RESUMEN CARACTERISTICAS PRINCIPALES DE ARTISTAS - María Luz Asprella

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RESUMEN CARACTERISTICAS PRINCIPALES DE ARTISTAS
Ana Mendieta
 Un artista sensible e íntima, al tiempo que trascendente, cuya obra tuvo un desarrollo complejo debido al influjo de elementos con orígenes muy diversos, que vio su intensa carrera artística -y también personal- truncada a la edad de 36 años al caer desde la ventana de su apartamento, un suceso trágico que muchos achacaron y achacan al que era su reciente marido, el artista Carl Andre. Un final fatídico y paradójico para lo que fue su vida, una constante lucha reivindicativa por la igualdad y la protección de la mujer. Una vida difícil de la que la artista se hizo eco, empleando su cuerpo y su pasión para mostrar el desgarramiento interior fruto de las amargas experiencias que vivió y que vio a su alrededor.
Donald Judd 
evolucionó de la pintura a la creación de objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared, que usan formas sencillas, a menudo repetidas, y que exploran el uso del espacio en que se encuentran. Entre los materiales que utilizó durante su carrera abundan el metal –su material más característico-, el contrachapado, y el plexiglás. En algunas otras obras, utilizó cemento y bloques de adobe. Con ellos creó obras con las que intentó expresar relaciones afines a las progresiones matemáticas. Todas sus creaciones son frías, carentes de implicación emocional, en las que a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la estructura de las piezas
Miguel Ángel
Era un hombre de grandes ideas y quería plasmarlas a través de su escultura. Por eso su escultura es muy intelectual e idealizada. No hizo retratos porque para él eso era demasiado particular. Él sólo esculpía la salvación, la condena, el espíritu y la carne, el destino del mundo, es decir, grandes ideas y siempre desde un punto de vista dramático. Por eso la mayor parte de sus figuras son dramáticas y tienen ese sentimiento que se ha denominado “La Terribilitá”, esa violencia interior, ese enfado y esa visión tan catastrofista del mundo. Sus figuras están en ese preciso momento en que el hombre va a pasar a la acción y se contiene, se contrae y se concentra para ello. Trabajó sólo el mármol porque para él era el material más noble (y el más difícil). Él iba personalmente a extraer sus bloques a una cantera muy cerca de Roma: Carrara. Una vez que tenía el bloque dialogaba con él y conseguía meterse dentro de él para saber qué gran idea escondía en su interior. Cada bloque tenía ya su figura en el interior y sólo había que sacarla, que liberarla. Siempre entendía la escultura como el arte de quitar lo que sobra en un bloque y odiaba la escultura de añadir o modelar. Siempre tallaba directamente sin hacer saca de puntos, sin hacer un boceto previo, sin dibujar nada en el bloque. Llevaba el boceto en su cabeza y tallaba directamente como si sacara su figura del agua, primero lo que más sobresale, empezando por la parte frontal de lo que será la escultura y acabando por la parte de atrás. Así, directamente, sacó de bloques de mármol siempre monolíticos
RODIN
Rodin fue el artista que acabó para siempre con las estatuas de visión frontal. Sus obras, como tantas cosas en la vida, tenían dos caras. Rodin lo sabía muy bien: en su biografía se encadenaron la frustración más profunda y el éxito más extraordinario. Parte de su fama se debió a la multitud de escándalos que protagonizó. Las esculturas de Rodin supusieron nuevos bríos en un arte que, a diferencia de la pintura, poco había evolucionado en los siglos anteriores, sumido en el frío academicismo. Sus trabajos, sin embargo, no se alejaban radicalmente de los cánones de su admirado Miguel Ángel. El artista dejó partes de sus obras sin esculpir y las encomendó a la imaginación del espectador, ensayó poses alejadas del clasicismo y llevó a cotas insospechadas su realismo (por primera vez desde hacía siglos las esculturas femeninas tenían genitales, como Iris, la mensajera de los dioses).El gran acierto de Rodin consistió en renovar la escultura el grado justo para que fuera aceptable.
SEGAL
se dio a conocer por sus figuras de tamaño natural, que retrataban al hombre corriente en su entorno cotidiano. Sus obras siempre tuvieron un fuerte contenido social. Luchó por "bajar a la escultura del pedestal". A principios de los 70 la rodeó de colores vivos, otorgándola una gran brillantez visual. Por aquella época también empezó a realizar encargos públicos en bronce y a poner sus esculturas en la calle.
LOUISE BOURGEOIS 
se basó en sus experiencias durante la infancia, la relación con sus padres, sus recuerdos, su rol sexual en la familia, entre otros temas, para llevar a cabo las inolvidables obras que hoy vemos, las cuales por momento generan sensaciones siniestras y por otros, cierta compasión.
El objetivo principal de la artista se basa en aceptar el pasado, reparando heridas, restaurando lo roto y batallando contra sus temores. 
