TDG00183

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24 PRINCIPALES MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS QUE INFLUYERON EN LA 
EVOLUCIÓN DEL DISEÑO GRÁFICO 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
OSCAR FELIPE IDÁRRAGA MARTÍNEZ 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE OCCIDENTE 
FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL 
PROGRAMA DISEÑO DE LA COMUNICACIÓN GRÁFICA 
SANTIAOO DE CALI 
2010 
	
  
	
  
24 PRINCIPALES MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS QUE INFLUYERON EN LA 
EVOLUCIÓN DEL DISEÑO GRÁFICO 
 
 
 
 
 
 
 
 
OSCAR FELIPE IDÁRRAGA MARTÍNEZ 
 
 
 
 
 
 
 
 
Trabajo de grado para optar por 
el título de diseñador de la comunicación gráfica 
 
 
 
 
 
 
 
 
Directora 
CAROLINA LOURIDO 
Diseñadora gráfica 
 
 
 
 
 
 
 
UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE OCCIDENTE 
FACULTAD DE COMUNICACIÓN SOCIAL 
PROGRAMA DISEÑO DE LA COMUNICACIÓN GRÁFICA 
SANTIAOO DE CALI 
2010
3	
  
	
  
 Nota de aceptación: 
Aprobado por el Comité de Grado en 
cumplimiento de los requisitos exigidos 
por la Universidad Autónoma de 
Occidente para optar al título de 
Diseñador de la comunicación gráfica 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
DIEGO ZÚÑIGA 
Jurado 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
JORGE MARULANDA 
Jurado 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Santiago de Cali, 22 de Febrero de 2010 
4	
  
	
  
“Dedico este proyecto a mis padres, son el motor que ha apoyado e impulsado 
incondicionalmente mi desarrollo intelectual y personal sin importar el tiempo y los 
obstáculos de mis intereses. No existen palabras que alcancen a mostrar mi 
gratitud para con ellos por todos sus sacrificios. 
 
 
Este es un símbolo que refleja mis deseos unidos a la paciencia y perseverancia 
que conlleva realizar un proyecto que busca como fin estar un paso delante de mis 
logros anteriores. 
 
 
Gracias a todos mis amigos y personas que han compartido conmigo durante este 
proceso, de cada uno aprendí y aprenderé diariamente. Todos son una parte 
impórtate, tomar sus experiencias de vida es algo enriquecedor para reflexionar 
sobre la propia.” 
 
Oscar Felipe Idárraga Martínez 
 
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AGRADECIMIENTOS 
 
 
Agradezco a todos las personas que de alguna forma contribuyeron a este 
proyecto: 
 
 
Oscar Iván Idárraga Rubio Diseñador Gráfico y mi padre 
 
 
Carolina Lourido Docente de Diseño Gráfico y directora de trabajo de grado del 
programa de diseño de la comunicación gráfica de la Universidad autónoma de 
occidente. 
 
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CONTENIDO 
 
 
 pág. 
 
 
RESUMEN 12 
 
INTRODUCCIÓN 13 
 
1. PLANTEAMIENTO GENERAL 14 
 
1.1. ANTECEDENTES 14 
 
1.2 FORMULACIÓN DEL PROBLEMA 15 
 
1.2.1 Formulación de subproblemas 15 
 
1.3. OBJETIVOS 16 
 
1.3.1. Objetivo general 16 
 
1.3.2. Objetivos específicos 16 
 
1.4. JUSTIFICACIÓN 17 
 
2. MARCOS DE REFERENCIA 18 
 
2.1. MARCO CONTEXTUAL 18 
 
2.1.1. Movimiento artístico 18 
 
2.1.2. Estilo artístico 18 
2.1.3. Escogencia de los principales movimientos que 19 
influyeron en el diseño grafico 
 
2.1.4. Épocas que enmarcan la evolución de los 27 
principales movimientos del Diseño Gráfico 
 
2.1.4.1. La revolución industrial 27 
 
2.1.4.2. La época modernista 28 
 
7	
  
	
  
2.1.4.3. La época de la información 29 
 
2.1.5. Características graficas básicas 30 
 
2.1.6. Recopilar información 31 
 
2.1.7. Recopilar movimientos o estilos 31 
 
2.2. MARCO TEÓRICO 33 
 
2.2.1. Elementos gráficos básicos 33 
 
2.2.1.1. Clasificación Tipográfica 33 
 
2.2.1.2. Combinaciones de color para lograr efectos creativos 41 
 
2.2.1.3. Características de los movimientos 47 
 
2.2.2. Recopilar información 48 
 
2.3. MARCO CONCEPTUAL 51 
 
3. MARCO LEGAL 53 
 
4. OBSERVACIONES 59 
 
5. RECOPILACIÓN DE LOS PRINCIPALES MOVIMIENTOS 62 
ARTÍSTICOS QUE INFLUYERON EN EL DISEÑO GRÁFICO 
 
5.1. FASE 1. INDAGACIÓN 62 
 
5.2. FASE 2. TRATAMIENTO DE DATOS 62 
 
5.3. SELECCIÓN DE CONTENIDOS 62 
 
5.3.1. Métodos de obtención de datos 65 
 
5.3.2. Inventario de Datos. 68 
 
5.4. Ordenamiento de la información para mejor visualización 70 
 
6. CRONOGRAMA 80 
 
7. RECURSOS 81 
 
8	
  
	
  
8. CONCLUSIONES 82 
 
9. BIBLIOGRAFÍA 83 
 
9	
  
	
  
LISTA DE TABLAS 
 
 
 pág. 
 
 
Tabla 1. LISTA DE MOVIMIENTOS 64 
 
Tabla 2. INVENTARIO DE INFORMACIÓN RECOPILADA 69 
10	
  
	
  
LISTA DE FIGURAS 
 
 
 pág. 
 
 
Gráfico 1. DISEÑO DEL SIGLO XX 59 
 
Gráfico 2. EL DISEÑO EN EL TIEMPO 60 
 
Gráfico 3. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO 60 
 
Gráfico 4. COMBINACIONES DE COLOR PARA LOGRAR 66 
EFECTOS CREATIVOS 
 
Gráfico 5. PÁGINA WEB KULER 67 
 
Gráfico 6. PÁGINA WEB LETRAG 68 
 
Gráfico 7. ELEMENTOS Y FORMATO 71 
 
Gráfico 8. MÁRGENES. 72 
 
Gráfico 9. FICHA TÉCNICA 73 
 
Gráfico 10. CAJA DE TEXTO ACOMPAÑADA DE IMÁGENES 74 
 
Gráfico 11. IMÁGENES 76 
 
Gráfico 12. TABLA DE CONTENIDO 77 
 
Gráfico 13. BIBLIOGRAFÍA 78 
 
Gráfico 14. CRONOGRAMA 80 
 
 
 
 
11	
  
	
  
LISTA DE ANEXOS 
 
 
 pág. 
 
 
Anexo A. PORTADA 84 
 
Anexo B. PRINCIPALES MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS QUE 84 
INFLUYERON EN EL DISEÑO GRAFICO 
 
 
 
12	
  
	
  
RESUMEN 
 
 
Recopilación de los principales movimientos artísticos que influyeron en el diseño 
gráfico, organizados cronológicamente, iniciando con el Movimiento de artes y 
oficios (1850 - 1914) hasta el Pop Art (1958 – 1972). Cada uno de estos agrupa 
información sobre tipografías, color, figuras clave, características, evolución, 
historia y banco de imágenes. 
 
 
Es un material para conocer cómo ha evolucionado el Diseño Gráfico, útil para 
entender el porqué de la actualidad de los estilos y conceptos de lo gráfico. 
 
13	
  
	
  
INTRODUCCION 
 
 
Si se hace una retrospectiva del diseño en general, es claro que con el pasar de 
los años han surgido movimientos o estilos que nacieron de necesidades o de la 
misma evolución de estos. Todo esto para lograr darle una identidad más íntima y 
propia a cada cosa que se crea.No cabe duda que al avanzar en el tiempo 
seguirán apareciendo nuevos estilos, producto de la multiplicidad de culturas y 
costumbres a las que los seres humanos damos forma y acogemos como propias. 
 
 
El estilo es un leguaje, una forma de comunicar una forma de afianzar eso que le 
imprimimos a todo lo que hacemos, a nuestros actos y a las cosas que nuestros 
actos producen, una determinada modalidad peculiar que la naturaleza misma no 
nos enseña, sino que se deriva de nuestra personal participación. 
 
 
Los estilos son un conjunto de características que individualiza una tendencia ya 
sea artística o gráfica, dan el código visual. Los estilos deben ser constantes y por 
tanto debe existir una regularidad en cada uno de los diseños. 
 
 
Los diseñadores puedan acoger estos datos estilísticos e imprimirle sus propias 
cualidades sin modificar los parámetros principales, de esta forma diferenciarse e 
identificar los trabajos. 
 
 
De aquí la importancia de contar con una fuente que recopile estos estilos y 
movimientos. Poseer el conjunto de información sobre los movimientos principales 
del Diseño Gráfico es importante a la hora de encauzar cada nuevo proyecto. 
 
14	
  
	
  
1. PLANTEAMIENTO GENERAL 
	
  
	
  
1.1. ANTECEDENTES 
	
  
	
  
En la carrera de Diseño de la Comunicación Gráfica durante los diferentes niveles 
se analizan y estudian múltiples diseñadores, estilos y movimientos en variaos 
materiales bibliográficos, que sirven como inspiración o punto de partida para 
entender mejor los aspectos visuales de esta profesión. 
 
 
Existen referencias que utilizan los académicos y estudiantes para el recorrido 
evolutivo del Diseño Gráfico, algunos de los que más se acerca al objetivo de 
desarrollo de este proyecto son: Historia del Diseño Gráfico, Philip B. Meggs, 
agrupación muy completa de la historia ordenada cronológicamente, siendo una 
base importante para la consolidación del proyecto. 
 
 
El libro El Diseño en el Tiempo, Laksjmi Bhaskaran, es un referente sobre estilos y 
movimientos del diseño en general, una base de cómo ordenar la información 
recopilada para el trabajo. 
 
