PINTURA

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PINTURA 
acuarela f – акварель, акварельна фарба 
acuarelista m – аквареліст; f акварелістка 
agua f – вода 
~ fuerte офорт 
aguada f – гуаш 
arte m, f– мистецтво; 
Academia de Bellas ~s - Академія образотворчих 
мистецтв 
~ antiguo – античне мистецтво 
~s aplicadas - прикладне мистецтво 
~de los aztecas - мистецтво ацтеків 
~s gráficas – поліграфія 
~ militar - військове мистецтво 
~moderno - сучасне мистецтво 
~s plásticas, bellas ~s - образотворче мистецтво 
artista m, f – митець, художник(ця) 
artístico, -a adj – художній 
temperamento ~ - артистичний темперамент 
tener gustos ~s - мати артистичний смак 
bodegón m – натюрморт 
caricatura f – карикатура 
clásico, -a – adj класичний; 
canón ~ - класичний канон 
estilo ~ - класичний стиль 
colección f – колекція 
~ privada – приватна колекція 
color m – колір, фарба, барви 
elección del ~- вибір кольору 
~-es primitivos – основні кольори 
~-es complementarios – додаткові кольори 
seleccionar ~-es – підібрати кольори 
colorido m – колорит 
contraste m – контраст 
~s luminosos – світлові контрасти 
corriente f – течія 
costumbrismo m – костумбризм 
cuadro т – картина 
copia del ~, réplica del ~, reproducción del ~– 
репродукція картини 
~ de género – жанрова картина 
cubismo m – кубізм 
decorado, ~a adj – оздоблений 
dibujante m – художник, кресляр 
dibujar v tr – малювати 
dibujo т – малюнок 
~de lápiz – малюнок олівцем 
diseñador m – дизайнер 
diseño m – дизайн 
esbozo т – начерк, нарис, ескіз 
escuela f – школа 
~ flamenca – фламандська школа 
pertenecer a la ~ – належати до школи 
esculpir v tr – ліпити 
escultura f – скульптура 
estilo т – стиль; 
~- bizantino – візантійський стиль 
~ - del pintor – стиль художника 
~- gótico – готичний стиль 
~ -moderno – сучасний стиль 
~- renacentista – стиль Відродження 
sobriedad de ~– витриманість стилю 
estudio т – студія; етюд, ескіз 
exhibir v tr – виставляти 
exponer v tr– виставляти 
exposición f – виставка 
expresionismo m – експресіонізм 
expresionista m, f – експресіоніст 
expresividad f – виразність 
fondo m задній план; тло, фон 
~ claro – світле тло 
~ oscuro - темне тло 
fresco m – фреска 
futurismo m – футуризм 
futurista т – футурист; f футуристка 
galería f – галерея 
gama f – гама 
~ cálida гама теплих кольорів 
~ fría – гама холодних кольорів 
~ parca de color – стримана гама тонів 
grabado m – гравюра; ілюстрація 
impresionista m f – імпресіоніст 
influencia f – вплив 
~ modernista – модерністський вплив 
lienzo m – полотно 
litografía f – літографія 
maestro m– митець, маестро 
gráfica f – графіка 
icono m – ікона 
iconografía f – іконопис 
ilustración f – ілюстрація 
imagen f – картина, образ 
impresionismo m– імпресіонізм 
maestría f – майстерність, вправність 
marinista f – мариніст 
matiz m – відтінок, нюанс 
miniatura f – мініатюра 
miniaturista m, f – художник-мініатюрист 
modelo m – натурщик; f натурщиця 
monocromo, ~a adj – однокольоровий 
muestra f – експонат 
muralista m, f – мураліст 
museo m – музей 
pieza de ~ – музейний експонат 
naturaleza f – природа, натура 
~ muerta – натюрморт 
naturalismo т – натуралізм 
objeto m – предмет, річ 
~ expuesto – експонат 
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obra f – твір, витвір мистецтва 
~ cumbre – довершений твір 
~ de arte – витвір мистецтва 
~ maestra – шедевр 
óleo m – масло, олійна фарба 
pintar al ~ – малювати маслом 
ornamento m – орнамент 
ornar v tr – прикрашати 
paisaje m – пейзаж 
paisajista m – маляр-пейзажист 
paleta f – палітра 
panel m – панель 
período m – період 
 ~ de Renacimiento – епоха Відродження 
pictórico, ~а adj – живописний 
pinacoteca f – картинна галерея, музей живопису 
pincel m – пензлик; пензель художника 
pertenecer al ~ de – належати пензлю когось 
pincelada f – мазок 
pintar v tr – малювати, фарбувати, малювати 
фарбами 
~ al óleo – малювати маслом 
~ al pincel – малювати пензлем 
~ al lápiz – малювати олівцем 
~ a la acuarela – малювати акварельними 
фарбами 
pintor m – художник, маляр 
~ de brocha gorda – поганий художник 
pintura f– живопис, картина, фарба 
~ al fresco – фреска 
~ al óleo – картина маслом 
~ а lа acuarela – акварель 
~ al carbón – малюнок вуглем 
~ a la aguada – живопис гуашем 
~ al temple – клейова фарба 
~ abstracta – абстрактний живопис 
~ barroca – живопис бароко 
~ monumental – монументальний живопис 
~ mural – розпис стін 
galería de ~ – картинна галерея 
ritmo dinámico de ~ – динамічний ритм 
живопису 
pura ~ – чисте мистецтво 
posar v intr – позувати 
reflejar v tr – відображати, відтворювати 
representación f – зображення 
representante m – представник 
reproducción f – відтворення; репродукція 
~ en colores – кольорова репродукція 
~ en negro – чорно-біла репродукція 
retocador m – маляр-рестовратор 
retratista m – портретист 
retrato m – портрет 
~ de cuerpo entero – портрет в повний зріст 
~ a medio cuerpo – портрет до половини 
sistema m – система 
~ de proporciones – система пропорцій 
sujeto m – сюжет 
~ histórico – історичний сюжет 
~ religioso – релігійний сюжет 
surrealismo m – сюрреалізм 
taller m – майстерня 
técnica f – техніка 
~ de litografía – техніка літографії 
~ pictórica – техніка живопису 
tinta f – фарба; барви; колір 
vanguardia f – авангард 
ACTIVIDADES 
Actividad 1. a) 
 
3 
 
 
b) 
 
c) Traduce al español: 
1. Я не думаю, що приїхали вже всі художники, запрошені на цю виставку. 
2. Ця картина гідна щоб її згадали, тому що вона представляє нову течію у живописі. 
3. У неясному світлі сутінків було важко визначити відтінки фарб. 
4. Цей портрет у нього вийшов дуже добре. Подивіться, які виразні очі в старого. 
5. Ні, сеньйор, я з вами не згодний. Реріх був видатним художником. 
6. Але хлопчик нічого не відповів; він уп'явся на це дивне море, зображене Айвазовським, і нічого не бачив 
навколо. 
7. Ось тобі мольберт, ось полотно, ось кисті. Покажи, як треба писати небо! 
8. Він малює добре, але фарбами пише досить погано. І мені не подобається його техніка. 
9. В 15 років він уже писав прекрасні пейзажі, портрети та натюрморти. 
10. Ці картини мі купили на аукціоні і я від них в захваті! Поглянь, які кольори, яка експресія! 
 
Actividad 2. Los estilos de pintura 
Manierismo 
Forma de arte que se manifestó en Italia en el siglo XVI entre el Renacimiento y la época barroca, que se caracterizó 
por su falta de naturalidad y su afectación. 
Clasicismo 
Es el sistema literario o artístico que preconiza la imitación de los modelos antiguos, especialmente los grecolatinos. 
Carácter de lo que, por equilibrado y elegante, está conforme con la tradición literaria o artística (XVII-XIX). 
Realismo 
Doctrina filosófica de la Edad Media, que consistía en considerar las ideas generales como seres reales. Tendencia de 
ciertos escritores y artistas que representan la naturaleza sin ninguna idealización. 
Idealismo 
Doctrina filosófica que niega la realidad individual de las cosas distintas del "yo" y no admite más que las ideas. El 
idealismo se opone diametralmente al materialismo y ve las cosas por su lado bueno y bello, sin consideraciones 
prácticas. 
Impresionismo 
Forma del arte que consiste en expresar la impresión que nos produce un objeto más que su realidad. Las primeras 
manifestaciones de esta tendencia se dieron en pintura. Los pintores impresionistas trataban de reproducir las 
sensaciones, el color y los efectos de luz lo más fielmente posible. Pintaban de modelo natural y al aire libre, 
anotando las tonalidades atmosféricas y los reflejos sobre los objetos a diferentes horas del día, para captar el 
momento fugaz. El impresionismo tiene precedentes en obra de Velázquez, Constable, Goya. Los representantes del 
impresionismo en pintura son Monet, Renoir, Cezanne, Beruete, Picasso joven. 
Expresionismo 
Doctrina artística que transpone la realidad según su propia sensibilidad. Es escuela y tendencia literaria y artística, 
iniciada en Europa a finales del siglo XIX como reacción contra el impresionismo. Negó la primacía del objeto como 
fuente de inspiración imitativa pura y propugnó la intensidad dela expresión sincera aun a costa del equilibrio 
formal. Sus representantes son Kandinskiy1, Kokoshka2, Munch3. 
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Abstraccionismo 
Nació a principios del siglo XX. Sus principales características, el abandono de la representación figurativa del mundo 
externo y la simplificación y la descomposición de las formas, se derivan de la voluntad de estudiar los fundamentos 
del lenguaje visual. Ideas quiméricas, sin relación con la realidad. Arte abstracto es el arte que tiende a representar la 
realidad abstracta y no las apariencias de la realidad sensible. Sus representantes son Malevich, Klee4. 
Cubismo 
Es la escuela moderna de arte que se caracteriza por la representación de los objetos bajo las formas geométricas. 
Fue desarrollada especialmente en Francia entre 1907-1914. La primera etapa llamada "cubismo primitivo" fue 
presentada por Picasso. Hacia 1909 se puede hablar del cubismo analítico, en el que los objetos se desmiembran y el 
color queda reducido a la gama de grises y tierras. Más tarde en el cubismo sintético, los objetos se reconstruyen y, a 
través de la introducción del color y diferentes materiales, se recupera la realidad, pero no para imitarla, sino para 
dar la vida propia al objeto dentro del espacio real y libre que constituye el cuadro. Sus representantes son Picasso, 
Gris5, Braque6. 
Surrealismo 
Movimiento literario y artístico de vanguardia que intenta sobrepasar lo real impulsando con automatismo psíquico 
lo imaginario y lo irracional. Toda la expresión artística debe referirse a un modelo puramente interno, no 
condicionado por culturas no reductoras. Para acceder a este modelo interior, los surrealistas emplearon una serie 
de técnicas (asociaciones, hipnosis, etc.) para liberar el potencial imaginativo y creativo del subconsciente. Sus 
representantes son Dalí, Miró, Alberti, Bretón, Klee, etc. 
 
