Descarga la aplicación para disfrutar aún más
Vista previa del material en texto
Costa- Saber ver cine Institución, dispositivo y lenguaje El cine es narración y representación. La institución cinematográfica desborda en mucho este sector del cine directamente calificado de comercial. La película tradicional se presenta como historia, no como discurso. Sin embargo es discurso, si hacemos referencia a las intenciones del cineasta, a las influencias que ejerce el público. La institución cinematográfica, nos recuerda luego Metz, tiene que ver también con la ideología. También tiene que ver con el deseo, imaginario y el simbólico: incide sobre los juegos de identificación y los complejos mecanismos que regulan el funcionamiento de nuestra mente. Dispositivo es un mecanismo que dispone de determinadas funciones. Muchas instituciones sociales que se han ido desarrollando en el curso de la historia, como los lugares de culto, teatros, carceles, etc pueden ser estudiados como dispositivos, como formas de estructuración del espacio en relación a los distintos papeles asumidos por los diferentes sujetos sociales y en relación a la finalidad perseguida. El cine puede considerarse como un dispositivo de representación con sus mecanismos y su organización del espacio y de los papeles. Contribuye a la producción de los efectos de sentido previstos por la estrategia del director – narrador. El cine es un lenguaje con sus reglas y convenciones. Distintas formas de aproximación al cine El cine es lo que en una sociedad, en un determinado período histórico, en una determinada coyuntura políticocultural o en un cierto grupo social, se decide que sea. Saber ver cine, quiere decir saber ver que la complejidad del fenómeno cuyo resultado es ese “festival de emociones que se llama film”. Las relaciones entre cine e historia pueden esquematizarse así: ● La historia del cine: de ella se ocupa la historiografía cinematográfica. ● La historia en el cine: las películas constituyen un objetivo de estudio especial en el cine. ● El cine en la historia: se establecen relaciones entre el cine y su contexto social Mitry especifica las distintas historias parciales en las que se articula la historia del cine: ● Historia de la técnica: de los medios que han determinado su evolución. ● Historia de la industria: cuyo desarrollo es una consecuencia tanto de la evolución del público como de la del arte y su técnica. ● Historia de las formas y de los modos de significar, expresar y narrar a través de tendencias dispares. ● Historia del arte. Se trata de valorar la aportación particular de ciertas obras en relación a las inquietudes morales y sociales que reflejan: de definir como y en que medida han influido, en que han contribuido a la formación o a la evolución del lenguaje fílmico. El cine puede entenderse como hecho estético y como comunicativo. En el primer caso se basa en la relación entre el cine y otras artes; en el segundo en la relación entre cine y lenguaje. El cine ha de afrontar el problema del lenguaje cinematográfico: la semiótica se encargará de estudiar esto. Nos interesa indicar las tendencias y la evolución de este tipo de investigaciones, así como los más importantes resultados conseguidos. Metz se ha ocupado del cine como dispositivo, de los procesos de identificación y de los mecanismos perceptivos que intervienen en la visión del film y por otra, el hecho de que la aproximación de tipo semiótico ha enseñado a prestar más atención al texto fílmico. Por una didáctica de la imagen Se ha ido desarrollando un interés especial por los films y la narrativa audiovisual a causa del aumento vertiginoso de la oferta televisiva. La introducción del cine en la escuela supone una confrontación entre un tipo de cultura basada en la palabra y otra que podríamos llamar icónica (imagen). Segunda parte Las distintas épocas del cine La intención de ésta segunda parte es proporcionar algunas informaciones sobre las reglas del juego de las distintas épocas del cine. Se podrá encontrar aquí una periodización según las técnicas que han determinado los distintos órdenes del lenguaje cinematográfico depende de las tendencias dominantes en el campo de la producción y del consumo de los films. Los orígenes: una mirada histórica El problema de los orígenes del cine puede afrontarse desde distintos puntos de vista: desde el técnicocientífico para comprender el funcionamiento de los instrumentos que han hecho posible la filmación, desde el punto de vista psicológico y sociológico para comprender el significado contenido en el imaginario colectivo. La aproximación a los orígenes del cine es de tipo histórico: no solo porque se ocupa del contexto social y político sino también porque define de qué modo este invento puede constituir un especial objeto de investigación histórica. El cinematógrafo Lumiere constituyó la culminación de varias décadas de investigación en las cuales se entrelazaron dos exigencias distintas: la de llegar a la objetivación de un acontecimiento en su duración y por otra la de restituir en toda su fascinación el acontecimiento, a través de una participación ilusoria en el mismo. No es posible separar completamente, en el cine de los orígenes, una tendencia realista