La-imagen-en-la-moda-haute-couture

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UNIVERSIDAD NACIONAL 
AUTÓNOMA DE MÉXICO 
 
 
FACULTAD DE CIENCIAS POLÍTICAS 
Y SOCIALES 
 
 
 
 
 
LA IMAGEN EN LA MODA 
HAUTE COUTURE 
 
 
PORTAFOLIO FOTOGRÁFICO 
PARA OBTENER EL TÍTULO DE: 
LICENCIADO EN CIENCIAS DE LA 
COMUNICACIÓN 
 
 
PRESENTA 
CESAR RAFAEL BECERRIL ROJAS 
 
 
ASESORA 
MAESTRA ADELA MABARAK CELIS 
Javier San Roman
Texto escrito a máquina
Ciudad Universitaria, CDMX, 2016
Javier San Roman
Texto escrito a máquina
Javier San Roman
Texto escrito a máquina
Javier San Roman
Texto escrito a máquina
Javier San Roman
Texto escrito a máquina
 
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 2 
Capitulario 
Capítulo 1 Importancia de la imagen 
1.1 Percepción…………………………………………………………………………………….…………5 
1.2 Imagen………………………………………………………………………………………………….…7 
1.3 Elementos de la imagen………………………………………………….……………………...…8 
1.4 Imagen personal………………………………………………………………………………………9 
1.5 El Lenguaje del cuerpo…………………………………………………………………………….11 
1.6 Imagen publicitaria…………………………………………………………………………………13 
1.6.1 Elementos en la imagen publicitaria……………………………………...……14 
1.7 La Fotografía como campaña publicitaria……………………………………………..…15 
Capítulo 2 Importancia y alcance de la fotografía de moda 
2.1 La Fotografía. Historia y primeros exponentes………………………..………………17 
2.2 La Fotografía de estudio ……………………………………………..………………………….20 
2.2.1 La Locación ……………………………………………………………………..……….22 
2.3 La Fotografía de moda……………………………………………………………………………22 
2.3.1 Barón Adolf Gayne de Meyer……………………………………………………..23 
2.3.2 Richard Avedon …………………………………………………….…………………24 
2.4 El Fotógrafo de moda ……………………………………………………………………….…...25 
2.5 El Negocio de la fotografía de moda …………………………………………………….…27 
2.5.1 La Importancia y fugacidad de los modelos………………………………..28 
2.6 La Moda indumentaria ………………………………………………………………………….29 
2.6.1 El Diseñador ………………………………………………….…………………………30 
2.6.2 Haute Couture (Alta Costura) ……………………………………………………31 
2.6.3 Las Categorías de la moda ………………………………………………………..36 
 3 
2.6.4 La Ilustración de moda …………………………………………………………….37 
2.7 Annie Leibovitz …………………………………………………………………………………….38 
Capítulo3 La Imagen en la moda Haute Couture 
3.1 El Portafolio fotográfico ………………………………………………………………………..44 
3.2 El Proceso de producción …………………….…...…………………………………………..45 
3.3 Técnica fotográfica y tecnología ……………………………….…………………………...53 
3.3.1 La Edición digital ..…………………………………………………………………...54 
3.4 Propuesta competitiva en la fotografía de moda…………………………….……….57 
3.5 Conclusiones…………………………………………………………………………………..……..80 
 
 4 
Introducción 
 
El presente trabajo en modalidad de tesina, tiene el objetivo de demostrar en qué forma 
la imagen refleja al mundo y se convierte en una pantalla de la cual las personas toman 
la información que decodifican del mensaje para darle un significado y a partir de ahí 
hacerse un gusto, atracción y recuerdo. En las siguientes páginas se realizará un 
recorrido que inicia al conocer la esencia de la imagen y las diferentes maneras de 
entenderla, posteriormente cómo la fotografía hace uso de ella (con detenimiento en 
casos específicos); y cómo la moda se beneficia de este trabajo, conociendo más a fondo 
lo que significa la moda Haute Couture, que es a lo que se enfoca éste trabajo. 
Reuniendo todo el conocimiento adquirido y plasmándolo en una propuesta fotográfica. 
 Este trabajo se divide en 3 capítulos: 
 Capítulo 1 “La importancia de la imagen”, es la base para reconocer qué es y el 
papel que juega la imagen, desde la percepción y por consiguiente, la forma de conocer 
y asimilar el mundo; entender a qué se refiere el trabajo al hablar imagen y su 
presencia en la vida cotidiana de las personas, refiriéndose a la imagen personal, la 
comunicación no verbal y la imagen publicitaria. 
 En el Capítulo 2 “Importancia y alcance de la fotografía de moda”, Se explicarán 
casos específicos en los que la imagen se ve involucrada como lo es la fotografía y a 
partir de ahí, particularizar hasta llegar al punto central. Para esto, el capítulo se divide 
en: La fotografía, la fotografía de moda, la moda y Haute Couture, centrándose en una 
fotógrafa en particular: Annie Leibovitz, seleccionada por su estética, importancia en el 
ámbito de la fotografía de moda y reconocimiento mundial. 
 El Capítulo 3 “La imagen en la moda Haute Couture”, es la reunión de lo 
aprendido en cuanto a imagen, fotografía y moda traducido en una producción 
fotográfica con la intención de alcanzar la calidad en cuanto a composición, técnica y 
originalidad que tienen los trabajos de los fotógrafos consolidados. 
 El fin del conocimiento es poder hacer algo con él y usarlo a favor propio y de la 
comunidad. En este caso el uso de todo lo recopilado, de la mano de la creatividad da 
como producto imágenes para el entretenimiento, la comunicación y la publicidad. 
 
 5 
Capítulo 1. Importancia de la imagen 
 
El objetivo es reconocer la importancia del concepto y las distintas acepciones de 
imagen y cómo afecta en nuestra forma de asimilar la realidad a través de la percepción 
personal de los estímulos visuales. 
 Será de gran utilidad entender que al hablar de imagen se puede referir a la 
publicitaria, personal, pública, interna o fotográfica (centrándonos más en esta última y 
mencionando sólo algunos tipos de imagen que son necesarios dentro del trabajo); y 
cada una está presente todos los días en la vida de los seres humanos que viven en 
sociedad. Una persona, en el momento que sale de su casa y se pone en contacto con los 
demás, recibe imágenes y al mismo tiempo se convierte en una. 
 La imagen que proyectan y reciben las personas unos de otros, al emitir y recibir 
un mensaje, se sitúa en la comunicación no verbal. Esto lo constituye en este caso, la 
personalidad, el vestido, la ornamentación y en general, el estilo como código de 
comunicación no verbal, de ahí la importancia de relacionar la imagen personal con la 
moda y la fotografía de moda. 
 
1.1 Percepción 
El ser humano tiene la capacidad de ponerse en contacto con el mundo cuando sus 
sentidos son excitados por estímulos específicos que serán interpretados por el 
cerebro. Dos de estos sentidos son los que el hombre en nuestros días tiene más 
desarrollados, la vista y el oído. En parte gracias al bombardeo de información visual y 
auditiva que viene con el desarrollo de la tecnología y el contacto con los medios de 
comunicación. Aquí el enfoque es a la visión. 
 Cuando una sensación es decodificada en el cerebro de cada persona, se crea una 
propia imagen mental, a partir de esto se tiene la capacidad de retener, reproducir lo 
percibido y a su vez relacionarlo con otras imágenes mentales previas dando la 
posibilidad de crear algo nuevo en la mente. “A esta facultad humana se le llama 
capacidad de imaginar”1. 
 
1 GORDOA Víctor. Imagología, México, Grijalbo, Primera edición, 2003, Página 21. 
 6 
 Entender la forma en que perciben las personas, será de utilidad para analizar y 
crear imágenes. El cerebro humano no es capaz de comprender toda la información 
visual que se le presenta, más que una parte. Si se reciben varios estímulos visuales de 
forma y color, un observador percibe hasta cuatro elementos a primeravista. 
 “Durante la percepción, aunque existan elementos que resalten más que otros, es 
una unidad y debe considerarse más que la suma de sus partes. La percepción es una 
totalidad organizada de tal manera, que la alteración o modificación de uno de sus 
componentes afecta a todo el conjunto”2. Si analizamos los elementos que componen 
una imagen fotográfica de forma aislada, no se obtiene como resultado el mismo 
significado que nos brinda analizar una imagen en su totalidad. 
 La percepción de muchas cosas se hace de forma inconsciente y algunas de ellas, 
las que son más significativas a la persona, se convierten en foco de atención. El resto 
de las imágenes que se presentan en la vida cotidiana no son realmente tomadas en 
cuenta, debido a que provocan un muy bajo o nulo nivel de atención, algo importante 
que debe ser considerado al crear imágenes. 
 La falta de atención se debe en gran parte, a la poca variación entre los 
diferentes estímulos; Una imagen no debe estar necesariamente relacionada con los 
gustos personales para llamar la atención, “La intensidad del estímulo es otro factor 
determinante para captar la atención. Un mensaje para despertar interés tiene que 
articularse de tal manera que permita distinguirlo del resto”3: Aunque una persona no 
sea consumidora de alguna marca en específico, si las imágenes publicitarias que 
presentan incluyen algo innovador en su discurso visual, materiales utilizados, medio 
donde se presenta, etc. Está casi garantizada la atención de quien entre en contacto con 
ella. 
Lo mismo pasa con la imagen personal, los atuendos originales, las 
combinaciones diferentes, los peinados poco convencionales, etc. Rompen con lo 
cotidiano y se llevan varias miradas al pasar por la calle; y las personas que los usan, 
 
2 APARICI Roberto, GARCÍA MATILLA Agustín, FERNÁNDEZ BAENA Jenaro, OSUNA 
ACEDO Sara. La Imagen, Análisis y representación de la realidad, Gedisa, Primera 
edición, España, 2006, Página 24. 
3 APARICI et. al., Op. Cit., Página 28. 
 7 
son inmediatamente percibidas de distintas formas, tan distintas como las personas 
que los observan y tienen sus propias experiencias y prejuicios. 
 
