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Pintura Flamenca
42 pag.
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Se les denomina primitivos, como a los italianos, por ser 
los creadores de una de las tradiciones pictóricas de 
mayor brillantez en la historia de la pintura europea. La 
pintura flamenca nació, como un arte urbano y burgués, 
en las ricas ciudades de los Países Bajos, en Brujas, 
Amberes, Gante, Ypres, Bruselas. La prosperidad 
económica de esta región se debía a una boyante 
agricultura, una floreciente industria de paños y un activo 
comercio internacional. El territorio estaba gobernado 
por los duques de Borgoña. La Iglesia, los propios duques 
y sobre todo la emergente burguesía eran los mecenas de 
la pintura flamenca.
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En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes y sus 
cercanías (Brujas, Gante, Yprés, Tournai) se 
convierten en sedes de una importante escuela 
pictórica, que para muchos autores supone ya 
los inicios del Renacimiento o, al menos, uno de 
sus más claros precedentes.
Tiene sus orígenes en el gótico internacional y 
su mayor aportación al arte europeo será su 
progresiva captación de la realidad, que se 
inspira en la escultura y que se verá favorecida 
por la nueva clientela: la burguesía (mercaderes, 
fabricantes, banqueros).
El contexto
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En esta sociedad burguesa, lo 
práctico se valora cada vez más, 
incluso la religión adquiere un sentido 
pragmático. Por eso estamos en un 
período realista. A partir de 1420, la 
idea de que el espíritu divino se 
encarna en cada una de las pequeñas 
cosas (Tomás Kempis: Imitación de 
Cristo), hace que la representación de 
éstas adquiera una gran importancia, 
por lo que la realidad sensible y 
tangible adquiere un gran valor. 
Los objetos dejan de ser elementos 
secundarios para convertirse en 
protagonistas.
La temática ya no es exclusivamente 
religiosa; el retrato, los cuadros de 
grupo, el ambiente costumbrista, 
coexisten con ella.
El contexto
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Características del estilo
 El soporte que utilizan es la tabla, cuidadosamente 
seleccionada, curada durante años y con imprimación de 
blanco de plomo.
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Características del estilo
 La técnica es el óleo, en el que aglutinan los pigmentos con 
aceite de linaza o de nuez, a los que añaden un secativo. Su 
aplicación permite trabajar lenta y cuidadosamente y 
superponer los colores mediante veladuras. Para terminar el 
cuadro aplican un barniz protector. Consiguen obras de intensa 
brillantez y acabado perfecto como si fueran de esmalte.
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Características del estilo
 El colorido es de gran riqueza, con tonos vivos de infinitos 
matices, luminosos y translúcidos.
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Características del estilo
 Prefieren la temática religiosa, pero la novedad estriba en su 
tratamiento. Influidos por los gustos burgueses, afrontan los 
temas con un realismo directo y ambientan sus escenas como 
interiores de viviendas de la época. La temática religiosa suele 
ir acompañada de un marcado simbolismo que dificulta la 
interpretación de la obra. También pintan retratos y paisajes. 
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Características del estilo
 La búsqueda de la realidad se manifiesta en el detallismo y 
en el interés por la tercera dimensión. El primoroso dibujo
define las formas y los objetos con gran minuciosidad, captando 
cada detalle como en una miniatura. Las figuras tienen 
apariencia monumental ya que los abundantes pliegues de 
las vestiduras son acartonados, de acuerdo con la tradición 
escultórica de Klaus Sluter. Utilizan con mimo la luz para 
degradar los tonos y dar volumen a las figuras. Con el dibujo, la 
luz y el color consiguen una excepcional captación de las 
calidades táctiles de los objetos: paños, cristal, metales, joyas. 
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Características del estilo
 El espacio gana profundidad mediante el empleo de líneas de 
fuga, aunque no emplean perspectiva científica sino intuitiva. 