y objetiva de otra irreal y fantástica. El cine mudo Como ver y escuchar el cine mudo El cine mudo había establecido su propio código cromático. Junto al problema de la restauración del texto fílmico en su forma original, existe también el del “texto – espectáculo”, aún más complejo. En efecto, en muchos casos, la proyección del film iba acompañada por proyecciones musicales, canciones y expresivas lecturas de rótulos. El empleo de elementos sonoros de distintas clases constituyó la aspiración de corrientes del cine mudo: Edison investigó sobre la reproducción de imágenes en movimiento como perfeccionamiento del fonógrafo. Había sincronización de sonido e imagen en animaciones. No siempre la ausencia del sonido y de la palabra fue considerada una carencia. Al contrario, puede afirmarse que los resultados más significativos de los primeros 30 años de la historia del cine fueron obtenidos a través de una utilización coherente de las posibilidades expresivas de la escena muda. Del cinematógrafo al cine: el nacimiento de un lenguaje Historiadores y teóricos del cine están más o menos de acuerdo a la hora de considerar la época de los pioneros como una fase de descubrimiento y definición de una técnica reproductiva (aparato de filmación y proyección) más que como el inicio de un nuevo arte y de un nuevo lenguaje (articular su propio lenguaje). Entender la época de los pioneros más que como la fase inicial de un nuevo arte y de una nueva forma narrativa, como una época de disolución del sistema tradicional de las artes, “época de la reproductibilidad técnica”, según Benjamin. La disolución del sistema tradicional de las artes tiene como escenario el espacio urbano, de la metrópolis industrializada, donde se afierman las formas de percepción estética que definen las características estructurales de fenómenos a mitad de camino entre el espectáculo y la información y constituyen la primera configuración de la cultura de masas. Griffith entre 1903 y 1912 da forma a los procedimientos técnicos y de organización logiconarrativa de los planos: nacimiento del lenguaje cinematográfico. Consiguió demostrar las posibilidades que ofrecía el cine: 1) articular un complejo espectáculo de casi tres horas de duración; 2) desarrollar una narración completa y de notable complejidad temática; 3) articular la narración alternando grandes escena con la captación de mínimos detalles. La relación entre los primeros planos y los planos del conjunto sobre los que está construido el film nos autoriza a hablar de montaje. Ejemplo: Grandma's reading glass. Artificios e inventos como el primer plano: fundido encadenado, utilizado por los pioneros como curiosidades ópticas en un principipio, con Griffith entraron a formar parte de una nueva gramática de la narración por imágenes. La ascensión de Hollywood Desde fin de la Primera Guerra, 1918, hasta1929: apogeo del cine mudo. La afirmación de la supremacía de Hollywood en la economía cinematográfica mundial es el primer dato significativo. Esta supremacía es una consecuencia del desarrollo y los resultados de la 1era guerra mundial, pero también de una política productiva basada en inversiones de capital y en desarrollo de formas de integración vertical, control de una sola parte, de los tres sectores sobre los que se articula la industria cinematográfica: producción, distribución y exhibición. La vitalidad, el plano de lo económico de la producción hollywoodiense de los años 20 se basó en dos factores: studio system y el star system. La contribución del studio system puede seguirse a través de la ascensión de Adolph Zukor que a principio de los años 20 llevó a cabo el proyecto de una compañía, Paramount, de ciclo completo que además de la producción y distribución controló la exhibición, es decir la sala de proyección. El studio system no es sólo una forma de integración especial entre los distintos sectores de la industria, sino que también representa un método preciso de organización del trabajo que se propone la maximización de los beneficios a través de una óptima explotación de los recursos. El star system, es decir, el estrellato como peculiar y complejo instrumento de promoción del producto cinematográfico y por otro el sistema de los géneros, es decir, un eficaz instrumento de de diferenciación de los productos, además de un buen medio de racionalización de los distintos componentes del trabajo artístico. El fenómeno de los géneros cinematográficos está estrechamente relacionado con el del estrellato: la estrella está destinada a encarar papeles fijos, a repetir determinados trabajos cuando éstos consiguen el favor del público. El sistema de los géneros estaba ya configurado en los años 20: la comedia sentimental, el melodrama, el drama epicohistórico, western, ganster story y la slapstick comedy. Predominio del cine estadounidense mundial, 1,80 oir cientoo del total de películas producidas en el mundo durante la época del mundo. La gran época del cine cómico El slapstick es un mecanismo formado por dos tablillas con las que se simulaba el ruido de los bastonazos que se intercambiaban los actores. La slapstick es el resultado de una amplificación y de una intensificación posible gracias al nuevo medio de una serie