RUIZ_MORAL, IRENE_MuSICA_TFM

Arte

•

Artes

Efrain Alberto Nieves Maldonado

24/5/2024

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Centro de Estudios de Postgrado

Trabajo Fin de Máster

"MUSICAL VIBES"
PROYECTO DIDÁCTICO
BASADO EN EL TEATRO
MUSICAL

Alumna: Irene Ruiz Moral

Tutor: Prof. D. Javier Marín López
Dpto: Didáctica de la expresión musical,
plástica y corporal

Octubre, 2021

Índice

1. Resumen y palabras clave ............................................................................................... 5
2. Introducción ................................................................................................................... 6
3. Justificación del tema elegido ......................................................................................... 7
4. Fundamentación epistemológica .................................................................................... 8
4.1. Antecedentes y estado de la cuestión ........................................................................ 8
5. El teatro: definiciones e historia.................................................................................... 11
5.1 El Teatro. Definición de teatro y musical .................................................................. 11
5.2 Historia ..................................................................................................................... 11
5.2.1. Antecedentes del musical ................................................................................... 11
5.2.2. Broadway. Siglo XX .............................................................................................. 13
5.2.3. Musicales rock .................................................................................................... 13
5.2.4. Grease................................................................................................................. 14
6. Conceptos básicos del teatro musical ........................................................................... 16
6.1 Principales elementos del teatro musical ................................................................. 16
6.2. Canto....................................................................................................................... 17
6.2.1. Técnicas de canto utilizadas en el teatro musical ................................................ 19
6.2.1.1. Level speech singing...................................................................................... 19
6.2.1.2. Método Voice Craft o Estill Voice Training System ........................................ 20
6.2.2. Canto aplicado a Secundaria ............................................................................... 20
6.2.2.1. Voz masculina adolescencia .......................................................................... 20
6.2.2.2. Voz femenina en la adolescencia .................................................................. 22
6.2.2.3. Consideraciones durante el entrenamiento .................................................. 22
6.3. Danza ...................................................................................................................... 23
6.4. Interpretación ......................................................................................................... 25
7. Enfoque didáctico del teatro musical ............................................................................ 28
7.1. La didáctica del teatro musical en el ámbito educativo ............................................ 28
7.2. Aprendizaje basado en proyectos (ABP).................................................................. 29

8. “Musical Vibes": una propuesta de proyecto escolar basada en el musical Grease ....... 30
8.1. Presentación ............................................................................................................ 30
8.2. Legislación educativa de referencia ........................................................................ 30
8.3. Aspectos psicológicos y pedagógicos del alumnado ................................................ 31
8.4. Contextualización del centro .................................................................................. 32
8.5. Justificación ............................................................................................................ 33
8.6. Objetivos ................................................................................................................ 34
8.7. Competencias ......................................................................................................... 36
8.8. Contenidos ............................................................................................................. 37
8.9. Metodología ........................................................................................................... 37
8.10. Temporalización de las sesiones ............................................................................. 39
8.11. Alumnado con necesidades específicas de apoyo educativo .................................. 46
8.12. Materiales y recursos didácticos ........................................................................... 46
8.13. Evaluación ............................................................................................................. 46
8.13.1. Instrumentos de evaluación .............................................................................. 49
8.13.2. Calificación ........................................................................................................ 49
8.13.3. Calendario ......................................................................................................... 49
8.14. Elementos curriculares complementarios .............................................................. 50
8.14.1. Contenido transversal ....................................................................................... 50
8.14.2. Innovación ....................................................................................................... 50
9. Conclusiones ................................................................................................................. 51
10. Bibliografía .................................................................................................................... 52
11. Anexos .......................................................................................................................... 55

1. Resumen

La temática elegida para este TFM gira en torno al teatro musical, género que
se va a utilizar como un medio para adquirir los conocimientos necesarios presentes en
el currículo escolar en Secundaria. Este género musical ofrece numerosas posibilidades
en lo que a didáctica se refiere que serán presentadas a través de un proyecto
interdisciplinar que aúna danza, interpretación y canto. Estas disciplinas estarán
presentes en el proyecto con el fin de explorar las posibilidades que ofrecen dentro de
la asignatura de música. Para la elaboración de la unidad didáctica se toma como
referencia el musical Grease. El desempeño del proceso de enseñanza-aprendizaje se
aborda por medio de metodología propia del aprendizaje basado en proyectos o ABP.

Palabras clave:

Teatro, musical, danza, ABP, interdisciplinariedad, educación, música, canto.

Abstract

The theme of this thesis is musical theater, which will be developed as a means
of acquiring the necessary knowledge present in the Secondary school curriculum. This
musical genre offers numerous possibilities in didactic terms and it will be presented
through an interdisciplinary project that combines dance, acting and singing. These
threedisciplines will be present in the project in order to explore the possibilities they
offer within the subject of music. The musical Grease is taken as a reference for the
elaboration of the teaching unit. The performance of the teaching-learning process is
addressed through the methodology of project-based learning or PBL.

Keywords:

Theatre, musical, dance, PBL, interdisciplinarity, education, music, singing.
6

2. Introducción

A día de hoy, encontramos en el teatro musical uno de los géneros musicales
más populares. Supone una forma de representación teatral que aúna varias
disciplinas, las cuales aportan un sentido de unidad a la obra que cobra vida en el
escenario.
Realmente existe un camino aún por desarrollar en el mundo de la didáctica en
la etapa educativa de Secundaria, aunque encontramos algunos referentes. Sin
embargo, aún hoy para gran parte de la sociedad el teatro musical tiene un
componente lúdico, pero ¿qué ocurre con el componente didáctico? Al igual que
ocurre con el arduo camino de cualquier disciplina artística, necesita ese punto de
reafirmación constante para validar la importancia tan significativa que aporta a nivel
cultural y los numerosos beneficios que ofrece también a nivel didáctico.
De ahí surge la propuesta del trabajo que nos ocupa, “Musical Vibes”, centrada
en indagar en los aspectos más significativos de los elementos que integran un musical,
haciendo un recorrido interdisciplinar y sintetizando distinta información sobre el
tema, con el objetivo de buscar un acercamiento a cada uno de los pilares que forman
una perfecta simbiosis necesaria para que el musical cobre sentido.
El tema se desarrolla en dos grandes bloques. El primero es de carácter
epistemológico y encontramos, en primer lugar, la justificación del tema; el hecho de
asomarnos a varias disciplinas favorece la adquisición de competencias necesarias para
el desarrollo personal del adolescente, desde un punto de vista integrado, aportando
aspectos significativos y destacables en cuanto al desempeño de la docencia adaptado
a Secundaria Obligatoria. Para continuar, se encuentran los antecedentes y estado de
la cuestión, punto en el cual se aunará en los modelos anteriores desarrollados dentro
del teatro musical y la educación. Después, se continuará con el desarrollo del tema, lo
que incluye la definición de teatro musical y un recorrido por hechos históricos
significativos. Todo desembocará en los fundamentos básicos del género musical, para
a su vez dar cabida a las tres disciplinas que lo integran. Para finalizar esta parte, se
expondrá el enfoque didáctico del tema y la metodología. El segundo gran bloque del
trabajo está dedicado al proyecto escolar. La unidad didáctica se ha planteado como
un proyecto que servirá como acercamiento al musical, a través de una partitura
perteneciente al musical Grease, un musical ampliamente conocido en la cultura pop.
Ello es un factor motivacional añadido para el alumnado. Por último, se desarrollan las
conclusiones.
7

3. Justificación del tema elegido

La decisión de ahondar en el teatro musical como elemento didáctico se ha
elegido debido a la experiencia personal y mi formación previa en el campo artístico.
Tanto en interpretación, como a nivel musical, más concretamente, a través del canto
y dando como resultado el proyecto que propongo, plasmado en última instancia en la
unidad didáctica “Musical Vibes”.

Por otra parte, el desarrollo del propio proceso de prácticas del Máster de
Secundaria dio lugar a una reflexión, ya que a través de la propia experiencia personal
y la observación directa he podido comprobar que son numerosos los beneficios de la
metodología activa y el trabajo interdisciplinar; aunando distintos ámbitos artísticos
como son el canto, la danza y la interpretación, se pueden conseguir resultados más
significativos. A su vez, la intervención educativa se llevará a cabo a través del
aprendizaje basado en proyectos (ABP). Esta metodología está en sintonía con la
búsqueda de la autoexpresión del alumnado.

Para conseguir aumentar la creatividad en las aulas es necesario dar un
enfoque proactivo en relación a las ideas, reconociendo el proceso de innovación,
permitiendo construir sobre las fortalezas, promoviendo la confianza, la libertad y
fomentando el trabajo que permita la colaboración (Thorne, 2008).

