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Breve historia
del arte
Carlos Javier Taranilla
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Colección: Breve Historia
www.brevehistoria.com
Título: Breve historia del Arte
Autor: © Carlos Javier Taranilla
Copyright de la presente edición: © 2014 Ediciones Nowtilus, S.L. 
Doña Juana I de Castilla 44, 3º C, 28027 Madrid
www.nowtilus.com
Elaboración de textos: Santos Rodríguez
Revisión y adaptación literaria: Teresa Escarpenter
Responsable editorial: Isabel López-Ayllón Martínez
Maquetación: Patricia T. Sánchez Cid
Diseño y realización de cubierta: Universo Cultura y Ocio
Imagen de portada: Las meninas, o La familia de Felipe IV, Diego Rodrí-
guez de Silva y Velázquez. 1656, Museo del Prado, Madrid.
Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública 
o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autori-
zación de sus titulares, salvo excepción prevista por la ley. Diríjase a 
CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos) si necesita foto-
copiar o escanear algún fragmento de esta obra (www.conlicencia.com; 
91 702 19 70 / 93 272 04 47).
ISBN edición impresa: 978-84-9967-557-2
ISBN impresión bajo demanda: 978-84-9967-558-9
ISBN edición digital: 978-84-9967-559-6
Fecha de edición: Junio 2014
Impreso en España
Imprime: Servicepoint
Depósito legal: M-16923-2014
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Para mi madre,
que desde que dejó este mundo
habita en el mío.
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Índice
Prólogo ........................................................................ 13
Introducción ............................................................... 15
El arte. Concepto ................................................... 15
Tipologías artísticas y clasificaciones ....................... 18
Capítulo 1. El arte en la prehistoria, 
desde las cavernas hasta las aldeas ................................ 19
La aparición del arte en el Paleolítico superior ........ 20
La primera revolución de la humanidad: 
el Neolítico y la Edad de los Metales ...................... 27 
Capítulo 2. El arte en el Creciente Fértil ..................... 39
Mesopotamia entre el Tigris y el Éufrates ................ 39
La civilización egipcia en torno al Nilo .................... 50 
Capítulo 3. Extremo Oriente: el exotismo en el arte .... 73
La India: epopeya, misticismo y sensualidad ......... 73
China, el Celeste Imperio ....................................... 81
Japón, el Imperio del Sol Naciente ....................... 89
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10 
Capítulo 4. El arte precolombino ............................... 99
Introducción ........................................................ 99
Período lítico ...................................................... 100
La civilización olmeca, 
una cultura ceremonial de origen incierto ............ 101
El período preclásico en los Andes ...................... 106
Período clásico andino ......................................... 106
Mesoamérica: Teotihuacán, 
primer fenómeno urbano ..................................... 107
Monte Albán: arte y cultura de la muerte ............ 111
La cultura maya ................................................... 112
Los atlantes toltecas velan en Tula ........................ 117
Los aztecas o mexicas .......................................... 118
El Imperio incaico, hijo del Sol ........................... 120
Capítulo 5. El laberinto del Minotauro ..................... 125
La civilización minoica ......................................... 125
Micenas, una sociedad guerrera ............................ 131
Capítulo 6. La Hélade de los héroes y de los dioses ..... 137
El arte griego a la medida del ser humano ............. 137
La escultura, fiel reflejo de un mundo mitológico ........146
El helenismo: realismo frente a idealismo ............. 156
Capítulo 7. El mundo romano ................................... 159
Antecedentes etruscos. 
Una loba con auténtica piel de cordero ................ 159
Roma: un arte práctico ante todo ......................... 161
Una escultura presidida por el realismo ................ 172
El volcán que bajo sus cenizas 
conservó la pintura .............................................. 174
Mosaico y artes suntuarias .................................... 175
Capítulo 8. Arte paleocristiano y bizantino ............... 177
El arte de los primitivos cristianos ........................ 177
Bizancio, la supervivencia 
del Imperio romano en Oriente ........................... 183
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Capítulo 9. El arte islámico ........................................ 195
Sólo hay un arte y Mahoma es su Profeta ............. 195
La mezquita: el edificio por antonomasia .............. 196
El arte hispanomusulmán: 
la perla de Occidente es al-Ándalus ...................... 205
Capítulo 10. Las artes durante 
el oscurantismo altomedieval ...................................... 215
Arte bárbaro y arte prerrománico ......................... 215
El románico, «arte de la peregrinación» ................ 224
Capítulo 11. La renovación cultural 
de la Baja Edad Media ................................................ 239
El cisterciense, todo pureza .................................. 239
Los alardes técnicos del gótico: 
la catedral, precursora del rascacielos ................... 240
De lo divino a lo humano: 
María, abogada nuestra ....................................... 257
El polícromo esplendor: 
códices, vidrieras y retablos .................................. 260
El mudéjar, pervivencia árabe en España .............. 264
Capítulo 12. Artes del humanismo renacentista .......... 267
El hombre es la medida de todas las cosas ............. 267
El quattrocento italiano ........................................ 268
La gran fase del cinquecento ................................. 273
Las escuelas del norte ......................................... 280
España: del plateresco a la austeridad herreriana .... 285
El manierismo ...................................................... 295
Capítulo 13. El Barroco, 
arte de la Contrarreforma católica .............................. 297
Concepto estético del Barroco: 
el arte en el gran teatro del mundo ...................... 297
