasso, al mio duolo es un madrigal.
Sobre poemas y otros textos líricos crecieron en el Renacimiento formas musicales que ponían en
primer plano a la palabra. La frottola, la chanson, el villancico evitaban la complejidad del
contrapunto y colocaban la melodía en la voz más aguda, lista para ser acompañada por otras
voces o instrumentos.
Este madrigal está compuesto por Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa, un músico sobre el que
han corrido ríos de tinta (su biografía/leyenda cuenta cómo asesinó a su mujer y al amante de
ésta). Llenó sus obras musicales de una expresividad que admiraron y siguieron en el Barroco. 
 
3. ¿Barroco vocal? Händel y Bach
 
©2012 Google -
Datos de mapa ©2012 Basarsoft, Google, Tele Atlas -
 A. Eisenach (J.S. Bach)
 B. Halle (G.F. Händel)
Ver mapa más grande
A unos 150 km de distancia y con un mes de diferencia nacieron Händel y Bach. El primero fue
famosísimo en vida llenando teatros con sus óperas y oratorios. El segundo, un creador al
servicio de la iglesia con una producción ingente para la exigente rutina eclesiástica. Al primero
lo enterraron en la Abadía de Wetsminster en un funeral multitudinario y no dejaron de
interpretar su música. Bach ocupa hoy este lugar por el trabajo que en el siglo XIX hicieron
algunos músicos volviendo a poner sonido a aquellas partituras olvidadas. En sus obras se puede
conocer el recorrido de la música en este periodo. Su muerte marcó el fin del Barroco.
Bach y Händel nunca llegaron a conocerse en persona. 
 
 
Los años en los que encuadramos el Barroco
musical, 1600-1750, fueron época de regímenes
absolutistas en Europa, así como de los cimientos
del pensamiento moderno (Descartes, Newton...).
Image en Wikimedia Commons de Calliopejen1 |Dominio público
 
Foto en Wikimedia Commons de Alejandropuchau bajo CC
 
Estas poderosas cortes eran centros de cultura. En
el campo musical, aunque hubo disputas estéticas
que diferenciaban a los países, de una manera u
otra Italia impregna de sus ideas musicales la
Europa barroca.
 
Imagen en Wikimedia Commons de Urdangaray |Dominio público
 
De allí partió, como vimos en el madrigal de
Gesualdo,la expresión de sentimientos y
conceptos mediante la música. Allí comenzaron a
perfeccionar los instrumentos hasta convertir su
timbre en una razón para hacer música diferente
a la que se componía para voz.
Escucha cómo suena el Barroco
Music for a while es una canción de Henry Purcell,
un mito de la música inglesa. La voz del
contratenor acompañada por el bajo continuo
es, sin duda, un sonido representativo de este
periodo.
 
Aquí puedes ver cómo se le puso el nombre de esta canción de Purcell a uno de los
conciertos del Festival de Música Antigua de Sevilla. Te enlazamos aquí el programa
Curiosidad
¿En cuál de estas dos canciones dirías que suena un contratenor cantando una
melodía acompañada por el bajo continuo instrumental?
 
AV - Pregunta de Elección Múltiple
4. El Mesías
 
Plantilla flash de Flasmo bajo CC BY
 
Dos horas y media para recorrer la vida de Jesús. La historia está contada con fragmentos de
versículos de la Biblia que Charles Jennes convirtió en un libreto, es decir, en el texto que iba a
acompañar a una obra musical escénica y lo organizó en tres actos.
Georg Friedrich Händel puso la música. Se estrenó en Dublín en 1742 y después en el Covent
Garden de Londres. No había compuesto una ópera sino un oratorio. Quizá la obra musical más
interpretada de la historia.
Vamos a guiarte un poco por la primera parte de la obra.
Escucha cómo empieza
1-Sinfonía
Sobre el escenario, el coro en silencio. Cuatro cantantes adelantados, cerca del director, también
en silencio escuchan esta pieza instrumental. La orquesta es pequeña (ya hablaremos de
orquestas en la próxima unidad) pero no faltan dos instrumentistas representativos de la música
del Barroco. Se trata de una viola de gamba y un clavecín. El primero toca la línea del bajo y el
segundo construye, sobre esa línea, acordes muchas veces indicados con números. Este tipo de
acompañamiento vertical se llama bajo continuo.
 
Ahora canta el Tenor
 
2-Recitativo
Siguiendo el programa, uno de los solistas, el tenor, da un paso al frente. Va a cantar el
recitativo Comfort ye, my people, saith your God . Fíjate en la partitura y escucha: La velocidad
(el tempo) se ha parado y un acompañamiento de la orquesta muy sencillo, con un movimiento
de las voces homofónico da la entrada al tenor que va a cantar una melodía muy sencilla
también, sin saltos, sin melismas.
A veces en los recitativos -que suelen ser la parte narrativa, de acción, de las obras vocales del
barroco- la orquesta se para y sólo acompaña a la voz el bajo continuo. Entonces se llaman
recitativo secco.
 
Llega el aria
3-Aria
La música del recitativo acaba en una cadencia. Comienza una nueva parte: el aria Every valley
shall be exalted. Varía el tempo, la orquesta se mueve más rápido. Un acompañamiento más
dinámico, más adornado da paso al tenor. El aria es ágil, melismática, muy expresiva.
 