1.2 Imagen 
Los signos los conocemos y asimilamos por medio del aprendizaje, para la 
imagen, la codificación y decodificación de signos visuales requieren un aprendizaje 
enfocado. “En un determinado contexto toda imagen tiene, al menos, dos componentes: 
la realidad que reproduce y el significado de esa realidad representada”4: significado y 
significante. 
A lo largo de la historia, el hombre ha desarrollado disciplinas para representar 
de una manera cada vez con mayor iconicidad su realidad: la pintura, la escultura, el 
cine, la fotografía… mejorando con el tiempo sus materiales y técnicas. Todas las 
manifestaciones anteriores se rigen bajo un común denominador: según la composición 
que el artista aplique, es el nivel de iconicidad o abstracción que tendrá su obra. 
Para quien fabrica imágenes, su objetivo es dejar una huella en el tiempo. “La 
imagen es una cristalización de lo real sensorial… al principio pretende sostener 
relación con lo real que es por lo menos un punto de referencia objetivo, cristaliza el 
mismo tiempo la forma y el movimiento, es un testigo5”. El nombre de muchos 
creadores de imágenes permanece anónimo, mientras que otros se han convertido en 
íconos e ídolos por haber hecho, capturado o imaginado lo que otras personas no. 
La imagen obtenida con el uso de una cámara fotográfica, aun siendo un proceso 
mecánico, es el producto del trabajo intelectual del artista quien puede valerse de sus 
conocimientos en la materia para capturar la realidad a su gusto. 
El estímulo que representa la imagen no es sinónimo de papel, lienzo, fotografía 
y demás materiales útiles para el trazo. La imagen puede ser en tres dimensiones como 
la escultura o así como fue explicado anteriormente, una persona, al ser un estímulo 
visual, es una imagen. 
 
4 APARICI et. al., Op. Cit., Página 28. 
5 MOLES, Abraham A. La Imagen. Comunicación funcional, Trillas, México, 2007, Página 
13. 
 8 
Una de las características de la imagen fija, es la capacidad de representar 
objetos y seres conocidos, existentes en el mundo exterior, noción ligada a una idea de 
verosimilitud o exactitud. Es el grado de iconicidad “la condición de identidad de la 
representación en relación con el objeto representado” 6 , opuesto al grado de 
abstracción. Se trata de representar (con la cantidad de realismo que el autor quiera, 
iconicidad) algo del mundo y al mismo tiempo abstraer esa realidad en signos 
inteligibles. 
 
1.3 Elementos de la imagen 
El punto, el signo más simple y básico en la comunicación visual. Tiene una gran 
atracción sobre la mirada. El lugar que ocupa dentro de un encuadre actúa sobre la 
percepción del espectador: tensión, estabilidad, equilibrio. Afecta también el número de 
puntos en una imagen, así unos actúan sobre otros; se entienden agrupados, formando 
figuras geométricas dependiendo de cuantos sean, más grandes o pequeños… 
Es importante conocer lo anterior ya que lo vemos en la fotografía publicitaria, 
los puntos no responden precisamente a ser figuras geométricas, en un anuncio 
podemos ver un envase de leche el cual se está anunciando de buen tamaño y en un 
lugar estratégico, que no produzca tensión en el espectador y al mismo tiempo, el 
envase de una marca que no es la misma aparece de un tamaño diferente, más pequeño 
que lo haga ver inferior, enviando un mensaje específico al público sin explicar todo lo 
anterior. 
La línea, la huella de un punto en movimiento. Hay dos tipos fundamentales de 
línea: curva y recta. Su importancia en la composición de imágenes se debe a que posee 
cualidades de crear a través del diseño diferentes texturas y con relación al punto y 
sombras, crea la sensación de relieve, profundidad y espacio. 
La dirección de las líneas revela un grado de dinamismo en la imagen: líneas 
rectas horizontales y verticales reflejan estabilidad y quietud; por otro lado, líneas 
diagonales o curvas consiguen movilidad y acción, rompen con la monotonía del 
 
6 MOLES, Op. Cit., Página 35. 
 9 
encuadre. “El empleo dominante de estos tipos de líneas se asocia a valores subjetivos 
muy variados: violencia, vértigo, frialdad, racionalismo, sensualidad…”7. 
La forma es un signo visual con una superficie y extensión delimitada. Las tres 
formas elementales son el cuadrado, el triángulo equilátero y el círculo. “La ilimitada 
combinación de estas figuras elementales recoge las formas posibles de la realidad”.8 
El color, es una experiencia sensorial ligada a la luz. “La luz blanca contiene 
todas las radiaciones luminosas visibles, todos los colores. Fue Isaac Newton quien en 
1666 descompuso la luz blanca del sol con un prisma de cristal y obtuvo los colores del 
espectro”9. 
El color se caracteriza por su tonalidad, saturación y luminosidad. La tonalidad 
es el estímulo que nos permite distinguir un tono de otro, uno rojo de uno verde; La 
saturación es la sensación más o menos intensa de un color, la saturación de un color 
depende de la cantidad de blanco que lleve mezclado; La luminosidad depende del 
brillo del objeto que lo emite y no debe ser confundido con la saturación: Si se observa 
un color en un monitor de computadora y éste quiere ser cambiado por otro, se cambia 
la tonalidad, se puede cambiar también la saturación al mover el balance en la barra de 
algún programa para edición, pero la luminosidad sigue siendo la misma, ya que no se 
están alterando el brillo o luminosidad del monitor. 
 
1.4 Imagen personal 
La imagen personal es pública, lo que representa una “percepción compartida 
que provoca una respuesta colectiva unificada”10. Estosignifica, por el nombre de éste 
punto, que la imagen personal está expuesta en el momento que se decide salir e 
interactuar con el entorno y la sociedad. Cada persona representa un estímulo visual 
que será percibido por cuantas personas lo vean, quienes crearán su propia imagen 
mental y a la vez, cada uno de ellos observará con mayor o menor atención a quien se 
cruce en su camino, sobre los cuales emitirá algún juicio. 
 
7 APARICI et. al., Op. Cit., Página 60 
8 Ídem. 
9 APARICI et. al., Op. Cit., Página 82 
10 GORDOA, Op. Cit., Página 23. 
 10 
Ya se habló de cómo la interacción entre un estímulo y un receptor originan la 
percepción, de cómo esto al ser decodificado por el cerebro genera una imagen mental. 
“Dicha imagen va a traducirse en una opinión, que otorgará un valor a lo percibido, es 
decir, le otorgará una identidad, pasando a ser lo que se cree que es y no lo que 
verdaderamente sea”11. 
“La reputación es una imagen pública sostenida en el tiempo”12. Si el proceso de 
emisión y recepción de estímulos de una imagen personal, se repite una y otra vez hacía 
el mismo receptor o grupo de receptores por algún tiempo, la opinión que se crea sobre 
el sujeto observado, se hace tan arraigada que deriva en la reputación. 
La reputación se trata de la opinión generalizada que se tiene hacia una persona. 
La imagen personal se construye consciente o inconscientemente haciendo uso de 
herramientas como la educación, la cultura, la moda, la opulencia, el humor, etc. La 
imagen personal es tan importante ya sea para un político en campaña o hasta un 
adulto o adolescente. Cada persona le da una importancia diferente a su imagen; jugar o 
intentar dañar la imagen de otro individuo puede desencadenar graves consecuencias 
dependiendo de la vulnerabilidad de quien lo sufre. 
Una parte del individuo le pertenece ahora al público, cuando se ha creado un 
vínculo entre los receptores y su imagen ya sea de aceptación o de rechazo. El sujeto ni 
siquiera debe estar presente para que siga existiendo dicho vínculo, de la forma en que 
un hombre o mujer puede querer a su pareja aunque no estén en la misma habitación. 
Sin la imagen no hay emoción ya que es lo único que poseemos del objeto, por ejemplo 
los jóvenes admiradores de un ícono de música pop. “No es el objeto el que penetra en 
las personas para provocar el sentimiento, sino su imagen”13. 
La imagen personal es un valor agregado al individuo y sus consecuencias como 
la reputación no significan un elemento pasivo. Es inevitable generar una imagen por el 
hecho de que podemos ser percibidos y consecuentemente analizados por una sociedad 
que juzga a través de los ojos: ¿A quién atenderán mejor en un avión, al hombre que 
 
11 GORDOA, Op. Cit., Página 25. 
12 GORDOA Op. Cit., Página 26. 
13 GORDOA Op. Cit., Página 52. 
 11 
viste pantalones cortos o al que viste de traje? El cómo se ve una persona, le da 
credibilidad, respeto, influencia, la hace persuasiva, etc. 
“Con la indumentaria, cada individuo encuentra su propia forma de expresarse 
empleando variaciones de tono y significado y su enfoque integral incluye la apariencia 
física, el vestuario, lo accesorios y el lenguaje corporal”14. 
 
1.5 El Lenguaje del cuerpo 
Los estudios sobre lenguaje que son enseñados y aprendidos a temprana edad, 
son principalmente para tener una correcta expresión hablada y escrita, una buena 
ortografía y sintaxis, más no se enseña en las escuelas lo que un gesto o una mirada 
pueden significar. Son herramientas tan útiles y convincentes como las palabras. 
Para efectos de este trabajo, la parte de la comunicación no verbal de la cual se 
habla, son las principales señales que emiten las personas sólo con su cuerpo, de forma 
natural o socialmente aprendida y que tienen dentro de determinada sociedad una 
carga significativa. En especial lo que se dice con el rostro, la mirada, la postura y el 
aspecto externo. 
El rostro. La observación es un camino para el conocimiento, a través de las 
facciones de una persona, se pueden obtener datos sobre su sexo, edad, raza, cuidado 
personal y algunas veces, sobre su personalidad, aunque pueda dirigir hacia juicios de 
valor. 
El rostro es el espacio de las emociones, donde cada vez que una de ellas se 
manifiesta puede ser: enfatizada, negada, modificada, fingida u ocultada, dependiendo 
de la situación; ocultar una risa en el salón de clases, fingir una sonrisa para evitar que 
alguien note la tristeza, enfatizar una emoción si se interpreta a un personaje, etc. Lo 
anterior es algo que debe ser controlado por quienes en su trabajo utilizan su rostro 
como forma de transmisión de algún mensaje, modelos o actores. Las personas también 
buscan tener el control de su rostro cuando son fotografiadas y esperan que ese 
registro, capture el mejor lado de ellos. 
 
