De-la-animacion-tradicional-al-Web--diseno-tecnicas-y-aplicaciones--caso-tarjetas-virtuales-Tarnetas-burundiscom

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UNIVERSIDAD NACIONAL
AUTÓNOMA DE MÉXICO
FACULTAD DE ESTUDIOS SUPERIORES 
ACATLÁN
De la Animación Tradicional al Web. Diseño, técnicas y aplicaciones. 
Caso tarjetas virtuales “Tarnetas burundis.com”
Tesis
QUE PARA OBTENER EL TÍTULO DE
LIC. EN DISEÑO GRÁFICO
PRESENTA
Paloma Cristina Jiménez Vega
Asesor: Adrian Vladimir Salazar Aragón
Septiembre 2007
F 
, 
E . 
S· ... .......... . 
ACATLÁN 
 
UNAM – Dirección General de Bibliotecas 
Tesis Digitales 
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A mi madre, por ser la persona más especial de mi vida,
por todo su amor, sus cuidados y enseñanzas, su alegría
y sus regaños, porque siempre cree en mi y me inspira
su ejemplo.
A mi padre, quien es la persona que más admiro en
el mundo, por su sabiduría tan grande y ser todo un
ejemplo de vida. Por enseñarme que las cosas se
ganan por uno mismo gracias al trabajo duro, sen-
cillez y conocimiento. Por apoyarme siempre.
A la UNAM, mi muy amada Escuela, por brindar-
me mi formación profesional, porque dentro de sus
instalaciones he vivido los momentos más felices
de mi vida y conocí a las personas que más me han
influenciado. Por el libre pensar y por ser una
Institución tan Excelente. 
Dedico esta Tesis con todo mi amor, 
alma y sangre...
agradezco infinitamente...
A Interalia Digital y en especial a Carlos Salazar por darme
la oportunidad de entrar al proyecto Burundis para así des-
arrollarme profesionalmente y tener la oportunidad de hacer
esta tesis en base al proyecto de trabajo.
A Maca, Enrique y Arnulfo por dejarme usar sus persona-
jes y por toda la ayuda brindada.
A mi Asesor Vladimir y mis sinodales por su valiosísima
ayuda en el desarrollo y corrección de este proyecto. A
todos ellos por su paciencia y sus conocimientos.
A Rafael Peláez por su gran ayuda en la corrección de
estilo y redacción, por ser el sexto sinodal y por su mara-
villosa y regañona amistad.
A los interalitos, y muy en especial a Machín, Espe, Leo
y el señor Juan por ser mis cuates, por sus conocimien-
tos y asesorías.
A mis profesores Alfredo y Juan Carlos de la FES, a mi
profesor Jorge Albarrán del CCH Vallejo, a la Dra. Jutta
Rütz y a Gabriel Ruiz por su amistad, su experiencia y por
ser tan increíbles personas.
A Luis Enrique R. por ser alguien tan especial, por alentar-
me en éste y todos mis proyectos. Por enseñarme a vivir
con toda intensidad.
A Tomás, por haber sido la Luna y el Sol de mis días
escolares. Mi alma, mi vida.
A mi hermanita de corazón Ana, mi cómplice
incondicional.
A Christian Santana y Ale Vega por ser
mis mejores y más grandes amigos.
A Daniel D. y Alex C. por ilu-
minar el Lado Oscuro de
mi Corazón.
De la animación tradicional al Web
Índice
1.1 Orígenes 8
1.2 Desarrollo 11
1.3 Actualidad 16 
1.4 Animación en México 19
1.5 El guión de animación: Story board 24
1.6 Tipos de animación 29
1.6.1 Acetato 30
(dibujo animado) 
1.6.2 Stop motion 31
1.6.3 Clay motion 32
1.7 Animación por computadora 34
1.8 El papel del diseñador gráfico 38
en la animación 
Capítulo I
Animación Tradicional
Introducción 
1
4
7
Índice
Índice
2.1 Hipertextos
2.2 Interfaces
2.3 Historia de Internet
2.4 www y el HTML
2.5 Recursos
2.5.1 Animación 2D
2.5.2 Animación 3D
2.6 Tipos de animación Web
2.7 Similitudes entre la
animación Web y 
la animación tradicional
2.8 Técnicas creativas de 
animación Web
2.9 Macromedia Flash
Capítulo II
Animación Web
2
43
44
45
46
48
51
55
58
60
60
62
68
De la animación tradicional al Web
Índice
3.1 Antecedentes 74
3.2 BouncyNet 75 
3.3 Los personajes 79
3.4 Las “TarNETas” 85
Capítulo III
Burundis
4.1 Preproducción 90
4.2 Producción 101
4.3 Postproducción 102
Capítulo IV
Desarrollo del proyecto
Conclusiones
Bibliografía
Vocabulario
3
73
89
103
107
111
Introducción
El campo del diseñador gráfico es cada vez más amplio. La tecnología
siempre en constante expansión y avance provee un campo de acción que
abarca ya muchas disciplinas y áreas; facilita su quehacer profesional, y le
brinda la posibilidad de relacionarse estrechamente con otros profesionis-
tas.
Una de estas áreas es Internet, que se ha convertido en uno de los princi-
pales medios de comunicación a nivel mundial y una poderosa vía de publi-
cidad y ventas (muchas veces más económica que otros medios de comu-
nicación). 
La animación, siendo principalmente una expresión cinematográfica, tam-
bién es una actividad artística que puede ser generada por comunicadores
visuales, artistas plásticos y diseñadores gráficos, como es el ejemplo de
Enrique Navarrete o Richard Rosenman.
Así pues, Internet se enriquece con la animación para formar parte de los
medios Multimedia: Es donde el diseñador gráfico entra a escena y de esta
forma poco a poco se desarrolla un área muy importante dentro de su que-
hacer profesional: El diseño Multimedia; requiriéndole conocimientos de
cierto dominio de lenguajes de programación tales como HTML, javaScript
y actionScript, y donde la animación juega un papel determinante dentro de
todo este avance a nivel de efectividad en cuestión de crear el impacto extra
en nuestros sitios Web. Conforme la tecnología crece, lo mismo sucede con
respecto a la animación. Diversos programas son creados específicamente
para hacer animaciones y contenidos interactivos, en donde se pueden
lograr trabajos realmente impresionantes.
En este proyecto de tesis, veremos el desarrollo de un proyecto real de tra-
bajo, en donde se planteó la necesidad específica de BouncyNET de crear
animación Web creativa y divertida de los personajes Burundis en tarjetas
virtuales para su sitio burundis.com, para de esta forma, posicionar su sitio
en las preferencias de los usuarios de Internet, así como reforzar su lugar
dentro del mercado y captar nuevos usuarios y consumidores.
Debido a la problemática de hacer animación Web eficiente y creativa es
como surge la inquietud de revisar los conceptos y la historia de laanima-
ción, así como sus diferentes tipos, sus técnicas, sus métodos de trabajo,
sus aplicaciones y la creación y diseño de personajes. De esta manera,
pudimos observar, que muchos conceptos y términos de la animación tradi-
Introducción4
5De la animación tradicional al Web
cional fueron trasladados a la animación por computadora. Es por ello que nos
cuestionamos lo siguiente: si estudiamos la animación tradicional, y todo lo refe-
rente a ella y sus procesos de producción y la aplicamos a la animación Web,
¿ésta tendrá un sustento teórico y de esta manera ser más eficiente y atractiva?
¿Los conceptos de Diseño Gráfico pueden contribuir al éxito de una animación
Web? ¿Puede un diseñador gráfico ser un animador? ¿Y si un diseñador gráfico
puede ser animador, por qué está capacitado para desarrollar este tipo de activi-
dad?.
Estos cuestionamientos los iremos abordando a lo largo de las etapas de inves-
tigación y producción, así como los elementos de diseño necesarios para la ela-
boración del proyecto. De esta manera, con la investigación, marco teórico y la
experiencia obtenida, podremos realizar futuros proyectos de Diseño Multimedia
más atractivos y eficientes de acuerdo a las necesidades de cada uno de estos.
De la animación tradicional al Web 7
Historia
En este primer capítulo daremos un recorrido por la historia de la animación,
a fin de partir de un planteamiento general de cómo es que surgió, sus ini-
ciadores y cómo se fue convirtiendo en una industria redituable, que bene-
ficia a la publicidad y al entretenimiento. Grandes descubrimientos, aplica-
ciones y tecnologías se han hecho en este campo, que como veremos más
adelante, muchos se trasladaron a la animación por computadora, y por lo
consiguiente a la animación Web.
Así pues, comenzaremos desde sus orígenes en la cinematografía, el sur-
gimiento de los dibujos animados, la aparición de grandes compañías de
animación que hasta la fecha continúan vigentes y que aportaron la tecno-
logía y técnicas como el technicolor, así como diferentes formas de anima-
ción que se basan en el stop motion, hasta llegar a la animación por com-
putadora.
Capítulo I
Animación Tradicional
1.1 Orígenes
El término dibujos animados deriva de la palabra inglesa cartoon que significa
viñeta, caricatura y dibujo. Las películas realizadas mediante esta técnica cons-
tituyen en secuencia, un conjunto de dibujos que cobran vida al proyectarse en
la pantalla, a través de la película, en la que previamente se han impresionado
fotográficamente. Naturalmente se trata de una vida ilusoria. El movimiento (y
esto es válido para todo tipo de cine, de dibujos animados o con actores de carne
y hueso) es debido a lo que puede definirse como una cualidad de nuestra reti-
na llamada Persistencia de la visión, que en pocas palabras la enunciaremos así:
La persistencia de la visión se da porque el ojo humano retiene la imagen más
tiempo del que está realmente ante él, fundiéndola con la imagen siguiente cre-
ando la ilusión de movimiento, de manera que si un dibujo pasa con la suficien-
te rapidez, uno después del otro, nuestros ojos, verán un movimiento totalmente
natural. 
Antes de la presentación del cinematógrafo de los hermanos Lumière en 1895,
ya muchos estudiosos de diversos países, habían hecho experimentos ópticos
con el fenómeno de la persistencia de la visión, ellos comenzaron a escribir la
prehistoria de los dibujos animados.
Experimentos notables del orígen de la animación.