Relaciona las siguientes descripciones con sus correspondientes estilos. 
 
A. Colores muy fuertes y contrastados. 
B. Presentan la figura u objeto desde todos los ángulos de visión posible. 
C. Se representa el mundo de los sueños. 
D. No se pretende embellecer lo natural, sólo reproducirlo. 
E. Funda su efecto estético en el color puro y la forma pura al margen de toda 
intención representativa. 
F. Se intenta expresar el subconsciente, no interviene la razón. Automatismo 
psíquico. 
G. Pintura realizada fuera del estudio, al aire libre. Importancia del paisaje. 
H. Sus principales temas son la muerte, la enfermedad las bajas pasiones. 
I. Pierde toda la referencia con la realidad. 
J. Imágenes fantasmagóricas. 
K. Fragmentación de la imagen. El color resulta secundario. 
L. Cualquier mancha es suficiente para producir por sí misma un efecto estético. 
M. Se intenta captar los cambios de luz y sus efectos en la apariencia de las 
cosas. 
N. No se utiliza el color negro. 
Ñ. Hay una carga emocional muy marcada. 
O. Se capta el movimiento. 
P. Se reproducen escenas costumbristas y cotidianas. 
 
 
1. Cubismo 
2. Surrealismo 
3. Expresionismo 
4. Realismo 
5. Arte abstracto 
6. Impresionismo 
 
Notas: 
1 Vasili Vasílievich Kandinski (1866 - 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se 
considera que comienza la abstracción lírica. 
2 Oskar Kokoschka (1886 - 1980) fue un artista y poeta de origen austríaco, conocido principalmente por sus retratos y paisajes 
expresionistas. 
3 Edvard Munch (1863 - 1944) fue un pintor y grabador noruego expresionista. Sus evocativas obras sobre la angustia influyeron 
profundamente en el expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. En su propio país se le considera el único artista noruego 
de resonancia internacional. El grito (1893; originalmente titulado Desesperación), es su obra más conocida y considerada como 
un icono de la angustia existencial. 
4 Paul Klee (1879 - 1940) fue un pintor alemán nacido en Suiza, que desarrolló su vida en Alemania, cuyo estilo varía entre el 
surrealismo, el expresionismo y la abstracción. Su nombre se pronuncia /pául kle-e/ en alemán (y no /pol klíi/, como en inglés). 
5 José Victoriano González-Pérez, conocido artísticamente como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887 - Boulogne-sur-Seine, 
Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que desarrolló su actividad principalmente en París 
como uno de los maestros del cubismo. 
6 Georges Braque (13 de mayo de 1882 - 31 de agosto de 1963), pintor y escultor francés. Con Pablo Picasso y Juan Gris fue uno 
de los tres creadores básicos del cubismo. 
 
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Actividad 3. Lee y traduce el texto: 
Pintura española 
Ribalta1 fue el primero de la pléyade de artistas insignes que integran el Siglo de Oro de la pintura española, 
el que en realidad no dura sino poco más de media centuria. Exhibe un evidente influjo de Caravaggio2, lo mismo que 
su sucesor inmediato, Ribera3. Este artista de robusto temperamento, tiene una primera etapa intensamente 
realista, de raíz popular. Los cuadros de este período muestran una viva imagen del pueblo, captada con simpatía y 
penetración. Racimos de pueblo se amontonan y presentan con enérgicos trazos. Todos los tipos de la calle están 
expuestos con plena desnudez de rasgos, carácter y sicología. Pero al mismo tiempo Ribera expone en un cautivante 
arquetipo, "El Patizambo", toda la punzante humanidad popular, sobrellevando su triste destino con inalterable 
bondad y resignado buen humor. Esta manera de expresar con simpatía y compasión el dolor de los seres inocentes, 
injustamente tenidos por inferiores, marginados y objeto de burla, por medio de la representación de personas 
deformes o lisiadas, constituye un recurso al que apelan ocasionalmente los artistas hispanos, entre otros el propio 
Velázquez. También Murillo4 se sentirá atraído por los pillos y el populacho callejero. Se trata a todas luces de una 
versión pictórica de la literatura picaresca, entonces en plena sazón... 
Mas la Contrarreforma5 impuso una tendencia contraria al realismo. Así, por ejemplo, las Ascensiones, 
Asunciones e Inmaculadas de Ribera y Murillo adquirirán rostros idealizados, derivando hacia una estilización 
abstracta cada vez más carente de vida real, hasta alcanzar en Murillo una dulzonería empalagosa. Por eso la pintura 
española de la época fluctúa entre el realismo y el idealismo. 
Zurbarán6 fue un campesino extremeño que vistió el hábito dominico7. Su pintura refleja cabalmente el 
origen del autor y el sentir y el pensar de la orden a que perteneció. Predominan los monjes. Al revés de la de los 
jesuitas8, es estática y contemplativa; y la composición bien trabada, firme e inmóvil como un silogismo de Santo 
Tomás9. Está impregnada del espíritu monástico que aún perduraba "en su orden, la cual condenaba las innovaciones 
y las simplificaciones por razones prácticas, preconizadas por los combativos jesuitas. Además conservó cierta rudeza 
y un sencillo naturalismo campesino, cuando lo permitía el tema, hasta la última fase, en la que se resintió del influjo 
de la Contrarreforma. 
Velázquez constituye un caso aparte. Refugiado en el palacio real, con la amistad y la protección de Felipe IV, 
monarca sensible al arte, pudo dar rienda suelta a su genio excepcional. Poco religioso, según se desprende de sus 
obras, no le conmovieron ni el patetismo ni las cruzadas de la Contrarreforma. En el primer período, en el que se 
advierte la influencia de Caravaggio, tuvo veleidades dionisíacas, como lo demuestra su cuadro "Los Borrachos". 
Después de pasar por las escuelas flamenca10 y de Rubens11, su pintura se apropia del rico cromatismo y la soltura de 
los venecianos. El artista se convierte en el acucioso cronista de la Corte, en el penetrante y sereno observador que, 
con un lenguaje pictórico jugoso, rico, cálido, certero, suelto y por momentos amenos, deja uno de los testimonios 
de más alta calidad humana y más valiosos de la historia... 
No sabemos si colocar a Goya en el siglo XVIII o el XIX. De hecho, está a horcajadasentre ambas centurias. La 
mayor parte de su vida transcurrió en la primera y en muchos respectos pertenece a ella. Pero su carácter es tan 
rebelde; su contenido tan revolucionario y su pintura tan cargada de innovaciones que desde el punto de vista 
artístico le correspondería el siglo XIX, sobre cuya pintura ejerció un influjo decisivo, a pesar de ciertos resabios del 
setecientos francés. Fruto ideológico del racionalismo de fisiócratas y enciclopedistas, se adhirió a la Revolución 
Francesa y tuvo la clarividencia de comprender el contenido revolucionario del régimen de José I12, impuesto a 
España por Napoleón. Su cuadro con el globo de Mongolfier13, cuyo vuelo había asombrado al mundo de entonces, lo 
revela como un progresista, al paso que aún hoy día son pocos los que se atreven a pintar un avión. Fue rebelde toda 
su vida por convicción, pero también temperamentalmente, por lo que debe ser considerado un romántico. : 
Su arte es una crítica punzante y atrevida del régimen, entre Carlos III14 y Fernando VII15, que en España se 
esforzaba por sobrevivirse a sí mismo, con desmesuradas distancias clasistas, una estructura feudal caduca, una 
administración inerte y corrupta basada en favoritismos familiares y nutrida de impuestos aplastantes e irracionales, 
una economía inadecuada, un clero que sumía la población en una crasa ignorancia y un pueblo consumido por la 
miseria. Pero todas estas condiciones de por sí no valdrían nada si no las acompañara la gracia. Y la gracia le brota a 
borbotones, retozona y pimentada, a Goya. Su sátira chispeante no se detiene ni apaga ante ninguna jerarquía, y el 
mismo se burla de la majestad reinante pero vulgar de Carlos IV16 que de las más empingorotadas damas de la Corte, 
de petimetres y lechuguinos. Al propio tiempo se recrea con el jolgorio de la España popular y el espectáculo taurino, 
a la vez que denuncia el horror de la miseria y el sumidero moral e intelectual del oscurantismo. Se ha dicho que es el 
Quevedo17 de la pintura, pero un Quevedo sin la hiel, aunque más poderoso en su demoledora burla y penetración 
sicológica. Como si esto no fuese suficiente, es un artista revolucionario. Desde el punto de vista pictórico también. 
Sus innovaciones en el fraccionamiento de los colores y la atmósfera luminosa habrían de repercutir en escuelas 
ulteriores, del siglo XIX, sobre todo el impresionismo. Relevó, asimismo, las calidades cromáticas del blanco y negro, 
recogidas luego por Géricault18. Su empleo del grabado como vehículo de ideas fue secundado más tarde por el 
impar Daumier19. 
M. Pogolotti20. El camino del arte 
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Notas: 
1 Francisco Ribalta (1565 – 1628) fue un pintor español; la influencia del naturalismo del movimiento de Caravaggio, con el 
que probablemente entró en contacto durante sus estudios en Italia, y de José de Ribera le llevó a ser el primer español en 
destacarse por el tenebrismo de su obra, que ejercería un poderoso influjo entre sus sucesores. 
2 Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610), fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia, entre 
los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. 
3 José de Ribera (1591 – 1652); pintor tenebrista español del siglo XVII, también conocido como Giuseppe Ribera, en 
italiano. También fue llamado por sus contemporáneos Lo Spagnoletto, «el pequeño español», por su costumbre de firmar 
así sus obras «Jusepe de Ribera, español» y su baja estatura. Ribera fue un pintor destacado de la escuela española, 
aunque su obra se hizo íntegramente en Italia y de hecho, no se conocen ejemplos seguros de su juventud en España. 
4 Bartolomé Esteban Murillo (1617 – 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la 
pintura barroca española que, tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante 
reconocimiento mundial. 
5 La Reforma Católica o Contrarreforma fue la respuesta a la reforma protestante de Martín Lutero, que había debilitado a 
la Iglesia. Denota el período de resurgimiento católico desde el pontificado del Papa Pío IV en 1560 hasta el fin de la 
Guerra de los Treinta Años, en 1648. Sus objetivos fueron renovar la Iglesia y evitar el avance de las doctrinas 
protestantes. 
6 Francisco de Zurbarán (1598 – 1664), pintor del Siglo de Oro español. Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán 
destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista 
representativo de la Contrarreforma. Influido en sus comienzos por Caravaggio, su estilo fue evolucionando para 
aproximarse a los maestros manieristas italianos. 
7 La Orden de Predicadores (del latín: Ordo Praedicatorum, O.P.) conocida también como Orden Dominicana y sus 
miembros como Dominicos, y en Francia como Jacobinos, es una orden mendicante de la Iglesia Católica fundada por 
Domingo de Guzmán en Toulouse durante Su hábito es blanco con una túnica, escapulario, cogulla con capucha y una capa 
de color negro. Utilizan como emblema más conocido una cruz flordelisada pintada con los colores de la orden. El lema de 
la Orden es “Laudare, Benedicere, Praedicare” (Alabar, Bendecir y Predicar). 
8 La Compañía de Jesús (Societas Jesu, S.J.) es una orden religiosa de la Iglesia Católica, fundada por San Ignacio de Loyola, 
San Francisco Javier y otros cinco compañeros en 1534, en París. Con cerca de 19.000 miembros, sacerdotes, estudiantes y 
hermanos, es la mayor orden religiosa masculina católica hoy en día. La finalidad de esta Compañía es «la perfección 
cristiana, propia y ajena, para gloria y servicio de Dios». 
9 Santo Tomás de Aquino O.P. (1225 – 1274), fue un reconocido teólogo y Doctor de la Iglesia Católica que vivió en la edad 
media. Máximo representante de la tradición escolástica, y padre de la Escuela Tomista de filosofía. Su trabajo más 
conocido es la Summa Theologica, tratado en el cual postula Cinco Vías para demostrar la existencia de Dios. Canonizado 
en 1323, fue declarado Doctor de la Iglesia en 1567 y Patrón de las Universidades y Centros de estudio católicos en 1880. 
Su festividad se celebra el 28 de enero. 
10 La pintura flamenca (o escuela flamenca) es el nombre dado al conjunto de pintores de los Países Bajos desde el siglo 
XV, XVI y XVII. Flandes era cuna del comercio de arte en los siglos XV y XVI. Produjo los pintores más destacados del Norte 
de Europa y atrajo a muchas jóvenes promesas de la pintura de países vecinos. Estos pintores fueron invitados a trabajar 
en las cortes extranjeras y tuvieron una influencia por toda Europa. Entre su producción se incluyen pinturas de estilo 
gótico, manierista y Barroco. 
11 Peter Paul Rubens (1577 - 1640), pintor flamenco, líder de la escuela flamenca del siglo XVII, y considerado como el 
representante más genuino y completo del estilo barroco. Su influencia fue enorme en la pintura europea, tanto por su 
amplísima producción como por la difusión de sus diseños mediante grabados. 
12 José I Bonaparte (1768 – 1844) fue un político, diplomático y abogado francés, miembro del Consejo de los Quinientos, 
Gran Maestre del Gran Oriente de Francia, rey de Nápoles entre 1806 y 1808 y de España entre 1808 y 1813. Impuesto en 
el trono por su hermano Napoleón, emperador de los franceses, fue rechazado por la mayor parte de sus súbditos. 
13 Hermanos Montgolfier: Joseph-Michel (1740-1810) y Jacques-Étienne (1745- 1799), considerados como los inventores 
del globo aerostático, se ha demostrado que Bartolomeu Lourenço de Gusmão inventó con anterioridad la primera 
máquina voladora aerostática que algunos consideran en decir que fue el primer globo aerostático conocido. A estos 
globos se les llamó montgolfiere o mongolfiera. 
14 Carlos III de Borbón (1716 –1788). Duque de Parma con el nombre de Carlos I (Carlo I) entre 1731 y 1735, Rey de 
Nápoles y Sicilia con el nombre de Carlos VII (Carlo VII) de 1734 a 1759 y de España (1759–88), perteneciente a la Casa deBorbón. Carlos sirvió a la política familiar como una pieza en la lucha por recuperar la influencia española en Italia. 
15 Fernando VII de Borbón (1784 - 1833), llamado el Deseado, fue rey de España en 1808 y, tras la expulsión del rey intruso 
José Bonaparte, reinó nuevamente desde 1813 hasta su muerte, exceptuando un breve intervalo en 1823, en que fue 
destituido por el Consejo de Regencia. Hijo y sucesor de Carlos IV y de María Luisa de Parma, pocos monarcas disfrutaron 
de tanta confianza y popularidad iniciales por parte del pueblo español. Sin embargo, pronto se reveló como un soberano 
absolutista, y uno de los que menos satisfizo los deseos de sus súbditos, que lo consideraban sin escrúpulos, vengativo y 
traicionero. Rodeado de una camarilla de aduladores, su política se orientó en buena medida a su propia supervivencia. 
7 
 