La influencia del papado en Italia:
San Pedro del Vaticano ....................................... 299
El Barroco en Flandes y los Países Bajos ............... 305
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12 
Francia: clasicismo monumental .......................... 307
El mundo anglosajón, también clasicista ............. 309
El siglo de Oro del arte español ............................ 310
El período rococó, agotamiento de un estilo ........ 327
El arte colonial hispanoamericano,
prolongación del Barroco allende los mares ......... 329
Capítulo 14. El siglo xix, los «ismos» del arte ............. 331
El neoclasicismo, 
vuelta a la Antigüedad que un volcán sepultara ...... 331
Goya, un genio a caballo entre dos siglos ..................... 336
El Romaticismo, 
los sentimientos frente a la frialdad neoclásica ...... 339
Simbolismo y modernismo ................................... 346
Los primeros rascacielos «made in USA» ..................... 350
Impresionismo: fin del ciclo figurativo 
de la pintura desde las cavernas prehistóricas ........ 351
La salida desde el pstimpresionismo ...................... 353
Capítulo 15. El siglo xx: 
las vanguardias por la línea roja ................................... 355
El arranque de siglo a través del color .................... 355
Experiencias geométricas. El cubismo .......................... 357
El futurismo o la exaltación del dinamismo .......... 361
La abstracción por la línea y el color ..................... 363
«La idiotez pura» (dadaísmo) 
y el mundo «surreal» (Dalí y Miró) .............................. 366
Realismo social histórico ...................................... 368
La arquitectura contemporánea ............................ 370
Experienciasde la vanguardia 
al borde de la línea roja del arte .................................... 375
Fin de un milenio y principio del siguiente ................. 378
Glosario ................................................................... 379
Bibliografía ............................................................... 401
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Prólogo
Es algo más que un ensayo sobre la historia del arte 
universal este libro que el lector tiene en sus manos. Le 
anticipo que cuando se interne por estas páginas se va 
a encontrar con una obra madura y acabada, una obra 
compleja que participa, en dosis sabiamente combi-
nadas, del ensayo histórico, de la crítica de arte y del 
informe técnico, todo ello en un texto de impecable 
carpintería expositiva, urdido con la maestría del que 
sabe y la pedagogía del que sabe explicar. 
Decía Mesonero Romanos que para escribir bien de 
serenos es necesario que un escritor se haga sereno o que 
un sereno se haga escritor. Le parecía que lo primero era 
más factible, pero, con todo, el escritor nunca sería buen 
sereno ni comprendería cabalmente las sutilezas de ese 
trabajo. Algo así sucede con el ensayo, especialmente en 
nuestro país. El escritor debe tener tan profundo conoci-
miento del tema que sea capaz de captar su esencia y de 
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Carlos Javier Taranilla
exponerla de manera sencilla e inteligible. No siempre se 
consigue. Por eso la lectura del libro de Carlos Taranilla 
resulta doblemente refrescante y remuneradora: no 
sólo explica muchas cosas, con afán totalizador, no sólo 
enseña, sino que también las sabe decir con galanura. 
Aquí hay, además de mucho trabajo de documentación, 
estilo y conocimiento de los recursos del idioma.
Pessoa aconsejaba escribir sobre el hueso. Las notas 
de arte que integran este libro están escritas sobre hueso. 
Es decir, su autor lejos de andarse por las ramas, como es 
costumbre, se va al grano y logra un estilo más sustantivo 
que adjetivo, un estilo que, por su infrecuencia, subyuga 
al lector y le enseña lo esencial sin marearlo con mean-
dros y circunloquios innecesarios.
Carlos Taranilla puede hacer eso, irse al grano y 
ofrecernos la quintaesencia de la cosa, porque su cono-
cimiento es tan dilatado que no tiene que rellenar espa-
cios muertos con florituras estilísticas, aunque tampoco 
renuncia, debido a su formación humanística, a la 
obra bien escrita, limada, pulida y hasta bruñida como 
comprobarán los que se adentren en estas páginas.
La otra virtud de Carlos Taranilla, además del estilo, 
es no haberse contentado con lo que todo el mundo sabe 
o dice, sino que, remontándose a las fuentes, bebe en 
ellas y pone a menudo las cosas en su sitio con datos 
desconocidos o deficientemente interpretados. 
Al final la lectura deviene la música de un río ancho 
y calmo que nos arrastra junto con los objetos que expre-
san la cultura del mundo hacia un océano apacible de 
remansadas sensaciones y conocimientos.
Un acierto pleno y una obra que, estoy seguro, va a 
ocupar un lugar importante en la bibliografía del tema.
Juan Eslava Galán
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Introducción
el arte. ConCepto
No es sencillo establecer qué se entiende por arte. En prin-
cipio, se trata de una actividad creadora del ser humano, 
bien como individuo o bien en el conjunto de un grupo 
(escuela) o comunidad. No obstante, el arte tiene que 
responder a premisas universales, que dependen de cada 
época y se hallan determinadas por factores históricos, 
sociales, económicos y religiosos. Pero, además, una obra 
de arte debe cumplir ciertos parámetros: entre otros, la 
calidad, la innovación u originalidad –es decir, su apor-
tación a la Historia del Arte– y, por encima de todas las 
cosas, la belleza. 
Pero ¿qué se entiende por bello? Entramos en otro 
pequeño gran laberinto para explicar el arte, porque 
la belleza ha sido uno de los conceptos más discutidos 
desde que el hombre comenzó a razonar. Según santo 
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Carlos Javier Taranilla
Tomás de Aquino, bello es «aquello que agrada a la vista» 
(quae visa placet), y, desde luego, la belleza no se enten-
dería sin un componente de equilibrio y armonía.
Sin embargo, para los antiguos estetas griegos, lo 
bello sólo podía referirse a aquello que resultaba útil y 
que por tanto era bueno (kalokagathia). En los tiempos 
actuales, este concepto se ha desvirtuado y la sociedad de 
consumo ha hecho de él un uso partidista acorde a los 
vaivenes de la moda.
