ARTES1

Vista previa del material en texto

Artes Visuales
II Medio
Representación de la figura humana en las Artes Visuales
El cuerpo como vehículo de la propia expresión implica un largo recorrido que involucra crecimiento y asociación de sensaciones, percepciones y emociones. El dibujo de una persona ofrece un medio natural de expresión de las necesidades y conflictos del cuerpo de uno.
El cuerpo humano como elemento de representación en el arte fue llamado “figura humana” por los artistas, para describirla, exaltarla de manera simbólica y como expresión de deseo, al igual que el rostro humano, que es uno de los principales objetos de estudio del arte.
Si bien hallamos todo tipo de representaciones del Cuerpo Humano desde la prehistoria, éste adquiere autonomía como tema estético en sí mismo a partir de las vanguardias del Siglo XX, ya que, si antes lo encontrábamos en la Historia del Arte, surgía normalmente bajo la excusa de otras motivaciones, como las escenas mitológicas o bíblicas, o bien, como imagen necesaria para los ritos mágicos de algunas culturas.
Durante la prehistoria, la figura humana se representaba de forma simbólica y con fines religiosos y rituales
Luego, en la cultura mesopotámica mostraba a las figuras humanas de forma frontal o lateral, con las manos juntas y sin dar sensación de movimiento
En la cultura egipcia, la figura humana se representaba de forma lateral. La pintura cumplía una función religiosa, funeraria y simbólica más que realista
Escultura Griega Período Arcaico
Iniciada con representaciones muy simplificadas del cuerpo humano —adaptadas a la forma cilíndrica del tronco de un árbol—, la escultura del periodo arcaico, en sus etapas finales, alcanzó altos niveles de calidad estética y complejidad formal, lo que indica una transición desde una cultura prácticamente anicónica a otra donde lo visual y la figuración predominaba, dejando un amplio repertorio de tipos y modos de representación, con la figura humana en una posición privilegiada.
Escultura Griega Período Clásico
Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y posturas menos forzadas. 
Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores se afanaron en la búsqueda de la perfección y la belleza ideal, aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias (esculturas del Partenón), Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.
Edad Media
Las obras de artes medievales aparecieron en un contexto donde no existía todavía la definición de arte ni tampoco existía la de la belleza, incluso tampoco existía el concepto de bellas artes o de artistas. El arte medieval tenía que cumplir tres características fundamentales para ser ese tipo de arte.
Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Por esto todo artista medieval no duda de legitimidad de la riqueza en los adornos de monasterios, iglesias y otros lugares de cultos ya que dicha riqueza era una ofrenda para Dios.
Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural. Suele incluir imágenes medievales en función pedagógica que explican los dogmas de la fe cristiana y su historia sagrada.
Ha de ser una confirmación de poder, por un lado ha de ser el poder de Dios y de la Iglesia y por otro sitio el poder político. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros agentes sociales.
El Renacimiento supone una nueva forma de comprender el arte, las artes liberales ya no están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los muchos príncipes y la burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi. La figura del artista es engrandecida y admirada, por lo que se abandona definitivamente el anonimato.
El Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo del norte de Europa. 
Todo esto exige una formación científica de los artistas y una gran capacidad de creación. Se inventa la perspectiva aérea, con el sfumato. Se pone mucha atención en las proporciones, para que se utilizará el canon clásico, que progresivamente se irá alargando, y se guardará la proporción entre las partes. Reaparece el retrato, el desnudo, principalmente mitológico, y el paisaje, todo ello idealizado. 
No es una copia de la antigüedad, sino su interpretación. Se busca el realismo, pero se idealiza la naturaleza, se trata de un arte burgués. En el Renacimiento el hombre recupera su protagonismo como primer objeto artístico, según la tradición grecorromana. El hombre es la obra más perfecta de Dios. Se recupera el retrato y la naturalidad sin *hieratismo, de la mano de la nueva burguesía
*hieratismo
 nombre masculino
Inmovilidad, rigidez y falta de expresividad en el aspecto exterior, en los movimientos, en los gestos, etc.
La pintura barroca presenció el nacimiento de nuevos géneros pictóricos, como son los bodegones, vanitas y cuadros costumbristas, que enriquecieron la iconografía religiosa heredada del medioevo.
Se caracterizó por la búsqueda de realismo a través del efectismo (los trampantojos son comunes) y de una cierta teatralidad.
La luz y el color pasaron a ser grandes protagonistas, encargados de producir la profundidad y la perspectiva, más que la línea y el trazo.
Las formas fueron particularmente abundantes (como sucedió en todas las artes del barroco) y las pinturas se llenaron de volumen y de detalle, en lo que para muchos constituyó el dominio total de las técnicas pictóricas, tanto con óleo como al fresco.
El clasicismo se inspira en los modelos clásicos e ideales de belleza de la Antigua Grecia y Roma, con enorme atención a las formas, que deben armonizar con los contenidos. Los artistas y compositores del clasicismo tuvieron al equilibrio, la sencillez, la sobriedad y la proporción como ideales estéticos.
Con el clasicismo se da un regreso lo clásico e imperecedero, y esto no solo se refiere a las formas y estilos, sino también a que se produce una vuelta temática, en la que lo religioso (que hasta entonces dominaba) pierde protagonismo en favor de las grandes gestas y los relatos mitológicos, o de los sentimientos humanos
El Romanticismo
El término romántico probablemente proviene de “roman” que significa novela en francés. Como en otros movimientos artísticos, parece que el Romanticismo se origina dentro de la literatura para acompañar posteriormente a otras disciplinas.
Además de la acepción que parece explicar la etimología de la palabra que dio nombre a esta corriente, romanticismo se entiende como la expresión de sentimientos que necesitan de las artes para ser manifestados. Posteriormente se ha asociado romántico con un adjetivo que describe algo o alguien que da excesiva importancia a los sentimientos y a la imaginación.
 