de efectos ya codificados por el teatro, variedades y el circo. El cine americano permanece fiel al cine de los orígenes y conquista el espacio urbano de donde toma las situaciones. Los obstáculos imprevistos e insuperables que aparecen en las situaciones más simples y elementales, son la base del slow – burn (deterioro de una situación que inicialmente parecía sencillísima. El cine y las vanguardias históricas En Europa, en la década del 20, se desarrolla una compleja interacción entre el cine y las vanguardias artísticas literarias. El cine se convierte en un punto de referencia o un campo de experimentación para la elaboración de una nueva estética y para la atribución de nuevas funciones al lenguaje artístico. La utilización del cine para otorgar dimensión dinámica, rítmica, plástica queda fuera o al margen de la institución cinematográfica. Futurismo y dadá El manifiesto La cinematografía futurista fue redactado por Marinetti y sus seguidores, 1916. No llegó a desarrollarse un verdadero cine futurista. En movimiento dadá, la referencia al cine significa sobre todo, la negación y el escarnio de los valores estéticos tradicionales. Interés por el género burlesque. Surrealismo Nació en París en 1924 tras la crisis del movimiento Dadá. Ado Kyrou atribuye a Breton, líder del movimiento, el mérito de haber demostrado la fuerza del cine donde el mundo exterior podría zambullirse en las aguas negras del subconsciente, poesía y sueño. Filmes que muestran la plasmación del movimiento: Un perro Andalúz y La edad de oro de Buñuel. Asociación libre, según los caminos sugeridos por el subconsciente y sin ningún tipo de control lógicorracional, de imágenes extraídas de los más diversos contextos. Expresionismo En el cine alemán, la influencia del expresionismo pictórico, literario y teatral, provocó la aparición de un grupo de films que hallaron su estandarte en El gabinete del doctor Caligari, de Weine. Con el término caligarismo se quiere designar un estilo basado en escenografías y métodos de interpretación de raíces teatrales y pictóricas, que acabe presentando una visión deformada de situaciones y ambientes en consonancia con los temas. Esto plantea un control absoluto de todos los elementos de la puesta de escena. Importancia de control sobre todos los objetos de la escena, que desempeñadan funciones precisas en el plano dramático, asumen valores simbólicos. La vanguardia Rusa En Rusia las relaciones entre cine y vanguardia después de 1917 consistieron en la atribución al nuevo medio expresivo de un papel privilegiado en la realización de un nuevo proyecto revolucionario. Los cineastas rusos participaron en un movimiento político que creía en la posibilidad de liberar el arte de las condiciones de incomunicación y aislamiento en que lo había colocado la cultura burguesa para convertirlo en unos de los elementos propulsivos de la construcción de una nueva sociedad. El cine obtuvo un papel privilegiado, puesto que se trataba de un medio que no solo era capaz de reflejar las modificaciones de la experiencia perceptiva introducidas por la técnica y por las nuevas condiciones de vida de la sociedad industrializada, sino también de replantearse por sí mismo, las concepciones de espacio y de tiempo. Avances de la vanguardia soviética fueron frenados por el aparato político. Introducción al cine mudo italiano En los años 20, el cine italiano conoció una crisis determinada por el fracaso de la experiencia de la UCI y la ineptitud empresarial de unificar la producción en un trust. Brunetta: deja en claro el significado de su propuesta de una historia del cine como historia de una institución social total que incluya todos los aspectos del fenómeno cinematográfico y apuesta por una metodología de investigación histórica abierta a todas las contribuciones y sugerentes procedentes de otras disciplinas. Bernardino: constituye la investigación más completa sobre el cine de los orígenes y une al rigor de la labor historiográfica una serie de ilustraciones de singular interés. Martinelli: ha recogido en los cuatro volúmenes de su filmografía toda la información escrita relativa a los films producidos desde 1919 hasta el final de los años 20. Unos de los aspectos más característicos del cine italiano podría denominarse policentrismo productivo: presencia simultanea de distintos centros de producción repartidos en varias ciudades. Si el género historicomitológico fue el de mayor esplendor, asegurando la penetración del cine italiano en el extranjero, no hay que olvidar que la producción cómico popular tampoco estuvo exenta. Las relaciones entre el cine y el fascismo han sido estudiadas en lo que se refiere, época en la que realmente se produce una intervención del fascismo en el campo cinematográfico. El primer fascismo reviste un gran interés si se relaciona con el clima de restauración, de repliegue conservador que domina gran parte de la cultura italiana. El cine sonoro de los años treinta a los cincuenta La llegada del sonoro supuso una verdadera revolución no sólo en la estética de los films sino en las técnicas de producción y en la organización económica de la industria cinematográfica. Uno de los impulsos decisivos para la investigación de métodos de