Para fingir la sensación espacial usan también otros 
procedimientos como el efectismo de los espejos cóncavos o 
la asociación de dos espacios sucesivos (el interior se abre 
hacia un paisaje exterior profundo).
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Jan van Eyck, Madonna entronizada
(c. 1436). Óleo sobre tabla, 65,5 x 49,5 cm. 
Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt
La gran innovación técnica fue la invención y 
generalización de la pintura al óleo (aceite de 
linaza como aglutinante de los colores), que 
permitía realizar superficies muy lisas, haciendo 
que los cuadros ganasen en riqueza 
cromática, brillantez, luminosidad y
transparencia (veladuras: superposición de 
diferentes capas de color).
La técnica, además, permitía al artista trabajar 
de forma lenta y minuciosa, dando como 
resultado una obra de gran virtuosismo 
técnico.
Desarrollo de la pintura sobre tabla, 
generalmente en pequeño formato, aunque 
también sobresalen algunos trípticos de gran 
tamaño.
Características del estilo flamenco
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Jan van Eyck, La 
Virgen con el 
canónigo van der 
Paele (1436)
Óleo sobre tabla,
122 x 157 cm.
Groeninge Museum, 
Brujas 
Introducción del 
retrato, a través de 
la imagen del 
donante.
Características del estilo flamenco
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Características del estilo flamenco
Minuciosidad y gusto 
por el detalle (gracias a 
las posibilidades 
técnicas del óleo).
Las obras se conciben 
para ser contempladas 
de cerca; por eso, se 
recrea detalles que, en 
ocasiones, casi resultan 
imperceptibles para el 
ojo humano.
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Jan van Eyck, Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434). Óleo sobre tabla, 82 x 60 cm
National Gallery, Londres
Valoración de la luz. La luz ya no es caprichosa. 
Cada objeto tiene ahora su propia y definida 
sombra; cada habitación su encuadre lumínico; cada 
paisaje, su tonalidad segura; cada elemento, su 
calidad reproducción exacta.
Interés por la de los objetos de la vida 
cotidiana, como las escenas burguesas en 
interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos.
Los objetos representados están dotados, en 
muchas ocasiones, de un significado simbólico.
Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del 
horizonte o en los brillos de las aguas.
Características del estilo flamenco
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Jan van Eyck, La Virgen del Canciller 
Rolin (1435)
Tabla, 66 x 62 cm. Musée du Louvre, París
Naturalismo y realismo. Un 
enfoque cercano lleva a los pintores a 
una representación veraz de la 
realidad, captando todos los 
detalles.
Creación de un espacio pictórico, 
como consecuencia del realismo y el 
naturalismo con que se realizan las 
obras.
Características del estilo flamenco
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En conclusión:
A pesar de que el manejo de la luz y del color 
anticipan los valores de la pintura 
renacentista, el estatismo de sus formas, la 
escasa relación entre las figuras, casi siempre 
frontales, el detallismo y el predominio de 
las partes sobre el conjunto, sitúan este 
estilo en la última etapa de la pintura 
gótica.
Jan van Eyck, 
Madonna con el Niño leyendo (1433).
Óleo sobre tabla, 26,5 x 19,5 cm
National Gallery of Victoria, Melbourne
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Evolución de la pintura flamenca
 Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:
 La primera generación estuvo formada por Van Eyck, Campin y Van der 
Weyden.
 Según una tradición inexacta, los hermanos Van Eyck, Humberto y Juan, 
fueron los creadores de la técnica del óleo. Realizaron conjuntamente, 
para la catedral de San Bavón en Gante, el Políptico del Cordero 
Místico, aunque no se sabe cuál fue la aportación de cada uno, ya que el 
mayor, Humberto, murió antes de finalizada la obra. El tema del políptico 
es una compleja iconografía teológica en torno a la Redención. JanVan 
Eyck, el hermano menor, trabajó al servicio del duque de Borgoña y de su 
corte. De él conservamos retratos como el excepcional Matrimonio 
Arnolfini y cuadros religiosos de la Virgen, acompañada de donante, como 
la Virgen del Canciller Rollin y la Virgen del Canónigo Van der Paele. 
