U10 proyecto 10 Teoría_del_arte

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Teoría del arte
Véase también: estética
La teoría del arte (también teoría de las artes)
es una disciplina académica que engloba toda
descripción de las manifestaciones artísticas
(fenómenos artísticos u obras de arte), empezando
por su consideración o aceptación como tales, en
todos los géneros del arte, pero especialmente de
las llamadas bellas artes (que incluyen tanto las
artes visuales -pintura, escultura y arquitectura-
como la literatura, la música u otras artes
escénicas).
En cambio, las llamadas artes aplicadas (también
denominadas artes menores, artes decorativas o
artes y oficios) han merecido históricamente un
aprecio menor (junto al de otras artesanías y por
oposición a las mejor valoradas artes liberales),
aunque desde finales del siglo XIX se han
reivindicado (movimiento de Arts and Crafts) y
desde el siglo XX han alcanzado la etiqueta de
diseño, cuya generalización a cualquier ámbito de
la creación y la producción o incluso de los
servicios corre el peligro de aplicarse sin criterio
de forma abusiva e incluso ridícula, desvirtuando
su contenido.
Las teorías del arte analizan este desde un punto
de vista teórico y normativo, proporcionando una
metodología para desvelar el significado de sus
obras. El marco filosófico en el que puede situarse
cada versión de la teoría del arte está
estrechamente vinculado a diferentes
interpretaciones de la estética, dado que la
reflexión en torno a la esencia y función del arte
mismo se encontraría en la frontera entre ambas
disciplinas, de difícil deslinde.
Desde un punto de vista valorativo, la aplicación
individual o social de una teoría del arte se
denomina gusto artístico.
Teoría del arte en la historia
La escuela de Atenas, de Rafael, muestra el alto grado de
teorización que había alcanzado el arte durante el Renacimiento
pleno, en vísperas del manierismo. Los artistas (humanistas
completos, a la vez arquitectos, escultores y pintores, pero también
poetas y filósofos) veían su arte como un oficio sublime, y a sí
mismos como intelectuales comparables a los más reputados sabios
de la Antigüedad, cuyos personajes encarnan en esta obra
(confrontada en las Estancias del Vaticano a La disputa del
Sacramento). El debate de los antiguos y los modernos, que
proviene de la escolástica medieval, encauzará ese tema, decisivo
para la crisis de la conciencia europea que condujo a la Ilustración y
la ciencia moderna.
El taller del pintor, de Gustave Courbet, 1855. El realismo desafía al
academicismo con este manifiesto en que el pintor se precia de
rodearse de personajes sacados de todas las extracciones sociales.
Índice
https://es.wikipedia.org/wiki/Est%C3%A9tica
https://es.wikipedia.org/wiki/Disciplina_acad%C3%A9mica
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Manifestaciones_art%C3%ADsticas&action=edit&redlink=1
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Fen%C3%B3menos_art%C3%ADsticos&action=edit&redlink=1
https://es.wikipedia.org/wiki/Obras_de_arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Bellas_artes
https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_visuales
https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura
https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura
https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura
https://es.wikipedia.org/wiki/Literatura
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica
https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_esc%C3%A9nicas
https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_aplicadas
https://es.wikipedia.org/wiki/Artesan%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_liberales
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIX
https://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XX
https://es.wikipedia.org/wiki/Dise%C3%B1o
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Creaci%C3%B3n_art%C3%ADstica&action=edit&redlink=1
https://es.wikipedia.org/wiki/Producci%C3%B3n_art%C3%ADstica
https://es.wikipedia.org/wiki/Servicios
https://es.wikipedia.org/wiki/Metodolog%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Filos%C3%B3fico
https://es.wikipedia.org/wiki/Est%C3%A9tica
https://es.wikipedia.org/wiki/Esencia
https://es.wikipedia.org/wiki/Gusto_art%C3%ADstico
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Raffael_058.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/La_escuela_de_Atenas
https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio
https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
https://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Humanista
https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura
https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura
https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura
https://es.wikipedia.org/wiki/Poes%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Filosof%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Estancias_del_Vaticano
https://es.wikipedia.org/wiki/La_disputa_del_Sacramento
https://es.wikipedia.org/wiki/Debate_de_los_antiguos_y_los_modernos
https://es.wikipedia.org/wiki/Escol%C3%A1stica
https://es.wikipedia.org/wiki/Crisis_de_la_conciencia_europea
https://es.wikipedia.org/wiki/Ilustraci%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Revoluci%C3%B3n_cient%C3%ADfica
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Courbet_LAtelier_du_peintre.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet
https://es.wikipedia.org/wiki/Realismo_en_pintura
https://es.wikipedia.org/wiki/Manifiesto
Concepto de arte en la civilización
occidental
Edades Antigua y Medieval
Edad Moderna
Edad Contemporánea
Siglo XIX
Siglo XX
Teorías del arte y autores más
significativos
Véase también
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos
Con algunas excepciones, como la civilización
china, en la que existe una tradición de teoría del
arte desde el siglo VI (los Seis Principios de la
Pintura de Xie He), la inmensa mayoría de la
producción escrita sobre teoría del arte ha
correspondido históricamente a la civilización
occidental.
La definición de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un
acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas.
A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte,
entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de
Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller);
«el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es expresión de la
sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del genio» (Adolf
Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el arte es la novedad»
(Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida» (Joseph Beuys); «arte
es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio),«arte
es vida,vida es arte» (Wolf Vostell).