16 Carlos IV de Borbón (1748 –1819) fue Rey de España desde 1788 hasta 1808.Accedió al Trono con una amplia 
experiencia en los asuntos de Estado, pero la repercusión de los sucesos acaecidos en Francia en 1789 y el gobierno a 
manos de su esposa María Luisa de Parma y del amante de ésta, Manuel Godoy (algunos entendidos hoy en día afirman 
que en realidad no eran amantes) frustraron las expectativas con las que inició su reinado. 
17 Francisco Gómez de Quevedo y Santibáñez Villegas (1580—1645) fue un noble, político y escritor español del Siglo de 
Oro, uno de los más destacados de la historia de la literatura española. Ostentó los títulos de Señor de La Torre de Juan 
Abad y Caballero de la Orden de Santiago. Lo más original de la obra literaria de Quevedo radica en el estilo, vinculado al 
Conceptismo barroco y por lo tanto muy amigo de la concisión, de la elipsis y del cortesano juego de ingenio con las 
palabras mediante el abuso de la anfibología. 
18 Jean-Louis André Théodore Géricault, conocido como Théodore Géricault (1791 - 1824), fue un pintor francés. Prototipo 
de artista romántico, tuvo una vida corta y atormentada que dio lugar a varios mitos sobre él. 
19 Honoré Daumier, (1808- 1879). Caricaturista, pintor, dibujante y escultor francés. Sus grabados se destacan por la 
mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente 
los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos 
representados. 
20 Marcelo Pogolotti fue uno de los miembros de la extraordinaria generación de artistas que, en la década del 20 del 
pasado siglo, dieron el salto del Academicismo a la Vanguardia en las artes plásticas en Cuba. En La Habana pudo 
destacarse como novelista, historiador y crítico de arte. 
 
a) Busca en el texto los sinónimos de: 
Eminente, exponer, la influencia, el continuador, directo, vigoroso, apilarse, la línea, aguantar, invariable, acudir, 
opuesto, lograr, oscilar, prevalecer, vincular, constante, la inestabilidad, ansioso, encantador, sedicioso, importante, 
audaz, la algazara, potente. 
 
b) Busca en el texto los equivalentes españoles de: 
плеяда видатних митців; виявляти чийсь вплив; зображати виродливих людей або калік; прийом, який 
застосовують іспанські художники; далекий від реального життя; зайва солодкуватість; коливатися між 
реалізмом та ідеалізмом; міг повністю розкритися його винятковий талант; соковита, мальовнича мова; мати 
дар ясновидіння; гостра й смілива критика; дотепність б'є ключем; іскрометна сатира; викривати жах убогості; 
нові способи розподілення кольору; виграшно використати хроматичні властивості білої й чорної красок. 
 
c) Contesta a las preguntas: 
1. ¿Qué pintores integran el Siglo de Oro de la pintura española? 
2. ¿En qué se revela el realismo de Ribera? 
3. ¿Por qué el período de la Contrarreforma fluctúa entre el realismo y el idealismo? 
4. ¿Qué cuadros de Velázquez muestran una viva imagen del pueblo? 
5. ¿En qué consiste el contenido revolucionario de la obra de Goya? 
6. ¿Por qué consideran a Goya un artista revolucionario desde el punto de vista pictórico? 
 
d) Escribe el plan del texto. 
 
Actividad 4. Velázquez y Tapies: dos épocas del arte español 
a) Mirar un cuadro. Observa los dos cuadros y responde a estas preguntas: 
 
CUADRO A 
a) ¿Qué está sucediendo en el cuadro A? 
b) ¿Conoces a alguno de los personajes? 
c) ¿Conoces la historia de Vulcano? 
d) ¿Qué parte de la historia mitológica ha escogido Velázquez 
como tema de este cuadro? 
e) ¿Qué ideas o emociones expresa esta obra de arte? 
f) ¿Refleja esta obra de arte la vida real? 
 
La Fragua de Vulcano. 1631. Velázquez. 
Óleo/lienzo, 223 x 290 cm. 
 