En todas ellas nos muestra su maestría cromática y la precisión en la 
apariencia táctil de los objetos.
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Políptico de la Adoración del Cordero 
Místico, de Van Eyck
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Políptico de la Adoración del Cordero 
Místico, detalle El Cordero
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Políptico de la Adoración del Cordero 
Místico, detalle El Cordero
La tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que simboliza a 
Dios y que es adorado encima de un altar, que simboliza la Eucaristía; dos semicírculos de 
personajes rodean la fuente, arrodillados en actitud de adoración, los profetas, junto con 
los patriarcas a la izquierda, los apóstoles a la derecha junto con Papas y obispos; 
destacables también son las tablas extremas de la parte superior, que presentan a Adán y 
Eva, desnudos pero tapándose sus intimidades tras el pecado original, son dos bellos y 
exquisitamente proporcionados desnudos, iluminados en contraste con un fondo oscuro; 
todas las escenas tienen como fondo un bellísimo y delicado paisaje con árboles de 
variadas especies, flores, prados y ciudades, todo ello extremadamente pormenorizado; 
por último mencionar las tablas intermedias, que contienen los ángeles cantores y los 
ángeles músicos, en los que resulta impresionante el tratamiento de los detalles en los 
ropajes, cabellos y rostros.
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El Matrimonio Arnolfini, de Jan Van Eyck
Obra maestra de JanVan Eyck; Van Eyck retrata 
a un acomodado matrimonio burgués del 
Flandes de la época; la escena aparentemente 
simple esconde algunas claves necesitadas de 
interpretación puesto que objetos vulgares son 
alegorías de virtudes, el perrito significa la 
fidelidad, estar descalzos la intimidad, la cama la 
vida conyugal, los frutos en la ventana los 
alimentos compartidos; la luz entra por la 
ventana de la izquierda e ilumina a los dos 
esposos; la lámpara es extraordinaria y el 
espejo, en el que aparece el propio pintor, nos 
da la visión completa de la estancia.
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El Matrimonio Arnolfini, detalle
Giovanni toma la mano de 
Giovanna con lo que se 
promete a su novia; las manos 
juntas indican la unión de dos 
personas en una sola carne.
Giovanni levanta su mano 
derecha representa un 
juramento sagrado.
Giovanna pone su mano 
izquierda en el vientre, 
sugiriendo fertilidad.
El vestido de Giovanna es verde, 
color de la fertilidad en aquella 
época.
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El Matrimonio Arnolfini, detalle
El pequeño espejo rodeado de 
medallones con escenas de la Pasión es 
una costumbre de la Edad Media y 
también un símbolo de la Virgen: en 
calidad de speculum sine macula (espejo 
sin mancha), simboliza la virginidad y la 
pureza de la madre de Dios. 
Los hermanos van Eyck representados en 
el espejo son los testigos de la boda.
La firma sobre el espejo es otro 
testimonio de la presencia de los testigos 
a la vez que la firma del cuadro.
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El Matrimonio Arnolfini, detalle
Los zuecos de madera, colocados con 
aparente descuido en la esquina inferior 
izquierda del cuadro, pueden indicar la 
sacralidad del momento y del lugar del 
vínculo matrimonial, tal como se sugiere 
en el tercer libro del Pentateuco de 
Moisés.
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La Virgen del Canciller Rolín, de Jan Van 
Eyck
Jan van Eyck introduce una nueva 
iconografía, la Virgen en lugar de estar 
entronizada en el centro aparece en una 
posición lateral, compartiendo a partes 
iguales con el donante la totalidad del 
campo con positivo del cuadro
El cortesano Nicolas Rolín financió esta 
obra para la catedral de Autun. El 
canciller aparece arrodillado ante una 
Virgen monumental, con su Hijo sentado 
en las rodillas. Mientras que sobre el 
canciller aparecen alusiones a la 
propensión humana al pecado, sobre la 
Virgen figuran símbolos de la justicia. Las 
arcadas del templo de los cielos dan al 
jardín del paraíso y aun paisaje muy 
minucioso, que incluso en el horizonte 
más lejano muestra pequeños detalles.
