Barroco-Indumentaria-2019(1)

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DISEÑO DE INDUMENTARIA Y TEXTIL 
FADU – UBA 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
HISTORIA I 
 
 
 
 
 
CÁTEDRA: LIC. ROSANA LEONARDI 
 
 
Ficha de cátedra 
 
Aschkar, Verónica 
Vázquez, Gabriela 
Soto, Helga 
Argentini, Florencia 
 
 
Indumentaria en el Barroco 
 
2019 
 
1 
 
Indumentaria en el Barroco 
Verónica Aschkar, 
Gabriela Vázquez, 
Helga Soto, 
Florencia Argentini. 
Introducción 
El siglo XVII se caracteriza por ser un período de grandes 
cambios y tensiones políticas entre los diferentes poderes 
europeos. Evidencia de este clima fue la guerra de los 
Treinta Años (1618-1648) que no sólo llevó austeridad y 
restricciones a la mayor parte de Europa central sino que 
configuró el panorama político de Europa por los años 
siguientes. 
Por otro lado, el orbe católico descubrió que el arte podía 
servir a la religión de un modo que iba más allá de la tarea 
de enseñar la doctrina a la gente que no sabía leer: podía 
ayudar a persuadir y a convertir a aquellos que, acaso, 
habían leído demasiado (Gombrich, 1997). De esta 
manera, a partir del Concilio de Trento, surge un arte que 
rompe con las estructuras rígidas del Renacimiento y se 
adapta al nuevo estilo de vida con situaciones de constante 
cambio y movimiento: el Barroco. Sin embargo, como bien 
señala Ernst Gombrich , 
No solamente la Iglesia católica descubrió el poder del arte para impresionar y 
abrumar. Los reyes y príncipes de la Europa del siglo XVII desearon igualmente 
ostentar su poderío e incrementar de este modo su influjo sobre el espíritu de las 
gentes. También ellos desearon aparecer como seres de otra condición, destinados a 
gobernar por derecho divino sobre el común de los mortales. (Gombrich, 2012, p. 447) 
El gusto por la estética barroca se difundió por toda Europa 
alcanzando la arquitectura, la escultura, la pintura y también las 
vestimentas. El guardarropa femenino y masculino se enriqueció a 
lo largo del siglo con diversos accesorios y tejidos lujosos 
acompañando el gusto por lo asombroso y el artificio. Durante el 
siglo XVII, las modas evolucionaron con rapidez y adoptaron 
connotaciones locales en torno a las cortes gobernantes. 
De acuerdo con Stefanella Spósito, en las primeras décadas del 
siglo predominó el gusto español. Como potencia católica 
hegemónica, España adoptó una indumentaria rigurosa y severa, 
con leves modificaciones que aligeraron los rellenos y la hicieron 
un poco más suelta, permitiendo agilizar los movimientos (Spósito, 
2016). 
Con el correr del siglo, el reino español perdió la supremacía de 
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En este período también se observa el crecimiento del puritanismo, que influyó en la vestimenta 
de las primeras décadas, sobre todo en lo que hoy es Inglaterra y Holanda. El carácter burgués de 
la sociedad holandesa se expresaba en la indumentaria sencilla tanto de hombres como de 
mujeres y los colores preferidos eran el negro, violeta o marrón. Como cuenta James Laver 
(1992), el sistema de gobierno de los Países Bajos protestantes era diferente del que existía en 