 
8 
 
b) Lee los textos sobre estos cuadros: 
LA FRAGUA DE VULCANO. VELÁZQUEZ. 
Apolo, envuelto en un halo luminoso y tocado con una corona de laurel, irrumpe en la fragua donde trabaja 
Vulcano, el dios herrero, para anunciarle que su esposa Venus ha cometido adulterio con Marte, el dios de la guerra. 
Vulcano, que en esos momentos está forjando una armadura para Marte, lo contempla con ojos atónitos. 
La sensación de instantaneidad, casi cotidiana, es uno de los logros de Velázquez en este lienzo. La escena 
llama la atención por su realismo, no sólo el de los personajes que interpretan la escena, sino el del ambiente creado 
por el artista. 
Velázquez da una versión completamente humana de esta escena mitológica. Aunque los cuerpos de estos 
herreros tienen un gran sentido clásico y el conjunto parece un friso, los personajes y la situación nos resultan 
contemporáneos. Apolo se ve envuelto en un manto que deja al descubierto su torso desnudo. Vulcano es 
simplemente un herrero. Los cíclopes que le ayudan son meros hombres del pueblo que conocen el oficio. La caverna 
donde el dios herrero forja las armas de los demás dioses es una herrería como tantas de las que Velázquez pudo ver 
en España o en Roma. Con la maestría que le caracteriza, pinta además una serie de herramientas propias de una 
fragua. El fuego que sale de ella proporciona luz y sombras, mientras que el halo de Apolo hace que entre claridad 
por la izquierda. 
CRUZ Y TIERRA. ANTONI TAPIES 
Tapies, pintor y escultor español nacido en Barcelona, es uno de los líderes del informalismo español. Su 
influencia será decisiva a nivel internacional. Tapies inicia su trayectoria artística en el año 1945. En 1951, Tapies 
inicia una evolución individual y opta por una línea matérica informalista, basada en la primacía de la materia 
pictórica como medio expresivo artístico. Así, Tapies impondrá como valor total la materia frente a la forma. El 
artista aplica la pasta pictórica directamente del tubo en forma de empastes granulosos. Sobre ellos imprime, con los 
dedos o con herramientas, huellas, incisiones, surcos y grietas. 
En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del 
artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. La cruz, constante a lo largo de su carrera, 
puede ser griega, latina, en aspa o en forma de T. Se asocia con la inicial de su apellido, con la señal mítica de la Ley, 
con el símbolo de la feminidad y con el ángulo de vértice soberano, símbolo de la virilidad. Su gama cromática ha 
oscilado entre el monocromatismo y el colorido neutro, con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la 
inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. 
 
c) ¿Qué características atribuyes a cada obra? 
(En) Qué obra…. La Fragua 
de Vulcano 
Cruz y 
Tierra 
Se da importancia a la materia. 
Tiene colores terrosos. 
Ilustra un mito. 
Es del siglo XVII. x 
Parece un muro. 
Parece un friso. 
CUADRO B 
a) ¿Crees que este cuadro representa alguna historia o leyenda? 
b) ¿Crees que representa la realidad o el mundo interior del artista? 
c) ¿Cómo se sentía el artista cuando realizó esta obra de arte? 
d) ¿Qué te hace sentir a ti al contemplarla? 
e) ¿Cuáles crees que son los rasgos más sobresalientes de esta obra? 
¿El color, la textura, la luz, laforma, el movimiento, la materia, el 
volumen…? 
 
Cruz y Tierra. Antoni Tapies. 
Técnica mixta. 162 x 162 cm. 
 
9 
 
No está hecha sólo con pintura. 
Presenta un tema clásico de forma contemporánea. 
Parece tener un significado oculto. 
Representa el mundo interior del artista. 
Está pintada en óleo sobre lienzo. 
Contiene símbolos, rayados y grietas. 
Es realista. 
Me gusta. Utiliza los conceptos anteriores para hablar de tu opinión. 
 
d) Encuentra palabras relacionadas con las dos obras y distribúyelas según la que describan. 
desnudomitologíamateriafigurativoabstractodiossímbolospersonajecruzmundointeriorsignosrelievearmaduratextural
uzhaloletrasherrerocuerpossombra 
La fragua de Vulcano: desnudo,… 
Cruz y raya: materia,… 
 
c) Elige la opción que mejor refleje el contenido de los textos: 
1. Velázquez elige como tema para la Fragua de Vulcano 
a) una escena mitológica. 
b) una escena religiosa. 
c) una escena costumbrista. 
2. Tapies da prioridad 
a) a la forma frente a la materia. 
b) a la materia frente a la forma. 
c) a las figuras humanas frente a los símbolos. 
3. El estilo de Antoni Tapies. 
a) influye exclusivamente a nivel local. 
b) es conocido y apreciado internacionalmente. 
c) es más conocido en Francia que en España. 
4. En la Fragua de Vulcano, Velázquez crea un ambiente 
a) sobrenatural. 
b) cotidiano y contemporáneo. 
c) tenebrista. 
 
Actividad 5. a) Lee el texto sobre una de las pinacotecas más famosas del mundo. 
Museo del Prado 
Entre los museos europeos se destaca el del Prado que es una de las más famosas y valiosas pinacotecas del 
mundo. La primera en coleccionar obras de arte fue 
Isabel la Católica, bien que su colección, aparte lo 
guardado en la Capilla Real de Granada, se dispersó tras 
su muerte. 
Por fortuna, no sucedió lo mismo con lo 
adquirido por Carlos I, tan aficionado a la obra de 
Tiziano1, ni por Felipe II que admiraba los cuadros de El 
Bosco2. No creció demasiado la colección real bajo el 
corto reinado de Felipe III, mas sí, y de manera 
espléndida, en el de Felipe IV. 
Aunque su sucesor, Carlos II, había aumentado 
poco la colección, ésta en 1700, se elevaba a la enorme 
suma de 5.339 pinturas, la mayoría de ellas se hallaban 
en el Alcázar de Madrid y otras en El Escorial3 y demás 
sitios reales. Fue desgracia que en diciembre de 1734 
ardiera el dicho Alcázar, con pérdida de más de 500 
cuadros, entre ellos algunos de Velázquez. Por dicha, Felipe V y su esposa eran amantes de la pintura, y sus compras, 
entre ellas de lienzos de Murillo y de Teniers4, aliviaron las consecuencias de la mencionada desgracia. 
El edificio que ahora contiene la famosa pinacoteca fue construido de acuerdo con los planes trazados por el 
arquitecto Juan de Villanueva en 1785 y estaba destinado a ser la sede del Museo de Ciencias Naturales. Se trata de 
una construcción en forma de un rectángulo con dos pisos y las fachadas adornadas de esculturas. 
10 
 
Durante la guerra de Independencia5 había sufrido grandes daños, pero más tarde, después de la 
restauración pudo servir de local insustituible para el más famoso museo del mundo. 
La idea de la creación de un gran museo de Pinturas había vivido más de un siglo y fue llevada a cabo por 
Fernando VII, influido por María Isabel, su segunda esposa, que murió en 1818 sin haber llegado a ver abierto el 
Museo. 
Fue inaugurado el 19 de noviembre de 1819. 
El primitivo fondo del Prado incluía las obras que formaban parte de la Colección Real y constaba de 311 
pinturas de artistas españoles, entre los que figuraba Goya. Posteriormente la pinacoteca se enriquecía con obras de 
la escuela italiana y flamenca, llegando a totalizar 521 cuadros en 1821. La colección se fue creciendo en los años 
siguientes y en 1850 los cuadros sobrepasaban un millar. 
El funcionamiento del Museo del Prado durante su etapa inicial dependió totalmente de la Corte. Sus 
primeros directores fueron el Marqués de Santa Cruz, el príncipe de Anglona, el duque de Hijar; en 1843 se publicó el 
nuevo Catálogo de las obras que integraban el Museo. 
Pasan a enriquecer la pinacoteca del Prado los cartones hechos por Goya para la realización de tapices que 
habían estado amontonados en los desvanes del palacio, y al ser destronada Isabel II en 1868, el Museo Real cambia 
su nombre por el actual del Museo del Prado. Es nombrado director el pintor Gisbert y en 1870—1872 se decreta la 
fusión del Prado y del museo del antiguo convento de Trinidad. 
Esta decisión creó problemas en la práctica ya que el edificio del Prado no tenía capacidad suficiente para 
contener los dos importantes fondos y se tuvo que recurrir a la solución de ceder numerosas obras a diversos 
museos provinciales. 
En la nueva etapa del Museo se operaron cambios en el edificio modificándose la fachada Norte, 
construyéndose la fachada Norte y las escalinatas, modificándose la decoración interior del Museo. 
Merecen especial atención las nuevas aportaciones al fondo del Prado, entre las que se destacan de modo 
especial las pinturas negras de Goya y los espléndidos bocetos de Rubens. Además, la pinacoteca se enriquece con 
varias donaciones, en las que vale pena destacar los cuadros goyescos, titulados "La familia del Duque de Osuna" y 
"Tadea Arias". 
El primer director del Museo en el siglo XX fue el pintor José Villegas, que realizó una importante labor de 
organización. En el año 1912 fue creado el Patronato del Museo, cuya misión era primordialmente la de llevar a cabo 
determinadas reformas en el edificio y reforzar la política de donaciones y legados. El edificio fue ampliado entre 
1914 y 1920. 
Fondo del Museo del Prado 
El Museo del Prado cuenta con una de las pinacotecas más completas del mundo. Su fondo pictórico es 
tan numeroso — más de 3000 cuadros — como selecto, figurando en las salas obras de los más estimados maestros 
de la pintura universal. 
Son asimismo muy importantes las colecciones de esculturas (400) y de objetos preciosos. 
La pintura universal está muy bien representada destacando de modo especial las 83 obras de Rubens, las 40 
de Brueghel6, las 36 de Tiziano, las 14 del Veronés. 
En lo que se refiere a la importancia de la gran pintura española, da una idea completa el simple hecho de 
que existen 40 obras de Velázquez, otras tantas de José Rivera, 40 de Murillo, 33 de El Greco y nada menos que 114 
cuadros y medio centenar de dibujos de Goya. 
Dentro de la pintura universal encontraremos, pues, muestras escogidas de la escuela española, italiana, 
flamenca, francesa, alemana, holandés e inglesa. 
Las pinturas más antiguas que figuran en el Prado son los frescos románicos — decoración mural trasladada 
al lienzo; y el arte gótico aparece representado en las salas del museo por varios retablos medievales2. 
En el museo pueden admirarse los lienzos más famosos de la pintura española: "El caballero de la mano en el 
pecho", "Cristo con la cruz a cuestas", "La rendición de Breda", "Las meninas", "Los niños de la concha", "La maja 
vestida" y "La maja desnuda", "El Coloso", "Saturno devorando a su hijo" y otras tantísimas obras maestras. 
Todo el espléndido fondo pictórico que tiende a crecer sin cesar, se distribuye en más de un centenar de 
espaciosas salas del museo. 
El magnífico Museo del Prado es digno de ser visitado, examinado, estudiado y admirado. 
 
