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La visión artística desde el 
diseño de interiores
G e m a R o c í o G u z m á n G u e r r a y 
L a u r a M e s t a T o r r e s
U n i v e r s i d a d A u t ó n o m a d e C i u d a d 
J u á r e z
E
l diseño necesita de bases 
filosóficas más fuertes para 
mejorar la investigación, 
educación y práctica, y su 
definición es el primer paso 
para establecer estas bases. La 
palabra “diseño” es altamente ambigua y 
es tarea del diseñador ayudar a clarificarla.
Inicialmente, las definiciones estaban 
abocadas a la función y la estética, dejando 
de lado su clasificación en las artes aplicadas 
(applied arts). Así, la pregunta es: ¿el diseño 
debe tener un enfoque artístico o estético? 
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
Las nuevas definiciones del diseño no priorizan el rol tradicio-
nal de los diseñadores: la unión entre forma y función. En la actuali-
dad, el concepto es mucho más amplio, creando una crisis de identi-
dad para aquellas disciplinas que todavía se enfocan en los aspectos 
estéticos de los artefactos, como la arquitectura, el diseño industrial, 
de modas, gráfico y, principalmente, el de interiores.
La evolución del diseño ha llevado al desarrollo de la abstrac-
ción de conceptos por parte de muchos diseñadores contemporá-
neos. Ahora, los espacios presentan un discurso subjetivo con una 
visión unidireccional en la que el usuario no identifica el límite en-
tre el diseño y el arte.
Marco conceptual
Las variaciones dentro del diseño y sus ramificaciones han cambia-
do a lo largo del tiempo. Se ha tratado, sin mucho éxito, establecer 
una definición que compendie todo su significado: mientras algu-
nas intenciones se quedan cortas, otras van más allá e involucran 
otras disciplinas. Lo cierto es que definiciones hay muchas, tantas 
como hay ramificaciones, y el interiorismo o diseño de interiores es 
una de estas ramas que se extienden a partir de la palabra “diseño”. 
Desde sus orígenes en la decoración y la arquitectura, el in-
teriorismo ha pasado por algunas fases importantes, como su in-
cursión en las llamadas “artes aplicadas”, hasta evolucionar en una 
disciplina que lucha por desligarse de la palabra “decorador” para 
convertirse en algo más. La inclusión de los diseñadores de inte-
riores se ha diversificado, y en la actualidad podemos observar sus 
intervenciones desde proyectos residenciales hasta diseños de apa-
rador, destacando una parte artística y conceptual que transforma 
un espacio simple en algo que raya en la instalación artística. A con-
tinuación se presentan los conceptos claves que debemos conocer 
para, más adelante, posicionarnos en un aspecto crítico y analítico 
acerca de la actualidad del diseño. 
• Decoración. Proviene del latín que significa de-
corar u ornamentar. Nos propone una serie de posibilida-
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
des para alegrar, ordenar y organizar nuestro hogar o es-
pacio de trabajo (DRAE).
• Diseño. Proceso previo de configuración mental –“pre-fi-
guración”– en la búsqueda de una solución en cualquier 
campo. Utilizado habitualmente en el contexto de la in-
dustria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras 
disciplinas creativas (Herrera, 2012, p. 117).
• Artes aplicadas. El término “artes aplicadas” se refiere al 
producto resultado de la aplicación del proceso artístico y 
de diseño a objetos y espacios. Surge como una contrapo-
sición a las bellas artes, las cuales tienen como fin la es-
timulación intelectual del observador (Ayerbe y Unsain, 
2005, p. 41).
• Interiorismo. El diseño interior abarca la arquitectura, el 
diseño, las bellas artes, la decoración e incluso la historia 
social y económica. Se ocupa de todos los elementos que 
aparecen en el espacio interior del armazón arquitectóni-
co (Massey, 1990, p. 4).
• Instalación artística. Forma de arte contemporáneo don-
de el artista utiliza el espacio mismo como parte de su 
obra, lo cual permite al espectador formar parte de ella 
(De Viller, 2007, s.p.).
Contexto del diseño moderno
Hasta la década de 1940, el término “diseño” no había sido utilizado 
para referirse a una profesión, sino que se asociaba a la representa-
ción de un boceto o un plano. El diseño, en el sentido profesional, se 
consideró inicialmente como un arte aplicado, lo cual encaja con el 
desarrollo histórico del diseño a partir de la Revolución Industrial. 