14 GORDOA Op. Cit., Página 163. 
 12 
La mayor parte de las señales se forman con la tensión de las cejas, los párpados 
y los labios, sin embargo, donde se desarrolla con más intensidad ésta función, son los 
ojos. 
La mirada. Constituye el centro de atención del rostro, son una ventana que 
concentra en ellos la atención de los demás. La intensidad, dirección y duración de una 
mirada no dejan lugar a dudas. Cuando es momentánea, es poco personal, sólo para 
obtener información con una lectura rápida o por el curso natural de los ojos; cuando es 
prolongada, significa un interés evidente hacia el objeto o persona observada. En 
algunos casos cuando se realiza de manera intensa, puede interpretarse como una 
forma de intrusión en la intimidad. 
La postura. El desarrollo del ser humano en el espacio físico y la forma en que lo 
aprovecha, está condicionado por factores sociales, culturales, ambientales y de la 
propia personalidad. 
El lugar y el momento en que una persona se encuentre se reflejará en su 
postura y forma de actuar. Cuando una persona se encuentra en un lugar donde siente 
confianza no pensará tanto en su comportamiento, al contrario cuando se siente 
observada o incómoda. Una persona no se sienta en un salón de clases de la misma 
forma como lo haría en un restaurante lujoso sabiendo que hay personas observando 
alrededor, se está más consciente de quienes son las demás personas. Uno adopta 
posturas diferentes dependiendo si está en la zona reservada de un club, en la zona 
general, haciendo fila para entrar o haciendo fila para pagar en el supermercado. 
Hay factores respecto a la postura que culturalmente indican dominio o 
sumisión: “La postura dominante se caracteriza por una posición erguida, con la cabeza 
inclinada hacia atrás y la postura de sumisión es menos erguida que la anterior, con la 
cabeza abatida”15. 
La postura es a diferencia de los rasgos o facciones, una de las señales del cuerpo 
que pueden ser manipuladas a conveniencia para mostrar partes que se consideren con 
atractivo o para ocultar las que carecen de él. Es la expresión de su imagen. 
 
15 SQUICCIARINO Nicola. El Vestido Habla: Consideraciones psico-sociológicas sobre la 
indumentaria, Cátedra, España, 1990, Página 33. 
 13 
El aspecto externo. Una influyente señal perceptible. Relacionado a lo visto 
anteriormente acerca de imagen personal. 
Las personas físicamente agraciadas “gozan de un nivel más alto de credibilidad 
y desencadenan una amplia sucesión de reacciones favorables”16, explicación al por qué 
el uso de modelos de bellezas inalcanzables en los anuncios de las marcas más caras y 
modelos con apariencia más convencional dependiendo del producto que se quiera 
vender y como se pretenda seducir al público. 
El aspecto externo y la belleza, aunque subjetiva, no puede moldearse sin 
recurrir a procedimientos mayores, lejos delalcance de un gran número de personas. 
Las manipulaciones a la imagen corporal que se realizan día a día, donde se puede 
emplear una gran cantidad de dinero, energía y tiempo, tienden a exaltar los aspectos 
atractivos del cuerpo. 
 
1.6 Imagen publicitaria 
Gran parte de los anuncios publicitarios presentan una iconicidad fotográfica 
pura, dejando el uso de caricaturizaciones a los anuncios dirigidos principalmente a 
niños, este tipo de imágenes son reforzadas por personajes de series de televisión con 
el poder de atracción que ejercen las series infantiles animadas. Esto si una 
investigación de mercado previa llevó a realizar una campaña con caricaturas, por el 
otro lado, si lo anterior no es el caso, la mayor calidad de exposición del objeto que se 
desea anunciar se logra con la fotografía al ser la que brinda la mayor iconicidad 
deseada, es más práctico y económico para la producción. “El proceso de decodificación 
de la imagen fotográfica se ha convertido en algo instantáneo, casi imperceptible; nada 
mejor que la iconicidad fotográfica para aludir con firmeza, precisión e instantaneidad 
al objeto anunciado”17. 
Ya cubierta la parte icónica de los objetos dentro del anuncio, comúnmente se 
combina con distintos elementos destinados a potenciar el atractivo de la imagen. 
 
16 SQUICCIARINO, Op. Cit., Página 37. 
17 SABORIT José, La Imagen publicitaria en televisión, Cátedra, Cuarta edición, España, 
2000, Página 72. 
 
 14 
Como los elementos más frecuentes: la palabra, para legitimar el mensaje del anuncio; 
ediciones por computador como resultado de la evolución de técnicas y exigencias 
visuales de los espectadores; y dibujos animados que añaden un carácter informal y 
humorístico. 
 
1.6.1 Elementos en la imagen publicitaria 
Objeto. Se reduce considerablemente el número de anuncios que no emplean 
alguna representación de objetos. Se tiende a presentar un solo objeto o una reducida 
cantidad de ellos (el objeto es el punto, como se vio anteriormente, y con base en los 
demás objetos o puntos en la imagen, se generará la idea de tamaño, proximidad, 
agrupación, etc.), que aparecen desde una toma a detalle, ocupando todo el encuadre. 
Puede aparecer también en relación con otros objetos o dentro de una historia y 
aparecen de un tamaño menor. “Con la situación del objeto en su contexto de uso, lo que 
se pretende no es destacar sus cualidades en abstracto, sino su funcionalidad. Los 
objetos no poseen valor en abstracto, sino en su capacidad de relacionarse con el 
consumidor”18. 
 El contexto situacional con humanos da pie a la construcción de modelos de 
comportamiento y pone en claro los valores del objeto, por ejemplo usar el estéreo de 
cierta marca en una fiesta con amigos o un desodorante en específico para salir a 
conocer gente, etc. 
 Personajes. El juego de estos elementos está ligado al protagonismo que se le 
quiera dar al objeto, la persona con que se quiere relacionar el artículo o servicio y “el 
prototipo de personaje seleccionado representa, bien las características principales del 
consumidor tipo de cada producto, bien los valores (deseos, aspiraciones…) situados en 
el mismo”.19 
 La aparición de un grupo de personajes resalta las cualidades sociales del objeto: 
Bebidas, ropa, dulces, etc. La aparición de familias generalmente muestra su centro en 
el “ama de casa”, para anunciar productor familiares o del hogar y centran la atención 
en el personaje de la madre. 
 
18 SABORIT José, Op. Cit., Página 74. 
19 SABORIT José, Op. Cit., Página 76. 
 15 
 “Los personajes elegantes, o pertenecientes a la clase alta, hacen su aparición en 
aquellos anuncios que publicitan objetos de consumo más restringidos… en los que la 
elegancia o el ascenso social, se convierte en motivo principal de atribución”20. Éste tipo 
de anuncios se ven en puntos estratégicos con base en la forma de acercarse mejor al 
público objetivo: avenidas importantes, revistas de moda, canales de televisión de paga, 
etc. 
Aplicando los conceptos explicados en los párrafos anteriores, se puede hacer un 
estudio enfocado a distintas áreas, ya sea la imagen publicitaria, la imagen personal en 
relaciones públicas, una crítica o análisis a las imágenes de cierta época y para fines de 
este trabajo, un análisis en la moda que permita un desarrollo informado y con bases. 
 
1.7 La Fotografía como campaña publicitaria 
En algunas campañas publicitarias, la fotografía lleva todo el peso. No se utiliza 
más que la imagen y la firma del anunciante. Un ejemplo de esto son las campañas de 
perfumes o de marcas de ropa. No hace falta mostrar cómo usar la ropa, sus 
características o sus beneficios. La fotografía debe incluir al producto de una forma 
orgánica de tal manera que forme parte de la narración de manera directa y sutil al 
mismo tiempo. Esto significa que en la fotografía de moda, la cual será después una 
campaña, el modelo no sostiene la prenda como si sostuviera cualquier otro producto, 
no lo señala. Se usa y se interactúa con él. Diferente por ejemplo de una fotografía para 
catálogo, donde la modelo pasa a ser sólo el escaparate para la prenda y no debe llamar 
la atención más que la pieza que se quiere presentar. 
En una campaña donde se emplea la fotografía de moda, lo que se vende es la 
marca. El anunciante (la marca o empresa) no espera vender un vestido en especial, 
una bolsa o un par de zapatos, lo que hace es escoger de toda una colección las prendas 
más atractivas que serán minuciosamente combinadas por un equipo de estilistas, de 
forma que la falda, el vestido y los zapatos creen un juego perfecto para vender no 
solamente un ejemplar de las piezas protagonistas, sino hacer que el lector de la revista 
de moda no de vuelta a la página, logre ver el nombre de la marca y posteriormente, en 
 
20 SABORIT José, Op. Cit., Página 78. 
 16 
una visita al centro comercial, se acerque a la tienda, conozca todas las piezas de la 
colección y se atreva a adquirir alguna. 
Es probable que las prendas que fueron fotografiadas sean las más bellas y las 
que requirieron el mayor trabajo de confección, algunas de ellas requirieron tanto 
esfuerzo que su precio es tan alto como para que alguien las compre. Pero cumplieron 
su objetivo, aparecer en la campaña que guiará a los consumidores a conocer el resto de 
las piezas que están a su alcance. 
Todo de acuerdo al cliente, una marca de alta costura no vende vestidos de alta 
costura pero los usa para publicidad. Una marca prêt-a-porter (listo para usarse) 
exhibe en sus imágenes alguna pieza de la colección que están a la venta. Las marcas 
contemporáneas o las tiendas departamentales utilizan gran parte de las prendas para 
sus campañas en los medios así como para la realización de catálogos. El anunciante 
conoce sus productos y también conoce a sus consumidores, por eso las imágenes de la 
campaña aparecerán sólo en los medios idóneos para alcanzar a sus compradores, 
principalmente revistas impresas y digitales adecuadas. Revistas de farándula, de 
belleza, de estilo de vida, de moda, etcétera. Hay un espacio para las distintas marcas. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 17 
Capítulo 2. Importancia y alcance de la fotografía de moda 
 
La fotografía, del griego phōs (luz), y grafḗ (escritura), es la fijación permanente de las 
formas creadas por la luz cuando una persona hace uso de una cámara fotográfica en el 
lugar y momento indicado. 
“La luz, como el sonido, es una forma de energía que se emite por ondas que 
viajan a enorme velocidad a partir de una fuente como el sol, una bombilla o un flash… 
La luz es también la fuente de todos los colores. Está formada por ondas de diferentes 
longitudes, de las que algunas son visibles al ojo, que las percibeen forma de color: las 
más largas como rojo y las más cortas como azul-violeta. El sol, como la mayoría de las 
fuentes, emite un espectro continuo de todas estas longitudes y vemos el resultado 
como “blanco”. Pero los objetos que nos rodean absorben unas longitudes y reflejan 
otras. Un tomate maduro, por ejemplo, absorbe la mayoría del azul y el verde y refleja el 
rojo, por lo que se ve de ese color”21. 
 