Notas: 
1 Tiziano — pintor italiano (XVI siglo), máximo representante del Renacimiento veneciano 
2 El Bosco — pintor, escultor y grabador holandés de imaginación fantástica (XV—XVI siglos) 
3 El Escorial — monasterio famoso fundado por Felipe II en 1563 en el pueblo 
de dicho nombre a 40 km de Madrid, posee una rica colección de cuadros 
4 Teniers (XVI—XVII) — padre e hijo, pintores flamencos, sus cuadros de costumbres populares flamencas son de un 
intenso realismo 
11 
 
5 Guerra de Independencia — nombre que se suele dar a la heroica defensa de los españoles contra la invasión francesa 
1808-1813 
6 Brueghel — familia de pintores flamencos:Pedro Brueghel, el Viejo (1530-1569), Pedro Brueghel, el Joven (1564-1637), 
Juan Brueghel, hermano 
 
b) Escucha una noticia sobre el Día Internacional de los Museos y después elige la opción correcta: 
1. La exposición El Renacimiento, del Museo del Prado… 
a) se acaba de inaugurar. 
b) cierra por la tarde. 
c) ofrece visitas guiadas. 
2. En el texto se afirma que los menores de 14 años recibirán un pase para visitar el museo… 
a) con cinco personas más. 
b) gratuitamente las veces que deseen. 
c) una vez más en los próximos seis meses. 
3. Según el texto, La Noche de los Museos se celebra… 
a) el 28 de mayo. 
b) en museos de todo el mundo. 
c) solamente en Europa. 
 
c) Traduce al español: 
Музей Прадо — музей та галерея мистецтв, розташований в Мадриді, столиці Іспанії. «Прадо» означає 
«луки», «галявина для свят» . Це один з великих і найбільш значущих музеїв європейського образотворчого 
мистецтва, що містить багату колекцію робіт з 12 по 19 століття, засновану на колишній королівській колекції. 
Ідея створити публічний музей на основі королівської збірки належить кінцю 18 століття. Але тоді вона не була 
реалізована. Реалізація прийшлась на 1818 рік. Свій внесок зробили дві королеви Іспанії - Ісабель де Браганца, 
а після її смерті - Марія Хосефа Амалія. Німкеня з Саксонії, Амалія, забажала мати музей на кшталт 
Дрезденської галереї і багато зробила для його відкриття. Датою заснування музею вважають 1819 рік. 
В 19 і 20 століттях музей зазнав декілька реконструкцій. Тоді і отримав поповнення з інших королівських 
палаців та Ескоріала. До музею передали і твори мистецтва з зачинених церков і монастирів тих орденів, 
діяльність яких була заборонена в країні. Серед відділів музею - відділ античних скульптур, скульптури доби 
маньєризму і бароко, меблі, гобелени тощо. 
Історія комплектування музейної збірки сягає у сиву давнину. Вона розпочалася в ті роки, коли Іспанія почала 
перетворюватись на супердержаву і імперію, що мала володіння у Нідерландах, Неаполі, Америці. 
Значним колекціонером був імператор Карлос V, що народився і жив у Фландрії. При ньому почали купувати 
картини значних майстрів Нідерландів та Італії. А відомого живописця з Венеції на ім'я Тиціан імператор 
зробив своїм придворним художником. 
Потреба королівського двору в великій кількості портретів обумовила замовлення як іноземним, так і 
іспанським майстрам. Серед портретистів, що обслуговували іспанських королів та аристократів протягом 300 
років - Тиціан, Ель Греко, Хуан Пантоха де ла Крус, Веласкес, Рубенс, Гойя, ціла низка другорядних майстрів ( 
Хуан Карреньо де Міранда, Мурільйо , Бартоломе Гонсалес і Серрано, Жан Ранк, Антон Рафаель Менгс тощо ). 
Великий внесок у поповнення королівської колекції картин зробив Веласкес. Він двічі перебував у 
відрядженні в Італії і купував картини значних майстрів - Тиціана, Хосе де Рібера , шість картин Тінторетто , 
Веронезе. Цікаві твори різних майстрів придбали на аукціоні-розпродажу колекції короля Англії Карла І після 
його страти (Мантенья, Веронезе, Ван Дейк тощо ) та посмертному розпродажу збірки картин Рубенса. 
Унікальні витвори ювелірного мистецтва і декілька картин подарувала іспанському двору екс-королева Швеції 
Христина Шведська (вироби зі срібла, свій кінний портрет пензля Себастьяна Бурдона тощо ). 
Всесвітню славу має колекція нідерландських майстрів Прадо. Володарі Іспанії десятиліттями вивозили з 
Нідерландів усе, на що були багаті нідерландські землі - гобелени, ювелірні вироби, картини. Майже всі великі 
нідерландські художники є в Прадо. Колекція картин Ієроніма Босха (повне ім'я Ієронімус Босх) найбільша в 
світі і краща за межами Нідерландів. 
Про дещо грабіжницький характер комплектування музейної збірки добре знають і в Іспанії. В своїй роботі 
«Привиди музею Прадо» Хосе Маріо Салаверья пише : «Іспанська історія - майже ганебний вантаж у 
пам'яті людства... Якби у Іспанії була б тільки її історія, вона б потонула в забутті. Але у Іспанії є величний 
музей, і світ пам'ятатиме про Іспанію». 
Тільки в Іспанії можна створити повну і всебічну уяву про історію мистецтв і творчість іспанських майстрів. 
Досить повна колекція художників Іспанії в Прадо має всесвітню славу, хоча деякі зразки мистецтва давно 
покинули межі країни і прикрасили і інші колекції, і інші країни ( портрети Ель Греко, релігійні образи Хосе де 
Рібера, натюрморти Котана, релігійні картини Сурбарана, портрети і оголена натура Веласкеса, портрети Гойї, 
картини Сулоага та Пікассо тощо). 
12 
 
 
Actividad 6. a) ¿Sabes cuál es nombre verdadero del célebre pintor EL GRECO? ¿Por qué llevaba este seudónimo un 
pintor que se considera español? Lee el siguiente texto y descúbretelo: 
¡El Greco!, el griego de Toledo 
Al filo de la importante exposición de obras del Greco en Gran Bretaña (por primera vez de esta magnitud) se 
ha podido comprobar por la prensa y otros medios de comunicación la escasa importancia que se ha concedido, en 
términos generales, a su emigración y definitiva residencia, hasta su muerte, en España, y lo que esto supuso en lo 
referente a su obra artística y propia existencia. 
Entre las razones para que Doménico Theotocópuli viniera a España las hay puramente prácticas, otras 
artísticas y otras coyunturales. Para un cretense emigrante en busca de triunfos en su carrera, junto con Venecia, 
España había de ser el destino más lógico, pues era algo así como residir en la Gran Metrópoli, primera potencia 
europea y cabeza de la defensa de Occidente contra la invasión turca y la expansión musulmana por el Mediterráneo 
y Centroeuropa (recordemos Lepanto). España era a la sazón un país cosmopolita cuyos territorios rebasaban el 
suelo peninsular con creces y, cruzando el Atlántico, se extendían por casi toda América y aún Oriente (Filipinas). 
Pero el Greco venía con un encargo ya bajo el brazo. Procedía de Roma y llega a Madrid, recientemente 
elegida capital del Imperio. La vida cortesana requiere una disposición especial que el cretense no tiene. El Greco es 
orgulloso, está seguro de su genio y no quiere andar mendigando encargos oficiales o trepando a base de 
complacencias. Tiene ya amigos importantes, españoles y griegos. Con su esposa doña Jerónima, a la que sin 
embargo conoce en Madrid y tras un periodo allí, decide residir en Toledo. El ambiente de la ciudad imperial no es el 
actual. La antigua capital de la España Goda es un enclave cosmopolita, culto, rico, con un comercio inaudito de 
imaginar hoy. ¡Tiene 80.000 habitantes!, en aquella época, y una gran colonia de emigrados griegos y cretenses, muy 
próspera. Hay alemanes, austríacos, suizos, italianos y hasta turcos… No se retira el Greco a Toledo buscando 
soledad, al contrario, busca encargos, cultiva la amistad de los mejores cerebros de la España felipense: Cervantes, 
Góngora, Fray Hortensio Félix Paravicino, Julio Clovio (el gran miniaturista, griego como él), Luis de Castilla (su amigo 
más íntimo), su hermano Diego, deán de la catedral, etc., etc. 
Allí en Toledo el Greco vivió según su ideal: rodeado del refinado lujo y la ascética cultura española de la 
época, con músicos que tañen mientras pinta, reuniones y visitas de artistas e intelectuales… Esa fue la principal 
aportación de España a la gran obra de madurez del genial artista, el ascético refinamiento que Felipe II había 
introducido en su corte y que tan mal fue interpretado más tarde. El lujo no se exhibía, se detentaba con sobriedad, 
sin vulgar ostentación. Ese carácter encaja con el idealismo que el candiota genial profesaba y que, por otro lado, 
tantas deudas económicas le supuso. 
Cuando el Greco falleció dejó escasa ropa, muy pocos muebles y, en cambio, un buen número de libros (casi 
todos en griego) y doscientos cuadros. 
A pesar de las opiniones contrarias y las envidias, el cretense vivió en ese lujo antedicho, gracias a los 
encargos que se le hicieron en España por españoles. Encargos oficiales, eclesiales y privados. Fue en España y en su 
cultura-ambiente que maduró su obra y llegó al paroxismo de su alucinaday flamígera expresión de una modernidad 
no superada. Allí en España quedó su único hijo Juan Manuel y su gran discípulo Luis Tristán; y aunque su memoria se 
perdió por siglos, fueron españoles: S. Rusiñol y R. Casas, entre otros, los que le sacaron del olvido para gloria del 
arte universal. Gloria que señaladamente comparten la patria en que nació y el país que él adoptó para desarrollar su 
obra y existencia. 
b) Localiza en un mapa los lugares mencionados en el texto. 
c) Escribe el plano del texto. 
d) He aquí tienes el texto que trata la obra de El Greco. Léelo y tradúcelo poniendo los verbos en la forma 
apropiada. 
Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. El 
Greco (que quiere decir el griego) _______ (nacer) en 1541 en Candía, Creta, que por 
aquel entonces _______ (pertenecer) a la república de Venecia. Su nombre era el de 
Domenikos Theotokopoulos. Poco se sabe de los detalles de su infancia y aprendizaje 
pero posiblemente _______ (estudiar) pintura en el pueblo en que _______ (nacer). A 
pesar de que sus primeras obras no _______ (llegar) hasta nosotros, probablemente 
_______ (pintar) en un estilo bizantino tardío, como era habitual en Creta en aquella 
época. 
En obras posteriores aún pueden observarse reminiscencias de ese estilo. El Greco 
_______ (ser) un hombre de gran erudición, aficionado a la literatura clásica y a la de 
su época desde joven. Alrededor del año 1566, El Greco _______ (trasladarse) a 
Venecia, donde _______ (permanecer) hasta 1570. _______ (Recibir) una gran influencia de Tiziano y Tintoretto, dos 
de los grandes maestros del renacimiento. Obras de este período veneciano, como La curación del ciego (1566-1567, 
13 
 