 
Diseño del Siglo XX, Charlotte & Peter Fiell, buen texto con estilo biográfico sobre 
diseñadores, artistas y movimientos. 
 
 
En cuanto amaterial educativo sobre el tema pueden existir gran variedad, cada 
uno complementándose con el otro, teniendo como propósito seguir aportando 
material educativo de provecho. 
 
15	
  
	
  
1.2 FORMULACIÓN DEL PROBLEMA 
 
 
¿Cómo identificar los principales movimientos artísticos que influyeron en la 
evolución del diseño gráfico, y como realizar una recopilación de cada uno de ellos 
en donde se muestre a un nivel básico características como, esquema de color, 
tipografías más representativas, principales exponentes, a que movimientos afecto 
en su evolución un movimiento, reseña histórica y compilación de imágenes? 
 
 
1.2.1 Formulación de subproblemas. ¿Qué metodología de recolección de datos 
es la apropiada para investigar, buscar y ordenar la información encontrada? 
 
 
¿Cómo identificar cuáles son los principales movimientos artísticos que influyeron 
en el Diseño Gráfico? 
 
 
¿Cómo seleccionar el esquema de color que mejor represente a un movimiento? 
 
 
¿Cómo encontrar las tipografías más representativas de cada uno de los 
movimientos? 
 
 
¿Qué método usar para identificar a que movimientos en su evolución afecto un 
movimiento? 
 
 
¿Cómo realizar una complicación histórica y de imágenes adecuada sobre un 
movimiento artístico? 
 
16	
  
	
  
1.3. OBJETIVOS 
 
 
1.3.1. Objetivo general. Identificar los principales movimientos artísticos que 
influyeron en la evolución del diseño gráfico, y realizar una recopilación de cada 
uno de ellos en donde se muestre a un nivel básico características como, 
esquema de color, tipografías más representativas, principales exponentes, a que 
movimientos en su evolución afecto un movimiento, reseña histórica y compilación 
de imágenes. 
 
 
1.3.2. Objetivos específicos. Buscar una metodología de recolección de datos 
apropiada para investigar, buscar y ordenar la información encontrada. 
 
 
Identificar cuáles son los principales movimientos artísticos que influyeron en el 
Diseño Gráfico. 
 
 
Encontrar un método para escoger el esquema de color de cada movimiento 
seleccionado a compendiar. 
 
 
Encontrar las tipografías más representativas de cada uno de los movimientos 
seleccionadas. 
 
 
Identificar a que movimientos en su evolución afecto un movimiento. 
Realizar una complicación de imágenes y histórica adecuada de cada uno de los 
movimientos identificados como principales en la evolución del diseño gráfico. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
17	
  
	
  
1.4. JUSTIFICACIÓN 
 
 
Esta investigación se realiza para aportar a los estudiantes y pedagogos de la 
Universidad Autónoma de Occidente una obra que contenga amplísima 
información histórica y gráfica sobre el Diseño Gráfico, de carácter formativo y que 
logre que el lector no tenga limitantes de ningún tipo a la hora de entender las 
características estilísticas de cada movimiento expuesto y pueda usarlas para 
emprender cualquier proyecto. 
 
18	
  
	
  
2. MARCOS DE REFERENCIA 
 
 
2.1. MARCO CONTEXTUAL 
 
 
2.1.1. Movimiento artístico. Un movimiento artístico es una tendencia 
o estilo referente al arte con una filosofía o meta específica en común, seguida por 
un grupo de artistas repercutores durante un período; o característico de 
un periodo ; o restringido a un lugar determinado, con lo que se habla entonces de 
una escuela artística; o limitado a un grupo de artistas en un lugar y momento 
concreto. Con la palabra estilo también se alude particularmente a las 
características que unifican o distinguen una obra artística de otra y a un autor de 
otro. 
 
 
Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares 
durante una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que 
manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los 
movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la 
literatura atendiendo a distintos criterios de periodización. 
 
 
2.1.2. Estilo artístico. Cada periodo histórico ha tenido unas características 
concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o bien únicas y 
diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ahí 
surgen los estilos artísticos, que pueden tener un origen geográfico o temporal, o 
incluso reducirse a la obra de un artista en concreto, siempre y cuando se 
produzcan unas formas artísticas claramente definitorias. 
 
 
Actualmente se emplea este término en su sentido metonímico, es decir, como 
aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse o de concebir 
una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido más genérico, de un 
conjunto de artistas u obras que tienen diversos puntos en común, agrupados 
geográfica o cronológicamente. Así, el estilo puede ser tanto un conjunto de 
caracteres formales, bien individuales, o bien colectivos, como un sistema 
orgánico de formas, en que sería la conjunción de determinados factores la que 
generaría la forma de trabajar del grupo, «un conjunto coherente de formas unidas 
por una conveniencia recíproca, sumisas a una lógica interna que las organiza». 
 
 
 
19	
  
	
  
2.1.3. Escogencia de los principales movimientos que influyeron en el diseño 
gráfico. Según los significados anteriores se entiende que aspectos del 
comportamiento y actividades de los humanos son el punto inicio para muchas de 
las cosas que han surgido y no solo en el campo de las artes, por tal razón los 
movimientos identificados tienen sus características de surgimiento en las 
disciplinas de las ciencias sociales como la Antropología, Historia, Política, 
Economía y Sociología. Es decir que cada uno de los movimientos escogidos 
nació como respuesta a la problemática que se vivía en ese momento. 
 
 
Con la aparición del arts and crafts (artes y oficios) se inicia una época de 
evolución del diseño gráfico, este desencadeno una evolución donde se miró más 
objetiva mente todo lo relacionado con el arte y el diseño gráfico, se crearon 
nuevas teorías, conceptos y se perfecciono habilidades tanto técnicas como 
manuales.Antes de este movimiento nunca tenían como necesidad primaria crear 
nuevos conceptos o tendencias, solo se basaron en reproducir lo existente no se 
dieron a la tarea de hacer una exploración amplia en las nuevas creaciones. 
 
 
Los movimientos que no se incluyeron es porque estos incursionaron más en otras 
áreas como la arquitectura, diseño gráfico, diseño industrial, pintura, escultura, 
escritura, etc. Además de otros que no tuvieran gran fuerza o acogida en las 
personas de sus respectivas épocas. 
 
 
En los siguientes textos se muestra como fue el surgimiento de cada uno de los 
movimientos escogidos, esto con el fin de profundizar sobre el porqué de su 
importancia y inclusión en este proyecto, también se adjuntó a que movimientos 
influyo cada uno de estos movimientos. 
 
 
• Arts and Crafts (artes y oficios). Nace para contrarrestar los efectos de la 
industrialización del siglo XIX, los fundadores de este movimiento pensaban que 
esto generaba una declinación del diseño y la calidad, el movimiento Arts and 
Crafts (artes y oficios) defendía una perspectiva más simple y una mejor moral 
sobre el diseño y su producción. Este promovió los sistemas de producción 
artesanal tradicional entre los diseñadores, manteniendo la creencia de que lo 
fabricado manualmente era mejor a lo fabricado con máquinas. También se veía a 
los sistemas de producción mecanizada como algo degradante. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Art Nouveau, Jungenstil y la escuela de 
Glasgow 
 
 
20	
  
	
  
 
• Ukiyo-e. El significado de Ukiyo-e es “imágenes del mundo flotante”, se 
desarrolló en el periodo artístico Tokugawa japonés (1603-1867). Fue la época de 
la fase final de la historia tradicional japonesa, done creció la economía, 
estabilidad interna y artes culturales. El sogún (un gobernador militar cuyo poder 
excedía al del emperador) temeroso por la expansión colonial europea y de los 
misioneros cristianos, emitió tres decretos en la décadade 1630, por los cuales 
Japón se aisló del mundo y excluyo a extranjeros. A los japoneses se les regreso y 
se les prohibió viajes al exterior. Solo comerciantes holandeses y chinos podían 
arribar al puerto de Nagasaki. En este periodo el arte japonés alcanzó un singular 
carácter nacional con poca influencia externa. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Art Nouveau, Jungenstil y la escuela de 
Glasgow 
 
• Art Nouveau El Art Nouveau fue un estilo decorativo que evoluciono en 
Europa en las dos últimas décadas del final de siglo. Fue conocido también como 
nuevo arte y se basó en el movimiento Arts & Craftss británico, en 1890, varios 
diseñadores vinculados como Charles Rennie Mackintosh, Josef Maria Olbrich, 
utilizaron formas naturales abstractas y curvilíneas, y Hermann Obrist y Agust 
Endell, fueron los primero en introducir el uso de motivos ondulados. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Jungenstil, la escuela de Glasgow y 
separatismo vienés. 
 
 
• Jugendstil. Al Art Nouveau, llega a Alemania donde es llamado jugendstil 
(estilo joven), nombre que es tomado de la revista Jugend (Juventud), que 
empezó a publicarse en 1896 en la cuidad de Munich en 1896. Dicha revista se 
propagó a Berlín, Darmstadt y a toda Alemania. El Art Nouveau alemán tuvo 
fuertes influencias francesas y británicas, sin embargo, conservaron fuertes 
vínculos con el arte académico tradicional. El gran interés que mantenía 
Alemania por las formas de letras medievales, lo llevó a mantener la textura tipo 
Gutenberg y no reemplazarlos con los estilos romanos del renacimiento. Las 
nuevas técnicas de impresión y manufactura acompañadas de la agitación del 
Jugendstil desarrollaron un gran interés por las artes aplicadas llevando a 
muchos artistas alemanes adoptar el diseño gráfico y el diseño de productos. 
 
 
Movimientos en los que influyo, la escuela de Glasgow. 
 
 
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• La Escuela de Glasgow. La Escuela de Glasgow (1875 – 1905) fue una 
institución de enseñanza de Arte, este nombre también hace referencia al grupo 
Glasgow, un círculo de artistas influyentes de ideas modernas que desarrollaron 
el Art Nouveau en Escocia. En este grupo se encontraban los arquitectos Charles 
Rennie Mackintosh y Herbert McNair y las diseñadoras gráficas y decoradoras de 
interiores, Margaret y Frances Macdonald. La escuela tenía como objetivo de 
mejorar la calidad del diseño del país a través de un sistema de educación que 
proporciona formación en diseño para la sociedad. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Jungenstil. 
 