La proliferación de la producción en masa de los artefactos 
por medio de las máquinas causó que el oficio del artesano deca-
yera, evidenciando la separación del arte y la técnica. Esto obligó 
a una clara distinción entre artistas e ingenieros, entre el mundo 
productivo y el de la sensibilidad.
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
La pérdida de la función artística y técnicamente calificada 
dio lugar a un nuevo papel de diseñador industrial o artista aplica-
do. La Bauhaus, bajo el liderazgo de Walter Gropius, fue una de las 
primeras escuelas en reconocer este papel: retomó el aspecto artís-
tico de los objetos como punto de partida, mas no como meta final. 
Para Rodríguez (2010), el diseño debía aceptar parámetros objetivos 
tales como la adaptación al medio ambiente, la función, la estanda-
rización de los materiales, etcétera, buscando así liberar al diseño 
del caos ornamental.
Estar al servicio de la funcionalidad no elimina la creatividad 
del diseñador, ya que puede muy bien estimularse ante el reto de 
lograr la máxima funcionalidad. Aunque algunas caracterizaciones 
–como la defendida por Bruno Munari– rechazan que el diseñador 
deba tener estilo, en realidad podemos decir, de alguna forma, que 
tiene muchos, prácticamente tantos como los derivados de las reso-
luciones funcionales que pueda otorgar a un espacio. Como men-
ciona Torrent (2005), la imaginación creativa queda salvaguardada 
por el hecho de que una misma función admite multitud de formas. 
Parafraseando a Anna Calvera, resulta casi imposible abordar 
el diseño sin tener en cuenta su relación con el arte. Aunque ya ha 
transcurrido un tiempo suficiente desde que el diseño adquiriera su 
autonomía, la constante aparición de “objetos frontera” –donde las 
cualidades formales y expresivas ganan terreno a las funcionales y 
estandarizables– hace que el discurso alrededor de este tema no se 
haya agotado. Las ya clásicas argumentaciones de Munari acerca de 
lo que para él son ámbitos muy distintos, no encuentran hoy un eco 
unánime, tal como se manifiesta en las polivalentes argumentacio-
nes del libro editado por Calvera (Torrent, 2005).
Para el teórico italiano, arte y diseño presentan realidades di-
ferentes. En primer lugar, respecto a la actitud y a la diferente me-
todología empleada por el artista y por el diseñador, Munari con-
sidera que el carácter subjetivo de la obra del artista y su voluntad 
de estilo estarían fuera de lugar en el diseño, que debe seguir un 
método racional para solventar un problema funcional. Además, el 
artista resuelve la obra con sus manos, desde el principio hasta el 
final, mientras que la pieza de diseño, en su ejecución última, de-
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artística 
desde 
el diseño 
de interiores
pende de los operarios, que la concluyen con máquinas a partir del 
proyecto inicial del diseñador (Torrent, 2005).
 El debate constante entre estas dos argumentaciones clásicas 
hace al diseñador tomar partido entre ellas, arrojando grandes in-
terrogantes: ¿es el diseño un arte aplicado y una ciencia social apli-
cada? ¿El diseño debe ser artístico o estético? ¿Se está perdiendo el 
arte en el diseño?
Análisis de caso
Para darle un enfoque aplicado a lo expuesto anteriormente, se pre-
sentan ocho análisis de caso, cuyas características espaciales rom-
pen con el paradigma tradicional de la función del diseño. El objeti-
vo es identificar la tendencia de producción actual del diseño.
Caso 1: Fiore di Novembre
Diseñador: Fabio Novembre
Biografía: nacido en 1966,es arquitecto y diseñador italiano. En 
1994 abrió su estudio en Milán. De 2000 a 2003 trabajó como direc-
tor artístico de Bisazza. Desde 2001 ha trabajado para marcas ita-
lianas como Capellini, Driade, Meritalia, Flaminia y Casamania. Ha 
realizado varias exhibiciones artísticas a lo largo de su carrera.
Descripción del proyecto: instalación de diseño realizada en 
la Triennale di Milano, Milán, en 2009. Cada uno de los componen-
tes de la pared de la flor esta realizados en pequeñas piezas de mo-
saico en tonalidades rojas y negras.
Análisis: la exposición se estructura en dos momentos dife-
rentes: en el acceso principal se coloca al visitante en la posición de 
espectador: frente a él, se abre una flor enorme, compuesta por varias 
secciones de mosaico repetidas en el espacio. El efecto es altamente 
teatral, caracterizado por el contraste entre el recubrimiento de piso 
a manera de asfalto negro y la saturación de color rojo de la flor.