sincronización de imágenes y sonido y para el rápido paso a la realización de films sonoros y hablados fue la competencia de la radio. Relacionado con el sonido está el desarrollo de un nuevo género que desempeñara un importante papel en la estética y la ideología del cine clásico americano: el musical. El sonoro está considerado como uno de los factores esenciales del desarrollo del género fantástico y de cienciaficción, puesto que perfeccionó los efectos realistas de la narración cinematográfica. La edad de oro de Hollywood ¿Cuál es el secreto de esta afirmación incondicional y absoluta del cine americano? La respuesta hay que buscarla en aquella fórmula organizativa de la economía cinematográfica que ya hemos aparecer en los años 20: el studio system, star system y el cine de géneros. Studio System: progresiva transformación de la composición y de las preferencias del público tanto en el interior como en el exterior. Una de las bases fundamentales del studio system era su red de distribución al exterior. La tipología de los géneros, de los actores y los aspectos escenográficos y figurativos fueron definiéndose con la confluencia entre las exigencias de un sistema basado en la maximización de los beneficios y la necesidad de crear modelos de comunicación capaces de convocar al público más amplio e indiferenciado. Los responsables de la producción eran quienes garantizaban un respeto total a las reglas del juego: ellos eran quienes escogían los argumentos, actores, budget es decir cantidad de dinero y montaje. Sin embargo el cine hollywoodense no estaba exento de censura. Los géneros clásicos del cine americano Se trata de indicaciones generales y en modo alguno sistemático, del tipo: drama, aventuras, comedias. En el caso de los films hollywoodienses la pura y simple etiqueta del género (western, musical, policíaco) no solo funciona como indicador de la nacionalidad, sino que orienta claramente al espectador acerca de lo que puede esperar del film en cuanto a ambientación, estilo e ideología. Puntos de vista sobre los géneros Los géneros clásicos de Hollywood pueden examinarse desde el punto de vista del sistema de producción con el fin de comprender la naturaleza y la complejidad de los fenómenos que han provocado su formación con el fin de comprender sus mecanismos de funcionamiento y sus reglas compositivas y desde el punto de vista político ideológico con el fin de comprender la relación entre la evolución de los géneros y la situación histórica. La subdivisión de los géneros fue una de las exigencias del studio system. La organización del trabajo y la programación de la producción del estudio se basaba en efecto en esa rígida clasificación de los films por géneros: cada estudio tenía la doble exigencia de diferenciar los productos de modo que se pudieran repartir las inversiones en distintos géneros, con el fin de adecuarse a las exigencias del mercado. La frecuente presencia, en films del género negro, de detalles visuales y de estructuras compositivas particularmente significativos conduce al autor a realizar una comparación bastante comprometida, aunque venga suavizada por la ironía del contexto. Los géneros cinematográficos presentan una serie de elementos constantes, que pueden identificarse con las funciones desempeñadas por cada uno de los personajes en el desarrollo de la trama. ¿Cuáles son los géneros más típicos de la edad de oro en Hollywood? El melodrama, western, cine negro, ciencia ficción y musical. Las reglas compositivas propias de la puesta en escena del melodrama clásica hollywoodiense: un riguroso control de los valores emotivos y emblemáticos de espacios y objetos; una cuidadosa investigación acerca de los efectos de la composición plástica y cromática del plano; una utilización sistemática de los efectos de intensificación melodramática de las situaciones a través de un mediato uso del montaje y de la música. De entre los géneros clásicos del cine americano, el cine negro y el western son los más típicos. En ambos el tema central es el conflicto entre la ley y el libre albedrío. Este tema mayor del precario equilibrio existente entre una ley que pretende imponer violencia ya sea interna o externa encuentra su mejor expresión en el universo figurativo del western uno de los mitos fundadores de la nación americana. A menudo se deja atrás a una mujer que se ama como simbolo de estabilidad se contrapone el caballo, que para el héroe significa aventura y soledad. El espacio que mejor resume y simboliza la movilidad del west es el del “ghost town” abandonada por sus habitantes, que se han ido a otro lugar en buscar de bienestar. Bajo la etiqueta de cine negro podemos encontrarnos con distintos géneros: el policíaco, gansters, detective story, thriller. La característica es la puesta en escena de distintos criminales. A principio de los 30 se produce un predominio del film de gansters que supone relacionar el desarrollo sin precedentes en la sociedad americana del crimen organizado provocado por la prohibición del alcohol. El ganster es un héroe típico de la mitología urbana. En lo sonoro, los ambientes urbanos se enriquecen con todo un repertorio de sonodos: tiroteos, ruidos de neumáticos, vidrios rotos.
Compartir