 
• Separatismo vienés. La Sezessionstil, o la Secesión de Viena, dio lugar en 
Austria, el 3 de abril de 1897, por un grupo de jóvenes miembros del 
Künstlerhaus, la Asociación Vienesa de Artistas Creativos, que renunció debido al 
rechazo de artistas extranjeros en las exposiciones de dicha asociación, sin 
embargo el real conflicto fueron las nuevas ideas que surgían de Francia, 
Inglaterra y Alemania, y las ideas tradicionalistas, en adición al deseo que tenían 
los jóvenes artistas de exponer con mas frecuencias sus obras. El guía de la 
revuelta fue el pintor Gustav Klimt (1862-1918) , en la que también participaron 
como miembros clave los arquitectos Joseph MariaOlbrich (18671908) y Josef 
Hoffmann (1870-1956) y el artista y diseñador KolomanMoser (1868-1918). La 
Secesión de Viena se inspiró en la Escuela de Glasgow, y se convirtió en un 
movimiento opuesto al Art Nouveau floral que se llevo a cabo en los países de 
Francia y Alemania. 
 
 
• Cubismo. El cubismo empezó una nueva práctica artística y una forma de ver 
que desafió a 400 años de tradición renacentista del arte pictórico, al introducir un 
concepto de diseño independiente de la naturaleza. La génesis de este 
movimiento fue una serie de trabajos realizados por el pintor español Pablo 
Picasso. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Futurismo y el Dadaismo. 
 
 
• Futurismo. En el año 1909, Italia estaba en un punto de inflexión decisivo en su 
evolución cultural. Hacía pasado mucho tiempo desde que las tradiciones 
transmitidas en la Antigüedad y cultivadas por una comunidad internacional 
admiradora del arte, como la imagen de una arcadia eterna sostenida por los 
viajeros hasta muy entrado el siglo XIX se habían difuminado en el país. 
22	
  
	
  
 
 
El futurismo nació gracias al poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944), publicó 
un manifiesto de futurismo, en el periódico de parisino Le Fígaro el 20 de febrero 
de 1909. La fuerza de sus palabras instituyó al futurismo como un movimiento 
revolucionario en todas las artes con el objetivo de probar sus ideas y formas 
contra las nuevas realidades de la sociedad científica e industrial. El manifiesto de 
Marinetti, expresaba el entusiasmo por la guerra, la época de la máquina, la 
velocidad y la vida moderna. Dicho entusiasmo sacudió al público cuando 
proclamó, “destruiremos museos, bibliotecas y pelearemos contra el moralismo, el 
feminismo y toda cobardía utilitaria”. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Dadaismo, el Suprematismo y constructivismo y 
el De Stijl. 
 
 
• Dadaísmo . El dadaísmo era un anti arte que poseía un fuerte elemento 
negativo y destructivo. Los escritores y artistas se rebelaron con amargura contra 
los horrores de la guerra mundial, la decadencia de la sociedad europea, la 
superficialidad de la fe en el progreso tecnológico y de la religión, códigos morales 
convencionales en un continente en rebelión. Todo este rechazo a la tradición, 
tenía como objetivo buscar la libertad total. Este movimiento artístico era 
principalmente la expresión con que la juventud internacional reaccionó ante la 
política y la sociedad insensata de la época. Éstos dirigieron su voluntad de 
contradicción, a través de actividades, recitados y obras plásticas anárquicas, 
irracionales, contradictorias y desprovistas de sentido. 
 
 
Los dadaístas no concordaban con el origen del nombre Dadá, una versión dice 
que el movimiento fue nombrado cuando los dadaístas abrieron un diccionario 
francés-alemán y seleccionaron al azar la palabra dadá, que significa caballito de 
juguete. Pese a los numerosos manifiestos presentados por los dadaístas, no 
había tras este movimiento un grupo estable. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Surrealismo, el Suprematismo y constructivismo 
y el De Stijl. 
 
 
• Surrealismo. El surrealismo entro en paris en 1924 buscando lo “más real que 
el mundo real tras lo real”, ”, el mundo de la intuición, los sueños y el reino de lo 
inconsciente explorado por Freud. El poeta André Bretón, fundador del 
surrealismo, le creo a la palabra toda la magia de los sueños, el espíritu de la 
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rebelión y los misterios del inconsciente en su Manifesto du Surrealisme: 
“Surrealismo, sustantivo, masculino, automatismo síquico puro por medio del cual 
se pretende expresar, ya sea en forma verbal o escrita, la verdadera función del 
pensamiento. Aunque dictado en la ausencia de todo control ejercido por la razón, 
toda la estética o preocupaciones morales.” 
 
 
Por medio del movimiento de los pintores que el surrealismo afectó a la sociedad y 
a las comunicaciones visuales. Los surrealistas a crearon imágenes tan 
personales que la comunicación se volvió imposible, también produjeron imágenes 
cuyos sentimientos, símbolos o fantasía suscitaron una respuesta colectiva 
universal en grandes cantidades de personas. 
 
 
Tristan Tzara llegó proveniente de Zurich para unirse a Bretón, a Louis Aragon 
(1897 -1982) y a Paul Eluard (1895-1952). Él estimuló en el grupo una actitud 
hacia el escándalo y la rebelión. Estos jóvenes poetas rechazaron el racionalismo 
y las convenciones formales dominantes de las actividades creativas de la 
posguerra en París. El surrealismo (superrealidad en francés) no fue un estilo o un 
asunto de estética, más bien, fue una forma de pensar y saber, una forma de 
sentir y una forma de vida. El surrealismo profesaba una fé poética en el hombre y 
en su espíritu. La humanidadse podía liberar de las convenciones sociales y 
morales. La intuición y el sentimiento se podían manifestar con libertad. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Dadaismo. 
 
 
• Expresionismo. A principios del siglo XX en el arte imperaba la tendencia de 
representar las emociones subjetivas a temas y eventos debido a la condición 
social del momento. A esta forma de expresión se le llamo Expresionismo y se 
inició como un movimiento organizado en Alemania antes de la primera guerra 
mundial. 
 
 
Movimientos que afecto, la Bauhaus. 
 
 
• La fotografía y el movimiento moderno. Todos los estudios sobre diseño e 
innovaciones que se desarrollaron durante varias épocas inevitablemente tenían 
que comenzar a influir en la fotografía de igual manera que lo había hecho la 
tipografía en los enfoques futuristas y dadaístas del diseño gráfico. La fotografía 
surgió como medio para documentar la realidad con mayor precisión que las 
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pinturas en los inicios del siglo XX, la pintura impulsó a la fotografía a su nuevo 
reino de abstracción y diseño. 
 
 
Movimientos en los que influyo, la Bauhaus. 
 
 
• Plakatstil. Plakatstil (estilo de cartel), fue una escuela de diseño en colores 
mate simples que se originó en Alemania en el siglo XX. Renovó la manera de 
diseñar carteles publicitarios y comerciales, su fundador fue Lucian Bernhard. Este 
movimiento coincide cronológicamente con el modernismo, sin embargo se 
destaca por ser completamente diferente. Se Podría decir que Lucian Bernhard 
crea este estilo en 1905, cuando gana la competencia patrocinada por la Cámara 
de Berlín de Comercio, diseñando el afiche de los cerillos (fósforos) Priester, a 
partir de ahí empezó a adquirir fama enseñando el estilo del cartel moderno. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Suprematismo y constructivismo. 
 
 
• Art Decó. El nombre de Art Decó se utiliza para identificar las obras 
geométricas populares de las décadas de 1920 y 1930. Este quería expresar la 
era moderna de la maquina mientras que aún se satisface la pasión por la 
decoración. (El término Art Decó fue acuñado por el historiador de arte británico 
Bevis Hillier en la década de 1960, y se deriva del título Exposition Internationale 
des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, una importante exposición de diseño 
que se realizó en París en 1925.) 
 
 
Pasada la Primera Guerra Mundial, las naciones de Europa y Estados Unidos 
buscaron el regreso a la normalidad. La maquinaria de la guerra fue orientada 
hacia las necesidades de los tiempos de paz y una década de prosperidad sin 
precedente. Las máquinas y la tecnología estaba en su punto más alto. 
 
 
El cubismo y las formas mecánicas industriales se volvió un recurso impórtate 
para los diseñadores gráficos en su trabajo, entre los más destacados de esta 
época se encuentran, el estadunidense que trabajaba en Londres, Edward 
McKnight Kauffer (1890-1954) y un inmigrante ruso en París, A. M. Cassandre 
(nacido con el nombre de Adolphe Jean-Marie Mouron, 1901-1968), estos 
desempeñaron roles muy importantes en la definición de este nuevo enfoque. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el Suprematismo y constructivismo. 
25	
  
	
  
 
 
• Constructivismo y suprematismo. Rusia fue destrozada por la turbulencia de 
la Primera Guerra Mundial y por la Revolución rusa en la segunda década del siglo 
XX. El zar Nicolás II (1868-1918) fue derrocado y asesinado, Rusia fue devastada 
por la guerra civil y el Ejército Rojo de los Bolcheviques emergió victorioso en 
1920. Durante este periodo de trauma político, un breve florecimiento de arte 
creativo en Rusia tuvo una influencia internacional en el diseño gráfico y la 
tipografía del siglo XX. Iniciando con las conferencias rusas de Marinetti, la década 
contempló a los artistas rusos absorber el cubismo y el futurismo con una 
velocidad sorprendente para después continuar hacia nuevas innovaciones. El 
movimiento de vanguardia (avant garde) tenía suficientes rasgos comunes con el 
cubismo y el futurismo como para acuñar el término cubofuturismo. La 
experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron a las publicaciones 
futuristas, las cuales presentaban obras de las comunidades artísticas visuales y 
literarias. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el De Stijl y la Bauhaus. 
 
 
• De Stijl. El movimiento De Stijl inicio en Holanda a finales del verano de 1917. 
También conocido como “neoplasticismo” y “elementalismo”, este crece alrededor 
de la revista de arte del mismo nombre, bajo la dirección del pintor y arquitecto 
Theo van Doesburg, en el grupo se incluían personalidades como Piet Mondrian, 
Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietveld y Vilmos Huszar entre 
otros. Trabajando en un estilo geométrico abstracto, De Stijl buscó leyes 
universales de equilibrio y armonía para el arte, las cuales después serían un 
prototipo para un nuevo orden social. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el movimiento moderno en Estados Unidos de 
America. 
 