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
Figura 1. Fiore di Novembre. 
Fuente: F. Novembre, 2009.
Dos filas de sillas colocadas en una pequeña escalera le permi-
ten al espectador ver a los demás visitantes moverse como actores 
en el escenario. Esta no es una simple presentación de proyectos por 
parte de Fabio Novembre: las diferentes secciones de la instalación 
sumergen a los visitantes directamente y de manera totalizante en 
su mundo, en su proceso creativo, sus obsesiones, en las referencias 
que guían el diseño. En cada sección se presenta una pieza de di-
seño con los textos corolarios e imágenes que hacen referencia al 
nacimiento de ese objeto y las ideas de la que se generó.
El proceso creativo del arquitecto está organizado de manera 
original, empezando por sus fuentes de inspiración a través de di-
versos estímulos sensoriales:
La flor es una abstracción, una idea de la seducción, un momento 
fugaz entre la vida y la perfección, con pétalos y colores, nosotros 
abejas entre su olor tostado con el néctar para dispensar polen.
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
A veces se puede confundir la alegría con dolor, pero luego “¡para 
hacer cualquier cosa, necesitas una flor!”
Caso 2: Villa Moda
Diseñador: Marcel Wanders.
Biografía: nacido en Boxtel, Países Bajos, en 1963. Graduado cum 
laude de la Hogeschool voor de Kunsten, en Arnhem en 1988. En 
1995 abrió su estudio de diseño en Amsterdam, logrando la aten-
ción mundial en 1996 con su icónica Knotted Chair. Actualmente, 
su estudio impulsa alrededor de 50 especialistas internacionales de 
diseño, siendo un prolifero diseñador de productos y de interiores, 
así como director de arte. Cuenta con más de 1700 proyectos en su 
haber para clientes privados y marcas como Alessi, Bisazza, KLM, 
Flos, Swarovski, Puma, entre otros.
Descripción del proyecto: es una tienda de moda multimarca 
de lujo. Concentra la innovación y la tradición, la diversidad y la in-
timidad, y muestra la rica artesanía de la zona, motivos y técnicas, 
reinterpretada con ojos occidentales. Estas artesanías locales se uti-
lizaron para componer un esquema de textura compleja, añadien-
do profundidad a una paleta cromática modesta en blanco y negro 
y dejando el color para los invitados. El proyecto se presenta como 
una pequeña ciudad donde cada elemento alberga un departamen-
to o marca específica. Situado en Bahrein, Villa Moda se completó 
en 2008.
Análisis: el diseño se basa en el caos del zoco tradicional en 
un contexto de moda de lujo. La fachada está cubierta con cuentas 
de perlas gigantes, haciendo alusión al mercado de perlas que fue 
la región de Barhein. Los clientes entran por un pasillo largo y estre-
cho saturado de motivos orgánicos en blanco, negro y dorado. Este 
pasillo se abre hacia un espacio dramático de techos altos y oscuros, 
interiores con patrones gigantes de motivos geométricos y formas 
orgánicas –características del arte islámico– en los accesorios, las 
alfombras y tapices de los muros, todo en blanco y negro.
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
Figura 2. Villa Moda. 
Fuente: M. Wanders, 2008.
El uso de mosaicos en las superficies de las escaleras y los pro-
badores brinda una agradable sensación de textura al espacio. Un 
patrón escultórico de flores gigantes en yeso cubre la pared detrás 
de la caja. Espejos reemplazan las cabezas de los maniquíes, que en 
ocasiones son exaltados por una luminaria gigante de superficies 
perforadas con motivos geométricos: “La inspiración para mí es res-
plandeciente fuego interno; así que si mis ojos se cierran y estoy 
atado a una silla en una habitación oscura, mi estilo puede estar 
inspirado”.
Caso 3: Life in Expressionism
Diseñador: Brani & Desi.
Biografía: es un estudio creativo de arte y diseño con sede en Sofía, 
Bulgaria, bajo el liderazgo de las experimentadas diseñadoras de in-
teriores Branimira Ivanova y Desislava Ivanova. Su objetivo princi-
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La visión 
artística 
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el diseño 
de interiores
pal es crear espacios donde la geometría, colores y funciones tienen 
una responsabilidad equivalente.