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Virgen del Canónigo Van der Paele, de Jan
Van Eyck
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Evolución de la pintura flamenca
 Robert Campin tiene un estilo más gótico que los Van Eyck, como 
queda de manifiesto en la deliciosa Santa Bárbara del Museo del 
Prado.
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Evolución de la pintura flamenca
 Roger Van der Weyden, discípulo de Campin, concibe las figuras 
con sentido escultórico en contraste con el escaso interés que 
muestra por los fondos espaciales, en los que emplea con frecuencia 
el oro. El Descendimiento del Museo del Prado es un excepcional 
ejemplo de sus composiciones cuidadosamente elaboradas y de sus 
figuras de intenso sentido dramático. La obra más monumental de Van 
der Weyden es el políptico del Juicio Final.
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El Descendimiento, de Van der Weyden
La obra trata un tema 
religioso, en concreto, 
cuando están bajando a 
Cristo de la cruz tras haber 
fallecido. La escena plasma el 
fragmento de la Biblia que se 
encuentra en el evangelio 
según San Juan 19, 25-40: 
“junto a la cruz de Jesús 
estaban su madre, la 
hermana de su madre, María, 
esposa de Cleofás, y María 
Magdalena. Jesús, al ver a su 
madre y junto a ella al 
discípulo más querido, dijo: 
“Mujer, aquí tienes a tu hijo”. 
Después dijo al discípulo: 
“Ahí tienes a tu madre”. 
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El Descendimiento, de Van der Weyden
Desde aquel momento el 
discípulo se la llevó a su casa. 
[...]José de Arimatea, que 
era discípulo de Jesús, pero 
en secreto, por miedo a los 
judíos, pidió a Pilatos la 
autorización para retirar el 
cuerpo de Jesús y Pilatos se 
la concedió. Fue y retiró el 
cuerpo de Jesús. También fue 
Nicodemo, aquel que había 
ido de noche a ver a Jesús, 
llevando como cien libras de 
mirra perfumada y áloe. 
Envolvieron el cuerpo de 
Jesús en lienzos perfumados 
con aquella mezcla de 
aromas, según la costumbre 
de enterrar a los judíos”. 
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El Descendimiento, de Van der Weyden
Llama la atención el cuidadoso 
estudio de la composición de 
un numeroso grupo de figuras 
alojadas en un reducido y 
corto espacio; el conjunto 
parece cerrada por dos 
paréntesis, a la izquierda San 
Juan y a la derecha María 
Magdalena, sirviendo de eje la 
cruz y de centro de la 
composición las dos figuras 
paralelas, dispuestas en 
diagonal, de Cristo y María; el 
sentimiento de drama, y de 
contenida tristeza en el rostro 
de los personajes consagra a 
Weyden como uno de los 
pintores más trágicos de la 
escuela flamenca.
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El Descendimiento, de Van der Weyden
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El Descendimiento, de Van der Weyden
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Evolución de la pintura flamenca
 Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:
 Con Joachim Patinir una de las características más relevantes es el 
especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones; 
el argumento y las figuras de sus cuadros resultan accesorios, son un 
mero pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y 
bellas panorámicas. 
 Entre sus obras destacan El descanso en la Huida a Egipto, de 
temática religiosa, aunque excusa de un estupendo marco paisajístico; 
y La Laguna Estigia, de idénticas características, aunque combinando 
motivos cristianos y paganos.
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La Laguna Estigia, de Patinir
El tema principal de la obra de 
Patinir no es la figura humana, sino 
el paisaje.
A la izquierda ha situado el artista 
los Campos Elíseos, poblados por 
figuras de ángeles y construcciones 
de naturaleza cristalina; queda el 
Tártaro al otro lado, bien guardado 
su acceso por el Cancerbero. 