Para analizar una obra de arte debemos partir de 
dos puntos de vista: uno iconográfico y otro iconoló-
gico. El primero describe e identifica los elementos que 
componen la obra; el segundo analiza el contenido y 
ahonda en el significado de dichos elementos. Ambos 
son, por tanto, complementarios y resultan imprescin-
dibles para perfeccionar la interpretación de la creación 
artística.
Respecto a la consideración social del artista, este 
ha pasado por diferentes situaciones a lo largo de los 
siglos. Durante la prehistoria, no era más que el encar-
gado de llevar a cabo los diferentes ritos mágicos de los 
que formaba parte la obra.
En Egipto, salvo alguna excepción –los arquitectos 
Imhotep o Senenmut–, los artistas eran artesanos que 
contribuían con su habilidad a plasmar la grandeza y 
divinidad del faraón.
En la Grecia arcaica, el artista era considerado 
únicamente como otro trabajador más. Con el clasicismo 
y, más aún, con el helenismo, su reputación fue aumen-
tando y algunos llegaron a gozar de gran celebridad, 
aunque los artesanos manuales siempre permanecieron 
por debajo de los creadores, cuyas manifestaciones no 
tenían nada que ver con el esfuerzo físico, tales como 
músicos o poetas. Esta consideración fue la que se 
mantuvo también en Roma, donde el anonimato de los 
artistas plásticos fue prácticamente total.
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Breve historia del Arte
Durante el Medievo, el artista o artesano, por lo 
general, mantuvo el carácter anónimo y no experimentó 
ninguna mejoría en su consideración social, más bien al 
contrario, puesto que la Iglesia primó la valoración de la 
poesía y la música frente a la pintura y la escultura, cuya 
expresión visual excitaba el goce de los sentidos.
El Renacimiento ensalzó a los artistas por su valor 
intelectual, reflejo del humanismo antropocentrista 
que consideraba al ser humano medida de todas las 
cosas, opinión que se mantuvo durante el Barroco. En 
Occidente, la Iglesia y la burguesía influyeron sobrema-
nera en la obra de los artistas, ya que constituyeron su 
principal clientela.
En el siglo xviii, con la Ilustración, surge el 
concepto de lo público y el arte deja de ser patrimonio 
exclusivo de las colecciones reales para instalarse también 
en los museos.
Con el Romanticismo, el artista se convierte en un 
genio pero incomprendido, a veces maldito, bohemio, 
que sigue su propio camino.
Durante el siglo xx, el artista ha sido considerado 
desde diversos enfoques: en los antiguos países socialistas 
fue tenido por un simple elemento productivo, ya que 
debía orientar su actividad exclusivamente a aquello 
que resultase útil y comprensible para el pueblo. En el 
mundo capitalista, los artistas han corrido una suerte 
diversa: unos gozan de celebridad, otros permanecen 
en el anonimato; algunos se han integrado en el campo 
industrial. El arte ha pasado, así, a valorarse también por 
su aspecto utilitario, dentro de una línea funcionalista 
que no prima el goce estético o la finalidad política o 
religiosa, como ocurrió hasta la segunda mitad del 
siglo xix, sino el cometido de carácter práctico para el que 
fue creada la obra.
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Carlos Javier Taranilla
En los tiempos actuales, el artista ha decidido 
convertir cualquier actividad en arte, incluso la exposi-
ción de su propia persona.
tipologías artístiCas y ClasifiCaCiones
Tradicionalmente,existen siete artes, también llamadas 
Bellas Artes, que se clasifican en:
•	 artes espaciales: arquitectura, escultura y 
pintura;
•	 artes temporales: música y poesía;
•	 artes espacio temporales: danza y cine.
Otra clasificación distingue entre:
•	 Bellas Artes (con mayúscula) y
•	 artes aplicadas, suntuarias, decorativas o 
artesanales.
También se pueden clasificar en:
•	 artes mayores: arquitectura, escultura y pintura;
•	 artes menores: cerámica, orfebrería, miniatura, 
eboraria, musivaria, ebanistería, glíptica, textil, 
del cuero. 
Por último, se conocen como artes plásticas aquellas 
que permiten el modelado, principalmente, la escultura 
y la pintura.
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1
El arte en la prehistoria, 
desde las cavernas hasta las 
aldeas
Llamamos arte prehistórico a aquel que tuvo su desarrollo 
durante la etapa anterior a la aparición de los primeros 
documentos escritos: la prehistoria, que se divide 
en dos grandes épocas: Edad de la Piedra y Edad de 
los Metales. La primera abarca un período de más 
de un millón de años, por lo que pasa a ser la edad 
más amplia que ha conocido la humanidad. Por su 
extensión, se clasifica en dos grandes fases: Paleolítico 
o edad de la piedra tallada y Neolítico o edad de la 
piedra pulimentada, distinguiendo así los tiempos en 
los que el ser humano e incluso los primeros homínidos 
–Australopithecus, Homo habilis, Homo erectus, hombre 
de Neanderthal– pasaron de únicamente golpear y tallar 
la piedra a pulirla finamente –Homo sapiens sapiens u 
hombre de Cro-Magnon–. Cronológicamente, pode-
mos establecer la siguiente periodización aproximada:
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Edad de la Piedra (1.500.000-3.000 a. C.):
•	 Paleolítico (1.500.000-8.000 a. C.):
- inferior (1.500.000-200.000 a. C.)
- medio (200.000-40.000 a. C.)
- superior (40.000-10.000 a. C.)
•	 Mesolítico (10.000-8.000 a. C.)
•	 Neolítico (8.000-3.000 a. C.)
Edad de los Metales (3.000-400 a. C.):
•	 Edad del Cobre (3.000-2.500 a. C.)
•	 Edad del Bronce (2.500-900 a. C.) 
•	 Edad del Hierro (900-400 a. C.):
- período de Hallstatt (900-500 a. C.)