Descripción del proyecto: vivienda tipo loft con formas y co-
lores para evocar emociones que van desde la calidez y el confort 
hasta un sentimiento de confianza, disfrute y creatividad –el título 
del proyecto se tomó del expresionismo, movimiento artístico que a 
través del uso de formas y colores busca generar estados de ánimo 
e ideas–. El color blanco es la pausa activa entre las formas y tonos.
Análisis: es una residencia en la que los propietarios se su-
mergen en el mundo del arte. La cocina es brillante y llena de ener-
gía, figuras geométricas irregulares en colores naranja y rojo. La pu-
reza y la suavidad del blanco dan balance a los dos colores fuertes. 
El azul y verde del comedor impactan con su atmosfera de 
calma y relajación. Las formas agudas de las figuras irregulares y 
coloridas equilibran los colores fríos, dando calidez a la habitación. 
Figura 3. Life in Expressionism. 
Fuente: Brani & Desi, 2015.
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
La sala es la habitación por excelencia para conversar y rela-
jarse, las tonalidades utilizadas en las figuras son en verde, utilizan-
do el rojo en algún mobiliario y accesorios para generar equilibrio 
con su color complementario.
El dormitorio es accesible a través de las escaleras en la sala de 
estar. El espacio está dividido en pocas zonas: para dormir, trabajar, 
leer, etcétera. Los colores azul, violeta y amarillo, y las formas con 
que están compuestos, crean un ambiente relajante y fresco: “De 
acuerdo al pintor Expresionista y teórico del arte Kandinsky ciertos 
colores tienen afinidad por ciertas formas. Combinamos diferentes 
colores y formas que impactan en el alma humana”.
Caso 4: Kusama-Vuitton Store, en Selfridges
Diseñador: Yayoi Kusama.
Biografía: artista japonesa nacida en 1929. Es pintora, escultora, ci-
neasta y artista de vanguardia más conocida por sus trabajos con 
motivos de repetición y metáforas psicodélicas que evocan temas 
de la psicología, el feminismo, la obsesión, el sexo, la creación, la 
destrucción y la intensa autoreflexión. Kusama nació en la ciudad 
de Matsumoto y comenzó a pintar a la edad de diez años, como un 
medio de escapar de una infancia de abandono y expresar sus ex-
periencias tempranas.
Descripción del proyecto: es una tienda concepto para Louis 
Vuitton en Selfridges, Londres, 2012. La tienda dedicó veinticuatro 
de sus escaparates a la artista incorporando su firma personal: la re-
petición de lunares. La tienda también está inmersa en los lunares: 
lámparas gigantes perforadas cuelgan sobre mesas de exhibición, 
mientras que las paredes, suelos y vitrinas están cubiertos con una 
infinidad de puntos brillantes en varios tamaños. Los visitantes es-
tán instruidos para seguir los puntos rojos en el piso a lo largo de la 
tienda, los cuales conducena un modelo en escala real de sí misma.
Análisis: el diseño interior de la tienda se deriva explícita-
mente de una serie de instalaciones de calabazas de la artista y de 
sus pinturas de lunares infinitos. 
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
Una serie de elementos a manera de calabaza, similares en 
escala y geometría, se intersecan y superponen creando un entorno 
totalmente “inmersivo”. Cinco estructuras a manera de domo inte-
gran el armazón de la estructura general, las cuales poseen perfo-
raciones de puntos gradientes para generar profundidad visual, así 
como un universo hipnótico e infinito. 
Figura 4. Kusama-Vuitton Store, en Selfridges. 
Fuente: S. Muratet, 2012.
En el interior de cada estructura cuelgan candelabros de gran 
tamaño para brindar drama a la colección posicionada por debajo 
en mesas de exhibición que aparecen como una especie de pódium 
con forma de calabaza aplanada. Los suelos están cubiertos de pun-
tos en varios tamaños que se posicionan en patrones direccionales 
desde las mesas de exhibición. Todo el espacio se desarrolla en color 
blanco y rojo:
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
El lunar tiene la forma del sol, que es símbolo de la energía del mun-
do y de nuestra vida, y tiene también la forma de la luna, que es 
la quietud. Los lunares no pueden estar solos, como sucede con la 
vida comunicativa de la gente, dos o tres o más lunares llevan al 
movimiento. Nuestra tierra es sólo un lunar entre los millones de 
estrellas del cosmos. Los lunares son un camino al infinito.
Caso 5: Carnival of the Animals, aparadores Bergdorf Goodman, 
2014
Diseñador: David Hoey y Linda Fargo.
