Material de Fotomontaje

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CURSO: 
 
Diseño Gráfico Digital 
Fotomontaje 
 
Bloques temáticos: 
 
1. Fotomontaje 
2. Máscaras 
3. Ajustes de imagen 
4. Estilos de capa 
1. Fotomontaje 
El fotomontaje es la técnica fotográfica que forma la composición de una sola imagen a partir de la reunión de dos o más fotografías. 
Ahora se tiende a definir como los procedimientos fotográficos —con técnicas de laboratorio como positivar uno o más negativos o, bien, mediante tecnología digital—, más que el hecho de recortar y volver a ensamblar fotografías, como se hacía en los primeros fotomontajes artísticos creados por los dadaístas berlineses. 
En el siglo XX, el fotomontaje dio un giro radical a una de las características principales de la fotografía: la ilusión de realidad, pues fabricó escenas ficticias hechas a partir de “pedazos de realidad”. 
El fotomontaje hace evidente cómo la fotografía es susceptible de ser manipulada para reorganizar o desorganizar la realidad. 
 
Un poco de historia… 
Fotomontajes en el siglo XIX 
La manipulación de fotografías es tan antigua como la fotografía misma. 
En los libros sobre fotografía del siglo XIX se habla con entusiasmo de “divertimentos fotográficos” que se lograban retocando fotografías, o a partir de la doble exposición de negativos, de “fotografías de espíritus” (generalmente resultaban por un mal lavado de una vieja placa), de doble impresión, de impresión directa de objetos en placas fotográficas y de fotografías compuestas. 
Recortar y pegar varias imágenes fotográficas solía formar parte del universo de los pasatiempos populares. Existen infinidad de postales cómicas, álbumes de fotografías, pantallas y recuerdos militares realizados según la técnica que ahora llamamos “fotomontaje”. 
La combinación de fotografías y negativos fotográficos también se practicó en el contexto de las bellas artes. En el siglo XIX se acostumbraba utilizar una impresión combinada como método para añadir figuras a una fotografía de paisaje, o bien para imprimir un cielo diferente. Además se utilizó esta técnica para subsanar —muchas veces con la ayuda de la pintura— los defectos y las limitaciones de los métodos fotográficos
	
Fotomontaje como arte: Dadá 
El arte del fotomontaje empezó en Europa justo después de la Primera Guerra Mundial. 
El término fotomontaje se inventó en el grupo Dadá de Berlín, en Alemania. Mucho del trabajo dadaísta fue colaborativo, así que varios miembros de este grupo reclaman la atribución de la palabra fotomontaje. 
La versión oficial es que cinco exponentes de Dadá trabajaron la nueva forma de montaje fotográfico entre 1916 y 1918: 
· John Heartfield, 
· George Grosz, 
· Hannah Höch, 
· Raoul Hausmann, 
· Johannes Baader 
 
El grupo de artistas dadaístas berlineses buscaba nuevas formas de expresión, una que tuviera más significado que la abstracción pero que no fuera el uso de formas tradicionales de pintura y que fuera distinto del collage cubista. 
El principio del fotomontaje y del collage es el mismo: la superposición o el enlace de varias imágenes opuestas dentro de un mismo plano; sin embargo, los medios son otros. 
El collage emplea elementos extraídos de libros de grabados y añade a la obra objetos reales, mientras que el fotomontaje es una manipulación de la realidad a través de la fotografía. 
En el contexto del collage cubista y futurista se encuentran ejemplos aislados del uso de fotografías. Para los dadaístas, las fotografías o fragmentos fotográficos se convirtieron en los principales materiales que estructuraban sus obras. 
Pegaban fotografías junto a recortes de periódicos y revistas, tipografías y dibujos para formar imágenes caóticas y provocadoras por su brutal desmembramiento de la realidad. 
 