Uno de los primeros inventos más antiguos relacionados con la fotografía, la
cinematografía, la pintura y la animación se le denomina en latín camera oscura
y que es el ancestro de la cámara fotográfica.
Básicamente la cámara oscura es una caja negra (o incluso, todo un cuarto
donde el observador podia sentarse), completamente sellada con un orificio
pequeño en una de sus caras por el cual se filtra la luz en su interior y proyecta
la imagen invertida del objeto al que esta dirijido el orificio en la cara opuesta de
éste.
Alrededor del siglo IV, Aristóteles utilizó este sistema, para ver los eclipses.
Diversos científicos comenzaron a utilizar las cámaras oscuras, por ejemplo el
astrónomo Johannes Kepler.
Artistas del Renacimiento a su vez, experimentaron con este artefacto,
Leonardo Da Vinci alrededor de 1500 también experimentó con una pequeña
cámara oscura, pero él no la utilizó para dibujar, solo lo hizo para comprobar sus
teorías del funcionamiento del ojo humano.
El pintor Johannes Vermeer (1632-1675), el cual pintó una treintena de obras
en toda su vida, utilizaba la cámara oscura para dibujar la perspectiva de sus pin-
turas.
Europa a mediados del siglo XVI
Girolamo Cardano, un profesor de matemáticas y física publicó su libro De
Subtilitate en 1550, en el cual describe a las cámaras oscuras, pero el fue el ini-
ciador de ponerles un lente convexo en el orificio el cual reducía la distorsión y
mejoraba la imagen.
Siglo XVII
Athanasius Kircher
En su libro Ars magna lucis et umbrae alrededor de 1646, describe La Linterna
Mágica (proyección de imágenes fijas).
Johann Christoph Sturm en 1676 montó un espejo a 45º del lente, el cual refle-
jaba la imagen al derecho, este es el principio de las cámaras reflex.
Johanes Zahn en 1685, Montó sobre un disco algunas figuras dibujadas en
vidrio, las cuales componían la acción de un personaje. Haciendo girar el disco,
lo iluminaba desde la parte posterior, así obtenía la proyección aumentada de un
movimiento.
Siglo XVIII
Peter Von Musschebroek 
Dio a conocer un disco de revolver en 1735, en el que las imágenes producían
Cámara oscura
8 Capítulo I Animación Tradicional
9De la animación tradicional al Web
ya la ilusión de movimiento. Usó múltiples linternas sincronizadas con las dife-
rentes imágenes; presentaba más elaboración en la ilusión de movimiento y la
animación de entretenimiento. 
Gaspard Tobert 
En 1794 inaugura un espectáculo al que denomina “fantasmagórico”, en París,
donde mostraba imágenes de terror y héroes de la Revolución Francesa.
Siglo XIX
Peter Mark Roget 
En 1824, publicó en ese año su tesis titulada “Persistencia de la visión con res-
pecto al movimiento de los objetos”.
John Ayrton 
Presentó el taumátropo, en 1826, que consta de un disco con imágenes pintadas
en cada lado, cuando el disco gira, las imágenes parecen combinarse. 
Joseph Plateau
En 1832, éste belga inventa el fenakistoscopio o fantoscopio, éste consta de dos
discos, uno de ellos se dividía en dos partes iguales y en cada una de esas par-
tes se colocaba un dibujo correspondiente a una fase del movimiento, el disco
superior tenía solamente una abertura, el disco que tenía la imagen giraba sobre
un eje central mientras que, por la abertura del segundo disco superpuesto se
observaba. 
Simon Ritter von Stampfer construyó un aparato muy similar al que llamó estro-
boscopio (el cual no debe confundirse con el estroboscopio que conocemos
como luz intermitente). 
Williams G. Horner 
En 1834, creaba otro invento que llamó daedalium, y después este fue conocido
como zootropo en 1860. Se componía de dos cilindros anidados, el más externo
de los cuales tenía una fila de aberturas verticales en el exterior. El cilindro más
interno contenía secuencias de imágenes en movimiento impresas en el exterior.
Cuando se rotaban los cilindros, las imágenes del cilindro interior aparentaban
movimiento cuando eran vistas a través de las aberturas del cilindro exterior.
Nièpce, Daguerre, TaIbot y Bayard 
Estos estudiosos fueron los que comenzaron a experimentar con diversas técni-
cas y materiales que dieron origen a la fotografía. Nièpce en el año de 1826, tras
una exposición de 8 horas, logra la primera fotografía en una placa de peltre con
una recubierta de betún de judea. Daguerre que contaba con una excelente
cámara oscura se asoció con Nièpce para experimentar con el fijado de las imá-
genes. Nièpce muere en el 34 y Daguerre continúa con los experimentos y en
1839 da a conocer el Daguerrotipo; probó con el ioduro de plata en placasde
zinc, cobre, estaño o peltre, revelaba con mercurio y fijaba las imágenes con un
baño de sal, que después cambió a hiposulfito, para concederle permanencia le
daba un baño de oro. El Daguerrotipo era una pieza única y muy cara.
Bayard en ese mismo año experimentaba con los mismos conceptos que
Daguerre, solo que él utilizaba papel en vez de placas de metal. Talbot fue el que
pensó en el concepto del negativo, esto para crear multiples copias de un origi-
nal.
En 1888 la fotografía deja de ser sólo para científicos ya que Eastman Kodak
inventa la primera cámara para ser usada por todo mundo.
Inventos brotaban por doquier haciendo cada vez más inminente la proximidad
del momento en el que sería posible el nacimiento del film.
Franz von Uchatis 
Este austríaco en 1853, construyó un proyector que consistía en la combinación
de un modelo del fenakistoscopio de Plateau y la Linterna Mágica; el resultado
fue de gran trascendencia: lo que con el aparato de Plateau era visto por una
sola persona, con el proyector de Von Uchatis lo podían ver varios observadores
simultáneamente.
Taumátropo
Zootropo
10 Capítulo I Animación Tradicional
flip book
Este invento también llamado kineógrafo, libro rápido o filoscopio fue inventado
en 1869 y fue patentado en 1896, consistía en una serie de dibujos o fotografí-
as, y acomodadas en orden, el rápido cambio de imágenes produce la sensación
de movimiento, tenía una palanca para que las páginas pasaran con mayor faci-
lidad.
Emile Reynaud
-Inventa el praxinoscopio que fue un perfeccionamiento del zootropo. Con la
combinación de pequeños espejos situados en el interior del tambor y con la eli-
minación de las aberturas, pudo hacer más flexible el movimiento aparente de
las figuras en cuestión. 
-Creó el denominado teatro praxinoscópico; que aún era para un espectador;
situaba la acción del personaje en el centro de una escenografía fija, a través de
una complicada y muy ingeniosa combinación de espejos, el espectador, obser-
vando por una abertura situada sobre la cobertura abierta del pequeño teatro,
podía ver en miniatura un escenario sobre el cual se movían las figuras lumino-
sas.
-Las proyecciones iban acompañadas de piezas musicales que él mismo com-
ponía, así como de efectos especiales sonoros. Se han conservado fragmentos
de esos trabajos; los más célebres son los titulados Clown et ses chiens (1892),
Pauvre Pierrot (1892) y Autour d’une cabine (1895).
Eadweard Muybridge 
Entre 1872 y 1880, este científico fotografía el movimiento animal y humano con
un sistema de cámaras estereoscópicas accionadas por un circuito eléctrico, al
cual un reloj motorizado indicaba detener y accionar dichas cámaras. 
Una vez teniendo estas fotografías, seleccionaba un número suficiente para
hacer un ciclo completo, éstas las montaba en un aparato similar al zootropo:
consistía en una linterna con dos discos rotativos, uno era de vidrio, y sobre éste
estaban colocadas las fases del movimiento. El otro estaba hecho de lámina de
metal y perforado con angostas y largas ranuras, correspondientes al número de
fases del otro disco y estaba colocado delante del de vidrio. Montados en un
mango, ambos discos giraban en direcciones contrarias uno del otro. A este apa-
rato, Muybridge le llamó zoopraxinoscopio.
Describió su invento como “la máquina para la demostración sintética del movi-
miento de la vida analíticamente fotografiado”*1 publicó en 1899 Animals in
motion y en 1901 The human figure in motion. Sus estudios publicados sobre el
movimiento son aprovechados aún en día por los animadores.
Finales del siglo XIX y principios del XX
James Stuart Blackton
-En 1896 junto con Albert E. Smith y Ronald Reader formaron la compañía
Vitagraph.
-En 1900, Blackton fue protagónico en la filmación del cortometraje The
Enchanted drawing de Edison, en el cual es un caricaturista que dibuja un hom-
bre que fuma cigarros y bebe vino. 
-En 1906 filmó Humorous phases of funny faces donde dibujaba en un pizarrón
diferentes personajes que se movían y luego los borraba parcialmente y sobre
ese “personaje medio borrado” hacía otros moviéndose.
-En 1925, él y sus socios venden Vitagraph a Warner Brothers. 
Georges Méliès 
Nació en 1861en París, hijo de una familia burguesa adinerada y educado en los
mejores colegios de su época pretende dedicarse a la pintura, pero su padre lo
envia a Londres en 1884 donde perfecciona sus conocimientos industriales, para
hacerce cargo, junto con sus hermanos de los negocios de calzado de su padre.
Sin embargo, Méliès se apasiona por los espectáculos de prestidigitación y la
magia escenica. En 1888 vende a sus hermanos su parte de la fábrica de calza-
do y compra el teatro Robert Houdini. El mismo construye aparatos ingeniosos y
muy costosos para realizar sus trucos de magia. Cuando vió la demostración del
cinematógrafo en 1895 ofreció a los Lumière la suma de 10 000 francos por él,
*1 Animals in motion. MUYBRIDGE, Eadweard. Dover Publications. New York. 1957. p 15
teatro praxinoscópico
secuencia de The human figure in motion
cuadro del corto Humorous phases of funny
faces 
11De la animación tradicional al Web
no le venden el aparato, sin embargo, en Londres compra un bioscopio, y cons-
truye su propia y rudimentaria cámara. Comienza a filmar en 1896. Dos años
más tarde, un día filmando en la Plaza de la Ópera su cámara se atascó, la puso
en marcha después de unos minutos y un pedazo de película estropeada.