- período de La Tène (500-400 a. C.) 
la apariCión del arte 
en el paleolítiCo superior
En esta etapa se inscriben las primeras manifestaciones 
humanas que alcanzan la consideración de trabajos de 
índole artístico, puesto que hasta entonces únicamente 
se habían labrado lascas y guijarros de tipo bifaz –es decir, 
utilizables por ambas caras– con el fin de emplearlos 
como herramientas cotidianas: cantos rodados, hachas 
de mano, raspadores, etc. La capacidad mental del nuevo 
Homo sapiens sapiens permitió desarrollar las habilidades 
creativas para dar lugar al nacimiento del arte.
Las Venus de la fertilidad
Las primeras muestras artísticas que realizó el ser 
humano se llevaron a cabo en el arte mueble, es decir, 
aquel que permite su traslado de un lugar a otro. 
Muchos objetos, por sus características –realizados con 
materiales perecederos como arcilla, madera, pieles–, no 
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Breve historia del Arte
se han conservado. Sin embargo, aquellos objetos que se 
realizaron en piedra han llegado a nuestros días. Entre 
estos, descuellan por su delicada labor una serie de esta-
tuillas femeninas de escaso tamaño (entre 5 y 25 cm) 
conocidas como las «Venus de la fertilidad», debido a 
que representan exageradamente los órganos femeninos 
relacionados con la sexualidad y la reproducción: vulva, 
vientre, caderas, glúteos, pechos; mientras que el resto 
del cuerpo presenta un tratamiento poco detenido e 
incluso inexistente: por ejemplo, los rostros apenas se 
trabajan o se hace de una manera abstracta. Los mejo-
res ejemplos corresponden a las Venus de Willendorf, 
Lespugue, Brassempouy o Laussel, esta última está reali-
zada en relieve y lleva en una de sus manos un cuerno 
que puede relacionarse con la abundancia. 
Aparte de su valor estético, constituyen, como 
ocurre siempre en el arte, una muestra de gran importan-
cia sociológica, ya que indican el papel preponderante 
que representó la mujer en la sociedad de los tiempos 
paleolíticos. Estaríamos, por tanto, ante un matriarcado 
que valoraba la figura femenina porque gracias a ella se 
perpetuaba la especie y, al igual que cada año brotaba 
la primavera y se renovaba la naturaleza alrededor 
de la tribu, nacían nuevos miembros que aseguraban 
la supervivencia del grupo, lo que compensaba la alta 
mortalidad existente. Por tanto, puede establecerse un 
paralelismo entre la fertilidad femenina y la de la tierra 
madre; así quisieron valorarlo aquellas gentes primitivas.
Todas estas estatuillas corresponden al final de la 
cultura auriñaciense –cuya denominación procede de 
la localidad de Aurignac, en el Alto Garona (Francia)–, 
y continuaron tallándose durante el gravetiense, y el 
solutrense, hace aproximadamente entre 20.000 y 
24.000 años.
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Carlos Javier Taranilla
Útiles y pintura mágico rupestres
Como hemos apuntado anteriormente, los primeros 
instrumentos creados por los hombres prehistóricos 
fueron simples cantos rodados o guijarros. Durante el 
Paleolítico superior, con la aparición del Homo sapiens 
sapiens y el hombre de Cro-Magnon, el ser humano evolu-
cionado aprendió a tallar, además de la piedra, materiales 
como el hueso o el asta de reno, ciervo y bisonte para 
fabricar toda clase de utensilios: arpones, lanzas, puntas 
de flecha, agujas, anzuelos, raspadores, buriles, impres-
cindibles para la vida cotidiana en un medio siempre 
hostil. 
Aparecieron también los símbolos de poder, como 
el bastón de mando, del que tenemos uno de sus mejo-
res ejemplos en el hallado en la cueva de El Castillo 
(Cantabria). En el mismo sentido, surgieron las obras 
artísticas con finalidad tanto estética como mágico reli-
giosa; así lo podemos ver, por ejemplo, en la elaboración 
de adornos personales como pulseras o collares y en el 
bisonte con la cabeza vuelta hacia atrás de La Madeleine 
(Francia). El ser humano, siempre a merced de la natu-
raleza, la imitaba, pues creía –se supone– que las fuerzas 
sobrenaturales que la gobernaban serían favorables si 
las tenían presentes. Junto a dichos objetos se observan 
asimismo algunos instrumentos de tipo musical, como 
tambores y flautas, seguramente para intervenir en la 
celebración de los rituales.
 En este sentido se inscribe la realización de la pintura 
parietal o rupestre, así llamada por ejecutarse sobre las 
paredes de las rocas, casi siempre en el interior de las cuevas 
que servían de cobijo, especialmente cuando se desataban 
los rigores de la intemperie. Estas pinturas comenzaron a 
aparecer durante la cultura auriñaciense, pero se desarrolla-
ron especialmente en los períodos solutrense (25.000 años) 
y magdaleniense (20.000-15.000 años). 
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Breve historia del Arte
El área de expansión de la pintura rupestre se 
extiende desde la cornisa cantábrica hasta el sur de Francia, 
de ahí que se conozca con el nombre genérico de escuela 
franco-cantábrica.
Las técnicas empleadas consisten en aplicar la 
pintura –elaborada a base de tintes vegetales, óxido de 
hierro, carboncillo, grasa y sangre– directamente sobre 
la roca por medio de un pincel fabricado con pelos de 
animales. Los colores básicos son el ocre y el rojo, encerra-
dos generalmente por gruesos trazos negros; constituyen, 
por tanto, figuras polícromas o de varios colores.