Biografía: David Hoey fue uno de los primeros diseñadores de apa-
radores en aparecer en la escena neoyorquina. Proveniente del esta-
do de Texas, en EE. UU., es uno de los más reconocidos por sus extra-
vagantes instalaciones de escaparates en el tienda de lujo Bergdorf 
Goodman, junto con Linda Fargo, quien funge también como direc-
tora creativa y de presentación de producto de la tienda desde 1996. 
Ambos dirigen y ejecutan las propuestas que cada temporada se ven 
en los ventanales, los cuales tienen la particularidad de tener una 
altura superior a las que comúnmente existen en la Quinta avenida.
Descripción del proyecto: diseño de aparador de la tienda 
Bergdorf Goodman para la temporada navideña 2012. La instalación 
Carnival of the Animals consistió en cinco ventanales individuales, 
cada uno representando un escenario natural distinto donde los 
animales son los protagonistas. En el primero, denominado “The 
Brass Menagerie”, se representa una selva tropical metálica con ele-
mentos hechos de bronce. El escenario está rodeado de animales y 
al centro se encuentra el único maniquí visible en el espacio. El se-
gundo, “Breaking the Ice”, es un jardín ártico compuesto por un im-
ponente oso polar de tamaño real, renos disecados, búhos y lobos. 
El tercero, “Testing the Waters”, es una escena submarina. El cuarto, 
“Teacher’s Pet”, es un espacio tridimensional compuesto por estruc-
turas de papel. Por ultimo, “Artists and Models” presenta el estudio 
de un escultor rodeado por animales hechos de madera y piel.
Análisis: “The Brass Menagerie”, hecho casi en su totalidad de 
bronce, contiene distintos tipos de aves metálicas que rodean a una 
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
figura central protagonista: un maniquí ataviado con la vestimenta 
de los años veinte. El concepto principal es un estudio de grabación 
de jazz. Pueden observarse algunos instrumentos musicales que se 
pierden en la saturación del espacio y la sobrepoblación de figuras 
animales que van desde las aves hasta primates que tocan saxofón. 
El piso está cubierto por monedas de un centavo americano 
que armonizan con el bronce que predomina en el espacio, un claro 
ejemplo de la sobreexposición de elementos, la saturación mono-
cromática de tonos metálicos y la poca importancia del producto a 
exhibir, el cual no se identifica claramente.
“Breaking the Ice” es una fiesta de té ártica en donde predo-
minan los elementos blancos. Los muros laterales y el techo están 
cubiertos por acolchados de tela blanca que enmarcan la escena 
principal: un maniquí central ataviado en un lujoso vestido del mis-
mo color, mientras los animales a su alrededor la observan y sirven 
té. Estos estímulos destacan como elemento central, además de un 
candelabro de cristal que añade un sentido de elegancia al espacio. 
En los laterales aparecen dos osos polares de dimensiones reales, y 
son el único elemento simétrico apreciable.
“Testing the Waters” presenta al observador una escena sub-
marina. La figura principal, el maniquí, se encuentra “sumergida” 
bajo el mar, rodeada de peces en tonalidades azules y verdes. Dichos 
peces están incrustados con mosaico italiano cortado a mano. La 
iluminación es casi nula, con la excepción de la que rodea al mani-
quí con un aspecto dramático, creando un contraste visual entre los 
azules y verdes que componen el mar y el blanco puro del vestido 
que usa el maniquí.
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
Figura 5. “Testing the Waters”. Diseño de aparador para Bergdorf 
Goodman. 
Fuente: A. Tsenkova, 2011.
“Teacher’s Pet” es un escenario realizado, en un 80%, con pa-
pel. Representa un salón de clases lleno de animales en un contexto 
ilustrativo. Los muros laterales están cubiertos con papel tapiz que 
simula hojas de periódico, y el muro posterior tiene un librero del 
cual se desprenden varios libros abiertos con imágenes de anima-
les, rodeando de nuevo la figura central del maniquí. El elemento 
visual más fuerte es una cebra de tamaño real realizada en papel 
maché, con un acabado casi impecable que nos hace dudar de su 
realidad. Las tonalidades de las rayas del animal, junto con el ma-
niquí y un cuervo, son los únicos elementos de color negro en el es-
pacio completamente dominado por el blanco, lo cual provoca un 
contraste dramático.