 
• Bauhaus. En el año de 1928, Aldous Huxley, escribió la siguente frase: “La 
máquina llegó para quedarse. Ejércitos completos de William Morris y de Tolstoi 
no pudieron expulsarla. Vamos a explotarla para crear belleza, una belleza 
moderna, mientras estamos en ello”. Los pensamientos de todos los movimientos 
evolucionados del arte y del diseño se exploraron, combinaron y aplicaron a casos 
de diseño funcional e industrial en la escuela de diseño de Alemana, llamada la 
Bauhaus (1919-1933). La arquitectura y el diseño de productos y gráficas, se 
constituyeron con el trabajo del personal docente y de los estudiantes, que llevo a 
cabo el surgimiento de una estética moderna. 
26	
  
	
  
 
 
El Manifiesto de la Bauhaus, fue publicado en los periódicos alemanes, y 
estableció la filosofía de la nueva escuela: “La construcción completa es el objetivo 
final de todas las artes visuales. Al principio la función más noble de las bellas 
artes era embellecer los edificios; éstos eran los componentes indispensables de 
la gran arquitectura. Hoy las artes existen en aislamiento. Arquitectos, pintores y 
escultores deben reaprender el carácter compuesto del edificio como una entidad. 
El artista es un artesano enaltecido. En los escasos momentos de inspiración, al 
trascender su voluntad consciente, la gracia divina hará que su trabajo florezca en 
arte. Pero la eficiencia en su oficio es esencial para cada artista. Allí yace la fuente 
principal de la imaginación creativa.” 
 
 
La Bauhaus fue el resultado la preocupación alemana por mejorar el diseño en la 
sociedad industrial. La Deutsche Werkbund (Asociación Alemana de Artesanos) 
trabajó para elevar las normas del diseño y el gusto del público, atrayendo 
arquitectos, artistas, oficiales públicos y de la industria, educadores y críticos a su 
categoría, intentando unificar a los artistas y artesanos con la industria para elevar 
las cualidades funcionales y estéticas de la producción en masa, particularmente 
en los productos de consumo de bajo costo. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el movimiento moderno en Estados Unidos de 
America. 
 
 
• Jan Tschichold y la nueva tipografía. La Innovación creativa del diseño 
gráfico, en las primaras décadas del siglo XIX, se desarrollo gracias a los 
movimientos del arte moderno y de la Bauhaus. Sin embargo estas 
investigaciones hacia un nuevo enfoque para el diseño gráfico se consideraban y 
entendían, sólo por un público limitado y no por el común de la sociedad. 
 
 
Movimientos en los que influyo, el estilo tipográfico internacional. 
 
 
• Estilo Tipográfico Internacional. En Suiza y Alemania, surgió un movimiento 
de diseño, llamado, Estilo Tipográfico Internacional, durante los años de 1950. La 
claridad de este movimiento de diseño ganó seguidores en todo el mundo. 
Permaneció como una fuerza trascendente durante más de dos décadas y su 
influencia continúa hasta hoy en día. Los ofensores del Estilo Tipográfico 
Internacional, están en desacuerdo con la tipobasada en fórmulas y, por tanto, 
resulta en una uniformidad de soluciones. Sin embargo los defensores piensan 
27	
  
	
  
que la pureza del estilo de los medios y la legibilidad de la comunicación 
proporcionan al diseñador un alcance a la perfección imperecedera de la forma, y 
señalan la escala inventiva de soluciones por los primordiales practicantes como 
evidencia de que ni la fórmula ni la uniformidad son personales al enfoque. 
 
 
Movimientos en los que influyo, la escuela de Nueva York. 
 
 
• Escuela de nueva york. El diseño moderno fue importada a Estados Unidos 
por talentosos inmigrantes de Europa que llegaron a este país escapando del 
clima político, trayendo con ellos el vanguardismo de esos países. En este tiempo 
se dio los primeros pasos a un enfoque original estadunidense del diseño 
modernista. Mientras que tomaban los modelos de trabajo de los diseñadores 
europeos, los estadounidenses agregaron formas nuevas y conceptos a la 
tradición del diseño gráfico. El diseño europeo a menudo era teórico y muy 
estructurado; el diseño estadounidense era pragmático, intuitivo y más informal en 
su enfoque para organizar al espacio. Al igual que París había sido la ciudad más 
democrática en el mundo, con gran receptividad para las nuevas ideas e imágenes 
a finales del siglo XIX y principios del XX, la ciudad de Nueva York asumió esa 
función durante la mitad del presente siglo. Tal vez estos incubadores culturales 
fomentaron la creatividad debido a que el clima predominante permitió que los 
individuos alcanzaran su potencial, o bien a que el clima existente actuó como un 
imán que atrajo a los individuos de gran talento y potencial. De cualquier manera, 
la ciudad de Nueva York se convirtió en el centro cultural del mundo a mediados 
del siglo, destacando sobre todo por su innovación en el diseño gráfico. 
 
 
Movimientos en los que influyo, diseño Posmodernista. 
 
 
2.1.4. Épocas que enmarcan la evolución de los principales movimientos del 
Diseño Gráfico. Existen tres grandes épocas en las cuales se enmarca la 
evolución de los movimientos escogidos. También son utilices para reconocer 
cuales son los principales movimientos que influyeron en el diseño grafico. 
 
 
2.1.4.1. La revolución Industrial. Aunque se podría decir que la revolución 
industrial comenzó en Inglaterra, durante el periodo de 1760 a 1840, fue un 
proceso radical de cambio social y económico más que solo un periodo histórico. 
La energía fue el principal impulso de esta conversión de sociedad agrícola a 
sociedad industrial.1 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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  2000,	
  
pág.	
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Este periodo afecto importante el proceso de elaboración de todo material 
artesanal y gráfico. 
 
 
Las artesanías casi desaparecieron por completo. La unidad de diseño y 
producción terminó. En tiempos anteriores, un artesano diseñaba y fabricaba una 
silla o un par de zapatos, y un impresor estaba involucrado en todos los aspectos 
de su oficio, desde el diseño de letra y composición de página hasta la impresión 
de libros y pliegos sueltos. En el transcurso del siglo XIX, sin embargo, la 
especialización del sistema de fabricación fracturo las comunicaciones graficas 
dividiéndolas en componentes de diseño y producción separados. La naturaleza 
de la comunicación visual cambio profundamente. La variedad de tamaños 
tipográficos y estilos de letras aumento. La invención de la fotografía y los medios 
de imprimir imágenes fotográficas que surgieron poco después ampliaron el 
significado de la documentación visual e información pictórica. La litografía a color 
puso imágenes vivas en cada casa; esta revolución democrática permitió que la 
experiencia estética de imágenes llenas de colores antes solo al alcance de pocos 
privilegiados fuera accesible a toda la sociedad. Este siglo dinámico, exuberante y 
a menudo caótico fue testigo de un desfile vertiginoso de nuevas tecnologías, 
formas imaginativas y nuevas funciones para el Diseño Gráfico. El siglo XIX fue un 
periodo inventivo y prolífico para los diseños de tipos de letras que iban desde 
categorías totalmente nuevas de tipos egipcios y sin patines (san-serif) hasta 
estilos lujosos y novedades extravagantes.2 
 
 
• Movimientos que surgieron durante el periodo 
 
 
Elmovimiento de las artes y oficios 
Ukiyo-e 
Art Nouveau 
Art Nouveau Ingles 
Art Nouveau Frances 
El movimiento alemán Jugendstil 
 
 
2.1.4.2. La época modernista. El fin de siglo precipita la introspección. A medida 
que un siglo termina y otro comienza, los escritores y artistas comienzan a poner 
en duda la sabiduría convencional y a especular sobre nuevas posibilidades para 
cambiar las circunstancias de la cultura humano. El final del siglo XVIII dio 
nacimiento a una nueva categoría de diseño de formas de tipos, la cual aun 200 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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  Historia	
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  Mexico	
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  Hill,	
  2000,	
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  127.	
  
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años después se conoce como estilo moderno. Al mismo tiempo, el renacimiento 
neoclásico de las formas grecorromanas en la arquitectura, el vestido, la pintura y 
la ilustración remplazaron el diseño Barroco y Rococó. A medida que el siglo XIX 
se acercó a su final y se inició el siglo XX, los diseñadores de todas las disciplinas 
de la arquitectura, la moda, las gráficas y el diseño de productos buscaron nuevas 
formas de expresión. Los avances tecnológicos e industriales alimentaron estas 
preocupaciones. El nuevo vocabulario de diseño Art Nouveau, había desafiado las 
convenciones del diseño victoriano. El Art Nouveau demostró que era posible 
inventar nuevas formas en vez de copiarlas de la naturaleza o de modelos 
históricos. El potencial del dibujo abstracto y reducido fue explorado por los 
diseñadores de Escocia, Austria y Alemania, quienes se alejaron de la belleza 
sinuosa del dibujo orgánico a medida que buscaban una nueva estética y filosófica 
de diseño acorde con las condiciones cambiantes sociales, económicas y 
culturales del final del siglo.3 
 
 
• Movimientos que surgieron durante el periodo 
 
 
Frank Lloyd Wright y la escuela de Glasgow 
El separatismo vienes 
Peter Behrens y la nueva objetividad 
Cubismo 
Futurismo 
El dadaísmo 
El surrealismo 
El expresionismo 
La fotografía y el movimiento moderno 
Plakatstil 
El cartel va a la guerra 
El modernismo pictórico poscubista 
El suprematismo y el constructivismo rusos 
De stijl (El estilo) 
La Bauhaus y la nueva tipografía 
Jan Tschichold y Die neue Tipographie (La nueva tipografía) 
El movimiento moderno en Estados Unidos de América 
 
 
2.1.4.3. La época de la información. Durante los años de 1950 surgió en Suiza y 
Alemania un movimiento de diseño al que se llamó diseño suizo o, más 
apropiadamente, Estilo Tipográfico Internacional. La claridad objetiva de este 
movimiento de diseño ganó adeptos en todo el mundo. Permaneció como fuerza 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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  Historia	
  del	
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  :	
  Mc	
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  Hill,	
  2000,	
  
pág.	
  210.	
  