El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el
Renacimiento, arte sólo se consideraban las artes liberales; la
arquitectura, la escultura y la pintura eran “manualidades”.
El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano, a través del cual manifiesta sus ideas y
sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental, puede
tener un contenido religioso o simplemente estético, puede ser duradero o efímero.
En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística, destacando el
aspecto vital, la acción. Así, todo el mundo es capaz de ser artista.
Coche pintado por Andy Warhol (1979). El pop art y, antes que él,
también el surrealismo o la abstracción, son idóneos para un
concepto de arte implicado en la producción.1 La reproducción en
serie puede ser un camino de ida y vuelta (Lata de sopa Campbell's)
y la conexión con el espectáculo, el deporte y los medios de
comunicación de masas pueden ser algo natural. Ya el manifiesto
futurista de Marinetti (1909) había sentenciado que un automóvil de
carreras es más bello que la Victoria de Samotracia.
Teoría del arte en la
historia
Concepto de arte en la civilización occidental
Atributos de la pintura, la escultura y la
arquitectura (1769), de Anne Vallayer-Coster.
https://es.wikipedia.org/wiki/Civilizaci%C3%B3n_china
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_VI
https://es.wikipedia.org/wiki/Seis_Principios_de_la_Pintura
https://es.wikipedia.org/wiki/Xie_He
https://es.wikipedia.org/wiki/Civilizaci%C3%B3n_occidentalhttps://es.wikipedia.org/wiki/Subjetividad
https://es.wikipedia.org/wiki/Historiador
https://es.wikipedia.org/wiki/Fil%C3%B3sofo
https://es.wikipedia.org/wiki/Artista
https://es.wikipedia.org/wiki/Tom%C3%A1s_de_Aquino
https://es.wikipedia.org/wiki/Friedrich_Schiller
https://es.wikipedia.org/wiki/Max_Dvo%C5%99%C3%A1k
https://es.wikipedia.org/wiki/John_Ruskin
https://es.wikipedia.org/wiki/Adolf_Loos
https://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Duchamp
https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Dubuffet
https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Beuys
https://es.wikipedia.org/wiki/Dino_Formaggio
https://es.wikipedia.org/wiki/Wolf_Vostell
https://es.wikipedia.org/wiki/Concepto
https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
https://es.wikipedia.org/wiki/Artes_liberales
https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura
https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura
https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_art%C3%ADstica
https://es.wikipedia.org/wiki/Manualidades
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XX
https://es.wikipedia.org/wiki/Materia
https://es.wikipedia.org/wiki/Artista
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:BMW_M1.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol
https://es.wikipedia.org/wiki/Pop_art
https://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto
https://es.wikipedia.org/wiki/Espect%C3%A1culo
https://es.wikipedia.org/wiki/Deporte
https://es.wikipedia.org/wiki/Medios_de_comunicaci%C3%B3n_de_masas
https://es.wikipedia.org/wiki/Manifiesto_futurista
https://es.wikipedia.org/wiki/Marinetti
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Attributes_of_painting,_sculpture_%26_architecture.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Vallayer-Coster
El término arte procede del latín ars, y es el equivalente al término griego τέχυη (téchne, de donde proviene ‘técnica’). Originalmente
se aplicaba a toda la producción realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer. Así, artistas eran tanto el cocinero, el
jardinero o el constructor, como el pintor o el poeta. Con el tiempo la derivación latina (ars -> arte) se utilizó para designar a las
disciplinas relacionadas con las artes de lo estético y lo emotivo; y la derivación griega (téchne -> técnica), para aquellas disciplinas
que tienen que ver con las producciones intelectuales y de artículos de uso.2 En la actualidad, es difícil encontrar que ambos
términos (arte y técnica) se confundan o utilicen como sinónimos.
Desde Platón hasta el siglo XIX existía un consenso genérico en la literatura culta sobre qué era arte y qué perseguía, cuyo referente
fue desde el inicio la Poética de Aristóteles, y posteriormente los textos latinos del arquitecto Vitrubio o los dramaturgos Terencio y
Plauto. La imitación (mímesis) de la naturaleza y la identificación de la belleza con los principios de verdad y bondad (paralelismo de
estética y ética, función moral y utilitaria del arte) solían ser las ideas más consideradas. En la Antigüedad Tardía la cristianización
(que filosóficamente consistió en la conciliación del neoplatonismo con los textos bíblicos a través de la patrística) colocó el arte bajo
sospecha, como a todo lo material. El periodo medieval vio distintas formas de aprecio y desprecio de las artes (estética cisterciense
de Bernardo de Claraval, diversas consideraciones de los pensadores escolásticos en la universidad medieval) que, de forma extrema,
llegaron a la iconoclastia de un determinado periodo del arte bizantino, y a la ausencia (o muy limitada presencia) de arte figurativo
en el arte islámico.