2.1 La Fotografía. Historia y primeros exponentes 
 Las ondas de la luz que viajan en línea recta son capturadas hoy en día usando el 
lente de una cámara fotográfica. En sus orígenes, lo que existía era un orificio dentro de 
una cámara obscura (la cual podía ser una habitación o una caja cerrada). A través de 
ese orificio se podía percibir la imagen del exterior dentro de un espacio cerrado. “Para 
convertir la cámara obscura en una cámara fotográfica sólo faltaba por inventar la 
emulsión sensible. Este invento se retrasó bastante”22. 
 “La primera noticia documental del uso de la cámara obscura data de 1558, y es 
un tratado del napolitano Giovanni Battista della Porta (1538-1615), que contiene 
detalles sobre su construcción y manejo”23. 
 
21 LANGFORD, Michael, La Fotografía, paso a paso un curso completo, Ed. Hermann 
Blume, Decimotercera reimpresión, España, 2001, Página 16 
22 FREEMAN, Michael, Guía completa de fotografía, técnicas y materiales, Ed. Hermann 
Blume, España, 1996, Página 8 
23 FREEMAN, Michael, Guía completa de fotografía, técnicas y materiales, Ed. Hermann 
Blume, España, 1996, Página 8 
 18 
 “La primera fotografía que puede considerarse como tal la obtuvo el francés 
Nicéphore Niépce en 1826 con un tipo de asfalto que enfurecía bajo la influencia de la 
luz. Niépce se asociaría más tarde a Louis Daguerre. Tras la muerte de Niépce, Daguerre 
observó que el vapor de mercurio tenía la virtud de intensificar las imágenes débiles, y 
en 1839 creó el método del daguerrotipo”24. 
Vista desde la ventana en Le Gras (1826) 
 
 Un hombre importante al hablar de la evolución de la fotografía es André-
Adolphe-Eugène Disdéri (1819-1889). Fotógrafo francés, autodidacta en el 
daguerrotipo y hábil para la obtención de poses naturales y buena iluminación aún con 
las limitaciones y retos de dicha técnica. 
 Se mudó a la ciudad de Nîmes al sur de Francia, donde dedicó su tiempo a la 
investigación del proceso de negativo sobre vidrio y experimento la técnica del 
negativo en papel encerado con Gustave Le Gray’s. 
 Junto a Joseph Jean Pierre Laurent logró reducir el tiempo de revelado de 
negativos a 2 segundos. También buscaron formas de mejorar el uso de negativos de 
papel. 
 
24 FREEMAN, Michael, Guía completa de fotografía, técnicas y materiales, Ed. Hermann 
Blume, España, 1996, Página 9 
 19 
En 1853 abrió el estudio más grande en París, dividido en dos pisos, con 
elegantes salones, tragaluces, terrazas y laboratorios. “Fue en este estudio donde 
Disdéri introdujo por primera vez un nuevo formato de fotografía de retrato ante un 
gran número de público parisino, la “tarjeta de visita” (originalmente carte-de-visite)”25. 
Aunque Disdéri no inventó la tarjeta de visita, se le atribuye a él por ser quien la 
patentó y popularizó en 1854. 
Su estudio rápidamente se volvió el más popular para hacerse un retrato. 
Desarrolló un flujo de poses donde hacía que sus clientes se pararan junto a una 
columna, una cortina o una planta para fotografiarlos de cuerpo completo, también 
eran fotografiados sentados mientras los ponía a leer o escribir para evitar que el sujeto 
volteara directamente a la cámara. 
El cliente se llevaba una tarjeta con hasta 12 fotografías pequeñas (9 x 6 
centímetros), las cuales recortaba después. Las fotografías eran comúnmente usadas 
como tarjetas de presentación que el dueño firmaba y llenaba con sus datos. 
 
 
25 Traducido para el presente trabajo del libro: HANNAVY, John, Encyclopedia of 
Nineteenth-Century Photography Volume 1, Ed. Routledge, EUA, 2013, Página 418 
 20 
La aportación de Disdéri es importante en tres aspectos diferentes: Popularizó la 
fotografía de estudio y la acerco a clases sociales que no eran únicamente las más altas; 
Evolucionó el flujo de poses que pasó de mirar fijamente a la cámara a aparentar 
realizar otra actividad; Logró agilizar la obtención y más importante, la reproducción 
de las fotografías impresas gracias al negativo sobre vidrio, ya que pasó de ser mucho 
tiempo para conseguir una fotografía (daguerrotipo) a la facilidad de obtener varias 
imágenes en una toma que brindaban la posibilidad de ser reproducidas 
 
2.2 La Fotografía de estudio 
Cuando un fotógrafo realiza un trabajo en donde aparece un modelo y éste 
realiza las poses que el fotógrafo le indica haciendo uso de los objetos que le fueron 
proporcionados, se realiza una fotografía de estudio, por eso la importancia de 
mencionar a André-Adolphe-Eugène Disdéri quien jugó con todos estos elementos y los 
hizo populares. Ahora los estudios fotográficos cuentan con una mayor tecnología, los 
tragaluces en el techo fueron remplazados por iluminación electrónica, el tipo de 
modelos cambia de acuerdo a los estándares de belleza de la época y la región, existe un 
sin fin de posibilidades para las poses, la utilería y el propósito de esta actividad puede 
dirigirse a áreas muy diferentes: la publicidad, el entretenimiento, el arte, la 
investigación… Una de las industrias que mayor ha explotado esta actividad es la moda, 
sobre la cual se enfoca este trabajo. 
La fotografía de moda está tan dividida como las ramas de dicha industria: 
publicidad, catálogo, editorial, revista, incluso dentro de la fotografía de moda para 
revista hay distinciones muy grandes, por ejemplo: en qué página va a salir o si será la 
fotografía de portada. Más específico, en este capítulo se presenta a la fotografía de 
moda editorial o de alta costura (Haute Couture en francés), por ser aquella que engloba 
desde la publicidad, el entretenimiento y el arte. 
Ser un fotógrafo de estudio y más específico, un fotógrafo de moda reconocido, 
no significa solamente ser bien pagado sino ir marcando a través de la imagen, el 
camino que la industria de la moda irá tomando una vez que su trabajo llega a la luz. 
Cuando un fotógrafo logra una reputación, es contratado y dotado de libertad para 
realizar una campaña publicitaria, su éxito se convierte en el éxito de los productores 
 
 21 
de aquello que se quiere vender, de la misma manera que un fracaso significa la pérdida 
de todo el tiempo, esfuerzo y dinero puestos en el proyecto. Caso similar si se trata de 
fotografiar a una celebridad o figura pública, ese retrato puede cambiar la forma en que 
el público percibe la imagen personal de quien aparece en la imagen. 
 Un fotógrafo de estudio se caracteriza por poseer el control total de los 
elementos que conforman su discurso: luces, modelos, utilería, locación, ajustes de 
cámara, ángulo, encuadre… la toma expresa lo que se quiso decir con la producción y 
dirección de los personajes. Nada de lo que aparece es por coincidencia, si el fondo es 
blanco, gris o negro; si es un bosque o una ciudad, si el personaje es mujer u hombre, 
los zapatos que lleva o los objetos que sostiene. Todo tiene un significado, ya sea dado 
por el fotógrafo cuando esté realizando una producción original o sea planeado por un 
equipo de creativos. 
 “For a brief instant the look of the subject, backed by the props and setting, tells 
the story. The shutter button is pushed and the picture preserves the moment”26. 
 “Por un breve instante el look del sujeto, apoyado de la utilería y el escenario, cuentan la historia. 
El botón de disparo es presionado y la fotografía preserva el momento”27. 
Tomar fotografía de estudio no es tener unmolde o que todas las fotografías 
sean tomadas con las mismas técnicas o elementos. Una forma es el fondo neutral, estilo 
característico del fotógrafo norteamericano Irving Penn (1917- 2009) que descubrió el 
valor de este tipo de fotografía. El objeto es tomado fuera de su ambiente y contexto, sin 
nada más que un modelo, se muestra tal como es. En varios de sus trabajos rentaba o 
improvisaba estudios, usando simples paredes, garajes e incluso desarrolló un estudio 
portable, un fondo plano que cargó en su paso por África para hacer retratos. 
“Making, not taking pictures”, o “hacer, no tomar fotografías”, es la forma de 
describir la fotografía de estudio como lo ve el creador de importantes retratos: 
 
26THE EDITORS OF LIFE-TIME BOOKS. The Studio, Time-Life Books, EUA, 1978, 
Página 15. 
 
27 Traducido para el presente trabajo, del libro: THE EDITORS OF LIFE-TIME BOOKS. 
The Studio, Time-Life Books, EUA, 1978, Página 15. 
 
 22 
Philippe Halsman por cuya lente pasaron personalidades como Albert Einstein, Richard 
Nixon, Marlon Brando, Audrey Hepburn, Frank Sinatra, Salvador Dalí y Marilyn Monroe. 
 