Gemáldegalerie, Dresden) demuestran que _______ (asimilar) el colorido de Tiziano, además de la composición de 
las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, características de Tintoretto. 
Durante los años de estancia en Roma, de 1570 a 1576, _______ (continuar) inspirándose en los italianos. La 
influencia de la calidad escultural de la obra de Michelangelo Buonarroti es evidente en su Piedad (1570 - 1572, 
Museo de Filadelfia). Anunciación de época italiana (1567—1577, Museo del Prado, 
Madrid) _______ (poder) ser pintado en Roma, aunque revela la huella de Venecia, 
tanto en el colorido como en el modo de estudiar el espacio. El estudio de la 
arquitectura romana _______ (reforzar) el equilibrio de sus composiciones, que con 
frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas. En Roma _______ (conocer) a 
varios españoles relacionados con la catedral de Toledo y quizá fueron ellos los que le 
_______ (persuadir) para que viajara a España. 
En 1576 _______ (dejar) Italia y, tras una breve 
estancia en Malta, llegó a Toledo en la 
primavera de 1577. Pronto _______ (recibir) el 
primer encargo de la iglesia de Santo Domingo 
el Antiguo y _______ (ponerse) a trabajar en La 
Trinidad (1577-1579, Museo del Prado, 
Madrid). La composición se basa en un grabado 
de Alberto Durero. La labor de El Greco como 
retratista fue muy significativa. Uno de los 
máximos exponentes de esa labor es el famoso cuadro El caballero de la 
mano en el pecho (1577-1584, Museo del Prado). El Greco _______ (desear) 
fervientemente realizar los frescos para el nuevo monasterio que se 
_______ (construir) en El Escorial, pueblo cercano a Madrid, y cuyas obras 
_______ (acabar) en 1582. Para conseguirlo _______ (enviar) diversas 
pinturas al rey Felipe II, pero no _______ (lograr) que le encargaran esa 
obra. Uno de los cuadros que _______ (enviar), Alegoría de la Liga Santa 
(1578-1579, versiones en El Escorial y la Galería Nacional de Londres), pone 
de manifiesto su habilidad para combinar la compleja iconografía política con motivos medievales. Sólo _______ 
(realizar) para el monasterio el cuadro San Mauricio, que hoy _______ (exhibirse) en esta fundación religiosa. 
_______ (Trabajar) también para la catedral de Toledo: El expolio (1577-1579), obra hecha para la sacristía, presenta 
una espléndida imagen de Cristo con una técnica de un rojo intenso, rodeado por los que le han prendido. 
 En 1586 _______ (pintar) una de sus obras maestras, El entierro del 
conde de Orgaz, para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. Esta obra, 
que aún se conserva en su lugar de origen, muestra el momento en 
que San Esteban y San Agustín introducen en su tumba (actualmente 
justo debajo del cuadro) a ese noble toledano del siglo XІV. En la 
parte superior el alma del conde asciende al paraíso poblado de 
ángeles, santos y personajes de la política de la época. En El entierro 
se evidencian el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los 
espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco, que habrán de 
acentuarse en años posteriores. 
Tales características pueden asociarse con el manierismo que se 
sigue manteniendo en la pintura del Greco aún después de 
desaparecer en el arte europeo. Su visión intensamente personal 
_______ (asentarse) en su profunda espiritualidad, de hecho, sus 
lienzos evidencian una atmósfera mística similar a la que evocan las 
obras literarias de los místicos españoles contemporáneos, como 
santa Teresa de Ávila y san Juan de la Cruz. El Greco _______ (gozar) 
de una excelente posición. 
_______ (Tener) en Toledo una gran casa en la que _______ (recibir) 
a miembros de la nobleza y de la élite intelectual, como los poetas 
Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos, que _______ (pintar) entre 1609 y 1610, se 
hallan actualmente en el Museo de Bellas Artes de Boston. Pintó también algunos cuadros de la ciudad de Toledo, 
como Vista de Toledo (1600-1610, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), aunque el paisaje fuera un género 
poco tratado tradicionalmente por los artistas españoles. 
En las obras que _______ (realizar) desde la década de 1590 hasta su muerte puede apreciarse una intensidad casi 
febril. El bautismo de Cristo (que firmó en griego, como era su costumbre, 1596-1600) y La adoración de los 
pastores (1612-1614), ambos en el Museo del Prado, parecen vibrar en medio de una luz misteriosa generada por las 
14 
 
propias figuras sagradas. Los personajes de La adoración, aparecen envueltos por una vaporosa niebla, que puede 
observarse en otras obras de su última época, y que otorga mayor intensidad al misticismo de la escena. Esta obra la 
pintó para la capilla donde descansan sus restos. Los temas de la mitología clásica, como el Laocoonte (1610-1614, 
Galería Nacional, Washington), y los del Viejo Testamento, como el de la obra inacabada que muestra la escena 
apocalíptica de El quinto sello del Apocalipsis (1608-1614, Museo Metropolitano), atestiguan la erudición humanista 
de El Greco y cuan brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales. Murió en Toledo el 7 de 
abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de santo Domingo el Antiguo. 
Vocabulario 
la reminiscencia ремінісценція ascender підніматися 
permanecer перебувати evidenciarse бути явним, очевидним 
asimilar засвоювати el alargamiento подовження 
el colorido колорит el pavor страх 
inspirarse знаходити натхнення vacío пустий 
la calidad якість acentuarse посилюватися 
revelar розкривати asociarse асоціюватися 
la huella слід asentarse ґрунтуватися 
el espacio простір el lienzo полотно 
reforzar підсилювати evocar воскрешати в пам'яті 
el equilibrio рівновага la élite еліта 
persuadir переконувати hallarse виявлятися, перебувати 
breve стислий el género вид, жанр 
el encargo замовлення tratar зачіпати 
la Trinidad Трійця el bautismo хрещення 
el grabado гравірування, гравюра firmar підписувати 
la labor робота la adoración de los pas- поклоніння пастухів 
el retratista портретист tores 
el exponente виразник generar вчиняти 
fervientemente палко vaporoso пароподібний 
poner de manifiesto виявити otorgar надавати 
la habilidad спритність la capilla каплиця 
la fundación асоціація Laocoonte Лаокоон 
la sacristía різниця el Viejo Testamento Старий Завітprender схопити el Apocalipsis Апокаліпсис 
introducir вводити atestiguar засвідчувати 
la tumba могила el enfoque підхід 
 
 
e) Contesta a estas preguntas. 
1. ¿Dónde nació El Greco? 
2. ¿Qué se sabe de los detalles de su infancia y aprendizaje? 
3. ¿Qué estilo era habitual en Creta en aquella época? 
4. ¿Qué influencia recibió el pintor? 
5. ¿Qué reforzó el equilibrio de sus composiciones? 
6. ¿Cómo son sus primeros cuadros que han llegado hasta nosotros? 
 
f) Escucha la audición sobre “El entierro del conde de Orgaz” y completa el texto con las palabras que faltan: 
Es definida como la obra _________ de El Greco. Fue _________ en su madurez cuando ya estaba plenamente 
_________ en Toledo. 
Como consecuencia del _________ no existe _________ en la escena, por lo que no observamos ni _________, ni 
_________. Tampoco podemos afirmar que la _________ sucede al aire libre o en el interior de una _________. 
También El Greco _________ esto al no _________ los pies de los asistentes al entierro. Solo hay _________ en la 
parte _________. De aquí al inferior proviene de las vestiduras. 
La pintura se encuentra en su lugar _________. Y así lo han separado el resto de la _________ para que no se 
moleste al _________. 
Hace pocos años el _________ actual decidió buscar la tumba de Don Gonzalo Ruiz de Toledo. Puesto que se sabía 
que el _________ se pintó muy cerca de donde se encontraba la _________ de este hombre. Y se encontró. Se 
encontró a los pies del cuadro una tumba con los _________ que podían ser del señor de Orgaz. La sepultura es 
_________. Y bien podía encajar con la _________ que se le asocia al personaje dando su sobriedad. 
Ahora se la puede contemplar separada por un cristal. 
15 
 
 
g) Elige un cuadro de El Greco e intenta describirlo. 
h) Traduce al español: 
Ось перед нами "Портрет лицаря з рукою на грудях" та "Чоловічий портрет" Ель Греко - твори, що 
розкривають повноту почуттів людини, шляхетність натури. Важко знайти кращі приклади блискучого початку 
історії іспанського портрета. "Портрет лицаря з рукою на грудях" темний, лише обличчя й рука світяться в 
обрамленні застиглої піни перлових бризків жабо. Замислена особа філософа, особа шляхетного лицаря, що 
ступив на шлях честі та обов’язку. Рука клятвено притиснута до грудей - символ вірності, обов’язку, совісті, 
таланту. У портреті мистецтвознавці бачать самого художника, яким він приїхав із Криту в Толедо, і ще не став 
знаменитим. 
"Чоловічий портрет" можна вважати символом епохи падіння віри в могутність людини, часу суворого 
самоаналізу. Людина на портреті схожа на лікаря, що втратив надію зцілити всіх хворих. Впалі щоки, чітко 
помітні зморшки. Негуста і якось жалісно зігнута борідка вкрилася сивою памороззю . Розумна та засмучена 
людина, на портреті, на думку окремих мистецтвознавців, нагадує сучасника Ель Греко - Сервантеса. 
 
i) Traduce al español: 
Будинок-музей Ель Греко в Толедо 
Мало хто мав таку гучну і потужну посмертну славу в 20 столітті, як Ель Греко. Кожне відкриття документа про 
нього чи нового твору ставало сенсацією. Але тихим та релігійним творам Ель Греко не заважає метушня цього 
світу. Як не заважає і захоплення перед портретами його пензля мільйонів глядачів в музеях світу. Адже вони 
давно увійшли у вічність. Про твори Ель Греко видано багато книжок і альбомів, є багато листівок і 
репродукцій. В Толедо створено музей митця в одному з палаців тієї доби, бо дім майстра не зберегли. 
У 1585 році художник орендував будинок маркіза де Віллєни, де і мешкав майже все життя. Це був комплекс 
досить старих будівель, яки здавали усім охочім. Майстер займав 24 кімнати, де розмістив вітальні, їдальню, 
власну бібліотеку і майстерню. Ель Греко переніс в свою оселю звичку слухати музик під час обіду, як це 
робили в Венеції 16 століття. Аскетичним в побуті і надто релігійним іспанцям це було неприйнятним і 
незрозумілим звичаєм чужинця. Художник добре розумів підозріле відношення оточення і жив приховано, 
досить відокремлено. Але в майстерню допускав клієнтів-замовників, небагатьох приятелів і колег-митців. 
Серед візитерів Ель Греко був і художник Франсіско Пачеко, майбутній вчитель Веласкеса. Пачеко, що розділяв 
усі забобони іспанців, багато чого не зрозумів під час візиту. Пізніше були зруйновані і приміщення, де мешкав 
Ель Греко. 
Сучасний Будинок-музей Ель Греко - це реставрована садиба герцогині Архона, що лише нагадує колишній 
будинок де Віллєна і розташований в іншому місці. Наявність автентичних речей і меблів доби 16 століття, 
уламки мармурових скульптур і картини лише відтворюють атмосферу зниклої оселі художника. 
Підтвердженням трохи надмірної посмертної слави художника стала побудова у 1929 р. в місті Лос-Анжелес 
копії сучасного будинка-музею Ель Греко, так звані «Апартаменти Ель Греко» . Цей будинок має 12 квартир і 
спочатку використовувався як невеликий готель. Дешевий і провінційний потяг до усього більш-менш 
уславленого спонукав надати навіть цьому будинку-копії статусу архітектурної пам'ятки у 1980 році. 
 