En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales cunas de la civilización occidental y primera cultura que reflexionó
sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo prácticamente un
sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público en un debate, o para
efectuar mediciones agrónomas. En definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos específicos que la hacen objeto de
aprendizaje y de evolución y perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la inspiración, no estaba catalogada
como arte. Así, Aristóteles, por ejemplo, definió el arte como aquella «permanente disposición a producir cosas de un modo
racional», y Quintiliano estableció que era aquello «que está basado en un método y un orden» (via et ordine).3 Platón, en el
Protágoras, habló del arte, opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a través de un aprendizaje. Para
Platón, el arte tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano.4 Casiodoro destacó en el arte su aspecto productivo,
conforme a reglas, señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat), conmover (moveat) y complacer (delectet).5 
El Renacimiento de los siglos XV y XVI, además de permitir la valoración
social del artista como humanista que reflexionaba teóricamente sobre su
propio arte, significó una minusvaloración del arte medieval (despreciado
como gótico) y una revalorización la Antigüedad clásica grecorromana, o al
menos de lo que se reconstruyó como su canon. Todo ello se fijó e
institucionalizó con el clasicismo de los siglos XVII y XVIII en las
instituciones académicas (academicismo). La Revolución francesa significó la
alteración de ese marco, de forma paralela al desmantelamiento del Antiguo
Régimen y a la irrupción del concepto de libertad en el arte de manos del
Romanticismo, cuyo concepto de belleza incluía también la vertiente
atormentada que representa la novela gótica o las Pinturas negras de Goya.
Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de mentalidad,
separando los oficios y las ciencias de las artes, donde se incluyó por primera
vez a la poesía, considerada hasta entonces un tipo de filosofía o incluso de
profecía –para lo que fue determinante la publicación en 1549 de la traducción
italiana de la Poética de Aristóteles–. En este cambio influyó la situación
social del artista del Renacimiento, más valorado que sus antecesores por cuanto los productos que elabora adquieren un nuevo
estatus de objetos destinados a un consumo estético. Ello es debido al interés que los nobles y ricos prohombres italianos tenían por la
Edades Antigua y Medieval
Alegoría de la pintura (1666), de
Johannes Vermeer.
Edad Moderna
https://es.wikipedia.org/wiki/Lat%C3%ADn
https://es.wikipedia.org/wiki/Idioma_griego
https://es.wikipedia.org/wiki/T%C3%A9cnica
https://es.wikipedia.org/wiki/Cocinero
https://es.wikipedia.org/wiki/Jardinero
https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitecto
https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_art%C3%ADstica
https://es.wikipedia.org/wiki/Poeta
https://es.wikipedia.org/wiki/Plat%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIX
https://es.wikipedia.org/wiki/Consenso
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Po%C3%A9tica_(Arist%C3%B3teles)
https://es.wikipedia.org/wiki/Arist%C3%B3teles
https://es.wikipedia.org/wiki/Vitrubio
https://es.wikipedia.org/wiki/Terencio
https://es.wikipedia.org/wiki/Plauto
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%ADmesis
https://es.wikipedia.org/wiki/Naturaleza
https://es.wikipedia.org/wiki/Belleza
https://es.wikipedia.org/wiki/Verdad
https://es.wikipedia.org/wiki/Bondad
https://es.wikipedia.org/wiki/Est%C3%A9tica
https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89tica
https://es.wikipedia.org/wiki/Moral
https://es.wikipedia.org/wiki/Utilitaria
https://es.wikipedia.org/wiki/Antig%C3%BCedad_Tard%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Cristianizaci%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Neoplatonismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Biblia
https://es.wikipedia.org/wiki/Patr%C3%ADstica
https://es.wikipedia.org/wiki/Medieval
https://es.wikipedia.org/wiki/Est%C3%A9tica_cisterciense
https://es.wikipedia.org/wiki/Bernardo_de_Claraval
https://es.wikipedia.org/wiki/Escol%C3%A1stico
https://es.wikipedia.org/wiki/Universidad_medieval
https://es.wikipedia.org/wiki/Iconoclastia
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_bizantino
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_figurativo
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_isl%C3%A1micohttps://es.wikipedia.org/wiki/Arte_y_cultura_cl%C3%A1sica
https://es.wikipedia.org/wiki/Civilizaci%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Occidente
https://es.wikipedia.org/wiki/Ej%C3%A9rcito
https://es.wikipedia.org/wiki/Debate
https://es.wikipedia.org/wiki/Agronom%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Poes%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Inspiraci%C3%B3n_art%C3%ADstica
https://es.wikipedia.org/wiki/Arist%C3%B3teles
https://es.wikipedia.org/wiki/Quintiliano
https://es.wikipedia.org/wiki/Plat%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Prot%C3%A1goras_(di%C3%A1logo)
https://es.wikipedia.org/wiki/Inteligencia
https://es.wikipedia.org/wiki/Casiodoro
https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XV
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVI
https://es.wikipedia.org/wiki/Artista
https://es.wikipedia.org/wiki/Humanista
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_medieval
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_g%C3%B3tico
https://es.wikipedia.org/wiki/Antig%C3%BCedad_cl%C3%A1sica
https://es.wikipedia.org/wiki/Canon_(arte)
https://es.wikipedia.org/wiki/Clasicismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVII
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVIII
https://es.wikipedia.org/wiki/Academicismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Revoluci%C3%B3n_francesa
https://es.wikipedia.org/wiki/Antiguo_R%C3%A9gimen
https://es.wikipedia.org/wiki/Libertad
https://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Novela_g%C3%B3tica
https://es.wikipedia.org/wiki/Pinturas_negras
https://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya
https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento
https://es.wikipedia.org/wiki/Filosof%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Profec%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/1549
https://es.wikipedia.org/wiki/Italia
https://es.wikipedia.org/wiki/Po%C3%A9tica_(Arist%C3%B3teles)
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Jan_Vermeer_van_Delft_011.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/El_arte_de_la_pintura
https://es.wikipedia.org/wiki/Johannes_Vermeer
belleza, que se convierte a la vez en un medio de destacar socialmente, incrementando el mecenazgo artístico y fomentando el
coleccionismo.6 Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte, como los de Leon Battista Alberti (De Pictura,
1436-1439; De re aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la
influencia aristotélica, pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de decorum, el tratamiento del artista para adecuar los
objetos y temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue el primero en periodificar la historia del arte,
distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y lo que llamó “renacer de las artes”.7 
Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La belleza
se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista, basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo, derivadas de la
naturaleza. Apareció en el arte un nuevo componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como lo grotesco, como se puede
percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los primeros pensadores que prefiguró las ideas modernas:
decía que la creación es infinita, no hay centro ni límites –ni Dios ni el hombre–, todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno, hay
tantos artes como artistas, introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de
la inspiración.8 
Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustración, donde comenzó a producirse cierta autonomía del hecho
artístico: el arte se alejó de la religión y de la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad del artista, centrándose más
en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado.9 Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones críticas sobre la poesía y la
pintura (1719), abrió el camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética no viene dada por la razón, sino por los
sentimientos. Así, para Dubos el arte conmueve, llega al espíritu de una forma más directa e inmediata que el conocimiento racional.