2.2.1 La Locación 
La fotografía de estudio inicia como lo dice su nombre, en una habitación 
confinada a ser el espacio donde la luz del día y la cámara debían trabajar juntas para 
lograr una fotografía correcta. Ahora con el paso del tiempo, la iluminación artificial y 
las unidades de flash electrónico, el fotógrafo logra el control de la sesión sin importar 
el clima o la calidad de la luz natural. Incluso la fotografía de estudio ha rebasado el 
límite de cuatro paredes y quienes la ejercen han convertido al mundo entero en su 
escenario, sin importar la distancia, tomando consigo las luces, cámaras, modelos y 
todo lo que se requiera, viajar ligero no es una opción. 
La fotografía en locación se realiza en exteriores, el lugar es seleccionado 
después de un trabajo de scouting, el cual consiste en recorrer una zona donde se pueda 
encontrar el lugar cuya naturaleza mejor comunique el mensaje que se quiera dar. El 
scouting se realiza días antes de la sesión fotográfica, una vez encontrado el lugar, se 
debe crear un registro para recordar su ubicación, tomar algunas fotografías y si es el 
caso, se realizará ahí la toma de fotografías. 
Un bosque, una avenida, un mercado, la playa… El equipo se traslada hasta la 
locación incluyendo cámaras, iluminación, ropa, maquillaje, equipo de cómputo, 
refrigerios y todo lo necesario. 
La persona encargada de una sesión fotográfica profesional en locación debe 
conocer las normas para poder realizar la actividad, pedir alguna autorización o llevar 
la documentación necesaria si es el caso. 
 
2.3 La Fotografía de moda 
Antes de la primera guerra mundial, las portadas y la ropa que se mostraba en 
las revistas de moda, eran dibujadas con lápiz y tinta. Fue a partir de 1913 cuando 
Condé Nast (Fundador de Condé Nast Publications, organización con publicaciones en 
Estados Unidos como: GQ, The New Yorker, Vanity Fair y Vogue), buscó un fotógrafo 
 23 
para retratar moda y así, se convirtió el parisino Gayne de Meyer en el pionero quien 
fundó la profesión de fotografía de moda. 
 
2.3.1 Barón Adolf Gayne de Meyer 
 Renombrado fotógrafo de moda y editor de revistas. De nacionalidad americana 
nacido en Francia, sobre su biografía no se pueden asegurar muchas cosas ya que la 
historia lo señala como un hombre que solía fabricar muchas historias sobre él mismo y 
su personalidad, adentrado en distintos círculos sociales, siempre había algo que 
cambiaba en cada uno de ellos.. 
 “Desde joven, estuvo profundamente inspirado en el estilo de vida y obra del 
pintor James McNeill Whistler y fue aceptado dentro de la alta sociedad en gran parte 
por su belleza física, estilo y modales. Se convirtió en un ejemplo y exponente del culto 
por la belleza… Su devoción por lo chic, era casi una religión”28. 
 Su entrada al mundo de la nobleza fue gracias a su esposa Olga Caracciolo, 
sobrina del rey Eduardo VII de Inglaterra. Se unió a círculos muy importantes de 
fotógrafos como el Linked Ring, expuso su trabajo (de forma individual) y con el tiempo 
pasó de ser un reconocido fotógrafo de sociales a ser un talentoso y altamente pagado 
profesional. 
 “Cuando la Primera Guerra Mundial estalló, la pareja se mudó a Estados Unidos, 
donde Condé Nast le ofreció un puesto como fotógrafo en sus revistas Vogue y Vanity 
Fair (1913-1922). Mucho de su trabajo en moda fue altamente original e innovador e 
influenció a otros fotógrafos de moda así como a artistas avant-garde como Man Ray”29. 
 “No sólo revolucionó la fotografía de moda a través de su trabajo en revistas, 
sino que llegó a modificar la apariencia y formato de las revistas mismas”30. 
 
 
28 Traducido para el presente trabajo del libro: WARREN, Lynne, Encyclopedia of 
Twentieth-Century Photography, Volume 3 Set, Ed. Routledge, EUA, 2005, Página 367. 
29 Traducido para el presente trabajo del libro: WARREN, Lynne, Encyclopedia of 
Twentieth-Century Photography, Volume 3 Set, Ed. Routledge, EUA, 2005, Página 368. 
30 Traducido para el presente trabajo del libro: WARREN, Lynne. Op. Cit, Página 368. 
 24 
 
Fotografías sin título, Barón Adolf de Meyer. 
 
 
2.3.2 Richard Avedon 
 Hablar de fotografía de estudio y de moda, implica necesariamente hacer una 
pausa para exponer a Richard Avedon (Nueva York 1923- 2004), quien brindó a través 
de esta disciplina un “incansable estilo romántico […] nuevas sensaciones, incluso 
humor, a la moda”31 (“Avedon brought to studio photography a restless romantic style 
[…] new sensations –even humor- into fashion”32), Al situar a su modelo sobre patines o 
entre elefantes. 
 Para Avedon las modelos no eran sólo caras bonitas, durante las sesiones se 
encargaba de hablar con ellas, ofrecerles café, reproducir música, lograr llevarlas a un 
estado de ánimo propicio para obtener los mejores resultados al tomar las fotografías. 
Teniendo en cuenta que el mundo vive el furor del aquí y el ahora, la chica de moda es 
la que todos quieren tener para sus sesiones, convirtiendo a las modelos en figuras 
 
31 Traducido para el presente trabajo, del libro: THE EDITORS OF LIFE-TIME BOOKS. 
The Studio, Time-Life Books, EUA, 1978, Página 13. 
 
32 THE EDITORS OF LIFE-TIME BOOKS. Op. Cit., Página 13. 
 25 
desechables que deben aprovechar su periodo de belleza mientras les sea útil. El 
fotógrafo y la modelo están en el mismo equipo, y con la meta de lograr imágenes 
impactantes, se debe ayudar a la modelo a salir del mundo agitado donde se encuentra 
y hacerla sentir bella. 
 
 
Dovima with Elephants, 1955, Richard Avedon. 
 
 
2.4 El Fotógrafo de moda 
Cuando a una persona se le ha conferido la fotografía de moda de la nueva 
colección de una marca de ropa, debe de explotar su potencial y llevarlo al límite para 
convertir la mirada del espectador en atención y después en deseo. Ya sea creando una 
atmósfera alrededor del vestido que fotografía y dotarlo de cierto misticismo, o 
fabricando todo un mundo de fantasía desde cero. Cualquiera que sea su decisión y 
donde quiera que se encuentre su estudio, ya sea dentro o fuera de una habitación, 
debe evocar la sofisticación de la alta moda dentro del encuadre. 
 El reto para el fotógrafo de moda es innovar en cada imagen que realiza para un 
cliente y al mismo tiempo cumplir con los requerimientos sin perder su estilo e 
implantar su sello personal. Sin embargo no es el único propósito de estas imágenes; 
una fotografía y una revista de moda transportan la imaginación de sus lectores a un 
 26 
mundo de sofisticación, donde todo está limpio, huele bien y la gente es bella; y en el 
proceso, crear un ambiente donde se invite a comprar lo que ahíse anuncia, porque en 
esas páginas la gente es poderosa con joyería exclusiva, las mujeres son inalcanzables 
con ropa de diseñador y el mundo es feliz usando los mejores perfumes. 
 Un trabajo tan extenuante requiere desde luego un líder, del cual surjan las ideas 
y la organización, Esto puede depender del fotógrafo, si está realizando un trabajo 
propio o de un director de arte si se trata de una producción para una marca de ropa o 
alguna otra firma, en ese caso el fotógrafo y equipo creativo trabajan juntos para lograr 
la idea que se llevará a cabo. 
Dentro de la producción es importante conocer al equipo que rodea al fotógrafo: 
entre asistentes, estilistas, maquillistas, peinadores, encargados de iluminación, utilería 
y logística, choferes, modelos, seguridad y demás responsables que varían dependiendo 
de la producción. Todos listos para cumplir su función, escogidos especialmente por sus 
capacidades y para hacer el tiempo efectivo. 
Los convenios debieron ser sacados, el asistente debe estar al pendiente de lo 
que haga falta, la modelo debe estar a tiempo, el maquillista y peinador tomar el tiempo 
necesario para dejarla lista o estar detrás de ella por si hay que corregir algo, el estilista 
ya escogió los cambios de ropa que el conductor entregó junto con toda la utilería 
fabricada con días o semanas de anticipación, el fotógrafo hace mediciones de luz y 
pruebas con la cámara, todos toman su lugar. Para que en el momento cuando todo el 
trabajo tenga que ser puesto en práctica, lo único importante sea congelar un momento 
sin defectos. 
“Running a studio is like flying a plane […] Both jobs involve very expensive, 
delicate pieces of 20th Century equipment. If the photographer is the captain of the 
plane, he must nevertheless rely on his crew to carry out his orders and anticipate his 
wishes”33. 
“Dirigir un estudio es como volar un avión, ambos trabajos involucran costosas y delicadas 
piezas de equipos del siglo XX. Si el fotógrafo es el capitán del avión, debe sin embarco apoyarse en su 
 
33 THE EDITORS OF LIFE-TIME BOOKS. Op. Cit., Página 81. 
 27 
staff para cumplir con sus órdenes y anticiparse a sus deseos34” (Ahora, lo último en tecnología del siglo 
XXI). 
El precio de la fotografía de moda es muy alto a nivel profesional y los fotógrafos 
más importantes del mundo cobran notorias cifras por su trabajo. Los seis fotógrafos 
mejor pagados de acuerdo con el artículo “El precio de una foto”35, de la revista Life & 
Style en su edición de abril del 2015 son: 
 
Fotógrafo 
Lugar y fecha de 
nacimiento 
Ingreso por día 
Steven Meisel Nueva York 1954 164,006.76 USD 
Mario Testino Perú 1954 142, 139.20 USD 
Inez van Lamsweerde & 
Vinoodh Matadin 
Ámsterdam 1963 y 1961 131, 201.00 USD 
Mert Alas & Marcus Piggot Turquía e Inglaterra 
(1971) 
131, 201.00 USD 
 
 
2.5 El Negocio de la fotografía de moda 
La moda sin duda responde a intereses económicos, cualquiera que sea el ámbito 
que afecte: la vestimenta, la música, el estilo de vida, el arte… Significa actuar o comprar 
lo necesario para estar en sincronía con el mundo, actual, sentirse vivo. Y dentro del 
mundo capitalista, hay alguien que gana más. La chica que se compró la falda de 
temporada o el chico que logró entrar al restaurante más popular del momento, 
obtuvieron la gratificación de sentirse comunicados con el presente de la moda, pero 
los realmente beneficiados son los que crean la moda. 
 