cualquier otro lugar de Europa. Holanda estaba gobernada por una burguesía próspera, un cuerpo 
de comerciantes y magistrados influyentes y devotos, conocidos como regentes. Según Laver, 
éstos llevaban un traje distintivo, de corte conservador y color negro. Se da una curiosa paradoja 
en esto ya que los holandeses, que habían luchado para obtener la independencia de España, 
continuaban, sin embargo, mostrando la influencia española en la ceremonia y sobriedad de sus 
trajes. Claro está que les parecía una vestimenta apropiada a su sello de austero protestantismo. 
A propósito de esto dice Spósito, 
La Reforma protestante de Martín Lutero, que se oponía a la degeneración de costumbres 
de la iglesia romana, adopta el negro como color ideológico. Sobre todo en Holanda, estos 
colores expresan la ética burguesa del esfuerzo, de la laboriosidad en los negocios y el 
respeto riguroso a las leyes establecidas. (Spósito, 2016, p.103) 
A pesar de su desarrollo como potencia industrial y marítima bajo el reinado de Carlos I, Inglaterra 
se quedó rezagada, conmocionada por la guerra civil que terminó hacia 1660 (Boucher, 1965). 
Debido a esto, en cuanto a la indumentaria, este país se limitó a imitar las modas francesas, a 
excepción de los puritanos que seguían las modas holandesas (Laver, 1992). 
Frente a este panorama, el presente estudio sobre la 
indumentaria barroca se centra en Francia, dado que es el 
país que se va a posicionar como gran potencia europea 
durante el siglo XVII. Los cambios más significativos de la 
indumentaria Barroca se dieron a partir del reinado de Luis 
XIII (1610-1643), quien emprendió el camino hacia el 
absolutismo monárquico que se consolidará, con su hijo y 
sucesor, el “Rey Sol” (Luis XIV). Luis XIII, junto al cardenal 
Richelieu como ministro, comenzó un plan de centralización 
del poder y de fortalecimiento de la política interna y externa, 
pero fue durante el reinado de Luis XIV que París 
experimentó el período de mayor expansión económica. Así 
mismo, durante la segunda mitad del siglo se construyó el 
palacio de Versalles, símbolo de la monarquía absoluta que 
ejercía el Rey Sol. 
Amante de la elegancia y la perfección, Luis XIV, junto a Jean-Baptiste Colbert, su principal 
ministro, hizo del comercio del lujo una política de Estado. El rey establecía reglas de buen gusto y 
determinaba los productos decisivos para la promoción de su imagen como el monarca más rico, 
sofisticado y poderoso de Europa. Colbert se encargaba de que dicha producción fuera efectuada 
por artesanos franceses reduciendo al máximo las importaciones que desbalanceaban la 
economía exterior. El otro efecto buscado fue la ampliación del público que consumiera estos 
productos de lujo por idénticas razones. Dichos productos, asociados con el buen gusto y el lujo, 
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Accesorios 
Canons 
También conocidos como canions, era un 
“puño de media”, que se utilizaba a modo 
de ornamentación. Boucher señala, que se 
colocaban encima de las medias, carecían 
de punta y talón, y en la parte superior 
formaban un ancho embudo adornado con 
encajes que se doblaban sobre la bota 
(Boucher, 1965). 
 