Dubos hizo posible la democratización del gusto, oponiéndose a la reglamentación académica, e introdujo la figura del ‘genio’, como
atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas.
A la diversidad de teorías de arte, frecuentemente antagónicas, se
sumaron las construcciones de la historiografía del arte convertido en
una disciplina universitaria, con un fuerte predominio de autores de
habla alemana, que convirtió a la historia del arte en una ciencia
social.
En un campo muy próximo también se situó la crítica de arte como
función estrechamente vinculada al mercado artístico, de modo
similar a como la crítica literaria lo está al mundo editorial y la
crítica musical al negocio del espectáculo (show business).
La fijación del gusto academicista en los premios y exposiciones
(como el Salón de París) tuvo su reacción en convocatorias
alternativas como el Salon des Refusés (Salón de los Rechazados,
1863) que fueron creando un nuevo concepto de arte independiente que a su vez se institucionalizó y quedó sometido a nuevas
críticas y rupturas generacionales.
Después de la decisiva ruptura de los esquemas artísticos que supuso el impresionismo de finales del siglo XIX y las sucesivas
vanguardias artísticas del siglo XX (cada una de ellas teorizando conscientemente sobre sí misma y su lugar en el arte mediante
manifiestos), se fijaron nuevos conceptos de arte moderno y arte contemporáneo, cuyo significado y teoría del arte son cualquier cosa
menos algo unívoco. Arte moderno no es el arte de la Edad Moderna, sino nuestro arte contemporáneo, o incluso no todo el arte
contemporáneo, sino sólo el que estéticamente responde a los imprecisos requisitos que definen la ruptura estética contra el
academicismo. Esta se da no con la modernidad (cuyo comienzo se podría establecer cronológicamente desde el siglo XV), sino con
la aplicación del término libertad al arte (lo que podría localizarse desde el siglo XIX, y no en todos los artistas o estilos).
El tribunal de los Uffizi (1772-1778), de Johann
Zoffany.
Edad Contemporánea
https://es.wikipedia.org/wiki/Belleza
https://es.wikipedia.org/wiki/Mecenazgo
https://es.wikipedia.org/wiki/Coleccionismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa
https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti
https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti#El_De_Pictura_(1436)
https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti#De_re_ædificatoria_(1450)
https://es.wikipedia.org/wiki/Leon_Battista_Alberti#El_De_statua_(1464)
https://es.wikipedia.org/wiki/Lorenzo_Ghiberti
https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Manierismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Ciencia
https://es.wikipedia.org/wiki/Naturaleza
https://es.wikipedia.org/wiki/Imaginaci%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Grotesco
https://es.wikipedia.org/wiki/Pieter_Brueghel_el_Viejo
https://es.wikipedia.org/wiki/Giuseppe_Arcimboldo
https://es.wikipedia.org/wiki/Giordano_Bruno
https://es.wikipedia.org/wiki/Dios
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XVIII
https://es.wikipedia.org/wiki/Ilustraci%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Jean-Baptiste_Dubos
https://es.wikipedia.org/wiki/Gusto
https://es.wikipedia.org/wiki/Raz%C3%B3n
https://es.wikipedia.org/wiki/Democracia
https://es.wikipedia.org/wiki/Academia
https://es.wikipedia.org/wiki/Historiograf%C3%ADa_del_arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Ciencia_social
https://es.wikipedia.org/wiki/Cr%C3%ADtica_de_arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Mercado_art%C3%ADstico
https://es.wikipedia.org/wiki/Cr%C3%ADtica_literaria
https://es.wikipedia.org/wiki/Edici%C3%B3n_de_libros
https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Cr%C3%ADtica_musical&action=edit&redlink=1
https://es.wikipedia.org/wiki/Espect%C3%A1culo
https://es.wikipedia.org/wiki/Show_business
https://es.wikipedia.org/wiki/Academicistahttps://es.wikipedia.org/wiki/Sal%C3%B3n_de_Par%C3%ADs
https://es.wikipedia.org/wiki/Salon_des_Refus%C3%A9s
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_independiente
https://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardias_art%C3%ADsticas
https://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XX
https://es.wikipedia.org/wiki/Manifiesto
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_moderno
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_de_la_Edad_Moderna
https://es.wikipedia.org/wiki/Modernidad
https://es.wikipedia.org/wiki/Libertad
https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Johan_Zoffany_-_Tribuna_of_the_Uffizi_-_Google_Art_Project.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/Johann_Zoffany
La reflexión teórica en torno al arte seguía siendo uno de los objetos centrales del pensamiento y la filosofía, sobre todo en la primera
mitad del siglo XX, como reacción a la radical transformación tanto del arte contemporáneo como de la sociedad contemporánea
(sociedad industrial, de masas o de consumo) en el contexto histórico de entreguerras (1918-1939: revolución soviética, fascismos,
crisis de 1929); y se manifestó en conceptos nuevos o de renovada definición, muchas veces en tensión dialéctica, como los de arte
puro y arte comprometido (paralelos a los de poesía pura y compromiso del intelectual), arte desinteresado, arte deshumanizado
(original de Ortega y Gasset),10 etc.