Cuando reveló, cortó el pedazo dañado y unió los extremos de los que estaban
en buenas condiciones, al proyectarlo, la escena donde estaba un hombre, de
repente estaba una mujer, y donde estaba el obnibus de repente aparecía una
carroza fúnebre. Había descubierto el truco de la sustitución, deteniendo la
cámara, lo que después sería la base de los dibujos animados.
Es el creador de la fantasía cinematográfica, abordaba todos los temas, desde
escenas sencillas como los Lumière, hasta las películas fantásticas. Entre sus
obras se encuentran “Viaje a la Luna” de 1902 inspirada en la novela de Julio
Verne con una duración de 16 minutos, “El reino de las Hadas” (1903), “Viaje a
través de lo imposible” (1904), “El palacio de las mil y una noches” (1905) “los
enredos del Diablo” (1906), etcétera.
Se quedó en la pobreza, debido a un mal negocio con otro cineasta que era su
rival, Charles Pathé. Aún estuvo activo artísticamente a pesar de que ya no fil-
maba, participaba en las actividades del Circulo del Cinema y de la Cinemateca
Francesa. Murió en 1938.
Emile Cohl
Émile Cohl, seudónimo de Émile Courtet, es un pionero que puede ser conside-
rado como el primer autor propiamente dicho de los dibujos animados.
-Nació en la región de Alsacia (Francia) el 4 de enero de 1857
-En 1908, realiza el film de treinta y seis metros, Fantasmagorie; que trata el des-
afío de dos personajes de gorros de papel y espadas de madera, dibujados de
una manera infantil. Su gran hallazgo fue el conseguir proporcionar movimiento
autónomo a los personajes dibujados. Efectuó él mismo toda la labor de mane-
ra artesanal, al igual que hiciera Méliès.
-Cohl dibujaba sus figurillas con todas las variantes necesarias para dar la sen-
sación de movimiento sobre la pantalla en unas cartulinas blancas opacas. El
procedimiento técnico, en si del truco del film de dibujos animados, consiste efec-
tivamente en fotografiar los dibujos uno a uno: un fotograma por dibujo.
-Desde 1908 hasta 1910 realizó para la productora Gaumont alrededor de unas
setenta películas, de las cuales por lo menos una treintena eran de dibujos ani-
mados.
-Posteriormente pasó a otras productoras, entre ellas la Éclair, hasta que marchó
a Estados Unidos, país en el que su trabajo era seguido atentamente y en donde
tenía numerosos admiradores, uno de ellos fue Winsor McCay. 
-En la última de sus caricaturas producidas en Estados Unidos, Le vent (1914),
utilizó por primera vez un fondo fijo para sus muñecos animados. 
-En su patria, durante la Primera Guerra Mundial se dedicó también a realizar
películas didácticas y científicas.-Murió en el mes de enero de 1938. En su memoria se instituyó un premio que
recompensa periódicamente las mejores películas de dibujos animados.
1.2 Desarrollo
Hasta aquí hemos descrito los comienzos de un género que poco a poco alcan-
zaría grandes logros, pero los primeros pasos ya estaban dados: entre otros, los
descubrimientos de Méliès y sus trucos, y el surgimiento de los dibujos anima-
dos: Emile Cohl y sus dibujos casi infantiles. Sin embargo, estos trabajos más
que nada eran experimentos que sentaron las bases para producciones poste-
riores de presupuestos más elevados. A continuación daremos un vistazo a los
siguientes proyectos, que debido a su tamaño e impacto, demuestran que la ani-
mación alcanzaría un lugar cada vez más importante dentro de la industria del
entretenimiento asi como de enseñanza.
Winsor McCay
Considerado como el padre de los dibujos animados en Estados Unidos. 
-La primera película de McCay fue Little Nemo, él mismo dibujó cerca de cuatro
mil dibujos para hacer un total de 3 minutos de proyección, la más larga hasta
entonces.
cuadro de la película “Viaje a la
luna”
dibujo de Emile Cohl
12 Capítulo I Animación Tradicional
-En 1912, tras un año completo de trabajo realiza su segundo film: The history of
mosquito en donde un mosquito parlante se embriagaba con la sangre de un
alcohólico mientras este dormía. 
-En 1914 realiza “Gertie la dinosaurio”, duraba 9 minutos y se confeccionó con
diez mil dibujos, aunque un ayudante de McCay, John A. Fitzsimmonds, se
ocupó de dibujar los fondos. McCay acompañaba las proyecciones de su pelícu-
la, para interactuar con la dinosauria dibujada, mediante el diálogo. Le hablaba y
el animal respondía a sus peticiones. McCay ordenaba a la dinosaurio salir de su
cueva o saludar al público. Gertie la dinosaurio causó un gran impacto, pues
incluía el elemento teatral de la interacción con un ser vivo, lo que hacía que el
espectáculo fuera muy completo.
En 1918 realizó una película de carácter serio: “El hundimiento del Lusitania”.
Fue exhibida en todas partes y fueron necesarios para este film veinticinco mil
dibujos.
Dos célebres gatos negros: Crazy Cat y Felix the Cat.
-Crazy Cat es un minino de sexo ambiguo que sentía una gran pasión por el
ratón Ignatz y era el objeto de continua persecución amorosa por el perro policía
Offisa Pup, creado por George Herriman. El 22 de febrero de 1916 Ignatz belie-
ves in sings inauguró lo que sería después una media docena de cortos durante
ese año y otros más en el año siguiente.
-Felix the Cat, fue creado por Otto Messmer, aunque se le ha atribuido a Pat
Sullivan. Su primer cortometraje fue en 1919 y se tituló Feline Follies, que a la
Paramount le gustó mucho. Félix resultó ser un gran personaje, listo e ingenio-
so, precursor de los personajes animales tan famosos como los de Disney. Félix
fue clasificado como “un Charles Chaplin de los dibujos animados”*2.
-En 1927 se ensayó la incorporación del sonido a sus cortos, pero Felix the Cat
vivió mal el cambio del cine mudo al sonoro, en un momento en que se hallaba
en la cima de su popularidad. Felix the Cat continuó en comics, pero las páginas
dominicales quedaron interrumpidas el 19 de septiembre de 1943.
-Joe Oriolo produjo en 1960 una larga serie de episodios para un programa de
televisión de media hora de Felix the Cat, en que el protagonista poseía una
bolsa mágica, codiciada por The Professor y su ayudante Rock Bottom. 
Los hermanos Fleischer.
-Max Fleischer nació el 17 de julio de 1889 y falleció el 13 de septiembre de
1972. Era un dibujante de historietas. Se inició en los dibujos animados en 1921,
creando una serie de cortometrajes titulada Out lf the Inkwell donde aparecía un
payaso llamado Koko, el cual surgía siempre de un tintero, luego se combinaba
con otros colores y finalmente regresaba a su tintero.
-Junto con su hermano Dave y sus otros hermanos Lou y Charlie, animaron a la
pareja Mutt y Jeff de Bud Fisher.
-Crearon a Popeye el marino y a la sexy Betty Boop, la cual nació en la carica-
tura cinematográfica Dizzy Dishes el 9 de agosto de 1930; “se trataba de la per-
fecta caricatura de las divas eróticas de las películas hollywoodenses, de este
modo se convirtió en el primer personaje sexuado del cine de animación, total-
mente lejano a los personajes de Disney”*3. Su primer cortometraje oficial fue
Stopping the show (12 de agosto de 1932).
-En 1939 se lanzaron a lo grande con su primer largometraje animado dando
vida a “Los viajes de Gulliver”, esto como reacción al primer largometraje de la
historia de los dibujos animados: “Blanca Nieves y los siete enanos”. “Los viajes
de Gulliver” no fue bien comprendida y desgraciadamente fue el punto de parti-
da de la decadencia de los Fleischer que después fueron desplazados en los
años siguientes al campo de los dibujos animados para la televisión. 
-Por último, en los años 1941-1943, los Fleischer llevaron a la pantalla, en una
serie de caricaturas, al personaje de Superman, los primeros títulos fueron filma-
dos por Dave Fleischer; los demás procedían de diferentes directores.
-Tuvo gran rivalidad con Disney y ésta duró más de un decenio.
Disney y un imperio que continúa
-Walter Elias Disney nació en Chicago el 5 de diciembre de 1905 y desde muy
niño demostró grandes aptitudes para el dibujo.Tras varios intentos en trabajar
*2 Los cómics en Hollywood una mitología del siglo. COMA, Javier. GUBERN, Román. Plaza & Janes.
España 1988. p. 48
*3 Ibid.,p. 95
Gertie la dinosaurio. Cartel promocional
Betty Boop
13De la animación tradicional al Web
como caricaturista en un pequeño estudio publicitario realizó su primer corto de
dibujos animados para una fábrica de chocolate. 
-En 1923 Disney y su hermano Roy comenzaron a producir una serie titulada
Alice un Cartoonland, que ponía en escena a una heroína viva en el mundo de
los dibujos animados. Como esta serie tuvo buen éxito, Disney comenzó otra
serie que tenía por protagonista al conejo Oswald.
-En 1928 produjeron el primer dibujo sonoro: Steamboat Willie, en donde apare-
cía un nuevo personaje: Mickey Mouse -originalmente llamado Mortimer-, crea-
do por Disney y Ub Iwerks, Mickey surgió ante la necesidad de encontrar un per-
sonaje nuevo para competir contra Felix the Cat.
-Ub Iwerks nació en Kansas City el 24 de mayo de 1901. Fue inventor de gran-
des efectos especiales, junto a Disney participó con gran destreza en la aplica-
ción de los efectos especiales en sus más importantes películas. Murió a los
setenta años, el 7 de julio de 1971.
-1929, produjeron la primera de su serie Silly Simphonies, “La Danza macabra”,
(The Skeleton Dance). 
-1932 crean su segunda Silly Simphony: “Arboles y Flores” (Flowers and Trees),
es la primera vez que Disney filma en technicolor y este cortometraje fue galar-
donado con un Oscar.
-1933 producen “Los tres cerditos”; la tercera Silly Simphonies. Y aquí aparece
una de las más grandes aportaciones que Disney hizo al cine de animación: el
story board, una invención suya que hacía más ágil el trabajo preparatorio de la
película de dibujos animados, y que ha sido adoptado actualmente en casi todos
los estudios de animación. 