La integración de otras disciplinas artísticas no hacen sino sumar a la propia
asignatura de música; gracia a estas, se podían conseguir resultados más creativos y
eficientes a nivel cognitivo del alumnado. En palabras de Sample (1964), el teatro
musical tiene muchos beneficios para la educación durante su proceso de desarrollo de
los adolescentes. El teatro va más allá del trabajo que tradicionalmente existe dentro
de un aula. No hay otra disciplina donde los propios estudiantes participen en un
número tan completo de tareas. Shechner (1985) de acuerdo a esta idea, opina que a
través del teatro los propios adolescentes reflejan sus percepciones de la realidad, ya
que la actuación teatral es por un lado simbólica y también reflexiva.
8

Llegados a este punto, podemos plantear si realmente existe relación entre un
desarrollo cognitivo positivo en la adolescencia y el hecho de realizar actividades
artísticas como el teatro. A continuación, expondremos las conclusiones del trabajo de
Motos-Teruel (2017), el cual realizó un diseño de investigación cualitativo con grupos
foco, a través de las valoraciones y la propia experiencia de adolescentes realizando
teatro. Tras la recogida de datos, llegó a la conclusión de que los beneficios eran tales
que los alumnos lo llegaron a ver como una forma de plantearse su propia identidad,
desarrollando su reflexión crítica, una experiencia para poder ser ellos mismos,
conseguir un profundo autoconocimiento y, en definitiva, podía llegar a ser una
herramienta muy valiosa para el crecimiento personal de los adolescentes.
A nivel curricular enfocado a la etapa de Secundaria, se considera de interés
según el Decreto 231/2007 el hecho de interpretar y producir con propiedad,
autonomía y creatividad, mensajes que utilicen códigos artísticos. Por tanto, a través
del teatro musical se unirán nuevas disciplinas consiguiendo aumentar la creatividad y
el rendimiento escolar.
4. Fundamentación epistemológica

4.1. Antecedentes y estado de la cuestión

A día de hoy, encontramos pocas referencias a nivel educativo en España en lo
que respecta a educación teatral, especialmente referido al género musical. A lo largo
de estas líneas, se van a desarrollar diferentes propuestas donde se observan distintos
artículos y proyectos que, con diversos objetivos, han trabajado en contextos que
incluyen el teatro en el ámbito didáctico escolar, en resumen, se abordarán las
propuestas de musicales anteriores en España y la didáctica a través del teatro musical.

Motos-Teruel (2017) expone que la mayoría de pedagogía teatral se encuentra
muy arraigada en las actividades extraescolares. El autor continúa describiendo las
similitudes teatrales dentro del currículo de la Enseñanza Secundaria Obligatoria. En
primer lugar, los contenidos relativos al texto dramático se encuentran como parte de
lengua y literatura. También la expresión corporal es un contenido relativo a la
asignatura de Educación Física. Además, dentro del 4º curso podemos encontrar la
asignatura específica de Artes escénicas y danza y, por último, lo más especializado va
ser el propio Bachillerato de artes escénicas.

Para hablar de proyectos musicales previos en los que se ha profundizado a
través del teatro musical y su didáctica en adolescentes, vamos a describir en primera
instancia el proyecto LÓVA: La Ópera como Vehículo de Aprendizaje. Es un proyecto
educativo, centrado en la etapa de Educación Primaria, en el cualson los propios
alumnos los que van a montar una ópera. Tal como expone Sarmiento (2012), todo
está gestionado por ellos; se organizarán en tareas y realizarán en equipo todo el
proceso de creación: guión, iluminación, escenografía, trabajo actoral, música,
instrumentación, vestuario, maquillaje y producción. El proyecto llegó a España en
2006 gracias a Mary Ruth McGinn y ya en 2008 se formalizaría como proyecto
educativo en colaboración con la Fundación SaludArte y Teatro Real de Madrid
(Sanahuja, Moliner y Moliner, 2019). Tal como se puede observar, en el proyecto LÓVA
encontramos una verdadera fuente de inspiración en cuanto a lo referido a una
integración de las artes escénicas. El proyecto cobra significado gracias a que aúna
distintas asignaturas, disciplinas y profesiones, dando lugar a un espectáculo escénico,
el cual se llevará a cabo durante el transcurso de un curso escolar, donde participan los
docentes y los alumnos, con el objetivo de finalmente representar una ópera infantil
(Gil, 2017).
El propio Sarmiento (2012) apunta que:
“LÓVA utiliza el poder metafórico y evocador de las artes escénicas, del
trabajo en equipo y de la superación de retos como plataforma para el
desarrollo de la identidad” (p. 40).

Otro proyecto de género musical encuadrado en la educación en nuestro país es
el proyecto: “Fill de Kasim”, donde se utiliza el teatro musical para educar en valores
que fomenten la convivencia en Secundaria, herramientas para resolver conflictos y
favorecer la inclusión social, beneficiando la aportación de distintas culturas que se
integran dentro de la atmósfera escolar (Llopis, Roselló y Villarroya, 2009). Los propios
autores, definen que la práctica educativa se va a desarrollar en Benicasim, Comunidad
Valenciana. Allí conviven distintas personas procedentes de diversos lugares del
mundo, relacionándose entre sí con sus propias costumbres. Para favorecer la
comunicación y convivencia se diseña esta experiencia musical educativa, de creación
propia, que recoge las experiencias de los distintos alumnos y muestra las propias
dificultades de los mismos. Favoreciendo así la solidaridad y empatía, ya que tanto los
actores como los espectadores pueden sentirse identificados con las escenas.

Llopis, Roselló y Villarroya (2009) exponen las fases del proceso, primero el casting,
seguidamente trabajo de creación colectiva, los ensayos y, por último, la puesta en
escena.

Por su parte, Cisneros (2013) expresa que las adaptaciones dirigidas por
profesionales de la educación, se han basado principalmente en el proceso de
memorización y esto, a su vez, lleva a que la construcción de personajes acabe
teniendo un fin instrumental y corra peligro de ser irrelevante, influyendo en todos los
elementos que la forman: movimiento, cuidado de la voz, preparación actoral,
vestuario o maquillaje. A raíz de estas conclusiones, va a desarrollar un trabajo de
improvisación con alumnos que se encuadra en el marco del Proyecto de Innovación
Docente sobre competencias artístico-culturales que se desarrolló en la Facultad de
Educación de Toledo (UCLM). La obra, basada en la importancia y conservación del
agua, persigue el fin de poder adaptarlo a nivel educativos de Infantil y Primaria, y se
centra principalmente en un trabajo corporal y vocal-sonoro.

Otra referencia es el musical Quiero estar junto a ti, versión del musical Hoy no
me puedo levantar fue dirigido por Ana Belén Vallejo y Enrique Armenteros, realizado
en el municipio de Torredelcampo, provincia de Jaén, el año 2007. Supuso todo un reto
para los integrantes. Puedo hablar en primera persona, ya que fue una experiencia
acontecida durante mi etapa escolar de Bachillerato, previa a dedicarme
profesionalmente a este género. El musical permitió la unión de diferentes disciplinas
artísticas como la música, canto coral, danza, interpretación y caracterización. El
proyecto contaba con más de cincuenta integrantes entre profesores y alumnos, se fue
fraguando durante el transcurso de un curso escolar, dando como resultado un
proyecto creativo y multidisciplinar que finalmente fue representado en varias
ciudades de la provincia. El periodista Juan Armenteros, el cual realizó un reportaje
sobre la obra para Canal sur, añade:
“El mérito de los alumnos es que realizan todo en directo música y canto”
(Canal Juan periodista, 2007, 0.38s). Fuente:
https://www.youtube.com/watch?v=lMN9Coj8Z7s&t=19s

A modo de síntesis, se concluye que, en los proyectos expuestos existe una
retroalimentación positiva dentro del ámbito educativo. Tanto por parte del equipo
educativo como desde la perspectiva del alumnado.

https://www.youtube.com/watch?v=lMN9Coj8Z7s&t=19s
11

5. El teatro: definiciones e historia

5.1 El Teatro. Definición de teatro y musical

Antes de hablar del género musical en sí mismo, es necesario ahondar en el
género dramático en general. Y es que el teatro tiene un componente lúdico pero a su
vez reflexivo, ¿qué podemos definir entonces como teatro?
Marchán (2011) afirma que:
El teatro, en cualquiera de sus manifestaciones y formas, ha tratado en
cualquier época de reflexionar sobre el devenir de hombres y mujeres en la
superficie de la Tierra. Ha indagado acerca de la vida y de la muerte, del amor y
el desamor, de las relaciones sociales y políticas, de la naturaleza, lo rural y la
gran urbe, el progreso; en definitiva, el teatro, como arte intelectual integral,
ha “hurgado” con su enorme y curiosa cuchara, en la herida del ser humano
(p. 75).
Por su parte Turner (2001) propone que el teatro es el único medio, dentro de
su capacidad para crear un espacio, donde es posible un contexto único en el que los
individuos se encuentren en el límite entre lo tangible y la ficción.
Sin embargo, si nos encontramos inmersos en el teatro musical encontramos
que Kenrick (s.f.) desarrolla la definición de musical como una producción teatral,
televisiva o cinematográfica que utiliza canciones de estilo para contar una historia o
para mostrar el talento de los escritores y / o artistas intérpretes. Como cualquier otra
forma literaria, el trabajo principal de un musical es contar una historia o una serie de
historias breves a través de canciones.