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importante durante más de dos décadas y su influenciacontinua hasta hoy en día. 
Los detractores del Estilo tipográfico Internacional se quejan de que está basado 
en formulas y, por tanto, resulta en una uniformidad de soluciones; los defensores 
argumentan que la pureza del estilo de los medios y la legibilidad de la 
comunicación permiten que el diseñador alcance una perfección imperecedera de 
la forma, y señalan la gama inventiva de soluciones por los principales 
practicantes como evidencia de que ni la formula ni la uniformidad son intrínsecas 
al enfoque, excepto en las manos de talentos menores. 
 
 
Las características visuales de este estilo internacional comprenden una unidad 
visual del diseño lograda por medio de la organización asimétrica de los elementos 
de diseño sobre una red dibujada matemáticamente; una fotografía objetiva y 
copia que presentan una información visual y verbal en una forma clara y objetiva, 
libre de los reclamos exagerados de gran parte de la publicidad de propaganda y 
comercial; y el uso de una tipografía sans-serif compuesta en una configuración de 
márgenes alineados a la derecha y desiguales a la izquierda. Los imitadores de 
este movimiento creían que la tipografía sans-serif expresaba el espíritu de una 
era progresiva y que las redes matemáticas eran los medios más legibles y 
armoniosos para estructurar la información. 
 
 
Más importante que la apariencia visual de este trabajo es la actitud desarrollada 
por los pioneros respecto de su profesión. Estos precursores definieron al diseño 
como una actividad socialmente útil e importante y rechazaron la expresión 
personal y las soluciones excéntricas, en su lugar adoptaron un enfoque mas 
universal y científico para la resolución de los problemas de diseño. En este 
paradigma, el diseñador se define no como un artista sino como un conducto 
objetivo para la difusión de información importante entre los componentes de la 
sociedad. El ideal es alcanzar la claridad y el orden.4 
 
 
• Movimientos que surgieron durante el periodo 
 
 
El estilo tipográfico Internacional 
La Escuela de Nueva York 
El diseño posmodernista 
El Pop Art 
 
 
2.1.5. Características graficas básicas. Las formas y los trazos se pueden 
producir espontáneamente cuando se está experimentando con instrumentos, 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
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  Meggs,	
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  2000.	
  Historia	
  del	
  Diseño	
  Gráfico.	
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  Mexico	
  :	
  Mc	
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  Hill,	
  2000,	
  pág.	
  320.	
  
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para obtener efectos gráficos, de textura o relieve y decidir sobre la marcha lo que 
es hermoso o atractivo sin saber conscientemente cómo y por qué. Este es el 
enfoque intuitivo de la creación visual. 
 
 
Por lo contrario podemos tener un conocimiento previo a partir de los problemas 
concretos con los que nos tenemos que enfrentar. Cuando se definen los objetivos 
y los limites, analizamos las situaciones, consideramos todas las opciones 
disponibles, se escogen los elementos para sintetizarlos y se trata de llegar a 
soluciones más apropiadas, este es el enfoque intelectual. 
 
 
Al intentar clasificar y articular los principios del Diseño Gráfico, se destaca el 
enfoque intelectual. Los principios se refieren a las relaciones y estructuras 
específicas de los elementos, formas y figuras.5 
 
Cada uno de estos elementos son como piezas de rompecabezas, si se 
entrelazan correctamente se puede lograr el objetivo pensado. Por este motivo 
resulta útil identificar y recopilar las características graficas básicas de cada 
movimiento para así poder lograr un mejor entendimiento objetivo y estilístico. 
 
 
2.1.6. Recopilar información. La gran cantidad de información que se genera 
diariamente en a nivel mundial es enorme. Investigadores de todas partes del 
mundo aportan continuamente al cumulo de conocimientos globales. Adquirir 
estos conocimientos se hace con frecuencia mediante una investigación 
documental en fuentes secundarias. 
 
 
Las técnicas de recopilación de información consisten en la presentación de un 
escrito formal que sigua una metodología reconocida. Consiste fundamentalmente 
en la presentación selectiva de lo que expertos ya han dicho o escrito sobre un 
tema determinado. También, se puede presentar la posible conexión de ideas 
entre varios autores y las ideas del investigador. Su preparación requiere que se 
reúnan, interpreten, evalúen y reporten datos e ideas de forma imparcial, honesta 
y clara para aportar algo nuevo. 
 
 
2.1.7. Recopilar movimientos o estilos. El diseño se ha convertido en un 
fenómeno universal durante el siglo XXI. Como medio de comunicación y 
expresión para atraer a nuevas audiencias o para inspirar a las generaciones 
mayores, el lenguaje del diseño se ha convertido en la banda sonora favorita de 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
5	
  Wong,	
  Wucius.	
  2008.	
  Fundamentos	
  del	
  diseño.	
  Primera	
  edición.	
  Barcelona	
  :	
  Gustavo	
  Gili,	
  2008,	
  pág.	
  13.	
  
	
  
32	
  
	
  
un mundo en el que el exceso nunca resulta suficiente. En pocas palabras, el 
diseño se ha hecho omnipresente. 
 
 
Por tal razón el interés de agrupar información sobre los movimientos más 
importantes que han definido el Diseño Gráfico. Cada uno es una contribución a la 
evolución del Diseño Gráfico, y son una guía a la hora de aplicar su estilo o 
algunos de sus lineamientos en diseños posteriores. 
 
33	
  
	
  
2.2. MARCO TEÓRICO 
 
 
2.2.1. Elementos gráficos básicos. El principal componente de toda composición 
gráfica es el mensaje a comunicar, la información que se desea hacer llegar al 
destinatario a través de lo gráfico. Esta información se representa y se subdivide 
por medio de diferentes elementos básicos. 
 
 
• Elementos conceptuales: puntos y líneas de todo tipo libres, rectas, 
quebradas curvas, polígonos, círculos, elipses, óvalos) 
 
 
• Tipografía: letras de diferentes formas y estructura, utilizadas para presentar 
mensajes textuales. 
 
 
• Color: El color es medio subjetivo con el que cuenta el diseñador para 
comunicar objetivos puntuales. 
 
 
Ilustraciones y fotografías. 
 
 
2.2.1.1. Clasificación Tipográfica. Existen multitud de familias tipográficas. 
Algunas de ellas tienen más de quinientos años, otras surgieron en la gran 
explosión creativa de los siglos XIX y XX, otras son el resultado de la aplicación de 
los ordenadores a la imprenta y al diseño gráfico digital y otras han sido creadas 
explícitamente para su presentación en la pantalla de los monitores, impulsadas 
en gran parte por la web. 
 
 
Unas y otras conviven y son usadas sin establecer diferencias de tiempo, por lo 
que es necesario establecer una clasificación que nos permita agrupar aquellas 
fuentes que tienen características similares. 
 
 
Son muchos los intentos por lograr agrupar las formas tipográficas en conjuntos 
que reúnan ciertas condiciones de igualdad. Generalmente están basados en la 
fecha de creación, en sus orígenes dentro de las vertientes artísticas por las que 
fueron influenciadas o en criterios morfológicos. 
 
 
 
34	
  
	
  
• Caligráficas. Las tipografías caligráficas o manuscritas son aquellas que 
emulan la escritura manual, ya sea mediante pinceles, plumas, rotuladores o 
cualquier otro instrumento de escritura. 
 
 
• Cancillerescas. Aparecidas en el siglo XV, este estilo fue adoptado por la 
Cancillería Papal para la redacción de documentos administrativos. Reapareció a 
principios del siglo XX gracias al redescubrimiento de la caligrafía renacentista 
italiana. 
 
• Clásicas latinas. Tipografías caligráficas basadas en las utilizadas en el 
período que comprendedesde el imperio romano en el siglo I a.C. hasta el 
renacimiento, en el siglo XV. Trazadas con pluma, no poseen diferencias entre las 
mayúsculas y las minúsculas. 
 
 
• Unciales. Aparecieron en Roma en el siglo III y se extendieron hasta el XI. Son 
una modificación de las Capitalis Quadratas con una apariencia pesada y redonda 
que sufrió ligeras modificaciones a lo largo del tiempo dando lugar a la primera 
letra minúscula mediev 
 
 
• Cursivas inglesas. Nacen de la escritura común hecha con pluma de acero 
derivada del siglo XIX. Son tipografías esbeltas, con líneas finas y gruesas por el 
trazo de la pluma y muy ornamentadas sobre todo en las capitulares. 
 
 
• Formales. Son aquellas tipografías que aun siendo manuales, o emulan serlo, 
poseen una apariencia regular, manteniendo una cierta formalidad a lo largo del 
alfabeto. Tienen formas que se repiten en varias letras, igual que otras tipografías 
de origen no manual. 
 
 
• Informales. Se caracterizan por tener una apariencia irregular y desenfadada. 
No están diseñadas sobre cuadrículas ni existen rasgos comunes entre distintos 
caracteres sino que emulan la escritura a mano alzada. 
 
 
• Infantiles. Son aquellas tipografías que emulan las letras dibujadas por niños. 
Se caracterizan por su apariencia irregular y desproporcionada, e incluso pueden 
estar descolocadas con respecto a la línea base. 
 
 
35	
  
	
  
• Pincel. Escritas utilizando brocha, pincel o un instrumento parecido, estas 
tipografías suelen tener unos bordes irregulares producto del exceso o falta de 
agua en el pincel o del tipo de superficie en la que se apliquen las letras. 
 
 
• Pluma. Son aquellas tipografías escritas con pluma o algún utensilio que 
consiga un efecto similar. Tienen modulación aunque al estar hechas a mano, no 
poseen unas proporciones constantes ni sus formas son completamente 
homogéneas. 
 
 
• Punta redonda. Tipografías creadas con utensilios de punta redonda como 
lápiz, bolígrafo o rotulador por lo que no se crea ningún tipo de modulación aunque 
tampoco significa que posean forzosamente los trazos uniformes. 
 