Actividad 7. a) Uno de los pintores más destacados de la pintura universal es el español Diego Velázquez. Lee y 
traduce la información que se da a continuación: 
Diego Velázquez 
(1599— 1660) 
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en Sevilla en junio de 1599 de padre portugués y madre sevillana. En 
1610 ingresó en el taller de Francisco Pacheco, mediano pintor, pero gran maestro. En 1618 contrajo 
matrimonio con Juana, la hija del maestro. En el taller de Pacheco aprendió a ver la pintura como idealización 
de la realidad, lo que llevó a cultivar a lo largo de su vida un realismo mesurado que, por otro lado, se 
identificaba con su carácter sereno y equilibrado. 
Durante esta primera etapa sevillana, la pintura de Velázquez aparece influida por el naturalismo tenebrista que 
estaba de moda por entonces. La mayor parte de las obras de este momento son de tema religioso ("La 
adoración de los magos"), aunque también son frecuentes las escenas populares ("La vieja friendo huevos", 
"El aguador de Sevilla") en las que se incluyen objetos que, por sí solos, constituyen extraordinarios bodegones. 
En octubre de 1623 es nombrado pintor real y se establece en Madrid. Desde este momento, y hasta su muerte, 
ocupa siempre diferentes cargos que le permiten vivir sin apuros económicos, lo que influyó, seguramente, en 
el equilibrio de sus obras. Entre 1623 y 1628, Velázquez se centró en la realización de retratos cortesanos, 
aunque aborda, por primera vez, un tema mitológico ("Los Borrachos"). 
16 
 
En 1628 realiza su primer viaje a Italia, donde conoció las obras de Rafael, Miguel Ángel y la Escuela Veneciana, 
que dejaron profunda huella en su pintura posterior. Durante esta estancia italiana, Velázquez pintó dos 
grandes obras ("La fragua de Vulcano" y "La túnica de José ) en las que se hace patente la influencia italiana, 
aunque no prescinde del profundo realismo en los personajes, lo que sería una constante a lo largo de su 
producción artística. 
Vuelto a Madrid, a comienzos de 1631, pintó su magnífico "Crucificado" y en el periodo comprendido entre 
1631 y 1644 realizó numerosos retratos ecuestres y de cazadores de los reyes y personajes de la corte, el 
famoso cuadro de la "Rendición de Breda" y las grotescas y deformes figuras de los enanos y bufones de la 
Corte, pero intepretándolos con gran respeto y comprensión a la vez que con penetrante visión psicológica. 
En 1649 el rey le envió de nuevo a Italia para adquirir algunas obras de arte. En esta época pintó al Papa 
Inocencio X y, probablemente, "La Venus del espejo". 
En 1656 Velázquez pintó su obra cumbre, "Las meninas". Contemporánea de "Las meninas" o quizá algo anterior, es 
la segunda de sus grandes obras ("Las Hilanderas"). En ambas obras, Velázquez llevó hasta sus últimas 
consecuencias el estudio de la atmósfera y el aire mediante la pincelada suelta y el difuminado de los contornos, que 
reflejan perfectamente la perspectiva aérea; es decir, la plasmación de esa distancia que existeentre persona y 
persona, entre el espectador y los elementos integrantes del cuadro, cuyas formas se diluyen con el alejamiento, a la 
vez que los colores pierden intensidad. 
 
b) Responde a las preguntas: 
1. ¿Qué corriente cultivó Velázquez a lo largo de su vida? 
2. ¿Qué temas y qué géneros predominan en la etapa sevillana de Velázquez? 
3. ¿Qué puedes contar sobre la vida del artista en Madrid? 
4. ¿Qué género ocupa el primer lugar en la vida de Velázquez entre 1623 y 1628? 
5. ¿Qué reflejos del primer viaje de Velázquez a Italia se notan en su obra? 
6. ¿Qué grandes obras pintó Velázquez durante su estancia en Italia? 
7. ¿A qué se dedica Velázquez en el período comprendido entre 1631 y 1644? 
8. ¿Cómo interpreta Velázquez las figuras de los enanos y bufones de la Corte? 
9. ¿Cuáles son los cuadros principales de la segunda estancia de Velázquez en Italia? 
10. ¿Cuál es la obra cumbre de Velázquez? 
11. ¿Por qué "Las meninas" se considera obra cumbre del genial artista? 
 
c) Compón frases con las locuciones siguientes: 
Ver la pintura como idealización de la realidad, cultivar un realismo mesurado, carácter sereno y equilibrado, ser 
influido por el naturalismo tenebrista, escenas populares, constituir extraordinarios bodegones, vivir sin apuros 
económicos, influir en el equilibrio de las obras, realizar retratos cortesanos, abordar un tema mitológico, dejar 
profunda huella en su pintura posterior, hacerse la influencia italiana, no prescindir del profundo realismo en los 
personajes, ser una constante de la producción artística, realizar retratos a caballo y de cazadores, grotescas y 
deformes figuras de los enanos y bufones de la corte, interpretar con gran respeto y comprensión, pintar con 
penetrante visión psicológica, obra cumbre, llevar hasta las últimas consecuencias, pincelada suelta, el difuminado 
de los contornos, reflejar la perspectiva aérea, diluirse con el alejamiento, perder intensidad. 
 
d) Lee y traduce el otro texto sobre Diego Velázquez. 
Velázquez, pintor 
Es sin duda el más grande de los artistas españoles y uno de los más importantes de la Historia de la Pintura. En su 
obra se van a reunir las preocupaciones esenciales de los pintores del siglo XVII, la naturaleza, la luz, y el movimiento, 
interpretados con serenidad y equilibrio. 
En sus obras, fundamentalmente retratos aunque no excluye el bodegón, la pintura religiosa, el paisaje y la fábula 
mitológica, Velázquez va a cuidar las composiciones determinando la actitud de los modelos y relacionándolos entre 
sí y con el resto de los elementos. Como tantos pintores españoles de su siglo da sus primeros pasos dentro del 
tenebrismo carravaggista, iluminando fuertemente personas y objetos y utilizando una paleta en la que predominan 
los tonos ocres distribuidos con una técnica lisa. Hacia 1630 descubre que la luz además de iluminar permite ver el 
aire interpuesto entre personajes y objetos, lo que hace que sus formas pierdan precisión y los colores intensidad y 
limpieza; en suma empieza a representar con dominio la perspectiva aérea. A la vez, se aclara su paleta y comienza a 
utilizar su característica gama de tonos grises plateados enriquecida con finos matices, a la par que la aplica con 
pinceladas sueltas, imprecisas, que en ocasiones pueden parecer inconexas vistas de cerca, pero que desde la lejanía 
ofrecen al espectador la apariencia de estar observando la realidad. 
 
17 
 
e) Responde a las preguntas: 
1. ¿Qué preocupaciones esenciales de los pintores del siglo XVII se reúnen en la obra de Velázquez? 
2. ¿Qué géneros cultiva Velázquez? ¿Cuál es su género preferido? 
3. ¿La influencia de qué pintor se percibe en los primeros cuadros de Velázquez? ¿En qué se revela esta 
influencia? 
4. ¿Qué tonos predominan en la paleta de Velázquez? 
5. ¿Por qué se cambia la manera pictórica de Velázquez hacia 1630? 
6. ¿Cómo se hace su paleta a partir de entonces? 
7. ¿Qué es lo esencial de la manera pictórica de Velázquez? 
8. ¿Qué lugar ocupa Velázquez en la historia de la pintura? 
 
f) Traduce al español: 
Невідома іспанка - маловідомий жіночий портрет художника Діє го Веласкеса (1599 - 
1770). Зберігається в Англії. 
В майстерні Веласкеса після його смерті були знайдені два портрети. Як і картини, над 
якими він ще працював, вони були повернуті до стіни. Він портретист, тому нікого не 
здивували нові портрети художника. Молода жінка, ще зовсім дівчисько з чорним 
мереживом на голові, зупиняла погляд одразу. Особливі риси обличчя, дивні, великі, 
засмучені очі - не красуня, а океан нового і невідкритого світу. Небайдужий до всього 
виразного майстер намалював її натхненно і обачливо, наче рідкісну квітку. 
Був ще один, де, здається, була та ж сама жінка, але з віялом і трохи старша за віком. 
Дивувала сміливим декольте коричнюватої сукні і блакитним бантом, майже єдиною 
окрасою сеньйори з рукавичками і віялом в руці. Ні підпису, ні вказівки на вік, ні єдиної 
вказівки, хто вона. 
Портрет з дівчиськом в мереживі зник. Пощастило ж в тому, що до зникнення копію 
встиг створити художник Мартінес дель Мазо. Тільки завдяки цій копії на нас може 
глянути молоде дівчисько в мереживі, яке колись болісно зачепило серце відомого художника Іспанії. Але при 
житті він встиг приховати від всіх свою таємницю. 
 