En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo XVIII con el movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea
de un arte que surge espontáneamente del individuo, desarrollando la noción de genio –el arte es la expresión de las emociones del
artista–, que comienza a ser mitificado.11 Autores como Novalis y Friedrich von Schlegel reflexionaron sobre el arte: en la revista
Athenäum, editada por ellos, surgieron las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la naturaleza. Para ellos, en la
obra de arte se encuentran el interior del artista y su propio lenguaje natural.12 
Arthur Schopenhauer dedicó el tercer libro de El mundo como voluntad y representación a la teoría del arte: el arte es una vía para
escapar del estado de infelicidad propio del hombre. Identificó conocimiento con creación artística, que es la forma más profunda de
conocimiento. El arte es la reconciliación entre voluntad y conciencia, entre objeto y sujeto, alcanzando un estado de contemplación,
de felicidad. La conciencia estética es un estado de contemplación desinteresada, donde las cosas se muestran en su pureza más
profunda. El arte habla en el idioma de la intuición, no de la reflexión; es complementario de la filosofía, la ética y la religión.
Influido por la filosofía oriental, manifestó que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir, del ‘querer’, que es origen de
insatisfacción. El arte es una forma de librarse de la voluntad, de ir más allá del ‘yo’.13 
Richard Wagner recogió la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de Schopenhauer: en Ópera y drama (1851), Wagner planteó
la idea de la “obra de arte total” (Gesamtkunstwerk), donde se haría una síntesis de la poesía, la palabra –elemento masculino– y la
música –elemento femenino–. Opinaba que el lenguaje primitivo sería vocálico, mientras que la consonante fue un elemento
racionalizador; así pues, la introducción de la música en la palabra sería un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje.14 
A finales del siglo XIX surgió el esteticismo, que fue una reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo
de la era industrial. Frente a ello, surgió una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la
fórmula de Théophile Gautier “el arte por el arte” (l'art pour l'art), llegando incluso a hablarse de “religión estética”.15 Esta postura
pretendía aislar al artista de la sociedad, buscando de forma autónoma su propia inspiración y dejándose llevar únicamente por una
búsqueda individual de la belleza.16 Así, la belleza se aleja de cualquier componente moral, convirtiéndose en el fin último del
artista, que llega a vivir su propia vida como una obra de arte –como se puede apreciar en la figura del dandy–.17 Uno de los teóricos
del movimiento fue Walter Pater, que influyó sobre el denominado decadentismo inglés, estableciendo en sus obras que el artista
debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es “el círculo mágico de la existencia”, un
mundo aislado y autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de la belleza.18 
Por otro lado, Charles Baudelaire fue uno de los primeros autores que
analizaron la relación del arte con la recién surgida era industrial, prefigurando
la noción de “belleza moderna”: no existe la belleza eterna y absoluta, sino que
cada concepto de lo bello tiene algo de eterno y algo de transitorio, algo de
absoluto y algo de particular. La belleza viene de la pasión y, al tener cada
individuo su pasión particular, también tiene su propio concepto de belleza. En
su relación con el arte, la belleza expresa por un lado una idea “eternamente
subsistente”, que sería el “alma del arte”, y por otro un componente relativo y
circunstancial, que es el “cuerpo del arte”. Así, la dualidad del arte es
expresión de la dualidad del hombre, de su aspiración a una felicidad ideal
enfrentada a las pasiones que le mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna,
anclada en el arte clásico antiguo, Baudelaire vio en la mitad relativa el arte moderno, cuyos signos distintivos son lo transitorio, lo
Siglo XIX
El taller del pintor (1855), de Gustave
Courbet.