Respecto a la temática, esta se ciñe exclusivamente a 
animales aislados que, aunque se observan en abundancia, 
no constituyen una escena conjunta. No aparece prácti-
camente nunca la figura humana, excepto en algún caso 
como la cueva de El Castillo (Cantabria), aunque con 
un aspecto muy esquemático que, curiosamente, la pone 
en relación con las pinturas levantinas que más adelante 
se comentarán. Estas figuras tienen, además, sus rasgos 
encubiertos por atributos animales:bisonte erguido con 
patas humanoides o animal con patas de caballo y cabeza 
de mono, que aluden, según se cree, a la representación 
del brujo o hechicero de la tribu. Por tanto, salvo en las 
escenas en las que se representan manos –tanto derechas 
como izquierdas– y las citadas figuras humanoides, la 
mayor parte de la temática es la de tipo animalístico. 
En cuanto a su interpretación, sobre la que se han 
propuesto diversas teorías, lo más probable es que 
la finalidad que perseguían estos conjuntos fuera el 
sentimiento mágico de favorecer la caza, pensando que 
cuanto más abundaran los animales en las paredes de 
sus cuevas, más fácil resultaría capturarlos en el exterior. 
Pero también caben otras posibilidades interpretativas, 
por ejemplo, que el hecho de pintar estos animales se 
debía a que se consideraban como dioses, ya que les 
proporcionaban el alimento necesario para subsistir. El 
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ser humano, a lo largo de su historia, siempre ha vene-
rado lo que ansía, y, en este sentido, ha representado 
siempre sus divinidades. Hay también otra explicación 
más simple: los animales serían nada más que un motivo 
decorativo en el interior de sus grutas, o sea, tanto les 
tenían in mente, que pintaban aquello que les era familiar. 
Sea como fuere, todas estas no son más que especulacio-
nes, porque como hemos dicho al principio, durante la 
prehistoria el ser humano no escribió nada; nada, por 
tanto, pudo dejarnos explícito para la posteridad, salvo 
sus imágenes, cuyas mil palabras tenemos nosotros ahora 
que saber interpretar.
Los mejores ejemplos de arte rupestre se hallan 
en la cueva de Lascaux (Francia) y en la de Altamira 
(Cantabria). Respecto a la primera, sus pinturas presentan 
aún una deficiente ejecución técnica, en el sentido de que 
las figuras muestran una evidente desproporción anató-
mica y microcefalia (cabezas muy pequeñas en compa-
ración con el resto del cuerpo), una deficiente captación 
del movimiento, así como falta de volumen, entre otros 
rasgos. El investigador francés Leroi-Gourhan, que estu-
dió toda la pintura prehistórica a lo largo de cinco etapas 
evolutivas, ha clasificado este conjunto en el estilo III, 
correspondiente al período solutrense y magdaleniense 
inferior.
Las cuevas de Altamira, descubiertas en 1868, repre-
sentan la cumbre de la pintura prehistórica. Son de época 
magdaleniense medio y superior y corresponden al estilo IV, 
que es la perfección. En principio, las pinturas de Altamira 
no fueron aceptadas por auténticas, especialmente por la 
crítica francesa, ya que ello suponía dejar las de Lascaux 
en segundo plano. Aducían que su elevada perfección 
técnica no sólo las alejaba de los tiempos prehistóricos, 
sino que era una burda creación del momento en el que 
se descubrieron. Sin embargo, el tesón de su descubridor, 
el ingeniero cántabro Marcelino Sanz de Sautuola, y de 
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otros investigadores hizo que la verdad se impusiera con 
el tiempo, algo que lamentablemente Sanz de Sautuola 
no llegaría a conocer. Las pinturas de Altamira recibieron 
por su maestría el calificativo de «Capilla Sixtina del arte 
cuaternario», que alude a la última de las eras geológicas; 
aunque, en realidad, sería más correcto dejar el califica-
tivo en «paleolítico» o «prehistórico», si se quiere, pues la 
era cuaternaria, que abarca más de un millón de años, no 
tuvo más producción artística anterior, como sabemos, 
que la realizada durante el Paleolítico superior. 
La perfección técnica de estas pinturas es admira-
ble: impecable captación del movimiento, minucioso 
tratamiento anatómico –aprovechando incluso las rugo-
sidades y hendiduras de la roca para acentuar el volumen 
y el realismo–, tridimensionalidad, escorzos magnífica-
mente realizados. Respecto a su policromía, se basa en 
los colores ocre y rojo junto con gruesos trazos en negro 
que marcan los contornos. Nunca componen escenas 
conjuntas, característica propia de toda la pintura paleo-
lítica, y principalmente se representan bisontes, a veces 
en carrera e incluso mordiendo el polvo; destaca además 
la Gran Cierva, uno de los mejores ejemplos de natura-
lismo de toda la pintura universal a pesar de realizarse con 
aquellos medios rudimentarios.
En las cercanas cuevas de Puenteviesgo –El Castillo, 
Las Monedas, Las Chimeneas y La Pasiega–, así como 
en la asturiana de Tito Bustillo –que recibe este nombre en 
homenaje al montañero que la descubrió poco antes de 
fallecer–, existen también numerosos ejemplos de pintu-
ras de ciervos, renos, caballos, bóvidos, bisontes, aunque 
en tonos monocromos (un solo color) o bicromos (ocres, 
rojos o negros), de los que se realiza solamente su silueta, 
sin colorear el interior. Los únicos retazos humanos se 
pueden observar –además de los casos antes citados de 
la cueva de El Castillo– en las pinturas de manos, tanto 
diestras como siniestras –siempre con todos sus dedos 
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representados, mientras que en algunos ejemplos del 
vecino país figuran con una falange cortada–, que se 
realizaron a través de dos sistemas: positivo o negativo. El 
primero consiste en aplicar la mano manchada de pintura 
directamente sobre la pared; y el segundo en colocarla 
sobre el muro y siluetearla posteriormente, aerografiarla, 
como hemos hecho todos alguna vez con las nuestras. Su 
significado ha vuelto a destapar el baúl de las posibilida-
des: ¿son las manos del jefe de la tribu? ¿Son las de un 
artista? ¿Son las de cualquier anónimo que simplemente 
pasaba así el rato? La duda quedará siempre por resolver.