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
“Artists and Models”, estudio de un escultor, se presenta como 
último escenario de la serie de ventanales. Aquí encontramos, nue-
vamente, una saturación de elementos, esta vez animales de ma-
dera y piel. El escultor, representado por el maniquí, usa vestimen-
ta de pieles, comparte protagonismo en la escena con un caballo 
de madera a escala real y un cisne, mientras una gran cantidad de 
otras especies animales –como monos, venados, perros y osos– los 
rodean y observan. La predominación de tonalidades cafés y la om-
nipresencia de la madera desembocan en una escena cálida pero 
oscura, donde la iluminación es dirigida solo a la parte central del 
aparador: “¿Que si estamos preocupados específicamente por la 
venta de mercancía? No, no pensamos en eso. Nos gusta enfocarnos 
en el aspecto artístico y en darle carácter al espacio, la otra parte se 
hace por sí misma”.
Caso 6: Día de la tierra, aparadores Anthropologie
Diseñador: Equipo creativo de diseño de aparadores. 
Biografía: Anthropologie es una tienda dedicada a la venta de ropa, 
mobiliario y accesorios. Fue fundada en el año de 1992 y es actual-
mente ganadora de varios reconocimientos por sus originales dise-
ños de escaparate. Cuenta con varias sucursales a lo largo de los EE. 
UU. y en cada una de estas sucursales existe un llamado “equipo 
creativo” que se encarga de la producción de todos los elementos 
que componen sus aparadores. Cabe mencionar que la mayoría de 
ellos son hechos a mano. 
Descripción del proyecto: la propuesta fue utilizar plantas, 
animales y ecosistemas marinos hechos artesanalmente con papel, 
cartón y filtros de café. Los aparadores para el Día de la tierra –22 de 
abril–, una festividad que celebra al planeta y busca crear concien-
cia sobre la conservación de los ecosistemas, se realizaron en con-
junto con la Wylan Foundation –dedicadaal cuidado de los arrecifes 
de coral–, lo que germinó en una serie de aparadores representati-
vos de ecosistemas marinos.
Análisis: en cada una de las sucursales se presentó un con-
cepto distinto, con una paleta de colores definida en las cuales po-
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
demos observar el trabajo artesanal que caracteriza a esta tienda y 
que se ha convertido en uno de los más referenciados en el campo 
del diseño de aparadores. Uno de ellos es la representación visual 
de un cardumen de peces que invade casi por completo el espacio 
rectangular de la ventana. Cada uno de los más de dos mil peces 
fueron hechos y pintados a mano, son de madera y tienen una me-
dida aproximada de diez centímetros cada uno. El acomodo de estos 
elementos da una sensación de movimiento circular que asemeja 
una pecera enorme. Los animales marinos tienen dimensiones de 
casi 3.50 metros de altura y parecen “salir” de un extremo lateral de 
la ventana. Entre ellos, hay un pulpo que con sus tentáculos cubre la 
mayor parte del espacio, dando solo un pequeño lugar para un ma-
niquí y una ballena azul que domina el extremo lateral izquierdo: 
“Pensamos fuera de lo común”.
Figura 6. Instalación en aparador en Princeton, N. J. 
Fuente: Home, 2012.
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
Caso 7: Chanel, aparadores 
Diseñador: Karl Lagarfeld.
Biografía: Chanel es una casa de moda francesa fundada por Ga-
brielle Bonheur Chanel en 1909. A ella se le atribuye la creación de 
las primeras piezas femeninas con influencia masculina, además 
de ser la creadora del famoso perfume Chanel #5. El uso de las per-
las, la bolsa tipo clutch y el little black dress son protagonistas a gran 
escala en sus aparadores. Actualmente, está bajo el mando creativo 
del diseñador alemán Karl Lagarfeld.
Descripción del proyecto: el uso de sus productos más famo-
sos y cotizados dentro del mundo de la moda actual se presentan a 
gran escala, acaparando casi por completo el espacio del aparador, 
dando lugar a uno o dos maniquís ataviados con las prendas que 
hicieron famosa a esta marca. 
Análisis: un collar de perlas corre de un muro al otro, superpo-
niéndose al maniquí central con una serie de hiladas de perlas que 
se balancean. Dominan los colores negro, blanco y dorado, su pale-
ta más representativa. En la segunda ventana el mismo elemento, 
ahora en la parte central posterior, en la cual se observa el famoso 
símbolo de Chanel cubierto por completo con las mismas hiladas de 
perlas que en la ventana anterior. Al fondo hay un muro cubierto en 
mosaico veneciano en tonos negros. 
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
Figura 7. Aparador de Chanel en Bergdorf Goodman. 
Fuente: R. Pospisil, 2009.