-1935 nació otro personaje de la casa Disney: el Pato Donald, hizo su primera
aparición en una película a colores de Mickey llamada “El concierto de la Banda”.
-1937 “El Viejo molino” (The Old Mill ), fue rodada con una inédita y rudimentaria
cámara llamada “multiplana”, es decir, capaz de proporcionar un juego de pers-
pectiva amplía y, por consiguiente, dar evidencia realista a las acciones anima-
das. 
-1937 filma “Blanca Nieves y los 7 enanos” que se precia de ser el primer largo-
metraje de dibujos animados, que de inmediato obtuvo un gran éxito. 
-Después del ataque a Pearl Harbor, el gobierno de Estados Unidos encargó a
Disney la realización de un considerable número de dibujos animados de conte-
nido antinazi y propagandísticos, con elementos didácticos respecto al uso de las
armas, y para ilustrar de las capacidades de los aliados. De no haber sido por
eso, elestudio hubiera tenido que clausurar sus actividades, ya que debían sal-
darse prestamos bancarios por más de cuatro millones y medio de dólares.
Entre las caricaturas más destacadas de esa época podemos citar:Victory
Through Air Power (1943), The New Spirit (1942), The Fuechrer’s Face (1942),
Education for death, (1942).
-En 1966 Disney murió antes de ver terminada su película “El libro de la Selva”,
pero su legado continúa, además de que continúan dando avances importantes
en tecnología para realizar sus películas.
Stephen Bosustow y La United Produtions of América.
-1941 Marca la salida de Stephen Bosustow a raíz de un desacuerdo de carác-
ter sindical con Disney, los empleados se declararon en huelga y Disney decidió
despedirlos junto con Bosustow, al que consideraba el principal promotor del
conflicto.
Bosustow se encontraba al frente de un nuevo equipo de trabajo, que se integra-
ba por Robert Cannon, John Hubley, William Hurz, Sterling Sturvevant, Bill Scott,
etcétera.
-Su estilo de dibujo consistía en lo contrario a lo que Disney hacía: trazos senci-
llos, pocos, pero esenciales, el color como elemento de shock, y una animación
parcial, de solo algunos rasgos del personaje. Este estilo sencillo se convirtió en
su sello característico.
Busustow no impuso ninguna regla, dejó que sus colaboradores en completa
libertad crearan bajo su propia inspiración. 
-Entre 1941 y 1946, el equipo dirigido por Busustow se unió bajo el nombre de
UPA (United Produtions of América) contribuyó al esfuerzo bélico de Estados
Unidos creando films educativos y otros destinados a las Fuerzas Armadas.
el conejo Oswald
Steamboat Willie
14 Capítulo I Animación Tradicional
-1948 Columbia Pictures, construyó un estudio para ellos, aquí nacieron los per-
sonajes de Gerald McBoing-Boing, Christopher Crumpet (creados por Robert
Cannon) y Mister Magoo. 
-1959 apareció en los cines 1001Arabian Nigthts, que costó alrededor de 3 millo-
nes de dólares y que tenía de protagonista a Magoo.
-John Hubley se inspiró en la acuarela, su estilo difumina a menudo el contorno
de los paisajes, objetos y personajes. Entre sus trabajos se pueden nombrar:
The Magic (1945) y Pim Pam Pum (1952).
En 1961 realizó Children of the Sun, una película encargada por la UNESCO,
sobre la responsabilidad que tienen los países ricos frente a los más necesita-
dos.
Norman McLaren
Nació en Stirling, Escocia, en el año de 1914
McLaren dijo que la animación no es el arte de los dibujos que se mueven, sino
el arte de los movimientos dibujados.
De familia acomodada, Mc Laren descubre su vocación de cineasta mientras
estudia decoración de interiores, comienza sus primeros trabajos dibujando con
tinta china directamente sobre la cinta de viejas películas a las que previamente
quitaba la emulsión. Durante su participación en 1935 en el Festival de Cine
Amateur de Glasgow con el film Colour Cocktail, John Grierson, que presidia el
jurado, le invita a su grupo de documentalistas en Londres, Mc Laren se une a
ellos un año después y realiza el corto Hell Unlimited el cual gana el premio del
Festival de Cine Amateur de Escocia, dura dos años en este grupo, Durante esta
época, realiza cortos de carácter publicitario, ahí dispone de medios técnicos
profesionales y experimenta con ellos. De esta época podemos nombrar Love in
the wind, sobre un servicio de correo aéreo. 
-En 1939 se va a Nueva York, hace películas publicitarias y decorados para la
televisión. De esta época es “Rumba” y Loops, la cual obtiene premios en certá-
menes de Cánada e Italia.
-1940. John Grierson está organizando la Oficina del Film Canadiense y llama a
Mc Laren. Durante esta época, hace películas de tipo propagandístico. Hen hop,
trata de la venta de bonos para la Defensa y Dollar dance que trata de los peli-
gros de la inflación.
-En 1941 dirige el National Film Board of Canada, ubicado en Ottawa.
-En 1949 fue enviado por la UNESCO a China con el fin de hacer películas de
propaganda para combatir las enfermedades y el analfabetismo.
-1952 filma Neighbours. Dos hombres tranquilos en sus dos asientos muy próxi-
mos, observan en el espacio existente entre ellos el nacimiento de una margari-
ta, por cuya posesión comienzan a pelear. El altercado comienza a ser mas vio-
lento y los dos sujetos acaban matándose después de haber pisoteado la flore-
cilla, termina con la leyenda: “Ama a tu prójimo”.
-1957 A Chairy Tale. Aquí un hombre pretende sentarse en una silla, pero ésta
no quiere que el se siente en ella, lo evade. Lo que desea esta silla es que el
hombre se transforme en silla; finalmente, el personaje toma la silla en sus bra-
zos y la acomoda sobre sus rodillas.
-1968 Pas de deux. McLaren emplea la técnica de la animación para descompo-
ner, en una serie de ondulaciones de continuidad, la danza clásica de una pare-
ja de bailarines que parecen, en ciertos momentos, vibrar como una onda sono-
ra.
-1954 Blinkity blank. Realizado mediante el grabado directo de imágenes que
apenas se distinguen sobre una película negra. Esta película está acompañada
de música de clarinete, bajo y violoncello. Ganó la palma de Oro en el Festival
de Cannes.
De entre las obras de los artistas dirigidos por McLaren se pueden mencionar
dos cortos ecológicos; de unos pocos minutos de duración: 
-Paradise Lost, de Evelyn Lambart: un pájaro del bosque intenta inútilmente elu-
dir a la nube contaminante que lo persigue. El ave morirá, y con ella toda la vida
de aquel paraíso. 
-1972: Le Bleu perdu, de Paul Driessen en donde las figuras parecen como refle-
jadas en el agua, sin forma e inestables.
Gerald McBoing-Boing,
cuadro de Pas de deux.
15De la animación tradicional al Web
Mc Laren afirmó: “Lo que existe entre dos encuadres es mucho más importante
que aquello que está dentro de cada uno de ellos. Por esto, la animación es el
arte de utilizar los intersticios invisibles que existen entre dos fotogramas.”*4
Warner Bros y sus Looney Tunes.
-La compañía Warner Brothers Studios fue fundada en Hollywood, California en
1923 por los hermanos Jack, Sam, Harold y Albert Warner.
-El estudio de animación de Warner fue fundado en 1930 por los ex animadores
de Disney, Hugh Harman y Rudolf Ising, que trabajaban para la Universal
Studios, pero se vieron desempleados cuando el trabajo que ellos hacían se le
asignó a Walter Lantz (creador del Pájaro Loco).
-Su primer corto (completamente sonorizado) se llamó The Talk-Ink Kid. De esta
forma a Warner le interesó crear su departamento de animación comprendiendo
que llegaría a ser un negocio muy lucrativo.
-Su primer serie creada se llamó Looney Tunes muy al estilo de las Silly
Symphonies de Disney. La primera Looney Tunes se llamó Sinking in the Bathtub
(1930). 
-En 1931, realizaron la segunda serie mensual: Merrie Melodies, de esta mane-
ra se producían Looney Tunes dirigidas por Hugh Harman, con su protagonista
Bosko, quien era muy similar a Mickey Mouse pero sin orejas, y al mismo tiem-
po Merrie Melodies de Rudolf Ising como productor, pero sin protagonistas estre-
llas. 
-En 1933, Ising y Harman debido a un problema de dinero dejaron de trabajar en
Warner y se fueron a la Metro Goldwyn Mayer, donde sus dibujos animados se
llamaron Happy Harmonies.
- Isadore “Friz” Freeleng quedó como director, quien conservó esa posición hasta
los sesenta. Fue él el creador de personajes como Silvestre y Speedy Gonzáles.
-En 1935 un nuevo personaje apareció: un cerdito llamado Porky, quien se con-
virtió en la estrella de las Looney Tunes.
En ese año, se incorporó a trabajar en los estudios de animación de la Warner
Tex Avery, así como Chuck Jones y Robet Clampett y entre ellos tres crearon a
tan celebres personajes como Bugs Bunny, el pato Lucas (Daffy Duck), Piolín
(Tweety bird), Marvin el marciano, el Correcaminos, Wile E. Coyote, Sam Bigotes
(Yosemite Sam), Pepe LePew y Elmer Fudd.
-1936 Surgen los dibujos animados clásicos de la Warner con el director musical
Carl Satalling, otro ex trabajador de Disney y la voz del actor Mel Blanc, quienes
por décadas musicalizaron e hicieronhablar respectivamente los dibujos anima-
dos. Ganaron 4 premios de la Academia: Tweetie Pie (1947), For Scent-imental
Reasons (1949), Speedy Gonzales (1955), and Knighty Knight Bugs (1958) y
fueron nominados otras 17 veces.
-En 1963, la Warner cerró sus estudios de animación y todo su equipo tomó dife-
rentes caminos. 
-1964 la Warner decidió abrir sus estudios de animación nuevamente y llamó a
Freleng y David DePatie, ellos continuaron hasta 1969. Durante las décadas que
siguieron, la Warner se ha dedicado a producir caricaturas para televisión.