El fotomontaje en la segunda mitad del siglo XX 
Hacia la segunda mitad del siglo XX hubo un renacimiento del fotomontaje. 
Varios de los artistas relacionados con el Pop Art (como Eduardo Paolozzi y Richard 
Hamilton) usaban fotografías de revistas y texto para mostrar sus propuestas. En esta época, en respuesta al incremento en la popularidad del arte, los publicistas empezaron a producir fotomontajes, una línea que continúa hasta nuestros días. 
El siguiente gran renacimiento del fotomontaje en Europa está conectado con los movimientos antinucleares de la década de los ochenta. Mucha de la imaginería de esta época fue diseñada para usarse en manifestaciones, sobre todo aprovechando sus posibilidades como medio gráfico de comunicación. 
Los artistas que se destacan en este periodo son Klaus Staeck, un artista político que también es abogado, político y publicista y que por más de treinta años ha realizado carteles, postales, estampas y volantes que hablan de la libertad de expresión, la paz, el medio ambiente, la pobreza. 
Otro artista es el inglés Peter Kennard, que se dedica sobre todo a hacer imágenes en contra del belicismo y denunciando la pobreza en el mundo. 
En el terreno de la publicidad es donde quizá el fotomontaje nos resulte más familiar hoy en día. A partir de esta técnica los publicistas crean imágenes extrañas y maravillosas, y dotan de magia imágenes tomadas de la cotidianidad.
El fotomontaje digital 
En el fotomontaje clásico no importaba que se notaran las “costuras” en la imagen final (el rastro del recorte), y la falta de integración visual entre los diversos elementos que componían la imagen. Todo esto se justificaba en función del sentido que la imagen tomaba como relato construido con una determinada intencionalidad. El falseamiento era evidente. No había intención de engañar a nadie, y se asumía el carácter construido de la imagen. 
En cambio, la fotografía digital funciona, casi siempre, como una especie de fotomontaje tecnológicamente más avanzado que pretende disimular de manera sistemática los puntos de sutura entre los distintos fragmentos seleccionados y fusionados. Ya no se distinguen los “tijeretazos”, sino que vemos imágenes que se integran, ocultando el proceso de manipulación. 
Esto permite que este mundo digital, reconstruido por completo en una computadora, parezca real a pesar de esa segunda génesis virtual. Ésta es una de las grandes diferencias entre la fotografía tradicional y el fotomontaje virtual, pues aunque la imagen pueda ser manipulada en el momento de la toma, la fotografía documental no admite éticamente la posibilidad de manipulación a posteriori tras su obtención. 
2. Máscaras 
La máscara de capa de Photoshop es una de las herramientas más útiles en retoque fotográfico y diseño gráfico. 
Su uso está muy extendido entre los usuarios más avanzados ya que ofrece infinitas posibilidades. 
La ventaja principal del uso de la máscara de capa es la posibilidad de hacer ediciones “no destructivas”, es decir, que no alteren la imagen original. 
Una máscara, en principio, no es más que un delimitador que colocaremos sobre una capa. Este delimitador determinará el nivel de opacidad de la capa sobre la que actúa. 
Las máscaras sólo permiten colores pertenecientes a la gama de escala de grises
El color negro en una máscara indica que la capa sobre la que actúa en esa zona será totalmente transparente. Al contrario, una zona blanca en una máscara indicará que la capa afectada mantendrá su opacidad al 100% en esa zona. 
De ahí que los diferentes niveles de grises equivalgan a diferentes niveles de opacidad. 
 