5.2 Historia

5.2.1. Antecedentes del musical

Para encontrar elementos del origen del teatro musical, es necesario
remontarnos a los inicios de la Humanidad, en la Prehistoria, más concretamente en
los rituales religiosos. Estas ceremonias ya involucran muchos conceptos propios del
teatro musical, tales como: maquillaje, vestuario, música y coreografía, aparecen como
forma indispensable de los ritos, representados en forma de cánticos con percusión
(Kenrick. s.f.).
12

Es necesario remontarnos a la Antigua Grecia para hablar del origen del
teatro, aunque poco tiene que ver con el concepto del musical moderno; los dramas
ya utilizaban el canto, el diálogo y la danza como herramientas integradas en la
narración. Kenrick (s.f.) describe los géneros más reconocidos dentro del teatro
griego. En contraposición al drama encontramos la tragedia, que se caracteriza por
un tono sombrío, donde se cuentan historias propias de la mitología griega. En
cambio, en la comedia se aprecia un tono más ligero, con un feliz desenlace de la
trama. Los personajes se dirigían al público y mencionaban noticias y eventos de
actualidad.

Por su parte, según ideas de Everett y Laird (2008) existe un desacuerdo
sobre el primer musical y se hace evidente. Lo mismo ocurre con los intentos por
clasificar los diferentes tipos de formas musicales teatrales existentes a partir del
siglo XVIII. Los más representativos se exponen a continuación:

- Ópera cómica: posee un efecto divertido, por lo general con una gran dosis
de romance. La ópera cómica fue un claro precursor de la opereta, una forma que se
haríarealidad en Francia a mediados del siglo XIX (Kenrick. s.f.).

- Ópera de baladas: utilizaban baladas populares y arias operísticas
existentes, de tal manera que integra el título original o la letra de una canción a su
significado. (Kenrick. s.f.).

- Pantomima: incluía canciones, danza, hazañas y comedia física, acrobacias y
comedia del arte. Estas obras cómicas gozaron de gran popularidad entre el público.
La tradición de la pantomima de los Estados Unidos alcanzaría su punto máximo en
Broadway en la década de 1870 (Kenrick. s.f.). Los elementos que la integran más
tarde evolucionaron para dar lugar al género llamado Extravaganza (Everett y Laird,
2008).

- Opereta: espectáculo con tramas en las que los personajes interactuaban
entre sí de manera humorística y amorosa, mientras se vestían con disfraces
extravagantes en medio de decorados lujosos. La inmensa popularidad de la opereta se
debió a su atractivo para un gran número de inmigrantes recientes de Europa y
estadounidenses, de segunda generación,

que disfrutan de una historia de la cultura de sus ancestros, pero a diferencia de la de
la ópera podía ser fácilmente accesible para este público, debido al idioma (Everett y
Laird, 2008).

- Melodrama: introducido desde Francia a través de Inglaterra, también se
convirtió en parte del repertorio teatral en la década de 1790; se convertiría en formas
de teatro musical ya en el siglo XIX. Su estilo dramático claramente brinda muchas
oportunidades para usar la música para expresar emoción (Everett y Laird, 2008).

5.2.2. Broadway. Siglo XX

Los logros de los principales artistas de Broadway, que trabajaron entre 1943 y
1970, transformaron prácticamente todos los elementos que componen lo que se
conoce hoy como el musical estadounidense. Rodgers y Hammerstein abrieron el
camino a la hábil construcción de tramas, música consistentemente atractiva y letras
de canciones brillantes. Sumado a un equilibrio de los elementos para evocar
emociones y una respuesta abrumadora de la audiencia, lograron crear historias con
integridad artística, accesibilidad y atractivo popular (Everett y Laird, 2008).

Los propios Everett y Laird (2008) nos dejan entrever que la forma de venta de
entradas cambió radicalmente al final del siglo XX, y a su vez también lo hizo la
publicidad. Ambos conceptos fomentaron el teatro musical, que se volvió global
gracias al gran desarrollo de los medios visuales y tecnológicos propios del siglo XXI.
Todo ello dio lugar a un verdadero impacto en la propia ciudad de Nueva York, y
Broadway se promovió como una atracción turística. La publicidad no solo consiguió
una mayor asistencia de público, sino que también contribuyó a la recuperación
económica de la ciudad de Nueva York en los años ochenta.

5.2.3. Musicales rock

Durante la mayor parte del siglo XX, el teatro musical proporcionó muchas de
las canciones populares conocidas a día de hoy. Estas se encuadran dentro del género
Rock. En Broadway a mediados de la década de 1960 apareció el musical Hair, el cual
ha sido aceptado universalmente como el primer ejemplo del estilo.

La música en un musical de rock difiere significativamente del sonido
tradicional de Broadway. Casi inmediatamente después de Hair, van a surgir otros
musicales, entre los que se incluyen Grease (Everett y Laird, 2008).

Ambos autores identifican una serie de producciones generalmente asociadas
con el estilo rock y a partir de estas, Everett y Laird (2008), identifican una serie de
categorías en las que clasificar este género. Surgen cuatro categorías distintas:
1) En la primera se encuadran obras, como Hair que fueron identificadas por sus
creadores y productores como musicales de rock.
2) Una segunda categoría consiste en trabajos que comenzaron como álbumes
conceptuales, por ejemplo Jesucristo Superstar, que se comercializó y vendió su
música antes de que se llevará a escena.
3) La tercera y más arbitraria categoría consta de obras, como Godspell, que utilizan
estilos de rock, ya sea en su totalidad o en de forma mixta; sin embargo, sus creadores
nunca los denominaron musicales de rock como tal.
4) En cuarto lugar están los musicales, como Grease que emulan estilos anteriores de
rock 'n' roll, género del que deriva el propio rock. Esta categoría conduce a libretos
que utilizan canciones antiguas por su valor nostálgico.
Cabe destacar que estas cuatro categorías no son rígidas, por supuesto;
algunas muestran categorías transversales y se pueden encuadrar en otros estilos.

5.2.4. Grease

Grease es uno de los musicales más conocidos a nivel mundial. Esta historia de
amor en un instituto en los años cincuenta cuenta la historia de Sandy, una chica
tímida, y Danny, el líder rebelde de una banda. Ambos viven una historia de amor
veraniega y para sorpresa de ambos vuelven a encontrarse el curso siguiente en el
instituto.

En The Cambridge Companion to the Musical de Everett y Laird (2008)
podemos encontrar varios datos informativos acerca de este musical, el cual comenzó
a representarse en Broadway a partir de 1972. Sería en 1977 cuando John Travolta dio
el salto de la televisión al cine con Fiebre del Sábado Noche, lo cual le permitiría
protagonizar, posteriormente, la famosa versión de 1978 de Grease, junto a Olivia
Newton-John.

El libro y la partitura son de Jim Jacobs y Warren Casey. El libreto se sometió a
distintas revisiones; en este proceso se añadieron algunas canciones como: "You're the
One That I Want" (Véase figura 1), "Grease" y "Hopefully Devoted To You", escritas
por un equipo que incluye a John Farrar y Barry Gibb (Everett y Laird, 2008).

Grease es la película musical más taquillera de todos los tiempos. (Véase figura
2). El álbum doble de la banda sonora logró permanecer en las listas de Billboard
durante treinta y nueve semanas. La gran fama de Grease ayudó a inspirar una ola de
películas llenas de canto y danza protagonizada por adolescentes, entre las que se
incluyen títulos como Footloose y Dirty Dancing, las cuales están orientadas al baile, y
películas musicales como Fama y Grease 2 (Everett y Laird, 2008).

Figura 1. Escena de la película Grease. Fuente: http://californiaoneway.com/grease/
http://californiaoneway.com/grease/
16

Figura 2. Cartel de Grease. Fuente: http://californiaoneway.com/grease/

6. Conceptos básicos del teatro musical

6.1. Principales elementos del teatro musical

Desde un punto de vista puramente técnico, todos los musicales constan de
ciertos elementos clave:
- Música y letras: las canciones.
- Libro / Libreto: la historia se va expresar en un guión o diálogo.
- Coreografía: la danza que integra el espectáculo.
- Puesta en escena: referido a todo lo que va a desarrollarse en el propio
escenario.
- Producción: la integran el resto de elementos que hacen posible el
espectáculo, aspectos técnicos, escenografía y vestuario (Kenrick s.f.).
17

Sin embargo, si nos centramos exclusivamente en las disciplinas que abarcan
los intérpretes, destacamos principalmente tres: la danza, el canto y la interpretación.
Estos son los pilares fundamentales del musical. Dentro del teatro musical, los actores
tienen que tener la capacidad de cantar, bailar y actuar, ya que representan la cara
visible del espectáculo (Janicki, 1982).

Kenrick (s.f.) describe la historia como eje central del musical, la cual debe ser
contada de manera convincente. Cuando todo va bien, existe una mezcla musical de
canción, baile y artes visuales. Su fin es entretener, evocando una respuesta emocional
e intelectual.

Por su parte, Merlin (2016) caracteriza el teatro musical con una energía propia
gracias a la música. Las canciones, el texto y el baile que acompañana la melodía le
aportan una energía que ayuda a determinar al propio intérprete dentro del teatro
musical.