CONSTANTIN BRANCUSI
Partiendo de unos planteamientos escultóricos anclados en el realismo, el artista inició un camino, absolutamente coherente, que fue acercándole de manera progresiva hasta la abstracción, buscando, como él mismo afirmaba, "la esencia de las cosas". Y no cabe duda de que lo consiguió: sus obras fueron desprendiéndose de todo lo accesorio y tendiendo a lo sencillo, dejándonos al tiempo un extenso catálogo de enorme atractivo. Podría decirse que Brancusi buscaba la pureza de las formas, pero que éstas no eran más que un pretexto para mostrarnos el espíritu, lo inmaterial, lo permanente. Tal vez ello explique porqué muchas de sus esculturas presentan esas formas alargadas tan características, como si quisieran soltarse de sus pedestales y romper a volar, libres de toda atadura.
Henry Moore
Fue un escultor abstracto inglés que produjo unas características esculturas en bronce y mármol que se pueden ver hoy a lo largo y ancho del mundo. Es pues una de las figuras más importantes de la escultura moderna y una de las más populares dentro del arte público. Fue desarrollando un estilo propio, que se asemejan a abstracciones de la figura humana formadas por espacios vacíos y formas onduladas. realizaba varios bocetos y dibujos antes de crear cada escultura. Fueron importantísimos para su proceso de creación y suponen obras de arte en sí mismos.
LOLA MORA
Lola Mora tiene por característica el realzar a la mujer en su naturalidad, esto en plena época en que la mujer en todo el mundo occidental estaba absolutamente recatada y sometida al hombre y solo aparecía de un modo clandestino la desnudez femenina como algo prostibulario y pornográfico. La intención de Lola Mora en sus obras era exaltar a la mujer libre con y en su belleza natural, sin embargo, la mentalidad mayoritaria de la época consideró a sus desnudos femeninos como obras "inmorales". La obra de Lola Mora fue realizada en un momento pleno contexto de la liberación femenina.
ALFREDO BIGATTI
fue el creador de un estilo propio que lo define y que lo destaca dentro del panorama escultórico del arte argentino. Sus realizaciones marcan un recorrido donde las formas van adquiriendo una contundencia que se manifiesta a través de un tratamiento geométrizado de las mismas
ROGELIO YRURTIA
Sus obras parten de una concepción clásica de la figura humana. Sin embargo, el tratamiento dinámico de las estructuras y cierta inestabilidad del equilibrio compositivo provocan esa contradicción entre lo clásico y lo romántico que ha dado un carácter singular a la mayoría de sus composiciones.
NOGUCHI
Noguchi se volvió hacia el modernismo con una especie de abstracción, la infusión de sus piezas muy acabadas con una expresividad lírica y emocional, y con un aura de misterio.
SOL LEWITT
Sol Lewitt utiliza frecuentemente estructuras abiertas y modulares derivadas del cubo, una forma que lo influyó desde que se hizo artista. Sus esculturas incluyen las estructuras tempranasde la pared y tres proyectos seriales a partir de los años 60; cuatro cubos abiertos incompletos a partir de los años 70; numerosos pedazos de madera blancos pintados a partir de los años 80: El hexágono, forma derivada de un cubo, estructura con tres torres, entre otras, así como maquetas para las estructuras de bloque concretas a partir de los últimos años 90.
RON MUECK
Mueck utiliza materiales como pinturas de resina, fibra de vidrio, silicona y acrílicos para reproducir fielmente todos los detalles de la anatomía humana y construir esculturas que tematizan la vida y la muerte. Sus obras evocan una especie de realismo que es a la vez íntima y monumental. A diferentes escalas, el artista aumenta o reduce drásticamente el tamaño del cuerpo para crear situaciones que mueven el espectador. Sus viñetas escultóricas provienen de escenarios que no tiene principio ni fin, son escenarios inciertos que no existen fuera de sus encarnaciones.
JUAN MUÑOZ
es uno de los escultores contemporáneos españoles que ha logrado el reconocimiento internacional y cuya obra figura en los museos más importantes del mundo pese a su contemporaneidad. Se dará a conocer a mediados de los años 80, pero hasta la década siguiente no alcanzará la fama que hoy tiene gracias, sobre todo, a sus instalaciones escultóricas "narrativas". En ellas juega con el espectador, convirtiéndolo en un elemento más de la composición.
GIACOMETTI
opinaba que la única forma de abordar una obra es convencerse de que terminarla es imposible ("la gran verdad es que cuanto más trabajas en una pieza más sabes que nunca la culminarás"). También añadía que sólo existe un "verdadero color", el gris, y que todo artista está condenado a una profunda soledad ante la cual "la única defensa es actuar como un niño". Conocido por los bronces que destilan movimiento de figuras humanas. Desde sus inicios, quiso llevar la escultura un paso más allá de la forma estática para, según decía, "dar la sensación de provocar un movimiento real y efectivo".
HEREDIA
Artista que se recuesta en conceptos figurativos, geométricos, semiabstractos, durante gran parte de su trayectoria, sus obras se distinguieron por ser incómodas y técnicamente irreprochables, realizando un fuerte llamado de atención a una sociedad que Heredia consideraba adormecida.
ENIO IOMMI
Su obra puede dividirse en cuatro etapas: las esculturas de la década del 1940 que iniciaron el arte concreto argentino; el período geométrico entre 1951-1970, el período de los 70 y 80, sobre la violencia de la época, y su etapa final con las propuestas espaciales.