 
Guantes 
Seguían la forma de embudo, al 
igual que las botas. En general, 
eran de procedencia española, 
y estaban confeccionados en 
piel flexible. Tenían grandes 
puños ensanchados, a veces 
cubiertos de bordados, y a 
menudo perfumados. La gente 
corriente llevaba manoplas, en 
los cuales sólo el pulgar estaba 
separado (Boucher, 1965). 
 
 
 
Luis XIII. 
Autor y año desconocidos 
Extraído de Historia del calzado 
desde la antigüedad más 
remota hasta nuestros días. 
Paul Lacroix. 1862 
Enrique II de Lorena. 
A.van Dyck, c.1634, 
(fragmento) 
Joven tocando el laúd. 
Bosse c.1630 
Marqués de Cinq-Mars. 
Atribuido a F.Le Nain, c. 1640 
Louis XIII en la casa Chiswick. 
Atribuido a Ferdinand Elle, c.1634. 
El cortesano tras el último edicto. 
Abraham Bosse, 1633. (Fragmento) 
 
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Tocados y
Sombrero 
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18 
 
Luis XIV. Autor anónimo, 1660. 
París, Biblioteca Nacional de 
Francia. 
El ideal cortesano. Reinado Luis XIV 
● Indumentaria Masculina 
A mediados del siglo XVII y bajo el reinado de Luis XIV, las galas y eventos sociales realizados 
por la aristocracia crecieron exponencialmente, lo que influyó en la vestimenta de la época que 
comenzó a ser cada vez más exuberante. El teatro, el ceremonial y las fiestas cortesanas no sólo 
eran una expresión de vitalidad barroca, sino también una forma muy elaborada para dominar a 
las masas (Andreas Prater, 1998). 
“En todos los espectáculos que componen la fiesta, ya 
sea pública o privada, el vestuario adquiere una gran 
importancia por su valor visual, porque en él se cifra el 
prestigio del individuo ante la sociedad de la que forma 
parte. Cualquier acto social se convertía en ocasión 
especial de lucimiento y ostentación (...)” (Ferrer Valls, 
2003, p. 17) 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Hacia mediados del siglo XVII, comenzaron a utilizarse los 
“rhingrave”. Se trataba de unos calzones extremadamente anchos 
(hasta 1,80 m de contorno por cada pierna), con pliegues tan 
abundantes que parecían una falda y no permitían distinguir la 
separación de las piernas. Estaban adornados con encaje o lazos de 
cintas, y se llevaban sobre calzas ahuecadas, visibles o invisibles. 
Esta prenda, de las más curiosas de la indumentaria masculina, se 
usó entre 1650 y 1675 (Boucher, 1965). 
Aunque F. Boucher no comparte esta teoría, en general, historiadores 
como J. Laver coinciden en que eran originarios de Holanda y 
posiblemente fueron introducidos en Francia por un conde, a quien se 
le debe el nombre “rhingrave”, que viene del holandés Rijn Graaf, que 
significaba “conde del Rhin”. (Laver, 1992). Los utilizados en los 
Países Bajos, eran de una versión más sobria, de paño negro y lino 
blanco. En la corte francesa se adaptaron al gusto del monarca, con 
textiles y ornamentaciones más ostentosas y paletas de colores 
estridentes. “La complicación y envergadura de esta prenda, parecen 
haber alcanzado su máximo en Francia, Alemania e Inglaterra, 
España parece haberlo ignorado, y en los demás países se llevó de una versión menos excesiva” 
(Boucher, 1965, p.222). 
 
Luis XIV con un traje polaco para un 
baile de máscaras. 
Joseph Werner, c. 1664. 
19 
 
Retrato de un hombre joven
Gerard ter Borch, C.1663 
Retrato de un niño Abraham 
Reidt, 1660 
Retrato de una pareja patricia. 
Bartholomeus van der Helst, 
1661 
Holanda 
 
Algunas de las piezas iconográficas de Francia que nos permiten apreciar el rhingrave, las 
constituyen las pinturas de Jacques Laumosnier y los tapices de la historia de Luis XIV de Charles 
Le Brun. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
La entrevista de Luis XIV y Felipe IV en la isla de los Faisanes. Jacques Laumosnier, c.1690. 
La pintura representa el encuentro entre el rey Luis XIV de Francia y Felipe IV de España en la isla de 
los Faisanes, el 7 de junio de 1660. En la misma, el monarca español entregaba a su hija María 
Teresa, al francés como esposa. En el encuentro también se firmó el Tratado de los Pirineos, que 
ponía fin a la guerra de los Treinta Años. 
 
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Accesorios 
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Si bien Boucher argumenta que estos 
accesorios fueron menos habituales durante la 
época de los rhingraves pueden verse en 
numerosas iconografías. Modelos más anchos, 
bordados, acolchados, adornados con galones 
y flecos sustituyeron a los cinturones del estilo 
anterior 
 
 
 
 
 
Canons 
Hacia 1660, estos accesorios de encaje se fruncían en la parte superior, y generaban mucho 
volumen en la parte inferior, lo que Spósito llama, “forma de pantalla”. Lo cual obligaba a los 
hombres a caminar de una manera incómoda, con las piernas abiertas (Spósito, 2016). 
Galants 
Se trataba de cintas de seda que podían colocarse sueltas o en forma de moño.Decoraron los 
conjuntos generando grandes volúmenes en cuellos, hombros, cinturas y piernas. Llegaron a ser 
de los ornamentos más utilizados durante el reinado de Luis XIV. Al respecto, Boucher afirma que 
todo el traje podía llegar estar sobrecargado de estos lacitos y que “cuando a partir de 1665, se 
tomaron medidas restrictivas 
respecto a los bordados de oro, 
éstos fueron sustituidos, por los no 
privilegiados, por galones, botones y 
flecos que sobrecargaron las 
prendas hasta el extremo” (Boucher, 
1965, p.224). 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Vista del castillo de Vincennes con Luis XIV y M. T. 
de Austria. F. van der Meulen, 1669. (Fragmento) 
Luis XIV, frente al de las Tullerías. C. Le Brun, 1662. 
La entrevista de Luis XIV y Felipe IV en 
la isla de los Faisanes J. Laumosnier, 
c.1690 (Fragmento). 
 