Caronte surca con su embarcación 
las aguas de la laguna, llevando al 
infierno el alma de un difunto. El 
conjunto, cuyo análisis en detalle 
revela los primores de su ejecución, 
ofrece además un concepto 
cromático muy personal que 
comporta una curiosa oposición y 
gradación de colores de gamas frías.
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La Laguna Estigia, de Patinir
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4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV) 
 Evolución de la pintura flamenca
 Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:
 El más importante de este segundo grupo fue El Bosco (1450-
1516). Aunque fue un creador original, de imaginación 
desbordante, enlaza con las tradiciones medievales. Sus temas 
iconográficos, llenos de seres fantásticos, cuya apariencia irreal 
anticipa el surrealismo, son deudores de los bestiarios. Era un 
técnico formidable de colorido delicado y cuidadosa ejecución. 
Los temas moralizadores, apoyados en figuras caricaturescas y 
seres monstruosos, le sirven para hacer crítica religiosa y social. 
En el Museo del Prado se encuentran la mesa de los Pecados 
Capitales, el tríptico del Carro de Heno y el tríptico del 
Jardín de las Delicias. 
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Los siete pecados capitales, de El Bosco
Esta tabla, concebida como 
tablero de mesa, se 
caracteriza por una 
tipología y una 
composición únicas. En el 
círculo central se muestran 
los siete pecados capitales, 
ilustrados con gran viveza 
por medio de pequeñas 
escenas de género. Las 
imágenes, rotuladas con 
títulos latinos, simbolizan, 
en el sentido de las agujas 
del reloj: la gula, la pereza, 
la lujuria, la soberbia, la ira 
(abajo), la envidia, y 
finalmente la avaricia. En el 
centro aparece Cristo.
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Los siete pecados capitales, de El Bosco
La representación en forma 
de ojo, así como las 
inscripciones, recuerdan 
que nada escapa al ojo 
divino. Los cuatro 
medallones exteriores 
describen las llamadas 
postrimerías: la muerte, el 
juicio universal, el infierno y 
el cielo.
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El Jardín de las Delicias, de El Bosco
Esta es la pintura más famosa, la más estudiada, y también la más enigmática y difícil de 
interpretar de las que pintó El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la creación 
del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a 
todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el 
destino de la naturaleza humana.
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El Carro del Heno, de El Bosco
El tema del tríptico es el destino del hombre, que oscila entre el paraíso (tabla 
izquierda) y el infierno (tabla derecha). La tabla central representa el tiempo presente 
y está dedicada a las vanidades del mundo, perseguidas por los civiles y por los 
eclesiásticos. En el centro figura el carro de heno, símbolo de los bienes del mundo, 
tirado por las fuerzas animalescas hacia la derecha, donde espera el castigo a los 
pecadores, por su poca fe. El tema alude a un versículo de Isaías: “Toda carne es como 
el heno y todo esplendor como la flor de los campos, el heno se seca, la flor se cae”.
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El Carro del Heno, de El Bosco
Por tanto estamos ante una alegoría de lo efímero de los bienes y placeres materiales 
y de lo pasajero de todo lo de este mundo; a la felicidad terrenal y material, 
representada por el carro, quieren subirse todas las clases sociales, reyes y obispos, 
pueblo llano; a los pies del carro vemos los pecados capitales; la riqueza de detalles es 
sobrecogedora.
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El Bosco, El carro de heno (1500-02)
Óleo sobre panel, 135 x 100 cm
Museo del Prado, Madrid
En la segunda generación de pintores 
flamencos, que se extiende a lo largo de la 
segunda mitad del siglo XV y principios del 
siglo XVI, destacan pintores como: Memling, 
Gerad David, y El Bosco. 
Esta segunda generación es contemporánea ya 
del Renacimiento, pero su estilo y temas
todavía están más cerca de la generación 
anterior que de lo que se está haciendo en 
Italia.
Pervivencia del estilo flamenco
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