Los signos de tipo abstracto se han agrupado bajo 
el calificativo de ideomorfos. Entre ellos, los puntiformes 
y tectiformes –compuestos por una serie de puntos en 
una o varias hileras junto con líneas en forma rectangular 
o bien dibujos acampanados combinados con otros de 
tipo arboriforme– han sido objeto de múltiples inter-
pretaciones, pues se ha llegado a hablar incluso de que 
representan extraterrestres. La explicación más lógica, 
no obstante, es la apuntada por investigadores de talla 
–como el citado Leroi-Gourhan– que hablan de temática 
sexual, identificando los bastones con miembros mascu-
linos mientras los dibujos redondeados aludirían a los 
caracteres sexuales femeninos.
Para terminar este largo pero importantísimo capí-
tulo de la pintura prehistórica, tenemos que andar el 
tiempo y la geografía de la península ibérica y trasladar-
nos hacia el Levante y el sur de Cataluña en los tiempos 
mesolíticos, es decir, hacia el 10.000 a. C. A partir de 
ahora ya debemos especificar si la cronología es antes o 
después de nuestra era, ya que los 2.000 años del naci-
miento de Cristo representan un tiempo apreciable; no 
así cuando hablábamos de más de 20.000 años, en los 
que dicho período queda diluido.
La pintura levantina, así genéricamente denomi-
nada, es radicalmente distinta a la franco-cantábrica, no 
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sólo por su cronología, sino por su estética, su técnica y 
su temática. Se trata siempre de figuras en movimiento 
de tipo esquemático, realizadas en un solo color (ocre o 
negro), o sea, monocromas, y representan escenas de caza 
o danza, pero siempre de manera conjunta, en grupo, por 
lo que todas las figuras que componen la obra participan 
de la misma narración. Y lo que es muy importante: por 
primera vez aparece la figura humana formando parte de 
las escenas, que por supuesto guardan un gran sentido 
tanto mágico religioso –tendente a favorecer la caza–, 
como narrativo, ya que o bien se representan temas de 
caza de animales o bien danzas rituales en torno a un 
animal muerto. Las figuras masculinas y femeninas se 
distinguen ya, además de por su anatomía, por su indu-
mentaria, tal como se aprecia en las pinturas de la cueva 
de Cogull (Lérida),hacia 6000-6500 a. C. Otros ejemplos 
pueden verse en Valltorta (7000 a. C.), o cueva Remigia 
(6000 a. C.), ambas en la provincia de Castellón.
En la época neolítica, al dejar las grutas como lugar 
de refugio y pasar de una vida nómada a una sedentaria 
en poblados y aldeas, la pintura rupestre se fue abando-
nando, por lo que la mayoría de los restos hallados de 
este período son de menor importancia y de temática 
casi siempre abstracta, junto con algunas representacio-
nes humanas de carácter esquemático, en las que pueden 
verse personas cazando o recolectando plantas, miel de 
una colmena, etc., además de figuras danzando.
la primera revoluCión de la humanidad: 
el neolítiCo y la edad de los metales
Hacia el ix milenio, se produjeron una serie de cambios 
en la organización humana a consecuencia principal-
mente de la estabilización climática que tuvo lugar a 
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finales del período paleolítico y de la última glaciación, 
llamada Würm. 
Los seres humanos abandonan las cavernas y 
comienzan a asentarse en las orillas de los ríos y lagos, 
construyendo chozas alrededor de las que, por observación 
directa sobre la germinación de la propia naturaleza –espe-
cialmente las mujeres, puesto que los hombres acudían a 
la caza–, comienzan a sembrar algunas gramíneas, lo que 
dio lugar al nacimiento de la actividad agrícola. 
El ser humano se torna sedentario y abandona 
la vida nómada y depredadora. Al mismo tiempo, los 
animales silvestres, quizá por necesidad, ya que encontra-
ban alimento en los desperdicios de los poblados, inician 
su autodomesticación y con ello se irá desarrollando la 
ganadería. Las primeras experiencias tuvieron lugar en el 
poblado de Chatal Huyük (Asia Menor).
Asegurada la manutención del grupo con estas acti-
vidades económicas, surge la especialización del trabajo, 
pero también el ocio y el tiempo libre, que aprovechan 
los aficionados a las tareas creativas para desarrollar 
labores artísticas. Muchas de ellas lo fueron también por 
necesidad, no sólo a consecuencia de rituales o persi-
guiendo el puro placer visual. Nos referimos a labores 
imprescindibles para el desarrollo de la vida cotidiana, 
como la cestería, el tejido y, sobre todo, los primeros 
trabajos en madera y barro, necesarios para la elabora-
ción de recipientes con el objeto de contener líquidos, 
tanto agua como vino, aceite, etcétera.
De este modo, aparecen los primeros alfareros que 
empiezan a fabricar vasijas, aunque de una manera lenta 
hasta la invención del torno. En el exterior del recipiente 
se comenzarán a plasmar motivos decorativos, siendo 
estos de carácter geométrico, realizados sobre la arcilla 
aún blanda con la concha de un molusco denominado 
cardium, por lo que el conjunto de piezas se conocerá 
como cerámica cardial. Por su diseño, cobrarán auge 
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las piezas en forma de campana, típicas del Neolítico 
hispano, que se extenderán por gran parte del continente 
hacia el v milenio, lo que dio lugar a lo que se ha venido 
en llamar «primer imperio español».