Otro elemento es la botella de perfume #5, que en la segun-
da ventana está colocada en la parte superior derecha, en una di-
mensión de aproximadamente dos metros de altura. A su lado se 
encuentran, de nuevo, los collares de perlas que cuelgan de un pren-
dedor y una pulsera en dimensiones similares. La parte inferior esta 
rematada con el símbolo de la marca en una dimensión de cuatro 
metros de largo por dos de alto: “Odio las conversaciones intelectua-
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
les con otros intelectuales porque la única opinión intelectual que 
valoro es la mía”.
Caso 8: Splash: aparadores de Lanvin para la temporada de otoño
Diseñador: Equipo creativo Lanvin.
Biografía: Lanvin es una casa de moda francesa fundada en 1889 
por Jeanne Lanvin. Actualmente, se considera de alta moda, aun-
que comenzó siendo una modesta tienda de sombreros en París. A 
lo largo de sus ciento veinticinco años de existencia ha vestido a 
miembros de la aristocracia, escritores, artistas y hoy sigue siendo 
un precedente de la alta costura mundial. 
Descripción del proyecto: para la presentación de su colección 
de otoño 2012, optaron por usar una paleta de colores verdes, fucsias, 
naranjas y rojos, con los cuales “salpicaron” el espacio, incluyendo los 
maniquíes y la ropa. Las posiciones de los maniquíes y las salpicadu-
ras son agresivas al espectador, y abren la pregunta de ¿qué es lo que 
se está vendiendo: lujo o arte en forma de instalación artística? 
Análisis: las manchas de pintura se extienden desde los cris-
tales hasta los modelos inanimados –pareciera que “atacan” a los 
maniquíes–, utilizando el mismo color que la prenda que se está 
promocionando. El espacio está dominado por el color blanco y solo 
existe un elemento central, en el cual se exhiben las principales y 
más caras piezas de la colección. Es aquí donde encontramos el con-
traste con el color. Por ejemplo, en una de las ventanas podemos 
observar un maniquí masculino ataviado con un elegante traje y 
sombrero de copa, recostado sobre el piso con una mano sobre la ca-
beza, como si hubiese resbalado. En la parte superior de la ventana 
comienza a chorrear pintura verde esmeralda que se diluye por toda 
la altura del ventanal hasta situarse justo por encima del maniquí 
caído, lo cual causa la impresión de que dicha mancha ataca al ma-
niquí y lo mantiene en el piso. La posición de la mano del maniquí 
hace pensar en la defensa propia.
En otro de los aparadores podemos observar el uso del mismo 
tono de color, pero ahora en combinación con una figura femenina. 
La escena se presenta en un espacio pintado de color blanco, mien-
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El 
espacio
interior
y el 
usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
tras el maniquí, nuevamente, está recostado en el piso, sosteniendo 
una sombrilla para cubrirse de la pintura que chorrea de la parte 
superior. Destaca la posición del maniquí, ya que se encuentra con 
la pelvis elevada y las rodillas escurriendo de pintura verde en un 
claro alarde a una posición sexual.
Figura 8. Aparador de la tienda Lanvin. 
Fuente: K. Tan, 2012.
Tendencias del diseño actual
A manera de cierre, es importante contrastar las definiciones que 
intentan envolver el campo del diseño, para establecer así una posi-
ción actual con base en lo que vemos como un producto final, fruto 
del proceso creador del interiorista. Apoyados en los ejemplos ante-
riores, podemos observar un patrón en la visión del diseñador: exis-
te una sobre saturación conceptual apoyada sobre su visión, dando 
preferencia a su postura artística antes de las cuestiones funciona-
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
les, las cuales fueron, en los inicios del diseño, uno de los factores 
más importantes. 
Mientras la mayoría de las concepciones populares del diseño 
continúan girando sin rubor en torno a la figura del diseñador, va-
rios críticos e historiadores han buscado aproximaciones heterodo-
xas a la materia (Julier, 2010), tratando de lograr ese regreso a los orí-
genes históricos y destacando que, actualmente, los diseñadores se 
han alejado de las posturas centradas en el diseño y la producción, 
dando preferencia al papel del consumidor y buscando la atracción 
del espectador mediante el uso de estrategias como efectos particu-
lares, formas, colores y, especialmente, conceptualizando su visión 
para plasmarla de manera táctil y tridimensional. 