-En 1990 Amblin Entertainment de Steven Spielberg en asociación con la Warner
comenzaron a producir Tiny Toons Adventures, en donde aparecían nuevos per-
sonajes como Babsy y Búster Bunny, Pluky Duck, Hampton Pig y otros persona-
jes
-En 1993, Amblin y Warner de nuevo juntos producen Animaniacs, basadas en
las aventuras de los hermanos Warner: Yakko, Wakko y la hermana Dot. 
-1996. Realizan la película Space Jam al lado del basquetbolista Michael Jordan
y los personajes de Looney Tunes. 
William Hanna y Joseph Barbera.
-La serie Tom y Jerry nació en el corto Puss Gets the Boot (1940), aunque en
este corto el gato se llamaba Jasper. De inmediato el inmenso éxito con el que
fue acogido no se hizo esperar para darle a la serie su nominación al Oscar, Tom
y Jerry, ya con sus nombres definitivos, conseguirían ser la serie principal de la
Metro Goldwyn Mayer.
-El primero de sus siete Oscar lo ganaron con el corto Yankee Doodle Mouse en
1943.
*4 Art in Movement. New Directions. HALAS John, MANUETT, Roger. Hastins house Publishers.
E.U.A. 1970. P 19
Sinking in the Bathtub
Space jam con el basquetbolista
Michael Jordan
16 Capítulo I Animación Tradicional
-En 1955, la Metro Goldwyn Mayer designó a William Hanna y Joseph Barbera
como productores en lugar de Fred Quimby.
-1956 la Goldwyn Mayer cerró sus estudios de animación y ese mismo año
Hanna y Barbera abrieron su propio estudio. 
-1957 La primera producción del estudio fue Ruff & Reddy similar a Tom y Jerry
y la cual sólo fue para presentarse en televisión. Para esta serie los animadores
idearon un sistema para bajar los costos muy elevados de la producción. Se
llamó “animación planeada”, la cual es nada menos que el sistema de cortes
externos (cut-outs), este sistema consiste en que al animar un personaje sólo
unas partes del cuerpo se mueven, la otra parte permanece inmóvil tomándose
incluso como parte del escenario, así que con un solo dibujo es suficiente para
una escena. Esto es especialmente útil cuando se trata de ciclos como correr o
caminar.
-Su segunda serie para televisión se denominó Huckleberry Hound y se hicieron
55 capítulos. 
-1958 Apareció el oso Yogi, como “invitado” en la serie de Huckleberry Hound,
posteriormente tuvo su serie propia, que duró dos años.
-1960 Con William Hanna y Joseph Barbera como productores y Dan Gordon
como creador surgieron The Flintstones, (Los Picapiedra).
-1961 Debutó Don Gato.
-1962 Aparecieron The Jetsons, (Los Supersónicos)
-1964 Realizaron su primer largometraje con Yogi de protagonista Hey There,
It’s Yogi Bear.
Los estudios Hanna Barbera se convirtieron en una gigantesca industria de dibu-
jos animados. En 1991, tuvieron una alianza con Ted Turner, empresario impor-
tante de la industria de la televisión por cable, el cual en 1992, lanzó el canal
Cartoon Network. En el 2000 lanzaron otro canal llamado Boomerang, el cual
transmite las series de los años 1958-1976, este canal seguramente captará afi-
cionados de las nuevas generaciones.
1.3 Actualidad
A continuación veremos algunos ejemplos de estudios actuales que han revolu-
cionado el vasto campo de la animación y que permanecen dentro del mercado,
ya que muchos de ellos invierten gran cantidad de recursos en desarrollar su tec-
nología, para asi, aportar grandes avances en la industria de la animación.
Aardman Animations
Especialistas en la animación de arcilla para modelar, su estudio está instalado
en Bristol, Inglaterra. Ocupa actualmente 1800 metros cuadrados y puede
emplear hasta cuarenta personas en un periodo de gran actividad.
Los cinco realizadores más importantes son: Peter Lord, David Sproxton, Nick
Park, Richard Goleszowsky y Jeff Newitt.
-1972 El estudio Aardman fue fundado por David Sproxton y Peter Lord que se
conocieron a los 12 años. Su técnica al principio era de dibujos y celuloide.
-1978 Realizaron Down and Out, que fue su primera película hablada. El sonido
provenía de la grabación de una discusión verdadera que pertenecía al Ejército
de Salvación.
-1980 Hicieron una serie para niños; 26 emisiones de 5 minutos, que se llama-
ba The Amazing Adventures of Morph, un muñeco de plastilina de apariencia
continuamente cambiante: un personaje simple pero con movimientos muy viva-
ces. 
-1982 Channel 4 les pidió una serie basada en el principio de discusiones pre-
grabadas, Se trataba de 5 películas diferentes, de 5 minutos cada una, cuyo títu-
lo general era Conversations Pieces. 
-1986 Realizan el clip promocional para Peter Gabriel Sledgehammer, dirigido
por Stephen Johnson.
-1987 Clip de la cantante Nina Simone, transformada en gata sexy, cantando My
Baby just cares for me. Es dirigido por Peter Lord.
-1989 Hicieron otra serie de 5 cortometrajes de 5 minutos: Lip Synch, que se
vendió a Channel 4. Next de Burry Purves; Ident de Richard Goleszhovski; Going
equippede de Peter Lord y War Story.
-1990 Creature Conforts de Nick Park ganó un Óscar.
The Amazing Adventures of Morph
Creature Conforts
17De la animación tradicional al Web
-1993 Realizan la película “Los pantalones equivocados” de Nick Park, donde
aparecen los simpáticos personajes Wallace y Gromit
-1996 producen su primer largometraje: “Pollitos en fuga” (Chicken Run).
Como dato adicional para la realización de este largometraje se utilizaron alrede-
dor de 3500 kilos de 157 colores diferentes de una plastilina especial llamada
Aardman Mix, la cual es muy maleable y resistente.
Filmaban alrededor de 100 segundos de película cada semana, el número de
personas encargadas de hacer los modelos de plastilina fue alrededor de 125,
en total tardaron 20 meses en la realización de esta película.
De esta forma Aardman Animation se colocan como uno de los grandes estudios
que producen animación, hoy en día realizan comerciales, pero en lo que ellos
realmente sueñan es hacer películas de treinta u ochenta minutos.
Pixar 
Edwin Catmull, ahora presidente de Pixar, junto con Lasseter, el productor Ralph
Guggenheim, el director de supervisión técnica Bill Reeves, su equipo de exper-
tos gráficos que dejaron Lucas Fílm y junto con Steve Jobs (fundador de Apple)
formaron Pixar en 1986.
El objetivo de Pixar es combinar la tecnología, la creatividad de su equipo y el
desarrollo de su propio software para crear películas de corte infantil no exclusi-
vamente para niños, sino para captar audiencias de todas las edades.
Casi desde un principio comenzaron a producir sus cortometrajes, algunos de los
cuales han sido nominados y han ganado varios reconocimientos a nivel mun-
dial. Estos son algunos de ellos.
1986 Luxo Jr. fue nominado al Oscar por mejor cortometraje de animación.
1987 Red’s dream
1988 Tin Toy ganó el Oscar por mejor cortometraje de animación.
1989 Knick Knack
1992 Premio de la Academia por RenderMan
1993 Premio Gold Clio por el comercial Listerine Arrows.
1994 Premio Gold Clio por el comercial Lifesavers Conga.
1997 Premio Oscar por Geri’s Game
En unión con Walt Disney Pictures, Pixar creó y produjo Toy Story (1995),
“Bichos” (A Bug’s Life 1998), Toy Story 2 (1999), Monster Inc. (2001), “Buscando
a Nemo” (Finding Nemo 2003) y “Los Increíbles” (The Incredibles 2004). 
Desde su fundación ha sido el responsable de grandes avances tecnológicos en
el campo de la animación por computadora para filmaciones, esto en parte se
debe a que su equipo consta de talentos con mucha experiencia en esta área:
Edwin Catmull, era el vicepresidente del área de gráficos por computadora en
Lucas Film, John Lasseter trabajó al lado de StevenSpielberg y Sarah McArtur
ahora vicepresidente ejecutiva de Pixar, trabajó con Disney en la realización de
películas como “El Rey León”.
Pixar ha desarrollado desde 1996 tres de sus más importantes softwares:
Marionette, el cual es un sistema de software especial para el modelado, ilumi-
nado y animación.
Ringmaster, un software de administración de la producción, para coordinar y
regular todo el proyecto de animación.
RenderMan, un software de renderizado de alta calidad, para lograr imágenes
con calidad fotográfica. De estos tres programas RenderMan es el único del que
Pixar vende licencias para ser usado por otros equipos de animación.
Industrial Light & Magic
1971 Georges Lucas fundó su estudio cinematográfico, llamado LucasFilm. 
1975 Comenzaron a filmar la saga de “La Guerra de las Galaxias” y se estable-
ció el departamento de efectos especiales que fue nombrado Industrial Light &
Magic, y el departamento de sonido fue nombrado como Skywalker Sound.
1977 Star Wars marcó el inicio de la larga lista de películas exitosas en las que
ILM ha participado, y la cual ganó 6 premios de la Academia, incluyendo mejor
sonido, efectos especiales, vestuario, etcétera.
Década de los ochentas ILM y Skywalker Sound continuaron recibiendo premios,
dibujo que forma parte del story
board de Knick Knack
rendereado final de Knick Knack
18 Capítulo I Animación Tradicional
en total en esa década ganaron 9 Oscar por efectos especiales, entre esas pelí-
culas se encuentran The Empire Strikes Back, Raiders of the Lost Ark, E.T.: The
Extra-Terrestrial, Return of the Jedi, Who Framed Roger Rabbit? y The Abyss.
1997 A 20 años de la realización de “La Guerra de las Galaxias”, a las tres pelí-
culas que conforman esta saga les fueron añadidos nuevos efectos especiales,
tanto visuales como de sonido. 
1999 Realizan Episode I, la primera parte de la serie de “La Guerra de las
Galaxias”, la cual es un éxito en taquilla y en esta película uno de los “actores”
principales fue un personaje totalmente hecho en computadora.
Este estudio actualmente, además de la realización de efectos especiales para
películas, es una sólida compañía de servicios con la especialidad en producción
de acción viva para comerciales, así como también efectos especiales para
éstos.