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La belleza natural resulta impensable en ese universo del encantar. Sin embargo, el busto 
comprimido y el vientre estrangulado de las damas de la alta sociedad no se imponen en las 
demás mujeres que parecen conservar sus libertades. Las siluetas más contenidas de las damas 
de la corte se oponen a los contornos considerados como pesados de las granjeras que expresan 
una estética más descuidada y menos artificial. 
Vestido 
Los cambios en los vestidos radican esencialmente en un 
aumento de ornamentación a partir de la influencia del gusto 
por lo barroco coincidente con la llegada de Luis XIV al trono de 
Francia. 
El escote de los vestidos se había ampliado dándole una forma 
tipo bote, y se adornaba con encajes, piedras preciosas y 
moños. Las mangas se fueron acortando en relación al período 
anterior pero seguían siendo voluminosas y recogidas y 
ajustadas a la altura del codo. Se hacen más blandas y 
abullonadas y se unen más bajas a los hombros, adornadas 
con rellenos, lazos, galones, y ribetes de pasamanerías y 
volados que podían ser de lino, algodón o encaje como los bajo 
de las enaguas. 
Entre los diferentes autores 
analizados encontramos la 
existencia de vestidos para 
diferentes ocasiones: monta, 
informal, holgado, de ceremonia. Todos presentaban cantidad 
de prendas superpuestas y ornamentadas, variando un poco 
en la morfología, tejidos y colores. 
Las faldas se componen de una superposición de enaguas que 
cubría al nuevo método de ahuecamiento que comienza a 
reemplazar al verdugado renacentista: el tontillo. Este objeto 
ensancha las caderas por los costados mientras aplana el 
centro por delante y por detrás. Se realizaba con aros de 
ballena, de sauce o varillas de metal, tela engomada y finas 
láminas de madera que se acolchaba con paños almidonados. 
El tamaño del mismo aumenta progresivamente a medida que 
nos acercamos al Siglo XVIII. Las caderas naturales quedan 
totalmente ocultas entre los volados y pliegues de la parte 
inferior, lo cual da cuenta del lugar destacado que se brinda a 
la decoración por sobre la actividad. 
Bata / Manteau 
La aparición de esta nueva prenda es explicada de diferentes maneras según los distintos autores 
consultados (Fogg, Spósito, Boucher), pero todos coinciden en que se trataba de una prenda que 
se superponía a las enaguas y se recogía hacia atrás, dejando ver las diversas capas interiores. 
Fogg señala la mención de la mantua en una pintura de 1660, como sucesor de un vestido suelto 
tipo camisón que usaban las mujeres de manera informal. Por su parte, Spósito destaca la 
existencia de una falda con cola llamada mantello, que se unía al corsé y estaba confeccionada en 
Madame de Montespan. 
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27 
 
raso o terciopelo forrado de seda con ribetes adornados y 
enganchados. Debajo aparecía la falda propiamente dicha de 
color liso, con franjas o dibujos compuestos. Boucher señala al 
vestido de encima como el antecesor de la mantua y se llevaba 
sobre las enaguas recargadas con volados y encajes de oro y 
plata. Esta bata o manto podía también tener una cola que se 
relacionaba con el rango dela mujer que la portaba y solía 
tener pliegues y drapeados varios que sumaban a la 
exuberancia del conjunto. 
 