Creando una máscara de capa 
Crear una máscara es muy sencillo, sólo hay que seguir unos pocos pasos: 
1. Abrimos una imagen en mapa de bits. 
2. Nos aseguramos que la capa de fondo sea editable 
 
3. Seleccionamos en el panel Capas, la capa sobre la que queremos que actúe la máscara. 
 
4. Colocamos en el mismo archivo, una segunda imagen 
 
 
5. Pulsamos “Enter” para incrustar la imagen 
 
 
6. Colocamos las capas en el orden que necesitamos para crear la máscara, y hacemos clic en “Añadir máscara vectorial” 
 
 
Expliquemos el significado de todos los nuevos símbolos: 
· Aparece una nueva miniatura a la derecha de la miniatura de la capa. 
Ésta es la miniatura de la nuevamáscara . En principio la máscara se muestra en blanco, por lo que la capa sobre la que actúa no se ve afectada en su opacidad por ningún cambio. 
· El recuadro que rodea a la miniatura de la máscara indica sobre dónde estamos aplicando la pintura. Observamos que haciendo clic en una de las miniaturas cambiamos su estado, activándolas y permitiendo el uso de pintura sobre ella. 
 
 
 
· El icono de máscara activa indica lo mismo que el anterior. Se muestra en contraposición al icono de capa activa que se verá cuando sea la capa la que esté en modo de edición. 
 
· Por último, el icono de enlazado bloquea la capa y la máscara uniéndolas. Si movemos una, la otra se moverá con ella. Si las desenlazamos haciendo clic sobre el icono , podremos moverlas independientemente. 
7. Es aconsejable el uso de pinceles por su suavizado, esto nos permite crear transiciones de opacidad más fácilmente en los bordes. 
Para ayudarnos a crear la capa podemos activar su visibilidad desde la pestaña de Canales, al lado de la pestaña Capas, o desde el menú Ventana→Canales. 
 
 
Aquí, además de los tres canales de color, encontraremos los canales Alfa y las máscaras de selección y de capa. 
Activando el icono de visibilidad podemos ver nuestra máscara de capa sobre el lienzo. 
Está predefinido que las máscaras se muestren de color rojo y con una opacidad del 50%, pero podríamos cambiar estas propiedades haciendo doble clic sobre su miniatura. 
 
También podemos hacer clic derecho en su miniatura para ver sus opciones: 
 
Las cuatro primeras sirven para crear diversas selecciones a partir de la forma de la máscara. Nosotros haremos hincapié sobre las 3 últimas: 
· Descartar máscara de capa elimina la máscara de capa restaurando la capa a su estado original. 
· Aplicar máscara de capa fusiona la capa y la máscara dando como resultado una sola capa con los efectos obtenidos. 
· También es posible deshabilitar la máscara de capa para no eliminarla, pero manteniendo sus efectos inactivos. 
 
8. Para implementar la capa, vamos a seleccionar el pincel y trabajaremos con la escala de grises (cuanto más oscuro el gris, más transparente) 
9. Seleccionamos la capa de máscara y vamos “pintando” todas las zonas que queremos hacer transparentes de la imagen 
 
 
de la forma de la máscara. Nosotros haremos hincapié sobre las 3 últimas: 
· Descartar máscara de capa elimina la máscara de capa restaurando la capa a su estado original. 
· Aplicar máscara de capa fusiona la capa y la máscara dando como resultado una sola capa con los efectos obtenidos. 
· También es posible deshabilitar la máscara de capa para no eliminarla, pero manteniendo sus efectos inactivos. 
 
10. Para implementar la capa, vamos a seleccionar el pincel y trabajaremos con la escala de grises (cuanto más oscuro el gris, más transparente) 
11. Seleccionamos la capa de máscara y vamos “pintando” todas las zonas que queremos hacer transparentes de la imagen 
 
 
Recortes de capa 
 
Otra de las opciones que nos permite Photoshop son los recortes de capa. 
El objetivo de esta función es crear una intersección entre dos capas para mostrar la resta resultante. Así, por ejemplo, a partir de estas dos capas: 
 
Conseguir esta como resultado: 
 
Para lograr esto debemos tener 2 capas, una que funcione como fondo y otra como forma. 
1. La capa que utilizaremos de fondo, la colocamos arriba de la que usaremos de forma 
 
 
2. Seleccionando la capa superior, hacemos clic derecho en el panel de capas y seleccionamos la opción “Crear máscara de recorte” 
 