Y luego canta el coro
4-Coro
La orquesta cierra la intervención, del tenor que vuelve junto a los otros solistas y el coro se
dispone a cantar por primera vez And the glory of the Lord shall be revealed. La escritura para
coro de Handel es grandiosa moviendo las voces en la tesitura en la que su sonoridad se
magnifica. Las voces se mueven imitándose y vuelven a la homofonía cuando el texto requiere
una armonía compacta para su comprensión. Fíjate, al final del coro la palabra Lord (Señor) se
alarga y hay un silencio que prepara la última frase hath spoken it cantada lentamente indicado
por la palabra Adagio en la partitura.
 
Sigue el programa que está al inicio de este apartado, mira todas sus partes, la alternancia de
recitativos, arias y coros.
 
Audios en Wikimedia Commonscon licencia CC BY
¿En qué momento se canta el famoso coro del Aleluya?
 
En la primera parte
En la segunda
Al comienzo de la segunda parte
En la tercera parte
¿Y en qué parte se canta el Amén?
 
Al principio de la segunda parte
Es final de la segunda parte
Es la última pieza de la obra
Pertenece a la primera parte
Escucha esta interpretación. Es un proyecto en el que cientos de participantes
intervienen en los coros. No es algo nuevo. En el aniversario de la muerte de
Händel de 1787 ya se hizo algo parecido. Observa el programa de aquel evento:
AV - Pregunta de Elección Múltiple
Para saber más
5. 200 Cantatas
Johann Sebastian Bach trabajó
en 4 ó 5 puestos a lo largo de
su vida, todos ellos en el
contexto de la Alemania
luterana. Fue organista en
Arnstadt, Mühlhausen y en la
corte del duque de Weimar,
también maestro de capilla
en Weimar y en la corte de
Cöthen. Finalmente maestro
del coro y director musical
de las iglesias de Santo Tomás
y San Nicolás en Leipzig.
 
 
 
 
 
El que ahora es una figura única de la
música occidental estaba contratado
como organista teniendo que cumplir
unas estrictas normas de puntualidad y
cuidado del órgano, y en su contrato
como director musical en Leipzig se
estipulaban cuántas horas de clase de
música y latín impartía a los niños y
jóvenes del coro.
 
Se dice muchas veces que Bach era un artesano, y como
tal, utilizó la materia prima sonora que cada contexto
laboral le daba. Lógicamente, nos encontramos con una
gran producción para órgano cuando ocupaba puesto de
organista, para orquesta o para clave en su etapa
cortesana y mucha música vocal en Leipzig. Bach estaba
obligado a componer una cantata para cada domingo y
festivos del calendario luterano, unas 58 al año. Escribió
cinco ciclos anuales, y se conservan unas 200.
 
Fragmento de audio: Inicio de la Cantata 147. Bach. Naxos.
Las cantatas, con tema alusivo al evangelio correspondiente a ese día, contienen música del
propio Bach que aparece en otras obras y también melodías de corales luteranos que reutiliza,
modifica, reconstruye o varía como si la música fuera una sola pieza de barro en su cabeza a la
que se puede dar formas geniales.
Bach también compuso cantatas profanas que él denominaba drama per musica. La mayoría de la
música de estas obras aparece en las cantatas religiosas que compuso en Leipzig.
Las cantatas tienen un número variado de secciones, con arias, recitativos, coros y partes
instrumentales.
Las cantatas de Bach despiertan un interés muy especial. Existen páginas específicas en
diferentes idiomas que descubren los detalles de composición de estas obras, de dónde salen sus
melodías, la complejidad de elaboración que ocultan bajo estrictas normas de composición, la
relación de la música con el texto. También la idea de ciclo anual, la relación de cada obra con un
día concreto, es un factor atractivo. Aquí tienes algunos ejemplos:
 
www.bach-cantatas.com
www.cantatasdebach.com
 
 
Verás que tras el título de las obras de Johann Sebastian Bach aparecen unas siglas
y un número. No es el clásico Op. (opus), el número de obra con el que van
ordenando los compositores su música. Las siglas BWV significan Bach Werke
Verzeichnis (Catálogo de las obras de Bach), y el número hace referencia al orden
de composición. No es un trabajo fácil, Bach nunca numeró ni fechó sus obras,
algunas ni se han conservado. Los compositores Mendelssohn y Schumman fueron
los primeros en interesarse, investigar, dar a conocer... y poner números a las
partituras. A su primera catalogación le siguieron otras, esta BWV es la última y es
la que el mundo de la música ha adoptado como definitiva.
Dos interesantes artículos sobre el tema, el primero de ellos con una errata en el
título ¿la descubres?
Bach, cantatas profanas, BWV 30A y 207
La difícil pervivencia de las cantatas de Bach
 
Aquí tienes las dos cantatas a las que hace referencia el primer artículo.
Observa su parecido.
 
Encuentra y completa el número de catálogo de cada una de estas obras: 
Importante
Para saber más
AV - Actividad de Espacios en Blanco
partes independientes, pero convertida en un proyecto acabado poco antes de su
muerte son, probablemente, lo más lejos que llegó el Barroco.
 
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Busca y escucha el Agnus Dei de la Misa en Si menor.