Dentro de este paradigma surge lo se conoce como “diseño 
para los diseñadores”, el cual establece la indiscutible visión unila-
teral que refleja un espacio o producto de alto diseño. Recordemos, 
por ejemplo, Villa Moda, de Marcel Wanders, donde podemos ver a 
través del espacio el concepto que el diseñador nos ofrece. Sin em-
bargo, no conocemos de lleno los porqués de cada objeto o color. 
Sabemos, efectivamente, que es una tienda de lujo, pero es evidente 
la saturación y exageración en el espacio que desplaza los aspec-
tos funcionales en los que están apuntalados los conceptos básicos 
del diseño. Es así que el espacio se objetifica, dándole características 
más artísticas que funcionales.
Otra particularidad que se presentaes el contraste entre el 
alto diseño y el diseño anónimo. En palabras de Guy Julier (2010):
En un extremo de la escala podríamos establecer el diseño anónimo 
como una categoría en la que los objetos, los espacios y las imáge-
nes son concebidas y modeladas por diseñadores profesionales (o 
por individuos con otra formación que adoptan la función del di-
señador) en los que no se reconoce formalmente el sello personal 
del autor. En el extremo opuesto de la escala encontramos el alto 
diseño, en el que el reconocimiento de la autoría del objeto o espacio 
desempeña una función determinante en el establecimiento de sus 
credenciales estéticas y culturales. (p. 105)
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El 
espacio
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usuario 
Teoría 
y diseño 
del 
interiorismo
Esta dicotomía del diseño podría parecer extrema, ya que en 
un punto intermedio se encuentran una gran cantidad de diseña-
dores que aún no tienen el “sello personal” que los reconoce como 
de alto diseño. No podemos afirmar que es bueno o malo pertenecer 
a alguna de estas categorías, pero es de importancia conocerlas. Por 
una parte, en ocasiones, como lo menciona Julier, los creadores de 
alto diseño generan espacios anómalos, espacio inútil y útil a la vez, 
refinado y de poca calidad, un espacio para ser mostrado. Al mismo 
tiempo, no combina bien con ningún otro espacio, dada su singulari-
dad, pero son estas anomalías las que lo hacen tan fascinante. El es-
pacio no encaja claramente en ninguna tipología histórica. Es intere-
sante considerar cómo lo hace en las jerarquías contemporáneas del 
diseño, en donde se coloca como signo de vanguardia e innovación.
Veamos, por ejemplo, dos definiciones del diseño de interio-
res de dos asociaciones profesionales de diseñadores de interiores. 
La National Council of Interior Design Qualification afirma que “El 
diseño de interiores es una profesión multifacética en donde las so-
luciones técnicas y creativas son aplicadas dentro de una estructura 
para generar un ambiente interior. Estas soluciones además de ser 
funcionales enriquecen la calidad de vida y la cultura de los habi-
tantes siendo estéticamente atractivas”. Chuck Saylor, fundador, 
presidente y CEO de Izzydesign, miembro del IIDA, dice: 
El diseño es un proceso holístico y creativo que resuelve problemáti-
cas y satisface necesidades a través de la investigación de los aspec-
tos físico-espaciales del lugar donde se implementara la solución. 
Además la influencia artística en el diseño, como lo es la escala, la 
emoción, la forma, los materiales y el color empapan todo lo que 
llamamos contenido cultural.
La definición otorgada por la NCIDQ incluye todas las fun-
ciones integrativas que ofrece el diseñador de interiores actual. Sin 
embargo, la definición propuesta por Saylor retoma la influencia 
artística presente como tendencia en la producción del diseño inte-
rior actual, objeto de esta investigación.
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La visión 
artística 
desde 
el diseño 
de interiores
Para simplificar lo expuesto, se presenta el siguiente diagra-
ma (fig. 9), en el cual se observa gráficamente la unión entre los 
aspectos artísticos y estéticos para dar paso al concepto de diseño 
de interiores. Los elementos mencionados en la parte estética son 
todos aquellos que funcionan como la médula de cualquier rama 
del diseño, siendo los principios básicos que toma en cuenta un pro-
fesionista de esta área para realizar proyectos.
Figura 9. Diagrama de interacción de lo artístico y lo estético en el interiorismo. 
En cuanto a la parte artística, podemos incluir aquellos que 
marcan la diferencia en un espacio. Es tarea del diseñador ofrecer 
una visión fuera de lo ordinario, por eso la conceptualización es 
siempre uno de los pilares con los que se debe erigir una propuesta. 
Sin embargo, debemos ser cuidadosos y no reflejar solo la perspecti-
va individual, si no buscar el balance con la contraparte.
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