6.2. Canto

Para comenzar con los elementos imprescindibles a la hora de abordar el
montaje de un musical comenzaremos con el canto desde una perspectiva enfocada en
el proceso de aprendizaje. Si nos referimos a la didáctica del canto encontramos
diferencias entre las utilizadas tradicionalmente, las cuales se van a enfocar
especialmente en el canto lírico, y algunas de las utilizadas en el teatro musical. El
estudio revelado por Björkner (2006) pone de manifiesto diferencias técnicas en la voz
entre los cantantes de ópera y los que realizan teatro musical, tales como utilizar una
presión subglótica algo más alta o producir niveles de presión sonora mayores.

En cuanto a canto lírico en España, encontramos dos sistemas de enseñanza.
Por una parte, el sistema oficial y por otra parte, el privado. En 1830, se fundó el
Conservatorio de Madrid. Anteriormente, la docencia se desarrollaba principalmente
en el ámbito religioso. Por su parte, el repertorio profano se solía estudiar con
profesores particulares o los alumnos iban a estudiar en el extranjero, especialmente
en Italia, debido a su vinculación con la ópera (Morales, 2009).

En el siglo XIX, la ópera alcanza su mayor auge, concretamente en determinados
lugares de Europa como Alemania o Italia. El teatro va ir adaptándose y evolucionando
según la época histórica (Juan Marchán 2011).
Por su parte, Pedrell aporta una distinción específica entre las distintas formas
de enseñanza que vamos a encontrar, las cuales se clasifican en:
- Didáctica musical individual (enseñanza de docente a alumno)
- Enseñanza mutua (alumnos con más formación (monitores)
y los demás alumnos)
- Enseñanza simultánea (docente - grupo de alumnos completo o fraccionado)
(Pedrell, 1894, citado por Morales 2009).

Para Elorriaga (2020) durante la enseñanza con adolescentes es necesario
planificar el proceso ensayos de la siguiente forma:

a) Para comenzar, tendremos unos minutos dedicados a la conciencia corporal, es
decir, a trabajar la postura a la hora de cantar, respiración y la relajación. A partir de
estas bases se van a ir desarrollando los demás elementos del aprendizaje.

b) Calentamiento de la voz, el cual debe ir enfocado al desarrollo de las habilidades
vocales previas, que posteriormente serán utilizadas en el repertorio. Compartir con el
alumnado el objetivo de la sesión.

c) Trabajar el nuevo repertorio. Es durante esta parte de la sesión el momento de
incidir en el nuevo temario.

d) Última parte de la sesión. Depende de las necesidades: se puede trabajar
educación auditiva, afinación, improvisación, lectura, repaso, trabajo con secuencias
de movimiento o coreografías.

e) Después de finalizar la sesión. Registrar en un espacio visible para el alumnado,
tanto los objetivos conseguidos como los objetivos pendientes a trabajar.

6.2.1. Técnicas de canto utilizadas en el teatro musical

A continuación, se exponen dos técnicas, utilizadas concretamente en el
desempeño dentro del teatro musical, las cuales aportan dos puntos de vista
diferenciados, pero a su vez complementarios distintas herramientas para trabajar el
canto.

6.2.1.1. Level speech singing

Es una técnica de canto basada en conectar diferentes registros vocales, tanto
voz de pecho como de cabeza, logrando un equilibrio intermedio. (Véase figura 3).
Usa de referencia la voz a nivel hablada para cantar, de manera que resulte un
proceso tan natural como hablar. La voz se irá trabajando a través de ejercicios
específicos, mediante un proceso individual. La clave debe ser hacer menos para llegar
a más; para ello, desde la respiración va a ser un proceso relajado, se busca evitar
tensión de las cuerdas vocales. Sólo mediante la relajación de la laringe, las cuerdas
vocales se ajustarán al flujo de aire para crear el punto óptimo de tono e intensidad
(Riggs, 1985).

Figura 3. Registros vocales. Fuente: https://creatumusica.art/2021/06/24/registros-vocales/

https://creatumusica.art/2021/06/24/registros-vocales/
20

6.2.1.2. Método Voice Craft o Estill Voice Training System

Jo Estill fue la autora del método Estill Voice Training System o, como se conoce
en Europa, Voice Craft. Esta técnica utiliza una didáctica basada en la investigación
científica de las estructuras anatómicas de la voz. Este aprendizaje profundiza en el
control y manipulación de las múltiples estructuras anatómicas que hacen posible la
emisión del aparato fonador. Esto crea la base para el trabajo y va a permitir una gran
variedad de opciones vocales. (Salsbury, 2014)

A continuación, Salsbury (2014) describe los principios que integran la técnica
del Estill Voice Training System o Voice Craft:

- Calentamiento y entrenamiento de las cuerdas vocales: los ejercicios de
calentamiento, preparación y entrenamiento de las cuerdas vocales son esenciales
para el uso correcto de la voz.
- Control de la respiración: es importante el control preciso de la respiración a
través de la relajación laríngea y faríngea, lo que permitirá más potencia vocal.
- Posición corporal erguida: posición correcta entre cabeza, cervical y espalda,
permitirán espacio en la zona del pecho y abdomen para que la voz salga con potencia
y sin mucho esfuerzo.
- Cabeza y cuello: en contraste con otras pedagogías vocales, aboga por el uso
de músculos en forma de sustento o anclaje, para mantener el esfuerzo fuera del
tracto vocal. Los músculos de la cara y el cuello se activan para ayudar en la producción
de sonido.
- Torso: conjunto de músculos de anclaje, sugiere el uso de grandes grupos
musculares como los abdominales y el trapecio para ayudar en la emisión de voz.

6.2.2. Canto aplicado a Secundaria

6.2.2.1. Voz masculina adolescencia

Para Cooksey (2000), el cambio de la voz masculina es la consecuencia directa
de los cambios hormonales que se desarrollan en la pubertad. El cambio de voz en la
etapa que nos ocupa, la adolescencia, es un proceso dividido en secuencias.
21

Tiene una duración comprendida entre un año y dos, siendo en torno a los 13
cuando la mayoría se encuentra ya inmersa en el proceso de muda. El adolescente va a
pasar por seis etapas diferentes (ver Figura 4) por las cuales transitará paulatinamente
de forma secuencial hasta ir madurando a nivel vocal. El propio autor integra en el
desarrollo de su teoría del desarrollo vocal tesitura, intervalo y timbre. Este proceso es
distinto en cada adolescente. Algunos experimentan pequeños cambios y, sin
embargo, para otros, los cambios vocales son significativos. Las características más
importantes son los siguientes:

- Durante el proceso de la pubertad en los chicos el rango vocal (voz hablada y
cantada) desciende de una forma progresiva.

- La tesitura que posee el adolescente es menos amplia que la del rango de notas
musicales que puede emitir.

- El adolescente va a tener un intervalo de sexta durante todas las etapas, pero los
tonos agudos van a ir descendiendo conforme se transita por las distintas fases.

- La voz se va a volver más inestable durante las etapas intermedias.

- La aparición del falsete ocurre en el punto más activo de modulación de la voz, la fase
intermedia.

- La maduración vocal se produce a distinta velocidad a través de un patrón predecible
de las distintas etapas expuestas.

- En un adolescente no debe esperarse la calidad de la voz adulta, incluso después de
que se haya establecido la clasificación de barítono (Cooksey, 2000).
22

Figura 4. Estadios de la muda de la voz masculina adolescente adaptados por Freer (2013) a partir
de las investigaciones de Cooksey (2000)Fuente: https://scholarworks.gsu.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1000&context=music_facpub

6.2.2.2. Voz femenina en la adolescencia

Elorriaga (2000) afirma que, a pesar de que la mujer no tendrá un desarrollo tan
extremo como el hombre, en su aparato fonador existirá un engrosamiento y
crecimiento en un sentido más lateral y redondeado. Por ello, durante este proceso se
pierde algo de brillantez de la voz blanca y en ocasiones aparece cierta aspereza y aire,
el cual va a desaparecer al madurar la laringe. El autor continúa exponiendo que la voz
femenina adolescente no es realmente soprano ni contralto, sino por regla general
registro medio de mezzo-soprano.

6.2.2.3. Consideraciones durante el entrenamiento

Es destacable conocer las consideraciones a tener en cuenta durante las sesiones
llevadas a cabo con adolescentes en el proceso de trabajo vocal, según expone
Elorriaga (2000):
 La voz no se debe forzar. Las modulaciones de la dinámica en la adolescencia son aún
bastante reducidas. Es aconsejable respirar con más frecuencia, concretamente al
finalizar una frase musical. Vaciar previamente los pulmones creará un proceso
respiratorio más orgánico.

https://scholarworks.gsu.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1000&context=music_facpub
23

 Es imprescindible trabajar ejercicios prácticos con el diafragma. Para un correcto
desempeño del canto, la presencia del apoyo diafragmático será imprescindible.

 Unir el proceso de conexión con el flujo de aire hacia la voz sonora. Para ello, se va a
trabajar desde “S” y “H” aspirada a “M” y “N”, creando así un trabajo de resonancia,
sonido bilabial y parte más frontal de la cabeza.