 
 
Lo que estamos haciendo es una sustracción, a la capa superior le restaremos la inferior, y esa será la capa resultante. 
Ambas capas son independientes, por lo tanto, podemos mover el fondo o la forma de lugar para encontrar la vista que más nos guste. 
. 3. Ajustes de imagen 
Las capas de ajuste de Photoshop nos permiten efectuar ajustes en las fotografías de un modo muy eficaz y nada destructivo. 
Podemos entender las capas de ajuste como una película transparente sobre la que aplicaremos cambios en la imagen para ver cómo afectan. 
La mayor ventaja de las capas de ajuste de Photoshop es que podemos volver al estado inicial de la foto solamente eliminando esta capa de ajuste. 
Crear una capa de ajuste es muy sencillo. Como casi todo en Photoshop existen varias maneras de hacerlo. 
Podemos pulsar sobre el icono Crear nueva capa de relleno o ajuste del panel de capas o podemos seguir la ruta: Capa > Nueva capa de ajuste y elegir ahí la que nos convenga
 
Al añadir la nueva capa de ajuste, Photoshop abrirá automáticamente la pestaña ajustes para que comencemos a aplicar los cambios. 
Dependiendo del tipo de capa podremos controlar unos parámetros u otros. 
 
Las opciones de ajuste que tenemos son: 
· Color uniforme 
· Degradado 
· Motivo 
· Brillo/Contraste 
· Niveles 
· Curvas 
· Exposición 
· Intensidad 
· Tono/Saturación 
· Equilibrio de color 
· Blanco y Negro 
· Filtro de fotografía 
· Mezclador de canales 
· Consulta de colores 
· Invertir 
· Posterizar 
· Umbral 
· Mapa de degradado 
· Corrección selectiva 
 
Color Uniforme: 
Aplica una capa de color sólido sobre nuestra imagen. Ajustando la opacidad de la capa podemos fusionarla con la imagen original. 
 
 
Degradado: 
Funciona igual que el ajuste de color uniforme, pero con un degradado. 
 
 
Motivo: 
Al igual que la capa de color sólido y degradado, la capa de ajuste Motivo, agrega una capa con una trama sobre la imagen original 
 
Brillo/Contraste 
Mediante el brillo es posible ampliar la gama de luces, desplazando el deslizador a la derecha, o bien ampliar la gama de sombras, desplazando el deslizador a la izquierda. Por su parte, el contraste incrementa la distancia entre luces y sombras o bien las reduce. 
 
 
Niveles 
Permite la definición del punto negro, punto blanco y punto gris medio en la imagen. 
En base a esta definición, se distribuyen luces y sombras por la imagen. 
 
Curvas. 
Ofrece un ajuste más fino de luces y sombras que el proporcionado por Niveles, no limitándose a tres puntos de ajuste, sino a 16. 
Posibilitando, además, el trabajo sobre la luminancia de la imagen en los tres canales (RGB) de forma simultánea, o en cada uno de ellos por separado. 
 
Exposición. 
Permite un desplazamiento a izquierda o derecha del histograma, originando un incremento o reducción general del valor de exposición global de la imagen. 
 
Intensidad. 
Incrementa la saturación general de la fotografía preservando los colores presentes en la piel de posibles sujetos que aparezcan en la imagen. (El incremento de saturación, en lugar de intensidad, lo que propicia es la aparición de tonos demasiado rojizos en la piel). 
 
 
Tono/Saturación. 
Permite variar tono y saturación de un determinado color para corregir, por ejemplo, dominancias en la fotografía. 
 
Equilibrio de color 
Muy útil para ajustar el balance de blancos. Con este ajuste podemos modificar las tonalidades de nuestra imagen, trabajando en forma independiente sobre las luces, los medios tonos y las sombras. 
 