 
• Cinceladas. También llamadas glíficas o incisas, son aquellas tipografías 
evocadoras de las grabadas en la piedra. Pueden tener serifs o simplemente un 
pequeño aumento del grosor al final de los trazos. 
 
 
• Con serif. Son llamadas tipografías con serif las que llevan remate en los 
extremos. Tienen su origen en la antigüedad, cuando se tallaban en bloques de 
piedra. El tallador desarrolló esta técnica para asegurar que los bordes de las 
letras fueran rectos. 
 
 
• Egipcias. También conocidas como Slab Serif o Mecano, aparecieron en el 
siglo XIX para uso publicitario. Su principal característica está en los remates, muy 
gruesos y generalmente cuadrados y en el poco o nulo contraste entre palos. 
 
 
• Francesas. Las egipcias de estilo francés se caracterizan por poseer una 
relación entre los serifs y los trazos de tipo angular. Fueron las primeras egipcias 
en aparecer y sus remates son densos y rectangulares. 
 
 
• Inglesas. Aparecieron en 1845 gracias al tipo lanzado por Robert Besley & Co. 
llamado Clarendon. Este presentaba un redondeo en la unión de los trazos con los 
serifs y un mejor encaje y llegó a representar un pequeño subgrupo dentro de esta 
categoría. 
 
 
36	
  
	
  
• Italianas. Tienen su origen en las tipografías talladas en madera. Esta subclase 
de las egipcias se diferencia de las demás por poseer los serifs más gruesos que 
los trazos principales. Son muy características en los carteles de los westerns 
americanos. 
 
 
• Máquina de escribir. Con un ancho similar y constante entre palos y serifs, 
estas tipografías están basadas en las utilizadas por las antiguas máquinas de 
escribir. Generalmente todos los caracteres poseen el mismo ancho. 
 
 
• Romanas clásicas. Se llaman así los alfabetos basados en los tipos clásicos 
romanos cortados para imprenta que aparecieron en el siglo XV, derivados de las 
letras manuscritas italianas, y que fueron evolucionando hasta el siglo XX. 
 
 
• Antiguas. Fueron diseñados durante los siglos XVI y XVII. También se conocen 
como "Old Face" o "Garaldas". Se caracterizan por la modulación oblicua, 
contraste medio, trazos terminales más ligeros que los tipos Humanísticos y peso 
y color medio. 
 
 
• Capitulares. Son aquellas derivadas de las letras talladas en la piedra por los 
romanos dando lugar al alfabeto que conocemos actualmente. Están formadas 
únicamente por mayúsculas ya que las minúsculas aparecerían más tarde. 
 
 
• Humanísticas. También conocidas como "Venecianas", aparecieron en siglo 
XV, derivadas de letras manuscritas italianas. Caracterizadas por la modulación 
oblicua, pobre contraste, peso intenso y trazos terminales gruesos e inclinados. 
 
 
• Modernas. Aparecieron en el siglo XVIII gracias a los avances tecnológicos que 
permitieron un mayor refinamiento en la creación de tipos. Destacan por el fuerte 
contraste en el grosor de los palos, modulación vertical y los remates horizontales. 
 
 
• Transicionales. Aparecieron a finales del siglo XVII. Fueron las primeras 
tipografías diseñadas sobre una cuadrícula. La modulación es vertical ó casi 
vertical, los remates angulosos y encuadrados y el contraste entre los palos es 
medio-alto. 
 
 
37	
  
	
  
• Romanas modernas. Comprende aquellas romanas que tienen tal mezcla de 
características que no encajan en las Romanas Clásicas. Son robustas y 
compactas y, por lo general, creadas en el siglo XIX para solucionar problemas de 
impresión. 
 
• Decorativas. Son aquellas tipografías que comparten el estilo propio de una 
época o lugar. Debido a sus formas tan características y su personalidad definida 
y concreta, son apropiadas para dar un carácter histórico o cultural a un diseño. 
 
 
• Alfabetos simplificados. Durante el siglo XX hubo varias propuestas para 
lograr un alfabeto universal basado en la forma más pura de la letra, sin adornos y 
donde no hubiese distinción entre mayúsculas y minúsculas con el fin de lograr la 
máxima funcionalidad. 
 
 
• Art Decó. Nació en 1925 en Francia y se extendió por Estados Unidos hasta 
finales de los años 30. Usaba formas geométricas básicas combinando el cubismo 
con el Art Noveau. Son diseños muy decorados y poco utilizables excepto para 
fines publicitarios. 
 
 
• Art Noveau. Estilo sinuoso y ornamentado con motivos naturales que se 
extendió en Europa del 1895 hasta 1910 aproximadamente. También es conocido 
en España como Modernismo, Sezession en Austria, Jugendstil en Alemania o 
Stile Floreale en Italia. 
 
 
• Dadaístas. El movimiento tipográfico dadaísta se inició en Europa en 1916. Su 
lema era "El mundo y la imagen son una sola cosa". Esta vanguardia se 
caracteriza por el collage y la combinación provocativa y deliberadamente ilógica 
de diferentes tipografías. 
 
 
• Letra gallega. Originaria del estilo uncial, la tipografía gallega está basada en la 
letra del reino de Gallaecia. Perduró a lo largo de los siglos grabada en piedra en 
iglesias, catedrales o monasterios. Posee una geometría y formas muy 
características 
 
 
• Letra vasca. Su origen se sitúa en las inscripciones realizadas en diferentes 
lápidas funerarias de piedra. Posee unas formas y trazos muy característicos y 
más o menos persistentes en los que se sustenta gran parte de la identidad y el 
estilo visual del País Vas 
38	
  
	
  
 
 
• Madera. También llamadas Woodtype, tienen su origen en los tipos de madera 
creados durante el siglo XIX y que resultaban más baratas y duraderas que los 
tipos de metal, aunque su calidad era menor. Se caracterizan por los trazos y 
ornamentación grotesca. 
 
 
• Plantillas. Estas tipografías, también conocidas como Stencil, se caracterizan 
por sus letras divididas en varias partes, facilitando así el poder recortarlas 
manteniéndolas enteras. De esta manera se pueden crear plantillas para 
reproducirlas en otras superficie 
 
 
• Urbanas. Son tipografías que están asociadas con alguna cultura o subculturade origen urbano como puede ser el Punk o el Hip Hop, identificativas de alguna 
banda urbana o cualquier otro ámbito social. 
 
 
• Hip Hop. Las tipografías de estilo Hip Hop emulan tanto los graffitis en paredes 
hechos con spray o pincel como la escritura manual aplicada en papel con 
rotuladores o bolígrafos. Presentan formas muy ornamentadas y en general son 
difíciles de leer. 
 
 
• Populares. Son aquellas tipografías creadas de forma artesanal, generalmente 
con un pincel, por medio de un pintor letrista. Se encuentran en barrios y calles de 
nivel social medio y bajo, en carteles y rótulos. Su función es la de informar, 
vender o publicitar. 
 
 
• Punk. La cultura punk, aparecida en la década de 1960, posee una ideología 
asociada con la anarquía, antimilitarismo o antifascismo. Su estética, relacionada 
con tipografías sucias e impresos de mala calidad y baja resolución. 
 
 
• Góticas. Su aparición se remonta a la Edad Media (siglo XIII) cuando los 
escribas utilizaban la pluma girada 30º para dibujar las letras. Más tarde serían 
tomadas por Gutemberg para hacer los primeros tipos móviles. Tuvieron gran éxito 
en Europa. 
 
 
• Bastarda. También conocida como Híbrida debido a la mezcla de elementos 
cursivos con otros más rígidos y verticales. Fue muy utilizada en códices en 
39	
  
	
  
lengua francesa, sobre todo en la región de Borgoña por lo que también se 
conocen como borgoñonas o burgund 
 
 
• Fracturada. Tipografía de tradición germana y gran belleza que apareció en el 
siglo XVI y que se caracteriza por unos rasgos fracturados y formas muy 
sofisticadas. Las mayúsculas poseen una ornamentación característica. 
 
 
• Redonda. Llamadas Rundgotish en Alemania, aparecieron en el siglo XIII y 
fueron muy utilizadas en Italia y en la Península Ibérica. Se caracterizan por las 
formas curvas y redondeadas, derivadas de las carolingias, aunque más 
angulosas y condensadas. 
 
 
• Tempranas. Abarcan desde el siglo XI hasta el XII. Son descendientes de las 
minúsculas carolingias pero dejan de lado la redondez propia de ese estilo por una 
apariencia más angulosa. En esa época también aparecieron los signos de 
puntuación. 
 
 
• Textura. Utilizadas desde el siglo XII hasta el XV, los trazos son muy angulosos 
y están igualados hasta formar una especie de textura. En los remates de las 
letras se forma un pié con forma de diamante. 
 
 
• Informáticas. Son tipografías aparecidas en el siglo XX gracias al gran avance 
industrial y responden a la necesidad del hombre de adaptar las letras para 
comunicarse con las máquinas o ser mostradas en pantallas pixeladas. 
 
 
• OCR. Las tipografías OCR (Reconocimiento Óptico de Caracteres) fueron 
diseñadas para que pudiesen ser leídas tanto por hombres como exploradas y 
descodificadas por las máquinas gracias a sus formas sencillas esquemáticas. 
 
 
• Para pantalla. Optimizadas para ser mostradas en dispositivos de baja 
resolución, su destino no es el papel sino la pantalla del ordenador. Están 
diseñadas teniendo en cuenta la retícula de píxeles para que puedan ser legibles. 
 
 
• Mixtas. Es el resultado de la mezcla de dos o más tipografías o estilos distintos 
por lo que no se adaptan a ninguna de las demás clasificaciones. Por ejemplo, 
mezclas entre tipografías sin serif con otras que sí la tienen. 
40	
  
	
  
 
 
• Símbolos. Tipografías creadas no a base de letras sino con gráficos. No sirven 
por lo tanto para escribir textos sino que sus caracteres contienen ilustraciones, 
signos o cualquier otro motivo gráfico. 
 