Características de la pintura romántica:
Anteponen el color y los contrastes a las formas y líneas del dibujo. Se nota la influencia de la pintura barroca en oposición a la Neoclásica.
Tienen un concepto subjetivo de la belleza, así en sus cuadros la plasman de una manera personal, utilizando temas como el amor, el dolor o la tristeza.
La técnica predominante es el óleo sobre lienzo y otras más rápidas como la acuarela. 
Reina la temática histórica y el retrato. Además, el paisaje adquiere protagonismo. Recrean escenarios silenciosos, nocturnos o frente al mar, en los que se percibe cierta tristeza.
La pintura impresionista es un arte moderno que surge en 1874 en París como oposición al arte académico, lejos de los parámetros del arte clásico.
El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época
Esta clase de pintura se caracteriza por reproducir fielmente en sus cuadros la apariencia cromática del hombre con la naturaleza.
Podemos encontrar impresionismoen la música y la literatura, siendo en la pintura donde se desarrolla con más fervor.
Durante sus inicios la pintura impresionista tuvo un rechazo por el público, lo que hacía muy difícil la venta de las obras, siendo aceptados a fines del siglo XIX.
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento.
El cubismo es una escuela y teoría estética de las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos. El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914
El surrealismo o superrealismo es un concepto que proviene del francés surréalisme. Se trata de un movimiento literario y artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine.
Actividad en clases
*De los distintos estilos artísticos utilizados para representar la figura humana en distintos períodos de la historia, seleccionar uno que llame más la atención
*Una vez que haya seleccionado el estilo, debe proceder a dibujar y pintar su autorretrato en ese estilo: por ejemplo, si eligió el cubismo, debe dibujar su autorretrato de forma cubista.
*Este trabajo se debe avanzar durante la clase, se revisará proceso y progreso mediante rúbrica de trabajo
*Se puede utilizar una fotografía de referencia