 La voz hablada es distinta a la voz cantada: las vocales se disponen en forma vertical.
Es aconsejable trabajar una correcta colocación, con la mandíbula rejalada, la lengua
y la laringe en una posición baja y el velo del paladar elevado. Mediante distintos
ejercicios que integran la gestualidad o con la ayuda de un espejo, la posición se irá
interiorizando gradualmente.

 Realizar ejercicios para combinar voz de pecho y de cabeza con el objetivo de
trabajar el sistema fonador. Vocalizar es un entrenamiento gradual. Poco a poco se
irán ampliando ejercicios, cada vez más complicados, con más notas y un rango vocal
más extenso (p. 39).

6.3. Danza

La danza es otro de los elementos indispensables dentro del teatro musical.
Encontramos que Dame (1995) describe el estilo de baile de Broadway ecléctico por
naturaleza, capaz de absorber y situar en un concepto dramático, incluyendo una gran
variedad de danza y música.

Aunque existen diferentes disciplinas que se han utilizado a lo largo de los años
para crear espectáculos teatrales, en la actualidad la danza dentro del género musical
es el resultado de la fusión del género jazz, danza clásica y claqué (ver figura 5). De
igual forma que predominará un estilo por encima de otro dependiendo lo que se
busque transmitir en cada momento (Torres, 2019).

Por su parte, Brockett (1979) expone dos tipos de danza y, a su vez, de música,
como parte del teatro musical: incidental, es decir, que no forma parte de la acción
dramática;

y el tipo de danza que sí que mueve la acción, revela al personaje o muestra el
estilo y el estado de ánimo del mismo. En consonancia con esto, conforme el teatro
musical evoluciona aparecen espectáculos con un libreto coherente y contundente
que crean un mundo teatral donde el enfoque está en la historia, el personaje y las
canciones se construyen para avanzar en la trama y el desarrollo (Everett y Laird,
2008).

Dentro del contexto escolar, la danza y la expresión corporal van a ser
indispensables dentro del proceso creativo para obtener un musical como idea global
de espectáculo. Es importante destacar el concepto de que el cuerpo, en sí, es
considerado el instrumento más próximo, real y forma parte de la interpretación
musical, debido a que, en sí mismo, es un instrumento de percusión. A lo que es
necesario añadir que el hecho de contar una historia a través del cuerpo se encuadra
dentro del teatro gestual (López y Vicente, 2019).

Figura 5. Ann Reinking, P. J. Mann y Christine Colby Jacques en “ Stout- Hearted Men” número de danza
de Bob Fosse’s en 1979. Fuente: The Cambridge Companion to the Musical. Cambridge University Press.
25

6.4. Interpretación

Hablando de teatro, no podemos obviar el pilar más representativo dentro del
teatro musical: la interpretación. Para encontrar una definición de la misma nos
remitimos a la que nos ofrece Orlandini (2012), el cual expresa que el hecho de
interpretar tiene diferentes aristas; no es un arte simple, pero a la misma vez, no se
puede reemplazar. Expresa que sin el aporte del propio intérprete dentro de la obra, la
música no va a cobrar vida, solo estará en la propia partitura.

Dentro de la interpretación existen numerosos métodos para poner en práctica
la didáctica, considerada como un proceso gradual. Aunque si bien es cierto que no se
encuentra como tal un método específico dentro de la interpretación musical para
abordar las escenas, encontramos que en el proceso de llegar a ser actor o actriz, la
parte más gratificante es el viaje, por ello, es necesario aprender a disfrutar del camino
(Hiller, 2015).

Para llevar a cabo el proceso de aprendizaje dentro del teatro, Sol Garre,
profesora de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, con respecto a la
técnica interpretativa defiende que:
El reto consiste en desarrollar una técnica de creatividad e intuición artística
que permita encontrar su “individualidad creativa”. Para Chejov es la voz de la
individualidad creativa de cada actor la que le inspira su interpretación
particular. La diversidad en el arte proviene de la concepción individual que
cada artista tiene del objeto de su arte, del juego personal con las imágenes
que habitan en su interior (Garre, 2003, p. 3).

Sin embargo, por otra parte, podemos encontrar guías para afrontar una escena
interpretativa de teatro musical, como la propuesta por Merlin (2016).
La autora expone distintos ítems que nos van a dar herramientas como intérpretes a la
hora de preparar una escena tanto de texto como musical, con el objetivo de realizar
una audición, aunque de igual modo pueden ser de gran utilidad en la didáctica. Merlin
(2016) va a transitar por distintas cuestiones, las cuales se enumeran a continuación:

- Mundo de la obra
En este aspecto destacamos el estilo y contexto de la canción. Los elementos
físicos y vocales propuestos deben de tener sentido para la escena en concreto,
han de ser orgánicos para que la interpretación tenga sentido.

- ¿De qué trata la escena/ canción?
Para ello es recomendable analizarla de una forma sencilla. Saber qué
acontecimientos han ocurrido previamente, y qué pasa en el transcurso de la
historia, además de contrastar si hay cambios entre el principio y el final de la
escena; ocurre de igual forma en la canción: se debe conocer aunque no se
cante en su totalidad y ha de ser entendida como una obra completa.

- ¿Quién es el personaje?
En primer lugar, es necesario dar con las diferencias y similitudes que nos unen
al personaje, con respecto a nuestras propias cualidades y de qué forma
podemos sacarles partido. En segundo lugar, encontrar la forma de caminar
que va a caracterizar al personaje. En tercer lugar, incorporar las polaridades
del personaje que ayuden a darle una mayor dimensión al mismo.

- ¿Cuál es el objetivo?
Qué es lo que mueve al personaje y le da una razón de ser. El objetivo puede
cambiar a lo largo de la escena. El cambio de registro vocal en la canción suele
ser indicativo de algún cambio emocional, lo cual define el estado del mismo.

- ¿Cuál es elobstáculo?
Qué es lo que se interpone entre el personaje y el objetivo, para que la escena
sea dinámica debe existir un obstáculo.

- ¿Cuáles son las relaciones?
Es necesario conocer la relación que tienen los diferentes personajes durante lo
ocurrido en escena, lo cual le dará sentido a la interpretación y podrá hacer
más tangible la historia. Con personajes que están tanto presentes en la misma
como ausentes, pero que aporten relevancia.
A la hora de cantar, tanto si es un monólogo como si te diriges a otro
personaje o al propio público, habrá matices diferentes. Para ello la
imaginación será una herramienta valiosa.

- ¿Dónde están los momentos?
Se recomienda elegir los instantes relevantes de la escena, de manera que se
pueda analizar con más profundidad; a su vez, en este punto es recomendable
dejar espacio para la improvisación para evitar caer en la monotonía.

- ¿Cuál es la atmósfera?
Debemos tener claro el contexto o ambiente donde está ocurriendo la escena,
de ello dependerá actuar con una respuesta física y sensorial acorde al mismo.
Durante una escena musical, la propia canción proporcionará la atmósfera.

- Pre-impulso
Es importante trabajar un momento previo de concentración antes de
comenzar a actuar. Focalizarse unos segundos antes de comenzar
proporcionará el impulso necesario para evitar que el nerviosismo
desconcentre al intérprete.
28

7. Enfoque didáctico del teatro musical

7.1. La didáctica del teatro musical en el ámbito educativo

El teatro, como parte del sistema educativo, aplicado a la Enseñanza
Secundaria, es para esta etapa un vehículo que favorece el desarrollo de diferentes
aspectos, ya que debe tener una orientación que gire en torno al proceso de
aprendizaje teniendo en cuenta la investigación, el proceso de creación y, a su vez, la
participación a través del aporte de ideas (Motos, 2009).

El propio Motos (2009) defiende que el teatro se puede abordar desde tres
aspectos distintos: como una herramienta educativa y didáctica, un espectáculo
artístico, o una asignatura.

El enfoque del teatro desde un punto de vista pedagógico e incluido en el
currículo debe ser enseñado como un todo en cuanto a lo referido a la teoría y la
práctica, tener distintos niveles, crear un espacio que ayude a superar los complejos y
a la desinhibición, fortaleciendo la autoestima, las relaciones entre iguales, debe existir
un espacio donde los niños puedan desarrollar la imaginación y creatividad.
(Schonmann, 2011).

Aparte, para la didáctica artística va a ser tan importante ver teatro como
actuar. Motos-Teruel (2017) distingue entre drama como actividad de improvisación y
teatro, como el propio hecho de actuar en el escenario. Cuando se habla de teatro en
la educación se suele distinguir entre teatro y drama. Se entiende por este la actividad
en que los participantes están involucrados en un trabajo más espontáneo e
improvisado y, por teatro el actuar en un escenario. Ver y hacer teatro son los dos
aspectos complementarios que se han de buscar en la educación artística.

Por otro lado, Cisneros (2013), a su vez, argumenta que la práctica teatral
favorece la adquisición de un aprendizaje constructivo para el conocimiento, al tiempo
que edifica las cualidades humanas necesarias para una educación liberadora.