 
Vestido de ceremonia 
El vestido de ceremonia femenino exhibía la riqueza y 
el estatus de la persona que lo vestía. La silueta de la 
mujer simulaba una forma de cono invertido y se 
adecuaba mejor para las mujeres menos rellenitas. Sin 
embargo, algunas damas de la corte lo preferían a 
otros estilos más acordes a su cuerpo. Esta 
indumentaria adaptaba una elaborada bata interior 
abierta por delante como prenda exterior (la mantua o 
manteau) que llevaba sobre una falda, un corpiño y 
una pieza de estómago. 
Al respecto, Fogg lo describe de la siguiente manera: 
El vestido de ceremonia está compuesto por el bustier (grand corps o corps de robe), la 
falda (jupe) y la cola (bas de jupe o queue). El corpiño lleva ballenas y aplasta y deja ver el 
pecho, forzando la posición de los hombros hacia atrás. 
Las mangas hasta el codo, se llevan caídas y abullonadas, y se adornan con capas de encajes y 
ribetes. Las faldas alcanzan un gran volumen el ahuecamiento gracias a un ahuecamiento 
denominado tontillo. Con respecto a los colores, no había un código particular, pero las mujeres 
mayores usualmente vestían de negro y las más jóvenes del estatus social más alto preferían 
llevar oro y plata. 
Accesorios 
Durante el siglo XVII, los juegos de cartas se volvieron un hábito para todas las clases, sobre todo 
aquellos que permitían hacer apuestas. Debido a esto, se pusieron de moda unos bolsitos 
ricamente decorados para guardar las fichas o el dinero. Estaban hechos de brocado o terciopelo 
y bordados con hilos dorados y plateados, muchas veces con motivos indicando el origen y 
estatus de la persona que los utilizaba. 
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Para corroborar esta visión de Laver, se pueden ver retratos y bocetos de los viajantes europeos 
en las Indias Orientales donde se encuentran prendas de abrigo largas, abiertas en el frente y 
decoradas, con formas que recuerdan a la casaca y accesorios como los fajines, que ya se 
observaron en el estilo anterior y que se encuentran también en el traje de tres piezas de fin de 
siglo. 
Prendas 
Casaca 
Dentro del nuevo traje encontramos esta prenda de abrigo, la 
casaca (presente también en el estilo anterior) también 
denominada sobretodo en algunas traducciones. Esta casaca fue 
utilizada primeramente en el ejército francés para uniformar a las 
tropas que tanto crecieron en número en las últimas décadas del 
siglo, siendo la de color azul la que distinguía a los guardias 
franceses y a los regimientos reales. Pero a principios de la 
década de 1660, Luis XIV instituyó esta prenda como una forma de 
distinción, poder y privilegio. De acuerdo a Boucher, en 1662 el rey 
concedió a un selecto grupo de cortesanos el honor de vestir una 
casaca parecida a la suya, de muaré azul forrada con rojo, 
bordada con oro y plata (Boucher, 1965). Rápidamente la casaca 
se convirtió en la imagen de la monarquía francesa, y a finales de 
la década se incorporó a la indumentaria civil. 
Formalmente, la casaca mantenía los faldones largos y 
ensanchados en la parte inferior, como en la versión anterior, pero 
estos se vuelven rígidos, dándole más cuerpo. Sus mangas -antes 
cortas- se alargaron, terminando encima de la muñeca y con 
vueltas amplias que dejan ver la camisadebajo. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Colección de modas de la 
corte de Francia, “Garde du 
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33 
 
Paseo de Louis XIV a la vista del Parterre du Nord en los jardines de Versalles, 
alrededor de 1688 (fragmento). Allegrain Etienne. 
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Colección de modas de la corte de Francia. Homme en Brandebourg (fragmento), Henri 
Bonnart, circa 1676-1683; Le Basque (fragmento), Nicolas Bonnart, circa 1678-1693; Le 
Cavalier bien mis (fragmento), Nicolas Bonnart, circa 1684. 
Messire Sebastion Le Preste de 
Vauban (fragmento). Grabado por N. 
Bonnart I, diseñado por R. Bonnart, 
finales del s. XVII 
Monsieur le duc de Vendome 
(fragmento). de Vendome 
(fragmento). Henri Bonnart, 
finales del s. XVII. 
Zapatos fines del siglo XVII. Extraído de: Historia del calzado desde la antigüedad más remota hasta 
nuestros días por Paul Lacroix, 1862. - Habit d'Espée en esté (fragmentos). Robert Bonnart, fines 
del siglo XVII 
. 
 
 
 
Se contrataron para la corte encajeros venecianos e italianos, y, para animar el consumo y el 
desarrollo de la industria de dicho material, el Rey decretó que en la corte sólo podían utilizarse 
corbatas de encaje. A finales del siglo, la corbata se estrechó y alargó, y pasó a confeccionarse 
también con batista o muselina. 
La corbata anudada à la Steinkirk tiene 
su origen, según Boucher y Laver, en la 
batalla de Steinkirk, en 1692, cuando 
los oficiales franceses, sorprendidos 
por un ataque del enemigo, no tuvieron 
tiempo de anudarse la corbata, la 
enrollaron alrededor del cuello y la 
pasaron por el ojal del uniforme para 
que no moleste. 
 