Actividad 8. Para tu trabajo individual prepara la información y preséntala al grupo alguna obra o serie de obras 
de Diego Velázquez. No se te olvide añadir tu visión del cuadro elegido: 
1. Pinturas religiosas 
Dentro de la producción de Velázquez son relativamente pocos los cuadros de tema religioso, e incluso durante 
su época en Madrid el pintor evitó en lo posible tales motivos, hecho notable para un artista español. 
Adoración de los Magos (1619) 
Realizada en Sevilla en 1619 es una pintura de la etapa naturalista de Velázquez que 
no por ser obra de juventud carece de madurez en su planteamiento y realización. 
En la composición se distinguen dos grupos compensados, formados por la Sagrada 
Familia el de la derecha y los tres Reyes Magos y un servidor el de la izquierda, 
situados ambos sobre los personajes, y de paisaje crepuscular y tenebroso. La luz 
incide directamente sobre los personajes, y de forma especial sobre la Virgen con el 
Niño y el Mago que se arrodilla, como para subrayar, la diagonal en la que están 
dispuestos estos personajes, y ocasionando ese fuerte contraste entre luces y 
sombras, característico de la primera etapa del pintor. El tema de la Adoración tan 
reproducido por los artistas de la época en escenas brillantes y lujosas, queda 
convertido sin fastuosidades, donde los Magos aparentan ser lo que son, vecinos 
posiblemente sevillanos, y la Virgen, una mujer morena de rostro suave. Se ha 
sugerido que los modelos podrían ser personas muy 
allegadas al pintor: la Virgen, su esposa, Juana 
Pacheco; el Niño Jesús, su hija Francisca, que acababa de nacer por entonces; el 
rey de edad madura, su suegro Francisco y él mismo representado en el rey 
arrodillado en el lateral izquierdo de la composición. 
La fuerza de lo real es aplastante ante la idealización que evoca lo religioso, una 
faceta que Velázquez respetará en sus obras a lo largo de toda su vida. 
Responde a las preguntas siguientes: 
1. ¿En qué hecho de las Escrituras Sagradas se basa este cuadro? 
2. ¿Qué otros pintores inmortalizaron este sujeto? 
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3. ¿Qué dos grupos se distinguen en la composición de esta obra? 
4. ¿Qué papel desempeña la luz en este cuadro? 
5. ¿Cómo son los rostros de los personajes del cuadro? 
6. ¿En qué consiste la peculiaridad de "Adoración de los Reyes" de Velázquez? 
Coronación de la Virgen (1641-1642) 
Los personajes, insertos en una composición triangular con el vértice invertido, destacan por su equilibrio y 
sobriedad a lo que contribuye la tonalidad de los pigmentos, utilización habitual en 
la representación de este tema iconográfico, sustituyéndola por una interpretación 
humana, tan acorde con la forma de expresar los asuntos de Velázquez. 
Cristo crucificado (1632)La bella imagen de Cristo en el centro del lienzo y dispuesta frontalmente al 
espectador, destaca, iluminada sobre su fondo neutro, oscuro. Velázquez se atiene a 
la iconografía del Cristo de cuatro clavos vigente en Sevilla en el siglo XVII descrita 
por un mínimo paño de pureza, revela la asimilación de los modelos vistos en Italia, 
si bien prevalece en su interpretación la dignidad, la sobriedad y la nobleza. 
Este Cristo llama la atención del espectador por su serena gravedad, totalmente 
alejada de cualquiera exhibición de dolor o misticismo. Tiene la majestad que 
Velázquez conquistó en Italia tras su primer viaje y un modelado algo italianizado. 
Aún le queda algo del claroscuro de los tenebristas. No hay magulladuras, desgarros, 
manchas sangrientas, sino un cuerpo limpio y armonioso, de elegante compostura, que sugiere más amor que 
el pánico. 
Responde a las preguntas siguientes: 
1. ¿Cómo explicarías la escasez de cuadros de temas religiosos en la creación de Velázquez? 
2. ¿Qué sujetos de las Escrituras Sagradas atraen la atención del pintor? 
3. ¿En qué consiste la diferencia en la interpretación de temas religiosos en la obra de Velázquez y en la de 
sus contemporáneos? 
 
2. Bodegones 
Velázquez durante su adolescencia sevillana pintaba bodegones. El tema del bodegón es una cocina, o la mesa 
de una taberna donde hay platos, botellas, cántaros, hortalizas, pescados y algunas figuras humanas de las 
clases sociales más humildes. En el bodegón no pasa nada, ni aparece objeto alguno importante, ni se busca en 
la composición una arquitectura rítmica de formas. El bodegón es la trivialidad pintada. 
El desayuno (1617-1618) 
Concluida la época de aprendiz, el joven pintor se dedicó a la 
representación de escenas populares, de bodegones. El cuadro "El 
desayuno" nos conduce a una posada, en donde 3 personas se 
encuentran agrupadas alrededor de una mesa. A la izquierda ha tomado 
asiento un anciano de barbas que mira con atención hacia el joven que se 
encuentra frente a él. Con el pulgar de la mano derecha señala hacia el 
mozo alegre del centro, quien levanta una garrafa de vino para mostrarla 
al observador. En colorida confusión se encuentran sobre la mesa puesta 
los restos de una escudilla con pescados, un vaso lleno a medias, dos 
granadas, lo mismo que un pan y un cuchillo. En el sentido marcado por 
Caravaggio, la luz proviene de una fuente situada por fuera del cuadro, de 
manera que a la vez que da sobre las figuras, las hace salir plásticamente 
de la oscuridad del fondo. No es casual que Velázquez fue llamado "el 
segundo Caravaggio" pues "reconstruyó la vida de manera que el cuadro se confundía con ella y todo detalle lo 
pintó copiando la naturaleza". 
 
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La vieja friendo huevos (1618) 
 Velázquez pintó este cuadro a los 18 años de edad, el cual tiene de nuevo como contenido un hecho cotidiano: 
una anciana mientras prepara la comida en la cocina. Ya ha echado 2 huevos en la cazuela de barro, y tiene otro 
en la mano. Un mozo que carga un melón y una garrafa se la 
acerca. Encontramos aquí gran cantidad de elementos que 
recuerdan las naturalezas muertas. Pero a pesar de la precisión 
con que están representados, no se les concede a los objetos 
domésticos una significación rectora dentro del conjunto del 
cuadro. Son los hombres los que le interesan de una manera 
que a la vez que se grava en el espectador, resuelta muy 
característica de su estilo, al destacarse marcadamente sobre 
el fondo oscuro. Esa sencilla mujer con las mejillas caídas, se 
dirige de perfil hacia el mozo, quien cierra la composición al 
lado izquierdo del cuadro. Con la posición en diagonal de las 
figuras se crea una relación espacial que aparece en otras obras 
de sus inicios en Sevilla. 
Responde a las preguntas siguientes: 
1. ¿Por qué el bodegón se determina como "la trivialidad pintada"? 
2. ¿Cuáles son los rasgos principales de bodegón? 
3. ¿En qué consiste la diferencia entre el bodegón y la naturaleza muerta? 
 
3. Retratos 
La transformación en la concepción del retrato caracteriza la creación del joven Pintor de la Corte, quien a pesar 
de todo no estaba de manera alguna dispuesto a idealizar a sus modelos en detrimento de la verdad. 
Felipe IV (1623) 
 El personaje, en pie, viste de negro y lleva la golilla, apoya su mano izquierda en la 
empuñadura de la espada, junto a una mesa en la que descansa el sombrero y sostiene 
con la derecha un papel. Es éste uno de los primeros retratos que Velázquez hace del rey 
Felipe IV, hijo de Felipe III y doña Margarita de Austria. 
Este retrato debió ser pintado cuando el maestro llega a la Corte, en 1623, pero fue 
rehecho cinco años más tarde, utilizando una técnica fluida. El pintor modifica la silueta y 
la actitud de las manos y las piernas. Con la capa abierta en la parte de abajo, el artista le 
dio a la figura excesivamente delgada, mucho más firmeza y dignidad. La luz se dirige al 
rostro y a las manos, reclamando sobre ellos la atención del espectador. El fondo, más 
claro que en su etapa sevillana, no tiene más referencia espacial que las sombras que 
originan la luz dirigida. 
Felipe IV, con armadura (1626-1628) 
A sus éxitos como retratista debió Velázquez su nombramiento 
como Pintor de la Corte. Sobre el primer retrato ecuestre de Felipe 
IV el cual no se conserva, concluido por Velázquez en 1625, Pacheco afirma que fue 
exhibido públicamente en Madrid, en la calle principal para que toda la ciudad lo admirara 
y otros artistas pudieran mirarlo llenos de envidia. Entre los retratos del rey de los 
primeros años madrileños se encuentra además un retrato de busto con armadura. Los 
ojos sin brillo y los rasgos adormecidos del rostro traicionan al Habsburgo falta de voluntad 
y melancólico, que dejó en manos de su enérgico ministro 
Olivares la conducción del Imperio. 
Baltasar Carlos a caballo (1634-1635) 
El príncipe, representado en torno a los cinco años de edad, cabalga al galope, 
erguido, llevando en su mano derecha la bengala de general. La exagerada curva que 
Velázquez da al cuerpo del caballo se debe a que su colocación original sería como 
sobrepuerta. 
El paisaje del fondo que corresponde al Guadarrama con la cima nevada de La 
Maliciosa, ocupa toda la composición y sus planos están conseguidos por una 
gradación tonal que parte de los ocres para, a través del verde, llegar a las lejanías 
azules. El cielo con nubes, ocupa la mitad del lienzo. Por otra parte los tonos del 
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traje, verdes, dorados, la banda rosa y el sombrero negro, aplicados con rapidez y soltura, dan un toque de 
color a la escena. 
Retrato ecuestre de Felipe IV (1635) 
Si bien en el retrato del infante el artista pudo dar un tono alegre, en los 
retratos ecuestres de sus padres-colocados en el Buen Retiro a los lados del 
de Baltasar Carlos, - debió someterse mucho más a las exigencias de 
representación de la concepción cortesana del retrato. Desde la antigüedad 
fue considerado el retrato ecuestre como la forma adecuada de expresar el 
señorío, lo que exige respeto, mientras que Rubens amplió el elogio del 
príncipe, en sentido barroco, con el recurso de figuras mitológicas hasta 
alcanzar lo apoteósico, Velázquez renunció a esos complementos. Su retrato 
ecuestre de Felipe IV es eminentemente objetivo y sin embargo llena a 
cabalidad las exigencias convencionales en forma brillante. Caballo y jinete 
aparecen casi completamente de perfil sobre el fondo del paisaje. El noble caballo 
español, lleno de temperamento y en cuyas venas corre sangre árabe, no resulta 
menos retratado que el rey. El grupo adquiere contornos de monumento gracias a 
la Pesade, esa figura de la alta escuela de equitación en que el caballo levanta las 
patas delanteras y permanece por algunos instantes en esa posición. 
El Papa Inocencio X (1650) 
Durante su permanencia en Roma le fue hecho a Velázquez el encargo, 
particularmente honroso para un extranjero, de retratar al Pontífice. 
Aparece el retratado en su sillón; sus ojos miran 
fijamente