 
Blanco y Negro 
Permite realizar una conversión a blanco y negro, controlando la participación de rojos, naranjas, verdes, cyanes, azules y magentas. De modo que el blanco y negro se ajuste al resultado deseado. 
 
Filtro de fotografía 
Permite simular el resultado que se conseguiría al interponer distintos filtros fotográficos (de colores). 
 
 
Mapa de degradado 
Otra opción interesante para la conversión a blanco y negro. 
 
Cuando creamos una nueva capa de ajuste los cambios se aplican a todas las capas que tenga por debajo. 
Podemos cambiar la posición de esta capa haciendo clic en ella con el mouse y arrastrándola a la posición que deseemos. 
Para aplicar la capa de ajuste sólo a la capa inferior debemos pulsar la tecla Alt y situar el cursor del mouse donde ambas capas se juntan. Hacemos clic y el ajuste sólo afectará a la capa señalada. 
Todos estos ajustes también pueden aplicarse desde la barra de menú en la opción Imagen > Ajustes 
La diferencia entre utilizar estaopción y la capa de ajuste es que si nosotros aplicamos los ajustes desde la opción de Imagen, los cambios son permanentes. En cambio la capa de ajuste es no destructiva. 
 	 
4. Estilos de capa 
Los estilos de capa son una utilidad para aplicar efectos rápidos y personalizables a elementos de una imagen. 
De una forma sencilla podemos conseguir algunos efectos como sombras o resplandores, sin tener que complicarnos con procedimientos o trabajos que requieran de varios pasos. La ventaja de los estilos de capa es que se aplican dinámicamente a las capas, de modo que, si la capa cambia, el estilo se adapta dinámicamente al nuevo formato de la capa. 
Otra característica de los estilos de cada es que son no destructivos, por lo tanto si en algún momento queremos sacarlos o modificarlos, no perdemos la imagen original. 
 
Cómo aplicar un estilo de capa 
Cuando tenemos una capa creada, podemos acceder al cuadro de diálogo para crear estilos de capa haciendo un doble clic sobre la capa que se quiere aplicar el estilo, en el panel de capas. 
Esto nos abrirá una ventana que contiene un listado de estilos, que podemos seleccionar y donde además podemos configurar cada uno de estos estilos. 
El menú de estilos de capa también se puede acceder primero seleccionando la capa sobre la que queremos crear estilos y luego activando el estilo de capa deseado a través del menú "Capa - Estilos de capa - El nombre del estilo de capa a aplicar o configurar". 
Nota: Los estilos de capa sólo se pueden crear sobre capas, en principio a la capa especial "fondo" no se le pueden aplicar estilos de capa. 
En la ventana de estilos de capa, se pueden seleccionar uno o varios estilos y haciendo clic con el mouse en cada uno de los diferentes items, se accede a un formulario donde se pueden configurar distintos parámetros para cada estilo. 
Se puede ver en la siguiente imagen la ventana de estilos de capa. 
 
 
Sombra paralela: Añade una sombra que se sitúa detrás del contenido de la capa. 
 
 
 
 
Sombra interior: Añade una sombra que se sitúa justo dentro de los bordes del contenido de la capa, lo que proporciona a la capa un aspecto hueco. 
 
Resplandor exterior y resplandor interior: Añaden resplandores procedentes de los bordes interiores o exteriores del contenido de la capa. 
 
√ Bisel y relieve: Añaden varias combinaciones de iluminaciones y sombras a una capa. 
 
Satinado: Aplica sombreado interior que crea un acabado satinado. 
 
Superposición de color: Rellena el contenido de la capa con color. 
 
 
Superposición de degradado: Rellena el contenido de la capa con degradado. 
 
Superposición de motivo: Rellena el contenido de la capa con un motivo. 
 
 
 
 
Trazo: Traza el contorno del objeto de la capa actual utilizando un color, un degradado o un motivo. 
Resulta especialmente útil en formas bien definidas, como por ejemplo texto. 
 
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