 
 
 
Calzado 
En cuanto al calzado, el mismo continúa con punta cuadrada y taco elevado. Según Boucher, el 
lazo del zapato es sustituido en esta etapa por la hebilla que, incluso, podía llegar a estar forrada 
por telas finas como terciopelo bordado de oro (Boucher, 1965). 
 
. 
 
 
 
36 
 
El duque de Enghien y su hijo. Atribuido a Juste 
d'Egmont y Pierre Mignard, 1666. 
Retrato de Robert Shirley. Autor 
deconocido, c.1624–1627 
Jean-Baptiste Tavernier en 
traje oriental. Johann 
Hainzelmann, 1679
Sir Robert Shirley. Anton van 
Dyck, 1622. 
Luis XIV. Jean Ranc, finales del 
siglo XVII. 
Accesorios 
Fajín 
 
Uno de los elementos más característicos de este estilo es el fajín 
de seda bordada y con flecos que se anudaba entre la cintura y la 
cadera hacia el costado con un “abandono estudiado” según las 
palabras de Boucher. Estos fajines lujosos nos recuerdan a los 
utilizados en los trajes orientales. 
Estuvieron de moda hasta el final del reinado de Luis XIV. 
 
 
 
 
 
. 
 
 
El aventurero inglés y el comerciante francés ataviados con trajes orientales donde podemos 
observar una prenda principal o chaqueta, un sobretodo y un fajín. 
Tahalí 
Otro accesorio de gran importancia es el ya visto tahalí, usado a 
comienzos del siglo. Durante la época del rhingrave se dejó de 
lado, y en este estilo de traje de tres piezas vuelve a utilizarse. En 
estas décadas lo encontraremos con una ornamentación muy 
recargada, bordado, adornado con galones o flecos. En la espada 
se sujeta este accesorio mediante hebillas. Según Stefanella 
Spósito, el uso de estos accesorios tan decorados corresponde a 
las “formas suntuosas que fomentan la artesanía de alto nivel y a la 
inventiva aplicada al enriquecimiento del guardarropa” (Spósito, 
2016, p. 98). Al final del siglo el tahalí pierde importancia y se le 
vuelve a dar paso al cinturón. 
37 
 
Claude, Comte de Choiseuil, Mareschal de France.Grabado por N. Bonnart 
y diseñado por R. Bonnart, fines s. XVII. 
Louis le grand. Henri Bonnart, fines s. 
XVII. -Retrato de Luis XIV. 1695 
 
Joyas y pedrería 
Durante el reinado de Luis XIV, la joyería se volvió uno de los extravagantes lujos parisinos. El rey 
utilizó casacas decoradas con piedras preciosas, posiblemente diamantes, que hacían notar la 
riqueza y el poder del gobernante. Según Boucher, el gusto por los adornos de pedrería en la 
indumentaria masculina creció considerablemente en estas décadas finales, sobre todo después 
de que se descubriera un procedimiento para colorear vidrio e imitar piedras preciosas (Boucher, 
1965). 
Manguito 
 
 
 
 
 
El manguito es un accesorio que demostraba elegancia y se llevaba en invierno (Boucher, 1965) 
Peluca 
La peluca adquiere a finales de siglo, según Boucher, una importancia monumental. Tal fue su 
importancia que se convirtió en un accesorio de uso obligatorio para los hombres que tuvieran una 
posición en la corte, en el palacio o en la iglesia. Se realizaban con crines, con rizos que caían 
sobre los hombros y sobre la espalda y fue denominada in-folio. La corte francesa llegó a emplear 
hasta cien fabricantes de pelucas para realizar y para mantener en condiciones a dichos 
accesorios. Una costumbre habitual era la de empolvar las pelucas con almidón o con polvos 
provenientes de los países orientales. 
38 
 
Jean-Baptiste Colbert, Ministro de Luis XIV. 
Óleo por Marc Nattier, 1676. 
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Óleo por Marc Nattier, 1676. Homme en 
robe de Chambre. Nicolas Bonnart 
“Este vestido armenio es un vestido 
cómodo y no se puede encontrar nada 
más libre y más de moda” 
A pesar de que el uso de la peluca lo 
dejó sin propósito, el sombrero se sigue 
utilizando, ya que ambos elementos son 
símbolos de extrema distinción. 
El sombrero es de tres puntas, con las 
alas levantadas y borde de pluma, y se 
acostumbra llevarlo bajo del brazo, 
especialmente en presencia de la 
realeza, frente a la cual los caballeros se 
debían descubrir la cabeza. 
 