Georges Lucas, a su vez, promueve la participación de estudiantes en las áreas
de animación, ingeniería y administración en ILM y Skywalker Sound, además de
producir material educativo como son libros, cortos, artículos y una página Web. 
Pacific Data Image
PDI, es el área de animación y efectos especiales de la casa productora
DreamWorks. Se fundó en año de 1980. 
PDI a su vez ha producido excelentes cortometrajes de los cuales se pueden
nombrar:
Metropopular Creado y dirigido por Jonah Hall
Millennium bug Creado y dirigido por Lee Lanier
Fishing Dirigido por David Gainey
Gas Planet Dirigido por Eric Darnell
Sleepy guy y Fat Cat Dirigidos por Raman Hui
Gabola The Great Dirigido por Tim Cheung
Entre los premios internacionales que han ganado se encuentran: 
En 1992 Ottawa International Animation Festival por Gas Planet, en el año
1996 Columbus International Film Festival, Bronze Award por Sleepy Guy, y
muchos otros más. 
1998 PDI realiza Antz, la segunda película totalmente hecha en computadora
con Eric Darnell y Tim Jonson como directores, la cual obtiene la ganancia de
180 millones de dólares en taquilla. PDI aportó grandes avances tecnológicos:
las expresiones faciales y la animación de grandes multitudes. 
2001 Realizan Shrek con Andrew Adamson y Vicky Jenson como directores, esta
película contiene efectos impresionantes como son el fuego, los líquidos, las
expresiones faciales y la ropa de los personajes.
PDI, además realiza comerciales, y entre sus clientes más importantes se
encuentran Visa, Sega, Coca Cola, Monster.com, Kool-Aid, Gatorade, L’Oreal
entre muchos otros.
DreamWorks a su vez, produce animaciones en 2D, como el caso de “El Príncipe
de Egipto” y Spirit.
PDI es el responsable de muchos efectos especiales para televisión. Tal es el
caso de un capítulo especial de Halloween de “Los Simpson”, en donde Homero,
tratando de huir de sus cuñadas entra a una dimensión en 3D. El trabajo fue
arduo para realizar estos tres y medio minutos de animación en 3D y el reto fue
principalmente dotar a los modelos en 3D de las personalidades de Homero y
Bart Simpson. De esta forma, “Los Simpson” son los primeros personajes 2D
transformados a 3D para la televisión.
PDI ha realizado también efectos para películas como son A.I., Batman Forever,
Batman Returns, Batman & Robin, Double Dragon, Ghost, Mission: Impossible 2,
Natural Born Killers, Robocop III, Terminator 2,Toys ,True Lies, entre muchas
otras.
Escena del corto Sleepy guy
“Los Simpsons”, Especial de
Hallowen
19De la animación tradicional al Web
1.4 Animación en México
Antecedentes
El origen de la animación en México es incierto. A decir de la periodista Gloria
Reverte, quien colaboró junto con el profesor de edición en el CUEC Luis Manuel
Rodríguez Bermúdez, para la realización de una investigación acerca del cine de
animación en México y mundial dice que “En México, el cine de animación al
igual que en Estados Unidos también inició en los años veinte, pero surge de la
nada, de personas interesadas que tuvieron contacto con los cortos gringos y
experimentaron pero sin saber de técnicas ni tener equipos. En los años treinta”,
continúa, “se construyó el primer estudio, donde se hacían cortos muy cortos, de
cinco o diez segundos, que de repente se proyectaban en los cines aunque la
mayoría permanecían enlatados. En los años cuarenta y cincuenta los cortos
empezaron a ser utilizados en la publicidad para cine y televisión, que es de lo
que ha vivido la animación en México”.*5
A pesar de que el origen no es claro, se puede mencionar que existen cortos de
animación mexicana que datan de 1910 o antes, que eran realizados por parti-
culares a nivel personal, sus temas eran muy variados, desde la revolución hasta
temas pornográficos. Algunos de estos cortos se encuentran dentro del acervo
de la Cineteca Nacional, asi como de la Filmoteca de la UNAM.
En los primeros antecedentes tenemos a Salvador Pruneda, Carlos Manríquez
quien provenía del estudio de Walt Disney, Alfredo Ximénez y Bismark Mier que
colaboraron con Max Fleisher, fueron los pioneros de la animación mexicana.
Quisieron transplantar a México el éxito que estaban teniendo las películas de
caricaturas en Estados Unidos, sin embargo no quedó huella alguna de su inten-
to, así que Manríquez se regresó a Disney.
Pruneda y Mier se quedaron, en 1934 emprendieron la tarea de animar al perso-
naje de la historieta “Don Catarino y su apreciable familia” que escribía y dibuja-
ba el propio Pruneda para el periódico El Nacional, cuando la estaban realizan-
do, recibieron el encargo de hacer unos dibujos animados en la que se caricatu-
rizaba a los cómicos Roberto Soto y Joaquín Pardavé, para una película que se
iba a llamar “Revista musical Goodrich Euzkadi”. Una vez iniciado el trabajo, la
llantera advirtió que los costos de producción rebasarían con mucho el presu-
puesto previsto y retiró su patrocinio, así que los dibujos quedaron inconclusos,
de estos dibujos como “Don Catarino” no existe copia alguna. 
El estudio del otorrinolaringólogo Alfonso Vergara Andrade que abrió este espa-
cio para experimentar con la pintura, la fotografía y el cine, se encontraba en un
edificio situado en la esquina de Isabel la Católica y Regina, donde estaban tam-
bién su casa y consultorio médico. 
Uno de sus primeros socios fue Antonio Chavira que era un productor de títulos,
créditos y cortinillas y Francisco Gómez, un joven apasionado de la química foto-
gráfica y a quien se deben los primeros revelados de película a color realizados
en el país. 
Como producto de un ingenioso ejercicio deductivo que consistía en analizar con
lupa cuadro por cuadro una película de Charles Mintz que un distribuidor de cine
le prestó al doctor Vergara fue como nació el cine de dibujosanimados en
México, ya que estos jóvenes desentrañaron el arte del movimiento y dedujeron
los procesos que habían seguido los animadores y trataron de imitarlos.
Adaptaron una vieja cámara de manivela a la que acoplaron un motor de un cuar-
to de caballo, construyeron mesas de animación con marcos de madera, crista-
les y rudimentarias instalaciones eléctricas y convocaron a dibujantes formados
en el periodismo, la publicidad o la historieta; Jorge Aguilar, Luis Aguilera, Victor
Laverda, Ricardo Marín, Leopoldo Zea Salas, Bismark Mier y Carlos Sandoval
para hacer las primeras películas mexicanas de animación. Y tuvieron mucho
éxito, ya que entre 1935 y 1939 realizaron por lo menos ocho cortometrajes:
“Paco Perico en premiere” que fue el primer personaje animado en México,
“Noche mexicana”, “El tesoro de Moctezuma”, “Los cinco cabritos y el lobo”, “La
cucaracha” y “La vida de las abejas”. Las historias que presentan estos cortome-
trajes presentan animales ebrios disparando balas en un baile y pericos buscan-
do un tesoro en una pirámide llena de fantasmas. Además realizaron dos cintas
*5 Retrospectiva de Cine mexicano de animación. Cuadernos de la Cineteca. 2002 p 4
“El tesoro de Moctezuma” con
Paco Perico
20 Capítulo I Animación Tradicional
publicitarias del digestivo Sal de Uvas Picot, protagonizados por Chema y Juana,
quienes también aparecen en uno de los cortometrajes anteriores. Este fue un
logro inusitado, teniendo en cuenta que en esa misma época los estudios norte-
americanos más importantes como Disney y Max Fleisher, producían alrededor
de quince cortos anuales. 
En los años cuarenta, Santiago Reachi, socio de Cantinflas y Juan Gelman en
Posa Films, continuaron con esta labor en el estudio que fundó: Caricolor. Trajo
a nuestro país dibujantes estadounidenses como Manny Pérez, Rudy Zamora y
Pete Burness, que éste último con los años cosecharía todo tipo de premios en
Estados Unidos, entre los que se cuentan dos premios Oscar ganados por When
Magoo flew (1954), y Magoo’s puddle jumper (1956). Estos animadores extran-
jeros trabajaron en colaboración con los mexicanos Carlos Sandoval, Ángel
Zamarripa, Claudio Baña e Ignacio Rentería, quienes hicieron el cortometraje
“Me voy de cacería”, protagonizado por el Charrito Pelón, En esta película se
hacía una especie de homenaje a las virtudes pacifistas del tequila, ya que la
cacería terminaba con una borrachera en la que cazadores y presas terminaban
conviviendo alegremente bajo los influjos de dicha bebida. Se exhibió en algunas
salas, desgraciadamente esta película se perdió. Trataron de hacer más pelícu-
las con éste y otros personajes, pero los animadores extranjeros fueron recluta-
dos para servir al ejército de su país en la Segunda Guerra Mundial. Los profe-
sionales mexicanos que aprendieron de esta experiencia, comenzaron haciendo
cortinillas y efectos especiales y montaron la empresa Caricaturas Animadas de
México. Intentaron realizar el primer trabajo cinematográfico de “Los
Supersabios”, que no terminaron, y se dedicaron a la publicidad. 
Debido a la Guerra llegó a México Ernesto Terrazas que nació en Chihuahua
pero su formación ocurrió en Los Ángeles. Este animador promovió la animación
mexicana, ya que participó en la fundación de varios estudios, trajo al país impor-
tantes contratos, invitó a muchos animadores norteamericanos a trabajar a
México y a los animadores más destacados promovió para trabajar en estudios
hollywoodenses. En diciembre de 1942 acompañó a Walt Disney a preparar la
producción de “Los Tres Caballeros”, en el que Pancho Pistolas (creado por el
mismo Terrazas), es anfitrión y guía de turistas del Pato Donald y Pepe Carioca.
En 1951, Richard Tompkins, quien fue el primer gerente de los Estudios
Churubusco, fundó la empresa Dibujos Animados S.A. Tenía convenios con
Disney para hacer el doblaje de sus películas. Estaba muy ligado a Hollywood.
La compañía realizó doce cortometrajes anticomunistas y de la Guerra Fría,
patrocinados por Estados Unidos. Trajeron animadores como Emery Hawkins,
Pat Mathews y Tom McDonal, quienes formaron parte de la experiencia de la
UPA, dos cámaras, mesas de animación y equipo. Era un gran proyecto de pro-
paganda. 