34 Traducido para el presente trabajo, del libro: THE EDITORS OF LIFE-TIME BOOKS. 
The Studio, Time-Life Books, EUA, 1978, Página 81. 
35 BÁRCENA, Roberta, El precio de una buena foto, Life & Style.la, 07/04/2015, 03 de 
agosto de 2015, URL: http://www.lifeandstyle.la/cultura/2015/04/07/el-precio-de-
una-buena-foto 
 
http://www.lifeandstyle.la/cultura/2015/04/07/el-precio-de-una-buena-foto
http://www.lifeandstyle.la/cultura/2015/04/07/el-precio-de-una-buena-foto
 28 
 
 Quien realiza la fotografía de moda, emite el mensaje final que va a detonar una 
serie de deseos y compras que se resumen a millones de dólares. Y hablando de una de 
las marcas más lujosas del mundo o una icónica revista estadounidense, es lógico que 
ésta persona reciba un buen pago. 
 El salario de Annie Leibovitz por trabajar en la revista Vanity Fair, rebasa los 2 
millones de dólares y en un día puede ganar decenas de miles de dólares, incluso un 
cuarto de millón con un trabajo comercial para clientes como Louis Vuitton. Un precio 
nada alto si se considera que la publicidad de esta marca va a llevar a la compra de un 
mini bolso de más de mil dólares o de una maleta de viaje que no cuesta menos de diez 
mil dólares. 
 A qué se debe su efectividad: A conectarse con los consumidores por medio de la 
composición de la imagen y de todos sus elementos. La selección de un modelo es 
esencial al ser éstos el reflejo de a quién se quiere llegar con la fotografía. Es común 
relacionar esa belleza con un status social, económico y emocional al cual se provoca la 
aspiración del público. 
 
2.5.1 La Importancia y fugacidad de los modelos 
 Ya sea una mujer morena, rubia, alta, delgada, etc. Nada aparece por casualidad, 
se busca a la persona que refleje la intención del fotógrafo o del cliente que lo contrata, 
alguien que pueda encarnar el personaje y pueda, con sus habilidades y expresiones 
contar la historia. Una marca más o menos económica puede usar a una chica o chico 
atractivos, una marca de lujo podrá costear el contratar a una celebridad, actor, 
cantante o modelo de talla internacional. 
 En 2012 Forbes lanzó la lista de las supermodelos mejor pagadas del mundo, 
situando en primer lugar a la brasileña Gisele Bündchen cuyas ganancias en ese año 
fueron de 45 millones de dólares. Kate Moss, Adriana Lima, Janice Dickinson, son 
algunos nombres que no serán olvidados, son mujeres que se convirtieron en estrellas y 
alcanzaron la gloria, de ellas no se puede decir que son solamente maniquís andantes, 
Varias de ellas participaron en el Victoria’s Secret Fashion Show, lo cual es consagrarse 
como supermodelo. 
 29 
 
“In the entire history of the Victoria‘s Secret Fashion Show, 140 separate women have 
walked that runway (…) There are seven billion people on the planet. That makes each 
of them not one in a million, not one in five million, not one in ten million. That literally 
makes them one in 50 million humans.” 36 
-Ed Razek, Jefe de marketing de Victoria’s Secret. 
 
“En toda la historia del Victoria’s Secret Fashion Show, 140 mujeres han caminado esa pasarela (…) Hay 
siete billones de personas en el planeta. Eso hace a cada una de ellas no una en un millón, no una en cinco 
millones, no una en diez millones. Eso literalmente las hace una en 50 millones de personas”. 
 
Para el resto de las chicas y chicos, va a ser un camino largo, lleno de personas 
que no ven más allá de la ropa y la cara bonita. Consideradas muchas veces como algo 
desechable, aquellos modelos que no traspasan la línea de lo ordinario y la fama, serán 
contratados hasta que su atractivo o su belleza vayan en decadencia o hasta que se 
conviertan en modelos de mediana edad, lo cual en la industria de la moda sucede 
cuando se llega a los 25 años de edad. 
 
2.6 La Moda indumentaria 
“Fashion is a form of dress so unbearable 
 we are compeled to alter it every six months”. 
La moda es una forma de vestir tan voluble 
que debemos alterarla cada seis meses. 
Oscar Wilde. 
 
 
La moda no es sólo ropa, el término del latín modus, significa hacer una 
“elección” y adecuado al contexto actual, la moda es la regulación de elecciones basadas 
 
36 FORBES (En Línea), The World’s Highest Paid Models, por Brian Solomon, 6 de junio 
de 2012, URL: http://www.forbes.com/sites/briansolomon/2012/06/14/the-worlds-highest-paid-models/ 
Fecha de revisión 15 de mayo de 2014, 22:00horas 
http://www.forbes.com/places/tx/victoria/
http://www.forbes.com/sites/briansolomon/2012/06/14/the-worlds-highest-paid-models/
http://www.forbes.com/sites/briansolomon/2012/06/14/the-worlds-highest-paid-models/
 30 
en el gusto, intereses o deseos de un sector de la población en una región o el mundo 
entero. Las modas tienen la característica de ser transitorias y aplican a un gran 
número de disciplinas artísticas, costumbres y al vestido. 
 De la moda se puede decir que sirve para unificar o dividir a una sociedad, ya sea 
que marque claramente las divisiones en las clases sociales o deje una puerta abierta 
donde se de paso a la imitación entre dichas clases por medio del vestido. Cada sector 
tiene sus códigos, ya sea de comunicación verbal, de vestimenta o de costumbres. 
En las pasarelas alrededor del mundo pueden aparecer marcas de alta costura 
desfilando estampados de animales y colores vivos, y aunque no se verán dichas marcas 
en los mercados locales de cualquier barrio de la ciudad, sí se puede identificar la 
esencia: los estampados de animales o los colores vivos ya aparecen en las marcas 
económicas vendidas al alcance de la población en general. La moda se filtra. 
 
2.6.1 El Diseñador 
El hombre que va escribiendo la historia de la moda, no sólo se basa en su gusto 
para sus creaciones, son hombres y mujeres que utilizan su conocimiento de lo político, 
social, económico y cultural de la región y el mundo. Por medio de la intuición se 
conectan con el público para saber lo que ellos quieren usar en la temporada próxima y 
la siguiente de esa. Los diseñadores saben estimular el deseo de los compradores, 
fomentar la industria de la moda y dejar huella en una cultura. 
El diseñador de moda no sólo concibe y esboza ideas, de acuerdo a la magnitud 
de su marca es el tamaño de responsabilidades que adquiere, ya sea que lo haga él 
mismo o dirija un equipo especializado, se debe investigar el contexto social donde se 
incluirá la colección, estar al tanto de tendencias, buscar telas, acudir a ferias textiles y 
tratar de entablar relaciones con los proveedores, conocer de las telas, trabajar con 
estudios gráficos, supervisar la calidad, esbozar siluetas, looks y asegurarse que los 
especialistas de producción los entiendan de la misma manera, realizar 
comprobaciones de los productos, conocer el costo, presentar la colección hasta su 
distribución y lograr realizar la mercancía. 
La moda es una huella que la sociedad entera construyó y la definió en periodos 
específicos de tiempo. La moda es el “termómetro” de la sociedad, mide sus estados de 
 31 
ánimo, situación política, la opinión pública, situación económica y como resultado va 
creando divisiones y nadie puede decidir si quiere formar parte de ellas, cada quién 
conoce su situación, lo que si controla cada individuo, son sus elecciones y aspiraciones. 
 La moda refuerza la imagen personal. Es un trabajo en equipo: el cuerpo con sus 
posturas, la altura, los rasgos físicos, el rostro, el movimiento, la mirada; la moda con 
sus colores, texturas, marcas y declaraciones, construyen el aspecto externo del 
individuo. Ésta imagen se manipula para resaltar sus mejores atributos. Aunque una 
persona no lo quiera admitir e intente alejarse de la moda, al final cada quien escoge lo 
que crea que se ve mejor con su cuerpo o sus gustos, aun sea un joven que viste 
camisetas con estampados de bandas de rock, está haciendo una elección dentro de un 
universo de posibilidades y como se ha mencionado, la moda es hacer una elección. 
Incluso ponerse en contra de la moda, se puede poner de moda. 
Hoy en día las barreras entre los “estatus” se traspasan día y noche. En la 
mañana una persona puede despertar en un barrio popular, en la tarde tomar el 
transporte público, llegar a la plaza comercial más lujosa y tal vez comprar algo, en la 
misma tienda donde compra un joven adinerado que tal vez también toma el transporte 
público. 
 