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https://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Courbet_LAtelier_du_peintre.jpg
https://es.wikipedia.org/wiki/El_taller_del_pintor
https://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet
fugaz, lo efímero y cambiante –sintetizados en la moda–. Baudelaire tenía un concepto neoplatónico de belleza, que es la aspiración
humana hacia un ideal superior, accesible a través del arte. El artista es el “héroe de la modernidad”, cuya principal cualidad es la
melancolía, que es el anhelo de la belleza ideal.19 
En contraposición al esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elaboró una teoría sociológica del arte: en su Filosofía del arte (1865-
1869) aplicó al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y la época (race, milieu, moment). Para Taine, la estética, la
“ciencia del arte”, opera como cualquier otra disciplina científica, sobre la base de parámetros racionales y empíricos. Igualmente,
Jean Marie Guyau, en Los problemas de la estética contemporánea (1884) y El arte desde el punto de vista sociológico (1888),
planteó una visión evolucionista del arte, afirmando que el arte está en la vida, y que evoluciona como ésta; y, al igual que la vida del
ser humano está organizada socialmente, el arte debe ser reflejo de la sociedad.20 
La estética sociológica tuvo una gran vinculación con el realismo pictórico y con movimientos políticos de izquierdas, especialmente
el socialismo utópico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre Joseph Proudhon defendieron la función social
del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza y utilidad en un conjunto armónico. Por otro lado, en el Reino
Unido, la obra de teóricos como John Ruskin y William Morris aportó una visión funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia
(1851-1856) Ruskin denunció la destrucción de la belleza y la vulgarización del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, así
como la degradación de la clase obrera, defendiendo la función social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidió cambios radicales
en la economía y la sociedad, reclamando un arte “hecho por el pueblo y para el pueblo”. Por su parte, Morris –fundador del
movimiento Arts & Crafts– defendió un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades materiales y no sólo espirituales. En
Escritos estéticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) planteó un concepto de arte utilitario pero alejado de sistemas de
producción excesivamente tecnificados, próximo a un concepto del socialismo cercano al corporativismo medieval.21 
Por otro lado, la función del arte fue cuestionada por el escritor ruso Lev Tolstoi: en
¿Qué es el arte? (1898) se planteó la justificación social del arte, argumentando que
siendo el arte una forma de comunicación sólo puede ser válido si las emociones que
transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para Tolstoi, la única
justificación válida es la contribución del arte a la fraternidad humana: una obra de arte
sólo puede tener valor social cuando transmite valores de fraternidad, es decir,
emociones que impulsen a la unificación de los pueblos.22 
En esa época se empezó a abordar el estudio del arte desde el terreno de la psicología:
Sigmund Freud aplicó el psicoanálisis al arte en Un recuerdo infantil de Leonardo da
Vinci (1910), defendiendo que el arte sería una de las maneras de representar un deseo,
una pulsión reprimida, de forma sublimada. Opinaba que el artista es una figura
narcisista, cercana al niño, que refleja en el arte sus deseos, y afirmó que las obras
artísticas pueden ser estudiadas como los sueños y las enfermedades mentales, con el
psicoanálisis. Su método era semiótico, estudiando los símbolos, y opinaba que una obra
de arte es un símbolo. Pero como es el símbolo el que hace aquello simbolizado, hay que
estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la obra.23 Igualmente, Carl
Gustav Jung relacionó la psicología con diversas disciplinas como la filosofía, la
sociología, la religión, la mitología, la literatura y el arte. En Contribuciones a la
psicología analítica (1928), sugirió que los elementos simbólicos presentes en el arte son “imágenes primordiales” o “arquetipos”,
que están presentes de forma innata en el “subconsciente colectivo” del ser humano.24 
Wilhelm Dilthey, desde la estética cultural, formuló una teoría acerca de la unidad entre arte y vida. Prefigurando el arte de
vanguardia, Dilthey ya vislumbraba a finales del siglo XIX cómo el arte se alejaba de las reglas académicas, y cómo cobraba cada
vez mayor importancia la función del público, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de un artista determinado. Encontró en
todo ello una “anarquía del gusto”, que achacó a un cambio social de interpretación de la realidad, pero que percibió como transitorio,
siendo necesario hallar «una relación sana entre el pensamiento estético y el arte». Así, ofreció como salvación del arte las “ciencias
del espíritu”, especialmente la psicología: la creación artística debe poder analizarse bajo el prisma de la interpretación psicológica de
Representación de El
cascanueces, de Piotr
Chaikovski.
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la fantasía. En Vida y poesía (1905) presentó la poesía como expresión de la vida, como ‘vivencia’ (Erlebnis) que refleja la realidad
externa de la vida. La creación artística tiene pues como función intensificar nuestra visión del mundo exterior, presentándolo como
un conjunto coherente y pleno de sentido.25 
El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte: la
superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a conceptos más
subjetivos e individuales, partiendo del movimiento romántico y cristalizando
en la obra de autores como Kierkegaard y Nietzsche, suponenuna ruptura con
la tradición y un rechazo de la belleza clásica. El concepto de realidad fue
cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de
Bergson, la relatividad de Einstein, la mecánica cuántica, etc. Por otro lado, las
nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función, ya que la fotografía y
el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la
génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su
mundo interior, expresar sus sentimientos.26 El arte actual tiene oscilaciones
continuas del gusto, cambia simultáneamente junto a éste: así como el arte
clásico se sustentaba sobre una metafísica de ideas inmutables, el actual, de
raíz kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de
masas). También hay que valorar la progresiva disminución del analfabetismo,
puesto que antiguamente, al no saber leer gran parte de la población, el arte
gráfico era el mejor medio para la transmisión del conocimiento –sobre todo
religioso–, función que ya no es necesaria en el siglo XX.
Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo: de la obra de Marx se desprendía que el arte es una “superestructura”
cultural determinada por las condiciones sociales y económicas del ser humano. Para los marxistas, el arte es reflejo de la realidad
social, si bien el propio Marx no veía una correspondencia directa entre una sociedad determinada y el arte que produce. Georgi
Plejánov, en Arte y vida social (1912), formuló una estética materialista que rechazaba el “arte por el arte”, así como la
individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve.27 Walter Benjamin incidió de nuevo en el arte de vanguardia, que para
él es «la culminación de la dialéctica de la modernidad», el final del intento totalizador del arte como expresión del mundo
circundante. Intentó dilucidar el papel del arte en la sociedad moderna, realizando un análisis semiótico en el que el arte se explica a
través de signos que el hombre intenta descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio. En La obra de arte en la época de la
reproductibilidad técnica (1936) analizó la forma cómo las nuevas técnicas de reproducción industrial del arte pueden hacer variar el
concepto de éste, al perder su carácter de objeto único y, por tanto, su halo de reverencia mítica; esto abre nuevas vías de concebir el
arte –inexploradas aún para Benjamin– pero que supondrán una relación más libre y abierta con la obra de arte.28 
Theodor W. Adorno, como Benjamin perteneciente a la Escuela de Frankfurt, defendió el arte de vanguardia como reacción a la
excesiva tecnificación de la sociedad moderna. En su Teoría estética (1970) afirmó que el arte es reflejo de las tendencias culturales
de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de ésta, ya que el arte representa lo inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo
que existe pero como posibilidad de ser otra cosa, de trascender. El arte es la “negación de la cosa”, que a través de esta negación la
trasciende, muestra lo que no hay en ella de forma primigenia. Es apariencia, mentira, presentando lo inexistente como existente,
prometiendo que lo imposible es posible.29 
Representante del pragmatismo, John Dewey, en Arte como experiencia (1934), definió el arte como “culminación de la naturaleza”,
defendiendo que la base de la estética es la experiencia sensorial. La actividad artística es una consecuencia más de la actividad
natural del ser humano, cuya forma organizativa depende de los condicionamientos ambientales en que se desenvuelve. Así, el arte es
“expresión”, donde fines y medios se fusionan en una experiencia agradable. Para Dewey, el arte, como cualquier actividad humana,
implica iniciativa y creatividad, así como una interacción entre sujeto y objeto, entre el hombre y las condiciones materiales en las
que desarrolla su labor.30 
Siglo XX
Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX
supone una pérdida del concepto de
belleza clásica para conseguir un mayor
efecto en el diálogo artista-espectador.
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José Ortega y Gasset analizó en La deshumanización del arte (1925)
el arte de vanguardia desde el concepto de “sociedad de masas”,
donde el carácter minoritario del arte vanguardista produce una
elitización del público consumidor de arte. Ortega aprecia en el arte
una “deshumanización” debida a la pérdida de perspectiva histórica,
es decir, de no poder analizar con suficiente distancia crítica el
sustrato socio-cultural que conlleva el arte de vanguardia. La pérdida
del elemento realista, imitativo, que Ortega aprecia en el arte de
vanguardia, supone una eliminación del elemento humano que estaba
presente en el arte naturalista. Asimismo, esta pérdida de lo humano
hace desaparecer los referentes en que estaba basado el arte clásico,
suponiendo una ruptura entre el arte y el público, y generando una
nueva forma de comprender el arte que sólo podrán entender los
iniciados. La percepción estética del arte deshumanizado es la de una
nueva sensibilidad basada no en la afinidad sentimental –como se
producía con el arte romántico–, sino en un cierto distanciamiento,
una apreciación de matices. Esa separación entre arte y humanidad
supone un intento de volver al hombre a la vida, de rebajar el concepto de arte como una actividad secundaria de la experiencia
humana.31 
En la escuela semiótica, Luigi Pareyson elaboró en Estética. Teoría de la formatividad (1954) una estética hermenéutica, donde el
arte es interpretación de la verdad. Para Pareyson, el arte es “formativo”, es decir, expresa una forma de hacer que, «a la vez que
hace, inventa el modo de hacer». En otras palabras, no se basa en reglas fijas, sino que las define conforme se elabora la obra y las
proyecta en el momento de realizarla. Así, en la formatividad la obra de arte no es un “resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha
encontrado la regla que la define específicamente. El arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios específicos, debiendo
hallar para su realización un proceso creativo e innovador que dé resultados originales de carácter inventivo.32 Pareyson influyó en
la denominada Escuela de Turín, que desarrollará su concepto ontológico del arte: Umberto Eco, en Obra abierta (1962), afirmó que
la obra de arte sólo existe en su interpretación, en la apertura de múltiples significados que puede tener para el espectador; Gianni
Vattimo, en Poesía y ontología (1968), relacionó el arte con el ser, y por tanto con la verdad, ya que es en el arte donde la verdad se
muestra de forma más pura y reveladora.33 
Una de las últimas derivaciones de la filosofía y el arte es la postmodernidad, teoría socio-cultural que postula la actual vigencia de
un periodo histórico que habríasuperado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica propia de la Edad