 
 
Prendas informales 
Otra de lasinfluencias orientales la observamos en la indumentaria informal. Las compañías que 
comerciaban con oriente importaban kimonos japoneses que eran utilizados por los hombres 
franceses como batines en el ámbito privado de sus casas. 
Como la importación de verdaderos kimonos era limitada, también se confeccionaron estas 
prendas con textiles traídos de la india para satisfacer la demanda. 
La costumbre de utilizar esta bata se extendió por varios países de Europa. En Francia, dicha 
prenda se denominaba robe de chambre. 
 
 
 
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TEXTILES 
La industria textil es una de las que más favorecida desde las épocas del Renacimiento. Boucher 
(1965) señala que tanto en España, Holanda y Francia los pañeros, tenderos y peleteros alcanzan 
los mayores beneficios, pero será Inglaterra la más adelantada en desarrollo tecnológico textil. 
A principios de siglo SXVII, se crean las Compañías de las Indias, las cuales gestionan el 
comercio entre las potencias europeas que se disputaban el poderío económico y las colonias en 
tierras orientales. A partir de estos intercambios mercantiles, se importaban especias, colorantes y 
textiles. A lo largo del siglo XVII, Inglaterra, Holanda y Francia “se disputan el mercado del 
Próximo Oriente para colocar en allí su pañería fina”. (Boucher, 1965, p. 281) 
La lana y el algodón son los tejidos utilizados para las prendas menos formales, pero la seda será 
el tejido más requerido para los trajes vistosos. Spósito señala que los rasos, terciopelos y las 
sedas irisdiscentes se llevaban de colores lisos o con motivos pequeños de racimos y ramilletes. 
(Spósito, 2016, p: 105). No menos importantes son los encajes y su protagonismo en el traje 
barroco. Boucher describe la importancia de este tejido para la sociedad francesa, que, luego de 
varios intentos fallidos de prohibirlo debido a que se producían, principalmente, en Italia y Flandes, 
promueve la producción nacional en los centros de Normandía y Borgoña. Para ello, Colbert, hace 
traer de Venecia a maestras randeras que forman a las obreras tejedoras francesas y al cabo de 
unos años compiten con los tejidos a nivel internacional. 
Hacia finales de siglo se ponen de moda los tejidos de algodón estampados con colores vivos que 
fueron adoptados por hombres y mujeres en prendas informales para uso dentro de la casa, pero 
que, según el periódico Mercure de France citado por Boucher “Las damas (…) tienen vestidos de 
casa que les cuestan tan caros como los de telas de oro y plata” (Boucher, 1965: p. 282). Estos 
precios se elevaron a partir de las limitaciones del gobierno francés a las importaciones de tejidos 
que dieron lugar a varias protestas durante el siglo siguiente. 
En relación a los colores utilizados en los trajes, Boucher señala que era Francia quien lideraba 
las investigaciones en esta materia en relación a la calidad y la combinación de tonos, 
especialmente en los colores azul y rojo. 
Consideraciones finales 
A partir del análisis de las fuentes utilizadas se percibe la impronta del estilo barroco en la 
configuración del ideal estético y la evolución del traje a lo largo del siglo XVII. Las prácticas 
asociadas con el lujo y la sofisticación constituyeron uno de los pilares de las políticas económicas 
de la monarquía francesa. En este sentido, el traje adquirió un papel protagónico como signo de 
poder. Las transformaciones más importantes se observaron en el traje masculino, mientras que la 
indumentaria femenina se va a mantener de manera similar a lo largo del siglo, aunque se irá 
cargando de ornamentos. El hincapié sobre la indumentaria masculina puede estar relacionado, 
también, con la figura del rey absolutista, figura que vio su mayor esplendor durante el reinado de 
Luis XIV. La ostentación del traje se puede vincular directamente con los valores de una 
monarquía que intenta operar como modelo estético para el resto de la sociedad. 
 
43 
 
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	Carátula-Barroco.pdf
	Ficha Indumentaria y cultura barroca 2019-Rev01.pdf