2.6.2 Haute Couture (Alta Costura) 
En el siglo XIX antes de que aparecieran las importantes firmas de moda, 
trasnacionales y tiendas departamentales, las mujeres ricas compraban los estampados 
o decidían ellas los bordados que les iban a manufacturar las costureras, los vestidos 
connotaban un alto estatus cuando éstos eran complejos y necesitaban de la ayuda de 
las sirvientas para poder vestirse. Mientras que las clases populares vestían ropa que 
compraban en tiendas de bajo costo o manufacturaban ellos mismos. Aún existen los 
trabajos hechos a mano y a la medida, siguen siendo más caros que la ropa comprada 
en los aparadores aunque su popularidad ha disminuido por los altos precios y el 
trabajo que implica, reduciendo su uso principalmente a celebridades, realeza, eventos 
en alfombra roja y como publicidad de las marcas para atraer al público hacia las 
colecciones menos caras. Por el otro lado ahora cualquiera tiene la oportunidad de usar 
un vestido de calidad, producido en masa a un precio accesible. 
 32 
 
El siguiente cuadro es un resumen cronológico de los diseñadores que marcaron 
la historia de la moda, desde mediados del siglo XIX al siglo XXI. 37 
 
 
Periodo (década) de aparición Diseñador 
Segunda mitad del siglo XIX Charles Frederick Worth “El padre de la 
alta costura”, creador de los desfiles y la 
idea de modelos de la casa. 
1910 Paul Poiret, Mariano Fortuny. 
1920 Jeanne Lanvin, Jean Patou, Madeleine 
Vionnet, Elsa Schiaparelli, Gabrielle 
“Coco” Chanel. 
1930 Madame Grès. 
1940 Claire McCardell, Norman Norell, 
Cristóbal Balenciaga, Christian Dior. 
1950 Charles James, Hubert de Givenchy, 
Pierre Cardin, Emilio Pucci, Anne Klein, 
Yves Saint Laurent. 
1960 Paco Rabanne, André Courrèges, Mary 
Quant, Rudi Gernreich, G. De Sant’Angelo, 
Bonnie Cashin, Ossie Clark, Valentino, 
Sonia Rykiel, Karl Lagerfeld. 
1970 Halston, Stephen Burrows, Bill Blass, 
Emanuel Ungaro, Kenzo Takada, Geoffrey 
Beene, Perry Ellis, Missoni, Jean-Charles 
de Castelbajac, James Galanos, Issey 
Miyake, Calvin Klein, Óscar de la Renta, 
 
37 FAERM Steven, Moda, curso de diseño, Ed. Parramón Arquitectura y Diseño, China, 
2010, 144pp. 
 33 
Giorgio Armani, Vivienne Westwood. 
1980 Stephen Sprouse, Thierry Mugler, Claude 
Montana, Azzedine Alaïa, Gianni Versace, 
Romeo Gigli, Ralph Lauren, Jean-Paul 
Gaultier, Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto, 
Donna Karan, Martine Sitbon, Christian 
Lacroix, Marc Jacobs, Carolina Herrera, 
Elie Saab. 
1990 Prada, Gucci/Tom Ford, Jil Sander, 
Helmunt Lang, Paul Smith, Martin 
Margiela, Dolce & Gabanna, Isaac Mizrahi, 
Michael Kors, Dries Van Noten, Ann 
Demeulemeester, John Galliano, Alberta 
Ferreti, Alexander McQueen, Zuhair 
Murad. 
2000 Francisco Costa, Stella McCartney, 
Narciso Rodríguez, Proenza Schoulder, 
Nicolas Ghesquière, Hussein Chalayan, 
Junya Watanabe, Veronique Branquinho, 
Viktor & Rolf, Christian Siriano. 
 
Al hablar de la Alta Costura y de la historia de la moda en general, no se puede 
dejar afuera al primer “couturier” Charles Frederick Worth y la capital de la moda, 
Paris. 
“A mediados del siglo XIX, el gran modisto inglés Charles Frederick Worth se 
instaló en París y llegó a vestir a nueve reyes y reinas europeos durante varias décadas, 
convirtiéndose así en el padre de la alta costura… Sus prendas salían del taller firmadas 
por el ilustre maestro al igual que los cuadros de los pintores y fueron apreciadas como 
 34 
obras de arte. Fue también el primero a quien se le ocurrió emplear modelos en vivo 
para promover sus creaciones”38. 
Worth fue aumentando su popularidad gracias a las importantes mujeres que 
portaban sus vestidos, como la reina Victoria y la emperatriz Eugénie. El diseñador 
consolidó la industria, formando la Federation of Parisian Tailors en 1868, organización 
que se hacíaresponsable de la mercadotecnia y la producción de moda, que después se 
convirtió en La Fédération Française de la Couture du Prêt-à-Porter des Couturiers et des 
Créateurs de la Mode (Cámara Sindical de la Alta Costura de París la cual se menciona 
más adelante). 
Las creaciones del couturier llegaron hasta México con la Emperatriz Carlota. 
“Carlota fue convencida de ser emperatriz de México al lado de su esposo Maximiliano 
al prometerle un guardarropa entero de Charles Frederick Worth. El trato consistió en 
enviarle cada año las nuevas creaciones de la casa y vestir a la corte entera con las 
creaciones de este couturier”39. 
Algunas de estas piezas fueron exhibidas en la exposición Hilos de la historia: 
colección de indumentaria del Museo Nacional de Historia, la cual se instaló en el Castillo 
de Chapultepec en la Ciudad de México en julio del 2015. “Los vestidos son ejemplo del 
vestir de las mujeres novohispanas. En éstos encontramos la riqueza de sus materiales, 
tres de ellos están hechos en seda y uno en terciopelo, pero los cuatro comparten la 
característica de estar ricamente bordados(…) La muestra también presenta un vestido 
de baile de Charles Frederick Worth, pionero del diseño de modas a quien se considera 
el padre de la alta costura; y otro de Coco Chanel”40. 
Para un diseñador, triunfar en Paris es triunfar en el mundo entero, todos 
quieren seguir los pasos de los grandes de la industria. Ésta situación tiene su 
 
38 LANDO, Larissa, Diseño de modas, Ed. CBH Books, Canadá, 2009, Página 35 
39 GÁRATE, Patricia, 12 Datos que no sabías sobre tus diseñadores favoritos, Elle, 
23/04/2015, 20 de septiembre del 2015, URL: 
http://www.elle.mx/moda/2015/04/23/12-datos-que-no-sabias-sobre-tus-
disenadores-favoritos/ 
40 PALAPA Quijas, Fabiola, Muestra de indumentaria pone de relieve el delicado trabajo 
manual de confección, La Jornada (en línea), Cultura, 28/07/2015, 20 de septiembre 
del 2015, URL: http://www.jornada.unam.mx/2015/07/28/cultura/a05n1cul 
 35 
fundamento histórico en 1858, cuando Charles Frederick Worth fundó su casa de 
modas Paris, en ese momento la capital artística y cultural de Europa. 
Aunque la globalización derribó las barreras del tiempo y las distancias, la 
distribución de la moda es global, las compras por internet son prácticas y los envíos no 
son tardados, la capital francesa sigue dominando la industria de la moda desde el siglo 
XIX. 
Milán, otra ciudad importante en la industria, se fortaleció con la moda después 
de la devastación en la Segunda Guerra Mundial. Ésta es su segunda más importante 
actividad financiera después de los productos alimenticios. Se mantiene a la cabeza en 
la exportación de textiles y ropa, principalmente zapatos, pieles, tejidos y trajes de 
hombre. Milán es además el centro de importantes publicaciones de moda y la base de 
muchas agencias de modelos. Otras ciudades de moda importantes son: Londres, Nueva 
York y Tokio. 
Desde siempre la alta costura ha estado al alcance únicamente de las clases más 
altas. Hoy en día la producción de estas prendas ha disminuido y su precio aumentado, 
quienes usan una de estas prendas son las mujeres que aparecen en las revistas: 
celebridades en alfombras rojas, miembros de la realeza, modelos sobre la pasarela, 
personalidades de televisión, la clase política; incluso muchas veces, sobre todo en las 
alfombras rojas más importantes del mundo, las celebridades no pagan por una prenda 
de alta costura, éstas les son prestadas durante el evento, al igual que la joyería, la cual 
es resguardada por un equipo de seguridad hasta terminar el día y después todo es 
devuelto. De esta forma la marca logra una proyección mundial de su trabajo. Entre más 
reconocida sea la celebridad, más son los diseñadores que pelean por vestirla. 
“Who are you wearing?” 
“¿A quién traes puesto?” 
Joan Rivers. 
 
Para los hombres también existen marcas de lujo que son fabricadas de forma 
muy cuidadosa y de gran calidad. Aun así no se puede considerar al hombre como parte 
del público de la alta costura ya que las prendas que se realizan para ellos no implican 
el mismo trabajo y han sido las mujeres a lo largo de la historia las principales 
 36 
inspiraciones para las colecciones de importantes diseñadores. El diseñar para una 
mujer es un abanico de posibilidades de color, formas, siluetas, telas… 
La moda no se dirige con un instructivo y los diseñadores más importantes han 
logrado destacar gracias a sus particularidades. Hoy en día mujeres y hombres juegan 
en el terreno de la moda, ambos experimentan, son productores y consumidores. Se ha 
vuelto más común entre los hombres seguir las tendencias de la moda, desde una 
elección de ropa hasta un corte de cabello. El hombre lentamente va ganando terreno 
como consumidor dentro de esta industria 
 
2.6.3 Las Categorías de la moda 
Dependiendo de la forma de producción, precio, estética y target, la moda se 
divide en categorías: 
 a) Haute Couture: (Alta costura en francés) El precio de esta ropa no tiene 
límites, cuidada hasta el último detalle durante su fabricación, su producción es la más 
costosa desde el material hasta la mano de obra, se necesita un equipo de personas 
para realizar una pieza. Varias veces hecho a la medida del cliente. 
 Los estándares están vigilados por la Cámara Sindical de la Alta Costura de París. 
Un diseñador o modista no se puede autonombrar con este título “para llegar a ser un 
costurero de lujo, un diseñador ha de ser invitado por la Cámara Sindical, ha de tener 
sede en Paris y dar trabajo a quince personas como mínimo. Deberá presentar dos 
veces al año una exhibición de al menos 35 piezas en vestidos de día y de noche. El 
cliente se debe probar la prenda al menos tres veces”41. 
 Algunos diseñadores como Pierre Cardin, André Courrèges y Paco Rabanne, a 
partir de los años sesenta, han tomado esta moda como experimental y artística. 
 Haute Couture, “high fashion” o “alta costura” en español, ha dejado de ser una 
moda tan lucrativa como lo era antes, por la falta de compradoras nuevas que ahora se 
reduce a mujeres sumamente adineradas. 
 