Resumiendo, de acuerdo con Motos (2009), los procedimientos que incluyan
interdisciplinariedad o transdisciplinariedad dan lugar a la integración del currículo.
Entre estas materias se incluye al teatro, que posee la facilidad de crear novedosos
ambientes y atmósferas de aprendizaje.

7.2. Aprendizaje basado en proyectos (ABP)

En las siguientes líneas se desarrollará la metodología encuadrada dentro del
marco educativo del aprendizaje basado por proyectos o ABP, el cual va a ser de
utilidad para el desarrollo autónomo de los alumnos a lo largo del proceso de
enseñanza-aprendizaje.
Este método didáctico se puede definir como:
El aprendizaje basado en proyectos es una metodología que se
desarrolla de manera colaborativa que enfrenta a los estudiantes a
situaciones que los lleven a plantear propuestas ante determinada
problemática. Entendemos por proyecto el conjunto de actividades
articuladas entre sí, con el fin de generar productos, servicios o
comprensiones capaces de resolver problemas, o satisfacer necesidades
e inquietudes, considerando los recursos y el tiempo asignado. (Cobo y
Valdivia, 2017, p. 5).
Podemos, por tanto, encontrar una herramienta a través de la cual el docente
participa como mediador; su principal misión es supervisar y reconducir los proyectos.
Restrepo (2005) defiende que es necesario conocer las metas, motivar al alumnado,
facilitar la información, guiar al estudiante y potenciarlo, disponer de tiempo para
atender las necesidades de grupos y a su vez reforzar al alumnado durante el proceso.

Para finalizar, es necesario mencionar que se encuentran dificultades
representativas para llevar a cabo esta metodología, ya que supone un reto para el
docente abordar esto de forma novedosa, por los factores antes mencionados como el
tiempo o la dedicación plena, que se van escapar de los cánones tradicionales que se
han desarrollado en educación a través las clases magistrales teóricas. Aun así se
valora como positivo el hecho de abordar la unidad didáctica mediante esta
metodología. Trujillo (2012) argumenta que a pesar de ser un camino complicado, se
pueden conseguir grandes logros y que se produzcan grandes aprendizaje si se aborda
el proyecto de forma equilibrada entre flexibilidad, adaptación y flexibilidad.
30

8. “Musical Vibes": una propuesta de proyecto escolar basada en el
musical Grease

8.1. Presentación

Esta unidad didáctica llamada “Musical Vibes” es una propuesta de proyecto
escolar que supone una primera toma de contacto al mundo del musical e integra
principalmente canto, además de danza e interpretación usando una partitura del
musical Grease. Supone la introducción a este mundo de forma creativa y activa por
parte del alumnado favoreciendo la asimilación de conceptos, de una forma atractiva
para el alumnado, ya desde el primer ciclo de Secundaria. El proyecto supone el reto
del alumnado de trabajar por grupos para finalmente realizar una pequeña muestra del
trabajo realizado, el cual, constituirá la materialización del proyecto propuesto. Está
enfocada para 1º de la ESO y contará con cinco sesiones, las cuales se van a localizar
durante el desarrollo del último trimestre, momento en el cual los alumnos habrán
adquirido los conocimientos básicos para el desempeño de las actividades propuestas.
Previamente se ha trabajado distintos conceptos musicales que se enumeran a
continuación: la altura, el pentagrama, las claves, tonos, alteraciones, figuras y la
dinámica, las cualidades del sonido (altura, intensidad, timbre y duración), sistema de
emisión, transmisión y recepción del sonido, el ritmo, armonía, melodía y textura.

8.2. Legislación educativa de referencia

La documentación legal utilizada durante el desarrollo del presente curso académico
2020/2021:
Normativa estatal
- Ley Orgánica 8/2013, de 9 de diciembre, para la mejora de la calidad
educativa(LOMCE)
- Real Decreto 1105/2014, de 26 de diciembre, por el que se establece el currículo
básico de la Educación Secundaria Obligatoria y del Bachillerato.
Normativa autonómica
- Orden de 14 julio de 2016 por la que se desarrolla el currículo correspondiente
a la Educación Secundaria Obligatoria en la Comunidad Autónoma de
Andalucía, se regulan determinados aspectos de la atención a la diversidad y se
establece la ordenación de la evaluación del proceso del aprendizaje del
alumnado.
31

- Decreto 111/2016, de 14 de junio. por el que se establece la ordenación y elcurrículo de la Educación Secundaria Obligatoria en la Comunidad Autónoma
de Andalucía

Tomando como referencia la LOE, en la cual se desarrolla el currículo establecido
para la Educación Secundaria Obligatoria, vamos a encontrar la asignatura de Música
durante el primer ciclo con carácter obligatorio, tanto en 1º como en 2º. Se va a
impartir con una frecuencia de dos horas semanales. En el segundo ciclo de Secundaria
Obligatoria se encuentra la asignatura de Música en 4º curso, que será impartida
durante tres horas semanales. En los cursos citados con anterioridad, se contempla
como asignaturas específicas. En 3º la materia de Música se encuentra ubicada dentro
del bloque de asignatura de libre configuración autonómica.

8.3. Aspectos psicológicos y pedagógicos del alumnado

A continuación, se exponen las consideraciones elementales según etapa, nivel
y contextualización, mediante un acercamiento psicológico y pedagógico del
alumnado, considerando que la unidad didáctica va dirigida a primer ciclo de
Secundaria Obligatoria, en concreto a 1º de la ESO (12-13 años).

Con respecto a los aspectos psicológicos, es necesario destacar que la
adolescencia es una época de cambios. Tal y como se ha comentado anteriormente, es
un momento de desajuste hormonal y de crecimiento, justo donde aparece el cambio
de voz camino a la madurez, cambio acusado especialmente en los varones, el proceso
es único en cada individuo (Cooksey, 2000). Por ello, es tan importante tener en cuenta
el desempeño de la docencia y el desarrollo adecuado e inclusivo en las sesiones,
evitando siempre forzar la voz.

Es en esta edad se irán forjando los rangos de identidad, por lo que es
beneficioso estar en un ambiente idóneo para el adolescente, y evitar de esta forma
las tensiones que puedan aparecer propias de su evolución, por las relaciones
interpersonales o el desarrollo de la imagen corporal (Ortiz, 2012). Por tanto,
deducimos la necesidad que supone adaptar los recursos al correcto desempeño de la
actividad profesional como docentes, siendo indispensable ser conscientes de las
necesidades educativas específicas del alumnado en cada etapa educativa.

8.4. Contextualización del centro

La unidad didáctica está destinada al I.E.S Jabalcuz de Jaén, ubicado en la calle
Santa María del Valle S/N en Jaén. Es un centro bilingüe y TIC. En el instituto hay
aproximadamente entre 750 y 800 alumnos, los cuales pertenecen a primer y segundo
ciclo de ESO. En Bachillerato encontramos las modalidades de letras, ciencias y
sociales. Además, también se cursa el Ciclo Formativo de Animación Sociocultural.

Dentro del Departamento de Música encontramos ofertadas distintas materias y
cursos. Más concretamente dentro del instituto se imparte: la asignatura de Música en
el primer ciclo de carácter obligatorio de ESO, la optativa de cuarto y la asignatura de
carácter optativo de Historia de la Música y la Danza.

El aula de música se ubica en la planta baja del centro. Dentro del aula
encontramos mesas individuales para los alumnos distribuidas por todo el espacio. Los
instrumentos se encuentran al final del aula (Véase figura 7).

Además, en cuanto a desarrollo de las tecnologías en la propia aula,
encontramos un ordenador conectado a un proyector, equipo de sonido, pantalla
blanca desplegable y una pizarra (Véase figura 6).

Figura 6. Fotografía dentro del aula de música y su material.
Fuente: elaboración propia

Figura 7. Fotografía del aula de música del IES Jabalcuz (Jaén).
Fuente: la autora.

8.5. Justificación

El proyecto propuesto está basado en un modelo creativo, innovador y con
valores actuales, donde vamos a trabajar distintas disciplinas artísticas que no hacen
sino sumar al desempeño de la asignatura de Música. La misma constituye un bien
cultural, siendo un lenguaje de expresión y medio de comunicación no verbal. Tiene
una visión integrada del teatro musical como un proyecto transversal e inclusivo
dentro del aula. Se ha querido abordar desde edades tempranas para trabajar el canto
desde el momento de muda de la voz para el adolescente y que suponga, a su vez, un
primer encuentro con el mundo musical, para que los adolescentes se familiaricen
desde que comienzan el instituto con ejercicios de canto, danza e interpretación, sin
olvidar el uso de las TIC. Para posteriormente, de esta forma, ir adquiriendo, de una
forma práctica, los conocimientos necesarios para poder trabajar un musical completo
en cursos posteriores. Se busca favorecer al desarrollo integral de los individuos como
seres con pensamientos reflexivos y críticos, además de ayudar al desarrollo de la

sensibilidad y expresión creativa e intervenir en el proceso de formación intelectual y
emocional de los alumnos.