 
• Sin serif. También llamadas de palo seco, estas tipografías se caracterizan por 
la ausencia de remates en los extremos. Aparecieron en Inglaterra durante la 
primera mitad del siglo XIX para su uso en impresos comerciales como carteles o 
etiquetas 
 
 
• Cuadradas. Se distinguen por sus formas y proporciones basadas en el 
cuadrado. Algunas de ellas llevadas hasta tal extremo que ni siquiera poseen 
formas curvas y otras mantienen esas características geométricas combinadas 
con formas más humanas. 
 
 
• Geométricas. Nacen en 1929, consecuencia de las vanguardias y la Bauhaus. 
Construidas a partir de líneas rectas y figuras geométricas como el círculo y el 
cuadrado, son minimalistas, sin modulación ni variaciones de los grosores de los 
palos. 
 
 
• Grotescas. Llamadas "Gothic" en Estados Unidos, fueron las primeras 
tipografías sin serif que datan del siglo XIX. El ojal de la "g" y la existencia de 
algún contraste entre palos son las características más importantes. 
 
 
• Humanísticas. Están basadas en las proporciones de las inscripciones 
romanas mayúsculas y en la escritura manual de caja baja de los humanistas 
renacentistas. Los grosores de los trazos no son uniformes y presentan una cierta 
modulación. 
 
 
• Neogrotescas. Parecidas a las grotescas pero con un diseño más refinado. Su 
construcción obedece a una estudiada estructura. Los contrastes están menos 
marcados y la letra 'g' no tiene ojal, sino una simple cola. 
 
 
• Neohumanísticas. Aparecidas en la década de 1990, son tipografías creadas 
con gran rigor funcional, muy legibles y flexibles. El diseño de la Meta, a manos de 
Erik Spiekermann fue clave para el nacimiento de este nuevo estilo. Son 
41	
  
	
  
apropiadas para proyectos sofisticados como identidades corporativas o 
señalización. Su estética tiende hacia la neutralidad pero con proporciones 
clásicas. 
 
 
• Señalética. Son tipografías especiales creadas para facilitar la legibilidad 
incluso en las situaciones más desfavorables. Sus formas suelen ser bastante 
neutrales, con trazos abiertos y sencillos. Su diseño responde a necesidades muy 
específicas como la señalización de carreteras, aeropuertos u otros lugares donde 
la información debe ser muy accesible.6 
 
 
2.2.1.2. Combinaciones de color para lograr efectos creativos. Los esquemas 
y combinaciones de colores ilustran más de 1.400 posibilidades de color. 
Creativas soluciones de color se presentan con variaciones prácticas y 
emocionales, que brindan una amplia gama de usos del color en todas las áreas 
de las bellas artes, las artes gráficas y las aplicadas. 
 
 
• Poderosos. Las combinaciones más poderosas, llenas de excitación y control, 
se asocian siempre con el color rojo. Cualquiera sea el color con el que se lo 
combine, el rojo nunca puede ser ignorado. Es el color "poder" fundamental, 
vigoroso, audaz, y extremo. Las combinaciones poderosas de colores son los 
símbolos de nuestras emociones más fuertes, el amor y el odio. Representan el 
exceso emocional. 
 
 
En publicidad y en las exposiciones, las combinaciones poderosas de colores se 
usan para transmitir un mensaje fuerte de vitalidad y conciencia. Siempre atraen la 
atención. 
 
 
• Ricos. La riqueza de un color se puede crear combinando un tono poderoso 
con su complemento oscurecido. Por ejemplo, el borgoña .profundo resulta de 
agregarle negro al rojo, y como un buen vino añejo de un viñedo francés, significa 
riqueza. El borgoña y el verde bosque profundo, usados junto con el oro, sugieren 
opulencia. Estos colores oscuros y suntuosos —usados en texturas tan diferentes 
como el cuero y la tafeta— crean un efecto dramático, inolvidable. Siempre 
revelarán un sentido de riqueza y jerarquía. 
 
 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
6	
  2004.	
  letrag.	
  [En	
  línea]	
  2004.	
  [Citado	
  el:	
  19	
  de	
  9	
  de	
  2010.]	
  http://es.letrag.com/clasificacion.php.	
  
42	
  
	
  
• Románticos. El rosa sugiere el romance. El rosa es el blanco agregado al rojo 
en cantidades variables, y es el valor aclarado del rojo. Como el rojo, el rosa 
despierta interés y excitación, pero de un modo más suave y más tranquilo. 
 
 
Un esquema romántico de color que utiliza tintes pasteles de rosa, lavanda y 
durazno, se verá como suavey tierno. Combinado con otros pasteles brillantes, el 
rosa evoca recuerdos de ensoñadores días del estío y ramos llenos de delicadas 
flores veraniegas. 
 
 
• Vitales. Un soplo de vitalidad y entusiasmo se introduce en los diseños y en la 
gráfica mediante el uso del tono más comúnmente conocido como bermellón, o 
cualquiera de sus muchos tintes y matices. Con el uso de combinaciones de color 
con este tono naranja rojizo en el centro, se puede crear fácilmente una sensación 
de vigor y calidez. Estas combinaciones son juveniles y juguetonas, y se ven a 
menudo en avisos que exhiben tonificantes estilos de vida y personalidades 
vigorosas. La combinación del naranja rojizo acompañado por su complemento, el 
turquesa, es activa, fácil de aceptar, y es muy efectiva cuando se la usa en telas, 
publicidad y envases. 
 
 
• Terrosos. Ricas, cálidas, y llenas de vitalidad, las combinaciones terrosas de 
color utilizan con frecuencia el naranja rojizo oscuro y vivaz, llamado terracota. El 
terracota sugiere una calidez sutil, como la del cobre pulido. Cuando se lo usa con 
el blanco, proyecta una combinación natural y brillante. 
 
 
Los tonos terrosos reflejan la juventud amante de la diversión, y traen a la mente 
una manera despreocupada de vivir. Como parte de un esquema análogo, estos 
tonos cálidos y terrosos generan combinaciones excitantes, tales como las que se 
ven en las decoraciones del Oeste norteamericano. 
 
 
• Amistosos. Los esquemas de color que transmiten cordialidad incluyen a 
menudo el naranja. Abiertas y fáciles, estas combinaciones tienen todos los 
elementos de la energía y el movimiento. Crean orden e igualdad, sin la sensación 
de poder o control. 
 
 
El naranja, junto con sus vecinos del círculo cromático, se utiliza con frecuencia en 
los restoranes de comidas rápidas, porque proyecta un mensaje invitante de 
buena comida a un precio amigable. Debido a que es energético y brillante, el 
naranja es el color internacional de la seguridad en zonas de peligro. Las balsas 
43	
  
	
  
guardavidas y los salvavidas naranjas se ven con facilidad en los mares azules o 
grises. 
 
• Suaves. Los tintes de valores aclarados sin altos contrastes, son los más 
cómodos de usar cuando se crean combinaciones de colores suaves. El durazno, 
como parte de una paleta apagada, es delicioso y atractivo en su mensaje de 
color, y viable en cualquier medio, desde los restoranes a las exhibiciones de las 
tiendas o la moda. Cuando se lo combina con tintes de violeta y verde se vuelve 
parte de un esquema de color secundario, amortiguado pero mágico. Estos 
colores suaves y tranquilizantes son ideales con frecuencia para la decoración 
hogareña. Las combinaciones son alegres y comunicativas, a la vez que calmas y 
acogedoras. 
 
 
• Acogedores. Las combinaciones de colores que utilizan el naranja amarillento 
o el ámbar, son las más acogedoras. El amarillo combinado con una pequeña 
cantidad de rojo crea estos tonos radiantes, que son universalmente atractivos. En 
toda su fuerza, el naranja amarillento o el ámbar se pueden comparar con el oro o 
el azafrán, la especia preciosa. Un esquema monocromático de color azafrán 
usado con el blanco, tiene belleza clásica y es muy acogedor. Las combinaciones 
hechas con ámbar pálido son cálidas y simpáticas. Este tono se puede utilizar en 
una variedad de aplicaciones que requieren tintes cremosos, para expresar 
ambientes festivos y cordiales. 
 
 
• Movilizantes. Las combinaciones de colores más brillantes son las que tienen 
amarillo primario en el centro. El amarillo expresa el sol dador de vida, la actividad 
y el movimiento constante. Cuando se le agrega blanco al amarillo, su calidad 
luminosa aumenta y el efecto general es el de un brillo extraordinario. 
 
 
Los esquemas de color de alto contraste, tales como el amarillo con su 
complemento violeta, significan actividad y movimiento. Estas paletas generan 
movimiento, especialmente dentro de un espacio redondo. Es casi imposible 
sentirse abatido cuando se está rodeado por una combinación que utiliza el 
amarillo, o cualquiera de sus tintes. 
 
 
• Elegantes. Las combinaciones elegantes de color utilizan únicamente los tintes 
más pálidos. Por ejemplo, un susurro de amarillo combinado con blanco da un 
crema pastel, que se puede usar para crear una versión más cálida de una 
habitación totalmente blanca. La presencia de la luz natural produce sombras 
sutiles y realza los detalles arquitectónicos, lo que ayuda a ambientar un entorno 
elegante. 
44	
  
	
  
 
Las paletas que combinan tonos similares al color de las cascaras de huevo y de 
la lencería, son compatibles con la mayoría de los demás tonos, y ofrecen una 
alternativa viable para los esquemas de blanco acromático o incoloros. En la 
moda, las elegantes telas de hilo, seda, lana y terciopelo en tonos cremosos, dan 
la impresión de holgura y opulencia, al crear una apariencia de sobrentendida 
clasicidad. 
 
 
• Orientadores. Lo que está de moda hoy puede estar fuera de moda mañana. 
Los esquemas de color en boga pueden ser agradablemente chocantes, en 
combinación con otros colores. El verde pálido (chartreuse) es un ejemplo 
excelente de un color acentuado que se usa en los objetos juveniles y excéntricos. 
Este tono brillante forma parte de innumerables combinaciones de color utilizadas 
en la moda, desde las zapatillas de basket hasta los suéters. Una combinación de 
un contraste exquisito es el verde amarillento o el chartreuse, unido a su 
complemento perfecto, el magenta. 
 