La arquitectura megalítica y el príncipe cuyo 
amor le exigió un imposible
A fines de la época neolítica, rayando con la Edad del 
Bronce, y en ocasiones superpuestas ambas, se desarro-
llaron una serie de construcciones que por el tamaño 
gigantesco de sus piedras se conocen como arquitectura 
megalítica, término de etimología griega (mega: ‘gigante’; 
litos: ‘piedra’). En general se trata de edificaciones con 
marcado carácter ritual, algunas de tipo funerario y otras 
relacionadas con la observación del firmamento, siempre 
presididas por el sentimiento supersticioso de quienes ni 
entendían ni podían dominar las fuerzas de la naturaleza, 
tanto las relacionadas con la vida como con la muerte.
A estas construcciones corresponden los siguientes 
monumentos:
•	 Menhires, que consisten en una gran pieza 
vertical enclavada directamente en el terreno. 
Cuando se hallan dispuestos en hilera, reciben 
el nombre de alineamientos.
•	 Dólmenes, que constan de dos variantes:
– de mesa, compuestos por dos grandes 
piezas verticales y una superior que las 
corona, de ahí el nombre;
– de corredor, consistentes en un gran pasi-
llo subterráneo que conduce a una cámara 
semicircular en la que se disponían los sarcó-
fagos (el mejor ejemplo se halla en la cueva 
de La Menga [Antequera, Málaga]).
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•	 Trilitos, que, como su nombre indica, consis-
ten en una pieza horizontal sujetada por tres 
verticales a modo de patas.
•	 Crómlechs, compuestos por agrupaciones de 
dólmenes y menhires dispuestos en círculo 
y relacionados con el culto solar. El mejor 
conservado es el de Stonehenge (Inglaterra), 
del que se cree que era un observatorio desde 
donde se preveían los eclipses y se elaboraban 
calendarios. El círculo exterior está formado 
por enormes piedras de unas veinticinco tone-
ladas de peso cada una y el interior por otras 
de mayor tonelaje. Se transportaron utilizando 
la fuerza humana y animal desde una colina 
situada a veinticinco kilómetros y también 
desde el sur de Gales, por el sistema de arrastre 
sobre rodillos de madera, ya que aún se desco-
nocía la rueda.
Crómlech de Stonehenge, en Inglaterra (3100-2400 a. C.). 
Megalito formado por dólmenes y menhires dispuestos en 
círculo. Posiblemente, era un observatorio astronómico para 
predecir eclipses. Foto: Laura Sánchez. 
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Relacionados con este tipo de construcciones por 
sus piedras también de gran tamaño, se desarrolló a 
fines del ii milenio a. C. en las islas Baleares la deno-
minada cultura talayótica. En principio esta cultura se 
relacionó con los llamados Pueblos del Mar, pero hoy 
en día se cree que procede de una evolución interna. La 
denominación del archipiélago proviene de los famosos 
honderos o balears, que por su extraordinario manejo de 
la honda fueron reclutados por los griegos e incluidos 
asimismo en las legiones romanas. Se dice que los padres 
habituaban a sus hijos colocándoles la comida en lo alto 
de un árbol para que tuvieran que procurársela a base de 
su propia habilidad y tino. La denominación de esta 
cultura procede del monumento más característico: el 
talayote, junto con la taula y la naveta. 
•	 Los talayotes son típicos de las islas Gimnesias 
(Mallorca y Menorca), así llamadas por los 
griegos, ya que a sus habitantes, por carecer 
Talayote de Torre d’en Gaumés, en Menorca. Construcción de 
carácer defensivo con forma troncocónica con la entrada en la 
parte inferior, hoy inapreciable. Foto: Isabel Robles.
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Taulas de Talatí de Dalt y Trepucó, en Menorca. Compuestas 
por dos grandes bloques de piedra dispuestos en forma de T, 
seguramente se utilizaron como altar de culto. Fotos: Isabel 
Robles.
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de equipo militar, se les denominaba gimnetas 
(‘desnudos’ de armas). Consisten en construc-
ciones defensivas de forma troncocónica con la 
entrada situada en la parte inferior. En Mallorca 
destacan los de Son Serra y Ses Paisses; y, en 
Menorca los de Trepucó y Torre d’en Gaumés.
•	 Las taulas están formadas por dos grandes 
bloques de piedra, uno vertical y otro hori-
zontal, dispuestos en forma de T. El nombre 
procede de su parecido con una mesa (taula, en 
catalán), y posiblemente se usaban como altar 
de culto. Forma parte de un santuario que tiene 
planta de herradura, en cuyo centro se sitúa el 
monumento. Los mejores restos se conservan 
en la isla de Menorca: Torre Trencada, Torre 
Llafuda, Trepucó, Torrauba d’en Salort, Talatí 
de Dalt. 
•	 La naveta, así llamada por su construcción trape-
zoidal en forma de nave invertida con la entrada 
por la parte frontal, posee un carácter funerario,pues en su interior se halla una cámara de enterra-
miento precedida de una antecámara o un corre-
dor y, en algunos casos, también de una segunda 
cámara superpuesta. El ejemplar mejor conser-
vado es la Naveta des Tudons, en Menorca, 
inacabada. Según una antigua leyenda, la isla 
se hallaba dividida en dos reinos, en uno de 
los cuales habitaba una princesa de la que se 
enamoró el príncipe del reino vecino. Pero 
ella le exigió que antes de la boda construyera, 
con sus propias manos y sin ayuda de nadie, 
el edificio que les serviría de hogar. Afanoso 
y enamorado, el príncipe se puso manos a la 
obra con tanto denuedo que cuando la naveta 
ya casi estaba finalizada y sólo faltaba colocar 
la última piedra, le fallaron las fuerzas y esta 
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se le vino encima matándole. El que iba a ser 
su hogar se convirtió en su tumba sempiterna, 
por lo que se explica así el carácter funerario 
que tuvieron estas construcciones. Todavía 
hoy, puede observarse el monumento, como se 
ve en nuestra reciente fotografía, con la última 
piedra sin colocar en el edificio, alimentando 
leyendas y supersticiones, a las que nunca ha 
sido ajeno el arte como creación humana.