8.6. Objetivos

Objetivos de etapa
Tras lo expuesto con anterioridad caben destacar, los objetivos de etapa propios
de la asignatura de música en consonancia con el teatro musical, según el Artículo 3
del decreto 111/ 2016 14 junio:

a) Conocer, valorar y respetar los aspectos básicos de la cultura y la historia propias
y de los demás, así como el patrimonio artístico y cultural.
b) Desarrollar y consolidar hábitos de disciplina, estudio y trabajo individual y en
equipo como condición necesaria para una realización eficaz de las tareas del
aprendizaje y como medio de desarrollo personal.
d) Fortalecer sus capacidades afectivas en todos los ámbitos de la personalidad y
en sus relaciones con los demás, así como rechazar la violencia, los prejuicios de
cualquier tipo, los comportamientos sexistas y resolver pacíficamente los
conflictos.
e) Desarrollar destrezas básicas en la utilización de las fuentes de información
para, con sentido crítico, adquirir nuevos conocimientos. Adquirir una preparación
básica en el campo de las tecnologías, especialmente las de la información y la
comunicación.
i) Apreciar la creación artística y comprender el lenguaje de las distintas
manifestaciones artísticas utilizando diversos medios de expresión y
representación.

Objetivos de materia
A continuación, se exponen los objetivos de materia desarrollados aplicables a
la metodología descrita y relacionados con la enseñanza de Música en Educación
Secundaria Obligatoria, según la ORDEN del 14 de julio de 2016, los cuales se van a
relacionar con los propios del teatro musical y tendrán como finalidad el desarrollo de
las siguientes capacidades:

1. Utilizar la voz, el cuerpo, los instrumentos y los recursos tecnológicos para expresar
ideas, emociones, sentimientos, sensaciones, etc. enriqueciendo sus propias
posibilidades de comunicación y respetando formas distintas de expresión.
2. Desarrollar y aplicar las habilidades y técnicas básicas de expresión vocal,
instrumental y corporal que posibiliten la interpretación y la creación musical de forma
individual o en grupo.
3. Escuchar una amplia variedad de obras de distintos estilos, géneros, tendencias y
culturas musicales, apreciando su valor como fuente de conocimiento,
enriquecimiento cultural y placer personal e interesándose por ampliar y diversificar
las preferencias musicales propias.
4. Valorar las obras musicales como ejemplos de creación artística y parte del
patrimonio cultural, reconociendo sus funciones y características y aplicando la
terminología adecuada para describirlas.
5. Utilizar de forma progresivamente autónoma diversas fuentes de información:
textos, partituras, musicogramas, medios audiovisuales e informáticos e Internet, para
el aprendizaje y disfrute de la música.
6. Valorar el papel de las tecnologías de la información y la comunicación en el acceso
a la música, y utilizarlas de forma creativa cuando sean necesariasen las distintas
actividades musicales: creación, interpretación y comprensión de la obra musical.
7. Participar, con respeto y disposición para superar estereotipos y prejuicios, en
diferentes actividades musicales y contribuir en la medida de lo posible con
actuaciones propias, como materialización de la función comunicativa que tiene la
música y tomando conciencia, como miembro de un grupo, del enriquecimiento que se
produce con las aportaciones de las demás personas.
12. Elaborar juicios y criterios personales mediante un análisis crítico de los diferentes
usos sociales de la música, sea cual sea su origen, aplicándolos con autonomía e
iniciativa a situaciones cotidianas y valorando su contribución a la vida personal y a la
de la comunidad.
13. Valorar la contribución que la música puede hacer al desarrollo emotivo, estético e
intelectual de las personas, incorporando a su vida cotidiana el hábito de contacto y
disfrute del arte en general.

Objetivos didácticos

- Adquirir conceptos básicos saludables en relación a la higiene del sistema
fonador, el correcto uso de la relajación y la respiración que posibiliten la
interpretación vocal, tanto de forma individual como colectiva, a través del canto
coral.
- Emplear las técnicas de expresión oral y expresión corporal. Desarrollar
conceptos básicos musicales a través de la aplicación práctica del canto, a través del
tema musical Summer Nights, la danza y la interpretación como un proyecto integrado.
- Valorar y saber utilizar de forma creativa las nuevas tecnologías, con el uso de
las aplicaciones Kahoot con fines musicales y pedagógicos.
- Desarrollar la capacidad crítica mediante el ejercicio reflexivo en torno a las
preferencias musicales del alumnado y la escucha de audiciones, tanto de canciones de
musicales, como de distintos estilos e intérpretes según su clasificación vocal.

8.7 Competencias

A continuación, se enumeran las competencias que vamos a encontrar dentro
del desempeño y desarrollo de la unidad didáctica que nos ocupa:

Competencia digital (CD). Desarrollar la conciencia digital mediante el uso de las
nuevas tecnologías. Promover el uso de las TIC con fines pedagógicos y musicales.
Aprender a aprender (AA). Favorecer el aprendizaje autónomo de la expresión oral,
reforzando el proceso de enseñanza-aprendizaje mediante el canto coral y la expresión
corporal fomentando la disciplina y el análisis crítico de composiciones vocales.
Competencia social y cívica. (CSC). Establecer relaciones sociales entre iguales a través
de códigos éticos a través del trabajo en equipo en un contexto musical, evitando
juzgar el proceso de cada participante durante el trabajo diario y valorando el trabajo
entre iguales.
Conciencia y expresiones culturales. (CEC). Relacionar entre sí la música con distintas
expresiones artísticas como son la danza y la interpretación. Ayudando a fomentar la
capacidad de comprender y valorar de forma crítica las distintas expresiones culturales
y musicales.

8.7. Contenidos

1. Interpretación y creación: Lectura y correcta interpretación de la partitura
propuesta perteneciente al musical Grease. Participación y responsabilidad en las
interpretaciones vocales, ejercicios respiratorios y de relajación. Respeto a las
normas, a las aportaciones de los demás compañeros durante el debate, la
interpretación final o durante de la muestra de composiciones propias.

2. Escucha: Adquisición de conceptos básicos referidos a tipos de voces, color
timbre y tesitura vocal, la utilización de recursos de la voz desde el conocimiento
de nuestro aparato fonador. Trabajo de la audición, mediante el análisis de obras
musicales.

3. Contextos musicales y culturales: Exposición de distintas manifestaciones
musicales englobando el mundo del teatro musical, el respeto e interés del
alumnado por ideas, emociones y sentimientos a través del trabajo grupal
interpretativo, de movimiento y vocal.

4. Música y Tecnologías: Utilización de las aplicaciones Kahoot y la plataforma
Google Classroom, además de soportes para exponer como Canva o Power Point
para el aprendizaje musical, además de, la grabación final de las interpretaciones
realizadas.

8.8. Metodología

De acuerdo con lo dispuesto en el artículo 7 del Decreto 111/2016 de 14 de
Junio y el artículo 4 de la Orden de 14 de julio de 2016, siguiendo las recomendaciones
de metodología didáctica para la Educación Secundaria Obligatoria, el proceso de
enseñanza y aprendizaje será transversal, incluyendo diversas áreas de conocimiento.

El proceso de enseñanza-aprendizaje competencial debe caracterizarse por su
transversalidad, su dinamismo y su carácter integral y, por ello, debe abordarse desde
todas las materias y ámbitos de conocimiento. Trabajando a su vez con la tecnología
como herramientas que se van a integrar en el aula, mediante la aplicación Kahoot o
con la grabación final del proyecto.

El aprendizaje será activo, práctico e interactivo: se partirá de los
conocimientos previos del alumnado. Se basará en metodología de aprendizaje basado
en proyectos o ABP. Partiendo de una idea, seguidamente trabajando e investigando
para terminar finalmente con un producto visual. Tal como se indica anteriormente en
el desarrollo de la metodología, se va a incidir en la necesidad de autonomía por parte
de los alumnos con la presencia del tutor como guía, un orientador que va a facilitar el
proceso a los alumnos tanto en trabajo individual como colectivo.

La presencia de clases teóricas se reducirá al mínimo, de manera que, tal y
como Elorriaga (2020) expone, será para informar a los alumnos de los objetivos que
se van a desarrollar en el transcurso de la sesión, además de utilizar su propuesta de
entrenamiento para el trabajo resonador y diafragmático.

Los conceptos básicos se irán incorporando gradualmente en el transcurso de
las sesiones y la información compartida por el tutor persigue el objetivo de la mejora
y facilitación del desempeño durante el proceso de aprendizaje.

Se utilizará el método Level Speech Singing para que los propios alumnos
puedan aprender pinceladas del mismo e integrar los conceptos de relajación corporal
correcta colocación de la voz. Se utilizarán las directrices propuestas por Merlin (2016)
para trabajar la interpretación Se busca la mejora de la conciencia espacial, la propia
identidad y trabajar habilidades propioceptivas.

Y además, se trabajará con la relajación muscular progresiva de Jacobson. Tal
como describe Ortiz (2012) sobre la técnica:
“Se basa en la discriminación de las señales de tensión y relajación de
distintos grupos musculares agrupados en cuatro grandes áreas:
brazos, pies, tronco y área facial” (p. 429).