En Dibujos Animados S.A. se formaron prácticamente todos los animadores y
técnicos de la industria de la animación mexicana, mismos que en los años
siguientes se desempeñarían fundamentalmente en la publicidad y la maquila. El
periodista Juan Manuel Aurrecoechea localizó estas copias en los Archivos
Nacionales de Washington, pues la mayoría de estos trabajos nunca se estrenó,
algunas de estas cintas de propaganda anticomunista se exhibieron en México
entre los que se encuentran “Manolín Torero”, “La canción de la sirena”, “Diestro
contra Siniestro”, “Cambio de música maestro”, “Mucho macho”, “Vice en ver-
sos”, “No me acorralen”, “Fue por la lana”, “Los cuatreros” y “Viaje interplaneta-
rio”. 
Estas cintas producidas gracias a un contrato con la Agencia de Información del
gobierno de Estados Unidos son técnicamente impecables, realizadas por ani-
madores nacionales y extranjeros. Además, fueron musicalizadas por el compo-
sitor mexicano Juan García Esquivel.
En 1956 y 1957, la compañía de Tompkins se dedicó a hacer publicidad, dobla-
je y fue muy importante para la época, pero nunca volvió a hacer animación. Ahí
se formaron Arnulfo Rivera (quien años después rediseñará los personajes de
Burundis), Miguel García, Daniel Burgos, Carlos Sandoval, Ernesto López y
todos los animadores que continuaron trabajando hasta la década de los años
Escena de “Mucho macho”
21De la animación tradicional al Web
ochenta.
También a principios de los cincuenta, Carlos Sandoval, Claudio Baña y Arnulfo
Rivera produjeron un corto basado en la canción de Cri-Cri: “Doña Ardilla y la
sombrilla azul”.
Por esa década Claudio Baña realizó para la película “El diablo no es tan diablo”,
una animación donde un mosquito molesta a los hermanos Soler.
Ernesto López Bocanegra considerado uno de los grandes de la animación en
México, autodidacta quien creó el personaje de Pancho Pantera y Claudio Baña
fundan Cinemuñecos, la cual es una empresa que realiza comerciales de anima-
ción de un minuto, entre sus clientes se encuentraban las Plumas Reynold. 
Fernando Ruiz comenzó su carrera en 1958, y su primer trabajo profesional fue
en una película llamada “El duende y yo” en la cual hay una escena donde Tin
Tan aparece ebrio y entre sus alucinaciones se transforma en un duendecillo que
está dentro de una copa, este personaje canta con Tin Tan e interactúan juntos,
la escena dura unos segundos, pero fue un gran logro. Después de realizar esta
película, Ruiz estudió la carrera de director y consiguió una beca como aprendiz
y oyente en los estudios Disney, su beca, que originalmente era de 6 meses se
prolongó a dos años, y entre los trabajos donde cooperó se encuentra “La
Espada en la piedra” (1963).
Gamma Productions fue el segundo estudio más grande de Latinoamérica, se
trataba de una compañía estadounidense que llegó a México reclutando anima-
dores; entre los que aceptaron trabajar ahí se encontraban Ernesto López,
Ernesto Terrazas y César y Ángel Cantón junto con alrededor de 90 personas
más. Maquilaron Rocky & Bullwinkle y otras series animadas durante diez años,
sin embargo la empresa cerró sin avisar a sus trabajadores, solo las cámaras
dejaron. 
Con la gente que quedó de Gamma se fundó en 1967 Producciones Animadas
S.A. de C.V. PASA, sin embargo como no tenían dinero el Sindicato de
Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) les auspició por un año
sus gastos, pero como no tenían mucho trabajo, el sindicato les retiró la ayuda y
las cámaras.
En esta misma década de los sesenta se producen más cortometrajes, como
“Viva la muerte” (1965), de Adolfo Garnica, ganador del primer lugar en el Primer
Festival Independiente de Cine de Cortometraje de Guadalajara; y “Un diablillo
angelical” (1969), de Antonio y Alfredo Gutiérrez, surgido como piloto de una
serie, que nunca se cristalizó, protagonizadapor Memín Pinguín. 
Para las olimpiadas del 68 Fernando Ruiz realiza un corto de 24 minutos: “El
deporte clásico” que narraba la historia de los juegps desde sus inicios hasta el
68, fue acogido con éxito y se exhibió por televisión en Telesistema Mexicano,
actualmente Televisa. También realizó 2 cortometrajes de 8 minutos, uno de los
cuales trataba temas de futbol; “Chivas, Chivas, Ra-ra-ra” y ”La Bruja Chirilola”
que se exhibieron por televisión.
Otro cortometraje es “Los supermachos” (1969), de Carlos Sandoval, sobre los
personajes de Rius. Cuando Sandoval terminó la película, Rius se peleó con la
editorial y el animador se quedó atrapado, dando como resultado que este corto
nunca se exhibiera. 
Kinemma S.A.se fundó en 1970 con Cesar y Ángel Cantón al mando, como no
contaban con cámara, un socio que tenía un amigo en el sindicato que les deco-
misó las cámaras a PASA consiguió que les vendieran una, gracias a esto, pudie-
ron realizar un corto para Kelloggs. Al poco tiempo, William Hanna vino a México
buscando quien maquilara sus series así que Kinemma se encargó de maquilar
“Los Picapiedra”, “Los Superamigos”, “Jossy y las melódicas”, “Scooby-Doo”,
etcétera durante 10 años, de 1970 a 1980.
En 1974 Fernando Ruiz y Adolfo López realizan el primer largometraje mexica-
no y el primero en América Latina; “Los 3 Reyes Magos”, se terminó en 1976 y
tuvo éxito. 
“Los 3 Reyes Magos” fue un evento muy importante para la animación de nues-
tro país, ya que gracias a este film se motivó más la idea de realizar largometra-
jes, además se formó un equipo de trabajo en el cual se puede nombrar a Felipe
Morales y Francisco Licea los cuales continuaron su trabajo en el campo de la
animación.
En al año de 1978 Anuar Badín fue a Kinemma y les propuso la realización de
, 
22 Capítulo I Animación Tradicional
un largometraje, al principio no les entusiasmó la idea, pero debido a que sus
créditos no aparecían en las series de Hanna-Barbera, y en este film si se les
reconocería su esfuerzo, decidieron que harían la película.
Esta se realizó con un presupuesto de 6 millones de pesos, lo cual era muy poco
y este financiamiento corrió a cargo de Jorge Nacif, pariente de Badín. Tardaron
un año en realizarla, pero ”Los supersabios” se estrenó en los cines de México
pese a que no contaron con prácticamente ninguna promoción. Kinemma cerró
en 1985. 
Fernando Ruiz en 1985 comienza la realización de un largometraje animado de
Oliver Twist, este film representó un reto muy grande, ya que realiza efectos
especiales como lluvia. Fue terminado para video, único formato en que se exhi-
bió este largometraje y desgraciadamente no tuvo el éxito esperado y solo se dis-
tribuyó en el sur de Estados Unidos.
A Fernando Ruiz no le interesó la maquila.
Actualidad
Existen varias casas o productoras de animación que en su mayoría se encuen-
tran en el Distrito Federal. 
Ollin Studio
Su infraestructura les permite trabajar simultáneamente en diferentes proyectos
ya que cuentan con especialistas para cada etapa de la animación como mode-
lado, iluminación, texturización, etcétera, además de tecnología de punta. Todo
ésto les permite integrar perfectamente la animación 3D con la postproducción
digital. En el Festival Pantalla de Cristal 2001 de la Ciudad de México, que pre-
mia a lo mejor de cine, televisión y video, el trabajo de Carlos Iturriaga y Victor
Lizárraga del equipo de Ollin ha sido nominado y recompensado con distinciones
en la categoría de animación y postproducción. 
La Mamá de Tarzan 
La idea de fundar este estudio hace un par de años surgió cuando el animador
Enrique Navarrete regresó a México después de haber trabajado un tiempo para
Dreamworks en Los Ángeles. Enrique, entre otras películas, participó en los lar-
gometrajes Antz y Shrek. En la actualidad está al frente de un valioso equipo que
incluye a Lourdes Villa Gómez, autora de varios cortos. Ella junto con otros artis-
tas de animación tienen un grupo llamado Los Animantes y están trabajando en
algunos proyectos de cortometrajes.
Virgin Studios, Philmographics y Cyberfilms. 
Algunas de ellas hacen 2D y otras están especializadas en 3D, efectos visuales
y postproducción. 
Visiographics. Fue fundada por Mario Noviello un camarógrafo italiano que vino
a México en el 68, realizó animación y publicidad durante las décadas de los
sesenta y setenta.
Stop motion y clay motion son técnicas que también utilizan en este estudio.
Entre sus clientes se encuentran Bonafina, Cofetel, Volkswagen, Marinela, El
Palacio de Hierro, Barcel, Holanda y Bimbo, además de que en este estudio ayu-
dan a los estudiantes del CUEC, del CCC o de la Universidad Iberoamericana
que van a hacer algún titulo u otra cosa de animación, “El Héroe” de Carlos
Carrera fue filmado aquí, al igual que “4 maneras de tapar un hoyo”, y algunos
cortometrajes de Dominique Jonard. 
Los cortometrajes actuales.
La presencia de México en festivales internacionales de animación ha existido
desde hace poco más de una década con las cintas de: “Un muy cortometraje”
(1988), “Malayerba nunca muere” (1988), “Amada” (1988) y “El Héroe” de Carlos
Carrera, éste último ganó la Palma de oro en el Festival de Cannes en 1993.
“Cuatro maneras de tapar un hoyo” (1995), de Guillermo Rendón Rodríguez y
Jorge Villalobos, “Desde adentro” (1996) y “La degénesis” (1997), de Dominique
Jonard, “Pronto saldremos del problema” (1996) de Jorge Ramírez Suárez,
“Demostración de la ley de causa y efecto” (1996) de Héctor Pacheco, “Largo es
”Los supersabios” 
”El hèroe” de Carlos Carrera 
23De la animación tradicional al Web
el camino al cielo” (1997) de José Ángel García Moreno, “Sin sostén” (1997) de
Antonio Urrutia y René Castillo, “El octavo día” (2000) de Juan José Medina,
“Malapata” (2000) de Ulises Guzmán son algunos otros ejemplos de cortometra-
jes de animación mexicana de los últimos años.