Puesto que se trata de edificios funerarios, se 
relacionan obviamente con el culto a los muertos y la 
vida de ultratumba, así como con la creencia en seres 
Naveta des Tudons, en la isla de Menorca (h. 2000 a. C.). 
Construcción de carácter funerario, cuya denominación 
procede de su característica forma de nave invertida. Foto: 
Isabel Robles. 
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sobrenaturales, asociada a prácticas y ritos como la 
descarnación de cadáveres, para los que podían existir 
chamanes especializados.
En la península destaca el poblado de Los Millares, 
en Almería, que conserva un recinto fortificado con doble 
muralla, así como distintos enterramientos con ajuares, 
que reflejan una organización social.
A la Edad del Bronce, también en el sureste de la 
península ibérica, corresponde la cultura de El Argar, en 
la que se aprecia la evolución de los poblados hacia las 
primeras ciudades. Se han hallado diademas y empuña-
duras en oro y plata, así como las denominadas copas 
argáricas, enterramientos individuales que dan fe de 
una organización social definida. En la zona manchega 
aparecen las motillas, construcciones de carácter defen-
sivo. En la submeseta norte, destaca el poblado de Las 
Cogotas (Ávila).
Las damas del arte ibérico
El arte ibérico o celtibérico fue desarrollado por un 
conjunto de tribus que habitaron hacia el centro, este y 
sur de la península ibérica coincidiendo con la Edad del 
Hierro y que los griegos agruparon bajo la denomina-
ción de iberos, en alusión seguramente al río Ebro. No 
obstante, desde el punto de vista geográfico, podemos 
considerar arte celtibérico aquel que se desarrolló en dos 
áreas principales:
•	 norte y oeste de la península, de mayor influen-
cia celta y centroeuropea;
•	 mediterránea, de gran influencia grecopúnica.
A esta última corresponden las manifestaciones 
propiamente llamadas ibéricas. En arquitectura destacan 
los restos del santuario de Osuna y las necrópolis integra-
das por múltiples tumbas como las de Tútugi (Granada) 
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y Tugia (Jaén). En la escultura es donde se han hallado 
los restos más importantes: la Bicha de Balazote –una 
esfinge con cabeza humana barbada y cuerpo de toro–, 
y un grupo de esculturas femeninas –conocidas como 
Damas– en las que se practicaba una cavidad en la espalda 
para colocar las cenizas del difunto en su interior. Entre 
ellas debemos citar la Gran Dama Oferente del Cerro de 
los Santos –en pie y portando una especie de cáliz entre 
sus manos–, la Dama de Baza –sedente como una diosa 
en su trono, espléndida aún de policromía– y la impre-
sionante Dama de Elche, símbolo por excelencia del arte 
ibérico, que volvió a nuestro país después de una penosa 
salida a causa de la ignorancia de quienes por accidente la 
encontraron. Se trata de una figura de medio busto, que 
también conserva aún su colorido, ricamente adornada 
con un tocado muy similar al que lucen actualmente las 
falleras valencianas y que exhibe una sonrisa parecida a 
las estatuas griegas de época arcaica, mostrando así la 
influencia traída por los colonizadores helenos.
En general, junto con otros exvotos en barro, 
bronce o hierro, estas obras constituyen una muestra 
del carácter religioso de estos pueblos, ya que se hallan 
relacionadas con el culto a los difuntos. Existen también 
diversas figuras de guerreros en relieve y bulto redondo, 
además de armas como la falcata o típica espada ibérica. 
Andando el tiempo, Picasso sería uno de los primeros 
revitalizadores del arte ibérico.
En la zona norte y oeste de la península destacan 
los restos del arte celta, pueblo que desconocía la escri-
tura, lo que dificulta su estudio. Descuellan los poblados 
fortificados –citanias y castros– como el de Santa Tecla 
(Pontevedra) y Briteiros y Sabroso (ambos en Portugal). 
En la meseta se hallan los toros de Guisando, en El 
Tiemblo (Ávila), toscas representaciones de animales 
que podían tratarse de deidades protectoras del ganado. 
Los celtas destacaron especialmente en el campo de la 
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orfebrería, del que se conservan distintos torques o colla-
res, así como empuñaduras de armas.
En cuanto a los enterramientos, deben citarse los 
campos de urnas –en las que se guardaban las cenizas 
de los cadáveres, lo que nos habla de la práctica de la 
incineración–, extendidos por gran parte de Europa y 
Dama de Elche, pieza cumbre del arte ibérico, cuya 
característica sonrisa de labios aún polícromos recuerda la 
influencia del arte griego arcaico, que se manifestaría a través 
de las colonias del Levante peninsular. Museo Arqueológico 
Nacional, Madrid.
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del noreste de la península ibérica, de finales de la Edad del 
Bronce y principios de la del Hierro.
No queremos terminar este capítulo sin mencionar 
la cultura de Tartessos, que se desarrolló en la cuenca del 
Guadalquivir, entre los siglos viii-iii, con su mítico rey 
Argantonio, la primera estructura urbana de Occidente, 
ya citada en la Biblia en el «Cantar de los Cantares» del 
rey Salomón –«[…] guarnecidos de piedras de Tarsis»–, 
lo que indica la prosperidad y la fama de la que este 
territorio debió de gozar, aunque se desconoce su empla-
zamiento concreto. Los restos mejor conservados son 
los tesoros de El Carambolo (Sevilla) –formado por 21 
piezas de oro de 24 quilates– y Aliseda (Cáceres).
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