 
41 FAERM Steven, Moda, curso de diseño, Ed. Parramón Arquitectura y Diseño, China, 
2010, página 22. 
 37 
 b) Diseñador/Prêt-á-porter: Esta ropa es producida en tallas estándar, se realiza 
por temporadas. Las telas, la confección y el trabajo son de alta calidad, muchas veces 
es artesanal. El público objetivo de este tipo de moda sigue siendo quienes tienen un 
poder adquisitivo alto, pero el precio no es exorbitante como el de la alta costura, se 
encuentra en boutiques de zonas importantes o en prestigiosas tiendas 
departamentales. Como su nombre lo indica en francés, la ropa está lista para adquirir y 
usarse. Estas dos primeras categorías son las que se retoman en el portafolio 
fotográfico. 
 
 c) Otras categorías son la ropa “contemporánea”, muchos diseñadores lanzan 
colecciones masivas, de acuerdo a las tendencias de la moda, y dirigida a un público 
joven que quiere vestir ropa de moda a un precio menos elevado (DKNY, Calvin Klein, 
por ejemplo). La ropa en la categoría “intermedio” se encuentra en grandes almacenes 
que incluyen ropa para ir a trabajar hasta deportiva y se subdivide en básica, básica 
plus y en la nueva colección. La ropa “preadolescente-adolescente” dirigida a personas 
de 10 a 18 años que desde temprana edad les gusta ir de compras y por último la ropa 
“económica”, esta categoría engloba a las producciones que se realizan de forma barata 
y rápida, aquí no hay temporadas de forma específica y es muchas veces criticada por 
las constantes prácticas de explotación de trabajadores para la obtención de bajos 
costos de producción, además del daño al medio ambiente resultado de la fabricación 
de telas baratas. 
 
2.6.4 La Ilustraciónde moda 
El diseñador debe decidir para qué tipo de público y para qué tipo de cuerpo va a 
diseñar, cuánta tela y cuánta piel mostrar, las características del cuerpo que quiere 
resaltar. Esto como un primer paso se logra visualizándolo en un borrador e 
interpretando la forma en que se vería en una modelo. 
 La ilustración así como los diseños, tienen un estilo propio, se puede dibujar 
fielmente o exagerar los puntos de interés del diseño. El creador se adueña de su 
vestido y de la silueta, invoca a su musa y la dibuja en la posición que mejor refleje el 
sentido del diseño. 
 38 
 Dibujar en moda es una expresión artística por sí sola, la cual a menudo debe ser 
realizada rápidamente para plasmar una idea y no perder la inspiración que se tuvo en 
ese momento. Las técnicas son varias: lápices de madera, acuarela, rotuladores, digital, 
etc. Y todas ellas deben servir como puente entre el diseñador, el productor de telas, y 
los encargados de la manufactura. 
 
2.7 Annie Leibovitz 
“-What is a photographer’s life?. 
 -It’s just a life, looking through a lens”. 
Annie Leibovitz 
 
-¿Cómo es la vida de un fotógrafo? 
-Es sólo una vida, viendo a través de un lente. 
 
 
Meryl Streep, Nelson Mandela, Leonardo 
DiCaprio, Brad Pitt, Bill Gates, John Lennon, 
Susan Sontag, Mick Jagger y la reina Elizabeth II, 
son sólo unos nombres de la larga lista de personajes que la fotógrafa Annie Leibovitz 
ha retratado en su carrera. 
 Leibovitz, fotógrafa estadounidense nacida en Connecticut 1949, reconocida 
mundialmente y posicionada como una de las mejor pagadas, ha sobresalido con su 
trabajo en importantes revistas como Vanity Fair, Rolling Stone, Vogue, The New 
Yorker y en proyectos de fotografía documental, paisajes, retratos a celebridades, 
políticos o personas importantes para ella como quien fue su pareja la novelista Susan 
Sontag, quien murió en 2004 de leucemia y cuyos últimos años de vida, fueron 
documentados por Leibovitz. 
 Obtuvo la licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco, 
ahí los cursos de fotografía estaban basados en gran parte, en la obra del fotógrafo 
francés Henri Cartier-Bresson, quien revolucionó la forma de hacer fotografía, 
 39 
haciéndola fresca y portátil gracias a las cámaras prácticas y pequeñas. Así es como 
Annie aprendió a tomar fotografías. 
 Para esta artista, la forma de obtener las mejores fotografías es involucrarse en 
el ambiente, no ser un intruso con una cámara sino estar en armonía con la situación. 
En el documental Annie Leibovitz: Life through a lens, todos los testimoniales de 
diversas personalidades que aparecen, muestran el respeto que se ha ganado esta 
fotógrafa en la industria. En el documental, Arnold Schwarzenegger expresa cómo es 
trabajar con Leibovitz, y su forma de convertirse en uno más del grupo, de forma que 
después de poco tiempo, uno se olvida que ha estado filmando o tomando fotografías. 
 Leibovitz ya contaba con un portafolio impactante cuando la revista Rolling 
Stone era sólo una publicación emergente y decidió unirse al equipo, se postuló como 
fotógrafa autónoma, puesto que ejerció por dos años antes de convertirse en fotógrafa 
jefe por diez años. El tiempo que ella estuvo publicando en la revista, la gente esperaba 
lo que saldría en la siguiente edición, querían ver más de Leibovitz de una forma que no 
se le había ocurrido a ningún otro fotógrafo. 
 “Working in Rolling Stone… It was a drug culture”42 (Trabajar en Rolling Stone, 
era una cultura de drogas). Durante un periodo trabajando en la revista, la fotógrafa se 
había vuelto irresponsable y nada profesional no entregando el material a tiempo. 
Referente a su adicción a las drogas, relata en el documental sobre su vida: “It wasn’t 
about trying to zone out, I mean it was more about zoning in, and I think there was a 
great interest in cocaine because it prepaled you, it kept you going and it made you 
think you were thinking”43 (No se trataba de intentar escapar, sino de seguir dentro, 
creo que había un gran interés en la cocaína porque te preparaba, te hacía seguir 
andando y te hacía pensar que estabas pensando). La fotógrafa entró en rehabilitación, 
consiguió ayuda profesional, siguió adelante y terminó con ese capítulo de su vida. 
 
42 Annie Leibovitz: Life Through A Lens (DVD), Rhinebeck Productions, 2007, Estados 
Unidos, Guión y Dirección Barbara Leibovitz. 
 
43 Annie Leibovitz: Life Through A Lens (DVD), Rhinebeck Productions, 2007, Estados 
Unidos, Guión y Dirección Barbara Leibovitz. 
 
 40 
 Cuando Annie decidió cambiar, dejar Rolling Stone y entrar a Vanity Fair, estaba 
tomando un gran riesgo, dejar el mundo del rock & roll y entrar a uno donde todo tenía 
más brillo y era un poco más pretensioso. Graydon Carter, Editor en Jefe de Vanity Fair 
señala que la fotógrafa es una mujer muy demandante. Según miembros de su familia, 
por más atractivo que pareciera el estar con Annie en una sesión de fotos, quien la 
conoce prefiere no estar cerca de ella mientras está trabajando, ya que es muy 
concentrada en lo que hace y uno no quiere ser el que se meta en el camino y 
entorpezca su trabajo. 
 Recién entrando en Vanity Fair, Annie Leibovitz no tenía las herramientas para 
hacer ver bien a la gente, su trabajo anterior era retratar músicos o artistas en su 
ambiente, salir con ellos, ya sea que estuvieran trabajando, tomando, descansando, etc. 
Ella debía aprender ahora que las personas tienen un lado bueno y un lado malo, que la 
preparación antes de una sesión es larga incluyendo peinado, maquillaje, ponerse la 
ropa, etc. 
 Annie Leibovitz, una de las fotógrafas de moda más importantes del mundo, al 
inicio incluso dudaba si estaría bien realizar una cosa u otra en una sesión de fotos y se 
sentía culpable ya que como dice “I’m not a fashion photographer” (no soy fotógrafa de 
moda). Lo que queda fuera de duda es que las imágenes conseguidas en sus sesiones, 
eran cosas que nadie más lograría, lo que ella pedía, lo tenía, ya fueran autos, lluvia, 
fuego, aviones, animales de circo… 
 
 41 
 
 
Fotografías de Annie Leibovitz de la serie Once Upon a Time (2003) de la revista Vogue. 
 
“The cover is not a photograph… it really is design to sell the magazine. My work really 
lives inside de magazine, my real photographs are inside de magazine”.44 
– Annie Leibovitz. 
 
44 Annie Leibovitz: Life Through A Lens (DVD), Rhinebeck Productions, 2007, Estados 
Unidos, Guión y Dirección Barbara Leibovitz. 
 
 42 
La portada no es una fotografía, es diseñar para vender la revista. Mi trabajo en realidad vive dentro de la 
revista, mis fotografías de verdad, están dentro de la revista. 
 
 Leibovitz encontró una forma de fusionar la poesía con sus imágenes. A partir de 
un proyecto con la revista Life, donde le asignaron la tarea de hacer una serie de 
imágenes protagonizadas por poetas, incorporó la esencia de cada escritor y sus 
poemas. Así para reflejar la muerte, mostró la imagen del poeta sin camisa, un hombre 
de edad avanzada al cual quería reflejar de una forma expuesta y vulnerable. 
 
“There are alot of photographers out there, they don’t really suffer, and agonize, and 
obsess, the way that Annie does”.45 
- Anna Wintour, Editora general U.S. Vogue. 
 Hay muchos fotógrafos allá afuera, ellos no sufren, agonizan y se obsesionan en la manera que 
Annie lo hace. 
 
 Cuando la fotógrafa conoció a su pareja Susan Sontag, la escritora necesitaba 
fotografías para publicidad y aunque Leibovitz no era aficionada a la lectura, hizo su 
tarea y leyó El Benefactor de la mencionada escritora. Encantada con el libro, conversó 
de eso con su autora y fue como empezaron una relación sentimental que duró hasta la 
muerte de la escritora en 2004. 
 En 2013, el jurado del Premio Príncipe de Asturias de Comunicación