René Castillo
Uno de los grandes talentos de nuestro país es René Castillo. Estudió Ciencias
de la Comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de
Occidente, en Guadalajara. Siempre estuvo interesado en la animación, pero
nunca encontró un lugar para especializarse en este campo. Hasta que en 1992
tomó un curso de clay motion impartido por la chilena Vivianne Barry en el
Departamento de Televisión y Video de la Universidad de Guadalajara, a partir
de ese momento, Castillo no ha cesado de trabajar en animación.
Comenzó con cortometrajes de animación en video, en diferentes técnicas, entre
los que se encuentran “Guitamorfosis” (1992), “Matasanos” (1994), “Oye” (1995)
y “Ojo por ojo” (1996).
En 1996 recibió becas del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Jalisco y
del programa Conversiones Culturales del Fonca, así como apoyo del Imcine,
para llevar a cabo su primer cortometraje en cine: “Sin sostén”, codirigido y coes-
crito con Antonio Urrutia.
Se terminó en 1998, y participó en la Muestra de Cine de Guadalajara, donde
ganó el premio al mejor cortometraje por los jurados nacional e internacional. A
los dos meses participó en la selección oficial del Festival de Cannes y en más
de 50 festivales internacionales, y recibió siete premios en total.
En 1998 empezó el corto de doce minutos “Hasta los huesos”, que narra la muer-
te de un hombre y su llegada al infierno; un guión que trabajó durante varios
meses. Volvió a recibir apoyo del Imcine y del Fonca. Se tardó tres años en ter-
minarlo y participaron Café Tacuba y Eugenia León, quienes contribuyeron en la
musicalización. 
En el Festival de Annecy 2001 en Francia, recibió el premio a la primera obra en
la categoría de cortometrajes de ficción, su animación en plastilina ha sido reco-
nocida también en el Festival Pantalla de Cristal 2001 ganando 7 premios. A la
fecha, el cortometraje “Hasta los huesos” ha recibido alrededor de 50 premios
internacionales. 
“Magos y Gigantes”.
En Noviembre de 2003 se estrenó en México la primera película de animación
hecha en nuestro país en casi 20 años, “Magos y Gigantes”, que a los cinco días
de exhibición recaudó en taquilla másde cinco millones de pesos con 280 salas
a nivel nacional. 
Andrés Couturier y Eduardo Sprowls son los directores de esta película. Andrés
Couturier estudió Diseño Gráfico y después se especializó en Ilustración Artística
en el Claustro de Sor Juana. Después inició la carrera de Literatura Dramática y
Teatro en la UNAM. Además estudió varios talleres de animación.
Eduardo cursó la Licenciatura de Ciencias de la Comunicación y Literatura
Latinoamérica, trabajó haciendo comerciales para diversas casa productoras.
Posteriormente pasó los siguientes tres años en Vancouver, Canadá estudiando
Cine y después especializándose en Animación 2D y 3D. Llegando a México de
nuevo, trabajó como director de Post Producción para diferentes casas produc-
toras mexicanas.
Ánima fue fundada en noviembre de 2002 por Fernando de Fuentes, Fernando
Pérez Gavilán, José Carlos García de Letona, Federico Unda, Adolfo Martínez
Vara, Francisco Hirata, Andrés Couturier y Eduardo Sprowls.
Fernando de Fuentes y Fernando Pérez Gavilán decidieron lanzarse a lo gran-
de, motivados por las ideas de José Carlos García de Letona y Federico Unda
para la realización de un largometraje, asi que se dedicaron a conseguir patroci-
nadores, recibiendo el apoyo de la 20th Century Fox. De esta forma, teniendo
como guionistas a Adolfo Martínez Vara y Francisco Hirata, más de 30 animado-
res y los departamentos de fondos, color y armado haciendo un total de 60 per-
“Malapata” de Ulises Guzmán
“Hasta los huesos”
“Magos y Gigantes
24 Capítulo I Animación Tradicional
sonas, que conforman el estudio Ánima, se realizó “Magos y Gigantes”.
Dentro de la tecnología que utilizaron se encuentra Flash, Photoshop, Maya y 3D
Studio Max, After Effects, QBase y Final Cut.Contaron con la ayuda de Ollin
Studio y la postproducción corrió a cargo de Federico Unda.
Hecha en su totalidad por mexicanos, “Magos y Gigantes” es el primero de una
lista de proyectos que esta realizando Anima, lo cual es muy importante ya que
históricamente es la primera vez que el proyecto de un estudio tiene segui-
miento y se establece.
1.5 El Guión de animación: el Story board.
Por las características técnicas de la animación que consiste en la descomposi-
ción del movimiento en tantos pasos como se requiere, al filmarse cuadro por
cuadro se necesita para sus distintas formas de producción, ya sea acetatos,
stop motion, clay motion, computadora, etcétera, un guión específico que se
denomina story board. 
El story board se inventó como dijimos antes, en los estudios Disney y ha demos-
trado ser una herramienta completamente útil para la planeación y realización de
películas de animación.
La idea básica es muy simple: el story board es la representación de un film en
la forma de outline. Es una serie de imágenes denominadas viñetas, cada una
representa una distinta secuencia o elemento narrativo dentro del film. El story
board es un sistema de conceptualización. El uso de estas pequeñas secuencias
da al animador una idea muy clara de la manera en como debe de hacer su tra-
bajo, referente al estilo, la continuidad y a los acercamientos visuales de la pelí-
cula, esto es particularmente útil, debido que, a diferencia del cine de acción viva,
en la animación no se debe tener el riesgo de hacer escenas que luego se des-
echarán en la edición, debido a los altos costos que esto implicaría, sin mencio-
nar la pérdida de tiempo. 
El story board da también al camarógrafo la idea concreta, junto con la carta de
rodaje de cómo debe hacer las tomas.
El story board ayuda a explicar a escritores, productores, camarógrafos, anima-
dores, etcétera, de una manera clara el flujo visual, las texturas y los escenarios,
esto es útil si se trata de una película de tema fantástico. Así mismo debido a las
características de la animación, a veces ciertos proyectos requieren de secuen-
cias que no corresponden a los encuadres tradicionales de cine o de televisión,
por ejemplo en el guión puede haber una toma picada, pero se requiere que esta
sea aún más marcada, asi que en el strory board aparecerá detallada específi-
camente como debe de ser, debido a esto a veces surgen este tipo de tomas
muy particulares dependiendo de las necesidades del proyecto. 
Duración y detalle.
A la hora de hacer un story board se presentan estas dos cuestiones, ¿cuántas
imágenes deben usarse?, ¿qué tan detalladas deben ser? Para saber la res-
puesta a estas cuestiones tenemos que considerar las diferentes funciones que
el story board ofrece.
La cantidad de detalles visuales de cada viñeta depende de cada animador y de
que tan clara se requieren las instrucciones de cómo dibujar determinado objeto
o escenario. Y el número de viñetas es muy variado.
Por ejemplo, algunas tomas pueden ser muy bien entendidas y visualizadas en
solo dos viñetas junto con sus instrucciones de movimientos de cámara, sobre
todo si la escena es casi estática.
En escenas más complicadas pueden ser necesarias 30 o 40 viñetas por una
escena de acción que solo dure alrededor de 3 o 4 segundos, en estos casos, el
animador usa una sola viñeta para indicar cada uno de los importantes dibujos
clave dentro del flujo de imágenes. Determinar el número de viñetas depende de
la complejidad de la escena y de las necesidades que el animador tiene respec-
to a visualizar precisamente un particular movimiento. 
Estilos de story board
Algunas casas productoras de animación, sobre todo las que tienen gran renom-
bre, hacen story boards muy complejos y que llegan a ser verdaderas obras de
arte, otros animadores en cambio hacen trabajos sencillos, lo suficientemente
Dibujo de un story board de Toy Story
25De la animación tradicional al Web
para ser entendidos y sin dejar a dudas su función.
En el estilo de story boards puede haber gran variedad, sin embargo, debido a la función primaria de estos de ser prácti-
cos en el proceso de la realización de películas de animación, su estilo debe ser sencillo. Dibujos que sean claros, tipo boce-
to, pueden ser a color o no, pero además no deben consumir mucho tiempo en su realización, ya que es sólo una herra-
mienta más en el proceso de la animación, y el arte final se crea dentro de la película en si.
Tipos de story board
El story board se puede presentar de dos maneras: story board de dos columnas y story board de historieta.
El primero, se estructura colocando del lado izquierdo de la hoja, en recuadros, el desarrollo de la imagen; y del lado dere-
cho los parlamentos y las indicaciones de sonido, que tienen estas características:
1.- Todas las escenas o secuencias se enume-
ran consecutivamente a lo largo del guión.
2.- La descripción de la escena con personajes,
situaciones, atmósfera y acciones se escribe al
pie del recuadro y a un lado del mismo. Los diá-
logos se encabezan con el nombre del perso-
naje en mayúsculas, en caso de existir acota-
ciones de intención, inflexión o tono, éstas se
escriben entre paréntesis, en el renglón inme-
diato al nombre del personaje.
3.- Al terminarse una hoja y continuar una esce-
na, se escribe “continúa” en el extremo derecho
de la hoja, la siguiente hoja se iniciará con el
mismo número de la escena y la palabra “con-
tinuación”.
4.- Las indicaciones entre escenas como
DISOLVENCIA, CORTE, etcétera se escriben
con mayúscula.
La columna de sonido se escribe en correspon-
dencia directa con los recuadros y contiene
parlamentos, textos e indicaciones de efectos y
música; también se escriben con mayúscula y
su terminología es la misma que se unas en los
guiones de cine de acción viva.
El story board de historieta se realiza con recuadros
consecutivos de manera similar a los cómics. Las indi-
caciones de sonido se colocan al pie de los recuadros.
Cuando existe necesidad de acotaciones de imagen,
estas se incluyen en un apartado de la parte inferior de
los recuadros, la terminología es la misma para ambos
casos.
Los story boards se escriben por un solo lado de la
hoja.
Terminología
El creador de un story board pretende explicar una his-
toria a través de unos dibujos. Para conseguirlo