 
• Lozanos. Con cantidades iguales de azul y amarillo, el verde sugiere salud y 
prosperidad. Si bien débil en sus tintes más suaves, el verde, un tono retraído, 
sólo necesita ser combinado con pequeñas cantidades de su fuerte complemento, 
el rojo, para aumentar su vitalidad. El uso de colores análogos del verde en el 
círculo cromático, creará fuertes combinaciones de colores, que se parecen a los 
intensos ambientes al aire libre. Como el pasto recién cortado en un día claro, el 
celeste y el verde, juntos, siempre lucen frescos y naturales. 
 
 
• Tradicionales. Las combinaciones tradicionales de color están copiadas, a 
menudo, de las que tienen significación histórica. Los colores conservadores del 
azul, el bor-goña, el tostado y el verde, en sus tonos agrisados o profundizados, 
expresan temas tradicionales. Por ejemplo el verde, tanto en su tono pleno como 
en los matices agrisados, siempre significa posesión. El verde cazador combinado 
con el dorado profundo o el borgoña, o en combinación con el negro, sugiere 
riqueza y estabilidad. El verde cazador se ve con frecuencia en la decoración de 
bancos y oficinas jurídicas, donde sugiere permanencia y valor. 
 
 
• Refrescantes. Las combinaciones de colores consideradas refrescantes 
incluyen habitualmente al fresco verde azulado, unido a su complemento, el 
naranja rojizo. El verde azulado o verde oscuro es fresco y tonificante. Se lo utiliza 
a menudo, en su tono pleno, para describir viajes y tiempo libre. Las 
combinaciones refrescantes de colores burbujean con ligereza, al mismo tiempo 
que brindan una sensación de calma tranquilizadora. 
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• Tropicales. Los tonos tropicales del círculo cromático siempre incluyen el 
turquesa. El verde azulado se aclara hasta el turquesa por el agregado del blanco, 
y es el más cálido de los colores frescos. Si uno se limita a los tintes más claros de 
la familia del verde azulado, logrará incrementar la sensación y el mensaje de 
tranquilidad. El uso del naranja rojizo, el complemento del turquesa, es perfecto en 
cualquiera de estas combinaciones. Como las flores en la naturaleza, estos 
esquemas de color intensifican cualquier ambiente, y crean un sentimiento de 
serenidad, libre de tensiones. 
 
 
• Clásicos. Las combinaciones de color clásicas indican fuerza y autoridad. El 
azul real intenso es la pieza central de cualquier agrupamiento clásico de colores. 
Sobresale, aun cuando esté combinado con otros tonos. 
 
 
Las combinacionesclásicas implican veracidad, responsabilidad y confianza. 
Debido a su proximidad con el verde, el azul real despierta una sensación de 
continuidad, estabilidad y fuerza, especialmente en combinación con su 
complemento dividido, naranja rojizo y naranja amarillento. 
 
 
• Confiables. Uno de los tonos más ampliamente aceptados es el azul marino. 
Las combinaciones que utilizan este color se interpretan como confiables y 
seguras. También contienen un mensaje innegable de autoridad. Los oficiales de 
policía, de la marina y los funcionarios de la corte, usan combinaciones de colores 
que incluyen el profundo y seguro azul marino para imponer autoridad, a través de 
su apariencia. Cuando se lo acentúa con el dorado y el rojo, el azul marino se 
vuelve menos severo, pero todavía comunica firmeza y fuerza. 
 
 
• Tranquilos. En cualquier ambiente de tensión, el combinar tonos de azul 
agrisados o aclarados producirá un efecto tranquilizador y descansado. El azul 
aclarado está en el centro de los esquemas de color que sirven para confirmar, y 
que son considerados veraces y directos. 
 
 
Los colores frescos con tintes pueden conservar una sensación de bienestar y 
paz. Es importante que los complementos y acentos de estos tonos tranquilos 
sean de valor similar, ya que los tonos que son demasiado vividos pueden generar 
una involuntaria tensión. 
 
 
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• Majestuosos. La plenitud del azul combinado con la fuerza del rojo crea el 
violeta azulado. Es el tono más oscuro del círculo cromático, y no contiene nada 
de negro que disminuya su poder innato. 
 
 
Las combinaciones que utilizan este color simbolizan la autoridad y la inspiración 
regia. Comparado con las ciruelas negro azuladas más profundas del verano, el 
violeta azulado combinado con su complemento, el naranja amarillento, crea un 
esquema de color sumamente llamativo. Esta combinación exuberante sugiere la 
majestad real, y rara vez se la utiliza fuera de un ambiente intimidante. 
 
 
• Mágicos. Los elementos de sorpresa y magia se asocian a menudo con el 
violeta. Por sí mismo, el violeta transmite su propia personalidad impredecible. 
Con sus compañeros secundarios, el naranja y el verde, el violeta, de cualquier 
tinte o matiz, se convierte en parte de una combinación excitante, y levemente 
excéntrica. 
 
 
Cuando se lo usa con el chartreuse y el naranja amarillento, es extravagante y 
discordante, hasta chillón. En combinación con su verdadero complemento, el 
amarillo, el violeta tiene un equilibrio espectral, y se lo puede disfrutar por largos 
períodos de tiempo. En la moda, se lo considera un color inmaduro, y se lo utiliza 
para llenar el vacío entre el niño y el adulto. 
 
 
• Nostálgicos. Las combinaciones de colores que utilizan el lavanda son 
frecuentemente consideradas nostálgicas. Recuerdan la era victoriana, y pueden 
hacernos acordar de momentos de ensueño, poesía e ideales románticos. Más 
delicado y menos apasionado que el rosa, el lavanda tiene rojo y azul en su 
estructura violeta. Cuando se lo combina con otros pasteles, el lavanda es el tono 
sobresaliente, aun con sus acentos apagados. 
 
 
• Enérgicos. Las combinaciones enérgicas de colores contienen a menudo el 
violeta rojizo, conocido también como fucsia. Siempre comunica un inconfundible 
mensaje de actividad. El fucsia, o magenta, tiene una personalidad tan exuberante 
que, para ser viable, se combina a menudo con su tono complementario, el 
chartreuse. Una combinación discordante que utilice el fucsia y el amarillo o el 
verde, será excitante en el momento, pero limitará invariablemente el efecto 
general de la combinación, y disminuirá su viabilidad. El verde amarillento, cuando 
se lo une al fucsia o magenta, incrementa la personalidad entusiasta de este 
vigorizante color. 
 
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• Amortiguados. A diferencia de un esquema de color energético, un esquema 
amortiguado o agrisado tiene poco contraste. El malva, una mezcla de magenta, 
gris y blanco, es un color disminuido. El agregado de gris mínimo y blanco a 
cualquier tono brillante, da como resultado variaciones amortiguadas y delicadas, 
que incluyen los azules agrisados y los verdes agrisados. El malva, combinado 
con otros tintes y matices, parece ser subestimado y opaco. Una chispa de color, 
en la forma de su complemento, o un tono más vivido que el original, se debe 
agregar para volver a la vida a estos tonos suaves. Para conservar la naturaleza 
amortiguada de los colores similares, se deben utilizar los matices frugalmente. 
 
 
• Profesionales. En el mundo del profesional de los negocios, el color se evalúa 
con mirada escrutadora. En la moda, la palabra "profesional" ha llegado a 
significar grises y negros tonales, porque estos colores carecen de características 
personales y son verdaderamente neutrales. Los grises caldeados, sin embargo, 
son fondos perfectos para tonos brillantes como el rojo, el verde oscuro, el 
naranja. Los esquemas basados en el gris acromático, combinado con acentos 
vividos, se vuelven neutros acentuados. 
 
 
El gris no es excitante, pero es práctico. Envía un mensaje sobrio, con un mínimo 
de humor.7 
 
 
2.2.1.3. Características de los movimientos. Hay numerosas formas de 
interpretar el lenguaje visual. A diferencia del lenguaje hablado o escrito, cuyas 
leyes gramaticales están más o menos establecidas, el lenguaje visual carece de 
leyes obvias. Cada teórico del diseño puede poseer un conjunto de 
descubrimientos distintivos por completo. 
 
 
• Elementos visuales. Cuando se dibuja los elementos conceptuales se hacen 
visibles, tienen forma, medida, color y textura. Los elementos visuales forman la 
parte prominente de un diseño, porque son lo que realmente vemos. 
 
 
Forma: Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación 
principal en nuestra percepción. 
 
 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
7	
  Whelan,	
  Bride	
  M.	
  1994.	
  La	
  armonía	
  en	
  el	
  color.	
  Mexico	
  :	
  Rosario	
  Salinas,	
  1994.	
  pág.	
  25-­‐121.	
  
48	
  
	
  
• Medida. Todas las formas tienen un tamaño. El tamaño es relativo si lo 
describimos en términos de magnitud y de pequeñez. Pero así mismo es 
físicamente mesurable. 
 
 
• Color. Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color. El color se 
utiliza en su sentido amplio, comprendiendo no solo los del espectro solar sino 
asimismo los neutros (blanco, negro, colores grises) y asimismo sus variaciones 
tonales y cromáticas. 
 
 
• Textura. La textura se refiere a las cercanías en la superficie de una forma. 
Puede ser plana o decorada, suave o rugosa, y puede atraer tanto al sentido del 
tacto como a la vista.8 
 
 
2.2.2. Recopilar información 
 
• Obtención de datos. Dentro de un proceso de investigación una de las 
actividades que se realizan es la recopilación de datos, la cual es el acopio de 
información y se incluye desde elaborar fichas bibliográficas hasta la aplicación de 
cuestionarios con el empleo de técnicas de muestreo. 
 
 
Existe una gran variedad de técnicas para realizar una investigación, que se 
deberán seleccionar de acuerdo a las necesidades del problema, así como a 
diferentes factores como son el tiempo, costo, tipo de actividades a realizar, 
recursos humanos, etc. 
 
 
• Concreción del problema 
 
 
Determinar el área. 
Comenzar a formar una bibliografía. 
Analizar el área y conocer las claves. 
Decidir el tema concreto sobre el que se va a investigar. 
Comprobar la viabilidad del tema elegido. 
 
 
 
 
	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  	
  
8	
  Wong,	
  Wucius.	
  2008.	
  Fundamentos	
  del	
  diseño.