Contemporánea, marcada en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico por la
Revolución industrial. Frente a las propuestas del arte de vanguardia, los postmodernos no plantean nuevas ideas, ni éticas ni
estéticas; tan sólo reinterpretan la realidad que les envuelve, mediante la repetición de imágenes anteriores, que pierden así su
sentido. La repetición encierra el marco del arte en el arte mismo, se asume el fracaso del compromiso artístico, la incapacidad del
arte para transformar la vida cotidiana. El arte postmoderno vuelve sin pudor al sustrato material tradicional, a la obra de arte-objeto,
al “arte por el arte”, sin pretender hacer ninguna revolución, ninguna ruptura. Algunos de sus más importantes teóricos han sido
Jacques Derrida y Michel Foucault.34 
Como conclusión, cabría decir que las viejas fórmulas que basaban el arte en la creación de belleza o en la imitación de la naturaleza
han quedado obsoletas, y hoy día el arte es una cualidad dinámica, en constante transformación, inmersa además en los medios de
comunicación de masas, en los canales de consumo, con un aspecto muchas veces efímero, de percepción instantánea, presente con
igual validez en la idea y en el objeto, en su génesis conceptual y en su realización material.35 Morris Weitz, representante de la
estética analítica, opinaba en El papel de la teoría en la estética (1957) que «es imposible establecer cualquier tipo de criterios del
arte que sean necesarios y suficientes; por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica, y no simplemente algo que
sea difícil de obtener en la práctica». Según Weitz, una cualidad intrínseca de la creatividad artística es que siempre produce nuevas
formas y objetos, por lo que «las condiciones del arte no pueden establecerse nunca de antemano». Así, «el supuesto básico de que el
arte pueda ser tema de cualquier definición realista o verdadera es falso».36 
Isla Pagoda en la desembocadura del río Min
(1870), de John Thomson. La fotografía supuso
una gran revolución a la hora de concebir el arte
en el siglo XIX y el XX.
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https://es.wikipedia.org/wiki/John_Thomson_(fot%C3%B3grafo)
https://es.wikipedia.org/wiki/Fotograf%C3%ADa
En el fondo, la indefinición del arte estriba en su reducción a determinadas categorías –
como imitación, como recreación, como expresión–; el arte es un concepto global, que
incluye todas estas formulaciones y muchas más, un concepto en evolución y abierto a
nuevas interpretaciones, que no se puede fijar de forma convencional, sino que debe
aglutinar todos los intentos de expresarlo y formularlo, siendo una síntesis amplia y
subjetiva de todos ellos.
El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas,
construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta
reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o
producir un choque.
Władysław Tatarkiewicz, Historia de seis ideas (1976).37 
Métodos de investigación de la Historia del Arte
Einfühlung (empatía -de: Einfühlung-)
Wilhelm Worringer (de:Wilhelm Worringer)
Formalismo
Heinrich Wölfflin
Escuela de Viena de Historia del Arte
Jacob Burckhardt (propiamente pertenece a un periodo anterior)
Max Dvorak (de:Max Dvořák)
Iconología
Aby Warburg
Erwin Panofsky
Ernst Hans Josef Gombrich
Psicología del arte
Teoría de la Gestalt
Rudolf Arnheim
Sociología del arte
Pierre Francastel (fr:Pierre Francastel)
Estructuralismo
Michel Foucault
Umberto Eco
Arte
Belleza
Historia del arte
Crítica de arte
Psicología del arte
Sociología del arte
Estudio de la Historia del Arte
El cómic ha sido una de las
últimas incorporaciones a la
categoría de bellas artes. En la
imagen Little Nemo in
Slumberland, el primer gran
clásico del cómic publicado en
1905.
Teorías del arte y autores más significativos
Véase también
https://es.wikipedia.org/wiki/W%C5%82adys%C5%82aw_Tatarkiewicz
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9todos_de_la_Historia_del_Arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Einf%C3%BChlung
https://es.wikipedia.org/wiki/Empat%C3%ADa
https://de.wikipedia.org/wiki/Einf%C3%BChlung
https://es.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_Worringer
https://de.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_Worringer
https://es.wikipedia.org/wiki/Formalismo_(arte)
https://es.wikipedia.org/wiki/Heinrich_W%C3%B6lfflin
https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_Viena_de_Historia_del_Arte
https://es.wikipedia.org/wiki/Jacob_Burckhardt
https://es.wikipedia.org/wiki/Max_Dvorak
https://de.wikipedia.org/wiki/Max_Dvo%C5%99%C3%A1k
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https://es.wikipedia.org/wiki/Aby_Warburg
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https://es.wikipedia.org/wiki/Psicolog%C3%ADa_del_arte
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1. [1] (http://www.lletra.com/noms/rubertdeventos/index.ht
ml) El arte ensimismado (Barcelona: Anagrama, 1997
(1963, premio Ciudad de Barcelona), de Xavier Rubert
de Ventós, era un análisis del arte de vanguardia, una
crítica de lo que él llamó el fanatismo "de la novedad, y
más recientemente, la euforia vanguardista". En Teoria
de la sensibilitat (1968, premio Lletra d'Or) se apunta a
la ruptura con las consecuencias del arte renacentista,
patentes todavía en la vanguardia convencional, para
llegar a la ampliación del concepto de arte mediante lo
que él llama “diseño científico”, una síntesis de arte,
ciencia y técnica. Sobre temas de estética ha
publicado también Utopías de la sensualidad y
métodos del sentido (1973) y La estética y sus herejías
(1974, premio Anagrama de ensayo).
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Apuntes de Teoría del Arte en rincondelvago.com
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