8.9. Temporalización de las sesiones

Sesión 1

Furor (20 min)
Actividad de motivación de creación propia; es un recurso propio adaptado a través de
la experiencia. Se divide el grupo en otros más pequeños. Se reparten folios, cada
grupo tiene que pensar el máximo número de canciones en cinco minutos.
Posteriormente tienen que cantar entre todos, al menos 10 o 15 segundos de cada
una, de modo que los compañeros tienen que ir adivinando la canción.

Conceptos teóricos (15 minutos)
Lección magistral para absorber conceptos básicos relacionados con la tesitura, el
color, la clasificación y los tipos de voces.

Primera lectura de partitura Summer Nights y división de trabajo por grupos (25
minutos)
Primera toma de contacto para cantar en coro, mediante la lectura de la partitura
Summer Nights; en primer lugar, lectura rítmica y reparto de roles interpretativos de
los alumnos. Aparte, durante esta parte de la sesión van a repasar conceptos
adquiridos con anterioridad en temas estudiados durante el curso. (Anexo1)

Posteriormente, se procederá a dividir la clase en grupos de trabajo. Estos se
plantearán los retos en torno a los cuales gira el proyecto, y en las siguientes sesiones
desarrollaran las distintas partes que integran el musical en pequeño formato. Uno de
ellos será el grupo de coreografía, otro de investigación sobre los personajes, otro para
planear el vestuario y atrezo.

Sesión 2

Teoría (10 minutos)
Clase magistral donde se tratarán conceptos relacionados con la respiración, la
correcta higiene vocal y corporal, además de, las características y anatomía del sistema
fonador.

Ejercicios de respiración (10 minutos)
“Conociendo al diafragma”
En primer lugar, es necesario tomar contacto con la respiración diafragmática para
utilizar la voz como instrumento; para ello se comenzará con el siguiente ejercicio:
respirar inhalando y exhalando aire, de manera que no se produzcan tensiones, sino
que sea el abdomen el que se mantiene en movimiento (colocar las manos en la
cintura y ejercer una ligera presión).

“Entrenando nuestra resistencia”
En segundo lugar, un ejercicio para la resistencia respiratoria: inhalamos aire
procurando incluir el diafragma. A continuación, contamos hasta 5, en primer lugar, 8
el segundo y 10 el tercero, después de mantener la respiración, expulsamos el aire de
forma continua.

“Shhhh”
Cuando se haya realizado varias veces y los alumnos hayan entendido la dinámica,
realizaremos una variación colocando el dedo delante de los labios, de manera que,
imitemos el gesto de silencio. Por tanto, cogemos aire de nuevo y expulsamos con
pequeños golpes diafragmáticos diciendo: /SHH/.

“Las comillas, el mejor aliado”
Utilizando como referencia la partitura que se va a trabajar, se marcarán los lugares
donde se va a hacer una pausa para la respiración. Cambiar la letra por el sonido /S/,
de esta forma trabajaremos la resistencia respiratoria.

Método Level Speech Singing (5 minutos)
Ejercicio de calentamiento y trabajo vocal basado en el método Level Speech Singing:
https://www.youtube.com/watch?v=4tdRp7u9aS4

Ejercicios de relajación (15 minutos)
“Automasaje”
Comenzar con masajear suavemente los hombros y el cuello, sin forzar pero con
firmeza favoreciendo la relajación de la musculatura.

“Vamos a respirar”
Se va a trabajar la para conseguir la relajación, los alumnos se sitúan cada uno desde
su pupitre. En primer lugar, se inspira con el objetivo de conseguir una respiración
profunda, seguidamente contar hasta tres, fruncir los labios y expulsar el aire.

“Digamos adiós a la tensión”
Se va a proceder a tensionar y después a relajar distintos músculos, de forma que se
produzca una disociación muscular. Para comenzar, se va a fruncir la frente y luego se
relaja, seguidamente el mismo procedimiento con los labios y la mandíbula. A
continuación, se va a trabajar el cuello, rotando la cabeza lentamente de forma lateral,
seguidamente realizando una flexo/extensión del mismo. Y por último, se va a realizar
una rotación anterior y posterior del hombro.

Kahoot (20 minutos).
Kahoot es una aplicación que consta de una serie de preguntas. El docente prepara su
ordenador y el proyector, ya que los cuestionarios se proyectarán en la pantalla. Cada
estudiante utilizará su móvil, debido a que los alumnos responderán a las preguntas de
forma individual. Se les realizará un cuestionario con 15 preguntas. El profesorado
previamente va a programar la aplicación utilizando la página web
http://www.kahoot.com/ y la guía Kahoot Academy guide. Después se conectará a la
web y activará el cuestionario anteriormente diseñado, relativo a preguntas
relacionadas con los conceptos teóricos trabajados anteriormente y necesarios para la
realización del proyecto. Cuando acaba el tiempo para las respuestas, en la pantalla del
proyector, se van a visualizar las respuestas correctas. Se realizará una pausa con el
objetivo de explicar cada pregunta, especialmente para resolver dudas teóricas si la
pregunta en cuestión lo requiere.

Sesión 3

Calentamiento vocal (5 minutos)
En esta parte de la sesión se utilizará el siguiente vídeo de YouTube:
https://www.youtube.com/watch?v=zWGb9FWn6mE
En el mismo, encontramos escalas donde se muestra las distintas notas del piano, de
manera que, si se proyecta en clase, será un material didáctico y de fácil imitación para
los alumnos, siendo una adaptación a modo de refuerzo para seguir de forma más

http://www.kahoot.com/
https://www.youtube.com/watch?v=zWGb9FWn6mE
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sencilla el calentamiento. Seguidamente, se realizará el mismo calentamiento pero
utilizando un teclado o piano como acompañante.

Para el desarrollo del ejercicio vocal, vamos a imitar en todo momento los sonidos de
las notas del video, trabajaremos al principio con boca cerrada para calentar la voz con
emisión del sonido /S/, a continuación, para comenzar a calentar la lengua la /R/ y
después emitimos el sonido /M/, seguidamente pasamos a trabajar la articulación con
los siguientes vocablos:

/IO/, /MIO/, /NINO/, /LIO/ y por último /RIO/.

Calentamiento corporal y trabajo de expresión corporal (10 minutos)
Calentamiento corporal segmentado de las distintas articulaciones y posteriormente
ejercicio del chicle para trabajar la expresión corporal; consiste en pensar que tenemos
un chicle por el cuerpo y tenemos que intentar quitarlo, al principio con más suavidad
y aumentando la misma conforme sube la intensidad del calentamiento.

Coreografía (10 minutos)
Reservar unos minutos para trabajar entre todos la pequeña coreografía propuesta por
el equipo encargado y enseñarla a los demás. Por último, realizar una grabación de la
misma y subirla a Google Classroom para que puedan repasar desde casa.

Trabajo por equipos (20 minutos)
Continuar el trabajo por equipo propuesto en las clases anteriores, mientras el docente
supervisa el trabajo y orienta. Para finalizar, reservar los últimos minutos para una
puesta en común del grupo y decidir los ítems importantes para el proyecto.

Summer Nights (15 minutos)
Trabajar vocalmente con acompañamiento de piano las distintas voces. Comenzar con
las voces más graves (masculinas) y a continuación las agudas (femeninas).

Sesión 4

¿Te suena? (15 minutos)
“Todas las voces”. 8’16”
Ejercicio de audición y visionado donde se repasarán conceptos anteriores, como los
tipos de voces asociados con diversos cantantes en distintas épocas y estilos, con el
siguiente video:
https://www.youtube.com/watch?v=8SWgoum_tR4

“Caminando por los grandes hits del musical”
Durante este ejercicio se procederá nuevamente al visionado y audición de distintas
piezas conocidas universalmente (ver tabla 1), las cuales pertenecen al repertorio del
teatro musical.

Obra Musical Canción Compositor Tiempo de

reproducción

Los miserables

“Sale el sol”
Claude-Michel Schönberg
3’ 19“

Alain Boublil

https://www.youtube.com/watch?v=aPIGONw8GLg

Wicked “Defying Gravity” Stephen Schwartz 2’

https://www.youtube.com/watch?v=O5V9KwppMfs

Into the Woods “Agony” Stephen Sondheim 2’ 38

https://www.youtube.com/watch?v=LFgMowOwek0

Tabla 1. Ejercicio de audición con canciones de musicales. Fuente: elaboración propia.

https://www.youtube.com/watch?v=8SWgoum_tR4
https://es.wikipedia.org/wiki/Claude-Michel_Sch%C3%B6nberg
https://es.wikipedia.org/wiki/Alain_Boublil
https://es.wikipedia.org/wiki/Stephen_Schwartz
https://www.google.com/search?sxsrf=AOaemvL1AcrW9r6_N-CNxrQY17730Baq0w:1632739110733&q=Stephen+Sondheim&stick=H4sIAAAAAAAAAOPgE-LQz9U3MK4sKVcCs8zNi7K0JLOTrfRLMlITS1KL9AtyEiutkvNzC_KLU4sWsQoEl6QWZKTmKQTn56VkpGbm7mBlBABwVL7DRwAAAA&sa=X&ved=2ahUKEwjGrdKV-57zAhXPpIsKHcnOA_kQmxMoAXoECDwQAw