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UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO
ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS
“LA FORMALIDAD DE LA ILUSTRACIÓN 
APLICADA PARA LA REALIZACIÓN DE TATUAJES”
Tesis 
Que para obtener el título de:
Licenciada en Comunicación Gráfica
Presenta:
Guillermina Sánchez Flores
Director de Tesis: Dr. BB. AA. José Daniel Manzano Águila
México, D.F., 2007
 
UNAM – Dirección General de Bibliotecas 
Tesis Digitales 
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AGRADECIMIENTOS
A Dios: 
Por la vida que me ha brindado para realizar una de mis metas.
A la Universidad Nacional Autónoma de México:
Por ser una de las mejores Instituciones Académicas
para dar testimonio de su gran enseñanza.
A la Escuela Nacional de Artes Plásticas:
Por sus Profesores quienes me brindaron sus conocimientos 
y su tiempo sabiendo dar lo mejor de ellos.
A todas las personas que colaboraron en este Proyecto:
Daniel Manzano Águila, Jorge Chuey Salazar, Alfredo Rivera Sandoval, 
Enrique Dufoo Mendoza, Ulises Verde Tapia, Victor Angel Reséndiz Quintanar, 
Pablo “Ash”, Ernesto Ortíz Peña “Neto”, Amalia España Zamudio, 
Jonathan Dávila Reséndiz, Sergei Valdovinos Medina, Erika Argüello Martínez,
 Javier Cruz Ortiz, Eldai Trinidad Sánchez y al 
Personal de la Biblioteca de la Escuela Nacional de Artes Plásticas.
DEDICATORIAS
A mi Mamá:
Mi agradecimiento hace reverencias a tu apoyo incondicional.
A mi Papá:
Por su apoyo y enseñanzas.
A mis hermanos Miriam y Edgar:
Por sus consejos acertados y buen humor.
A Victor Angel Reséndiz Quintanar:
Sentimientos y demencias nos unen... somos cómplices.
Personal:
El sabor del Esfuerzo fue amargo, el sabor del Triunfo es un placer.
La piel es lo más profundo del ser humano.
Paul Valéry
 Índice
I.- INTRODUCCIÓN ..............................................................................................I
Capítulo I
1.- ILUSTRACIÓN
1. 1. Generalidades de la Ilustración .................................................................2
1. 2. Materiales y Técnicas de Ilustración .......................................................12
1. 3. Tipos de Ilustración .................................................................................43 
1. 4. Teoría del Dibujo .....................................................................................46
1. 5. Teoría del color ........................................................................................58
Capítulo II
2.- HISTORIA DEL TATUAJE
2. 1. Origen .......................................................................................................66
2. 2. Los Tatuajes en las diversas regiones del mundo ....................................68 
 2.2.1. Por su forma .........................................................................................71 
 2.2.2. Por su Color .........................................................................................73 
 2.2.3. Por su clasificación ...............................................................................75
2. 3. Cultura en los Tatuajes .............................................................................79
 2.3.1. La sociedad y los Tatuajes ....................................................................80
 2.3.2. La religión y los Tatuajes ......................................................................83 
 2.3.3. Alternativas del Tatuaje ........................................................................85
Capítulo III
3.- MATERIALES, TÉCNICAS Y ELABORACIÓN DEL TATUAJE
3. 1. Materiales para tatuar...............................................................................88
3. 2. Técnicas para tatuar..................................................................................90
3. 3. Elaboración del Tatuaje ...........................................................................92
II.- CONCLUSIONES ...........................................................................................97
III.- BIBLIOGRAFÍA ............................................................................................99
IV.- ÍNDICE DE ILUSTRACIONES .................................................................103
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IntroducciónIntroducción
Hace miles de años el hombre se comunicaba por medio de sonidos y gesticulaciones; quizá esta 
comunicación parecía no tener efecto de permanencia en 
la mente del hombre, por lo que comenzó a experimentar 
pintando y grabando en las superficies que le rodeaban; fue 
descubriendo materiales y construyendo herramientas para 
facilitar ésta, dando como resultado el origen de las Artes.
La Ilustración, es una de las manifestaciones artísticas 
con más difusión dentro de los medios visuales en donde 
su lenguaje puede ser objetivo o subjetivo, eficaz y capaz 
de atrapar la atención de cualquier espectador. Su gran 
variedad de formas y colores crean emociones de toda 
índole, es un medio dirigido a cualquier espectador 
infantes, adolescentes y adultos. 
Ninguna persona está exenta de la Ilustración, hemos 
crecido con ella, la encontramos en cuentos, libros de 
texto, historietas, envases de comida, etcétera. La podemos 
encontrar en los medios impresos y no impresos; revistas, 
embalajes, películas, catálogos, hojas sueltas de papel, en 
superficies orgánicas, etcétera; ya que la diversidad de los 
materiales y técnicas permite al ilustrador experimentar 
con más libertad. La misión del ilustrador es hacer que 
toda Ilustración realizada cumpla la función de transmitir 
mensajes con un resultado satisfactorio.
Dentro de la Ilustración existen varios materiales y 
técnicas para combinar, así como el manejo de los diversos 
instrumentos y soportes. Las diversas aplicaciones de la 
Ilustración se emplean de acuerdo al trabajo demandante, 
en donde las múltiples posibilidades para representar una 
idea hacen que el resultado sea más efectivo.
Sabemos que la mayoría de las imágenes se representan en 
soportes planos como en papel, sin embargo, hay superficies 
que no lo son, una de ellas es la piel. Podemos decir que la 
piel es un soporte con ciertas peculiaridades es único por 
su textura, formas, aroma, elasticidad, resistencia y color el 
cual se refiere a los tipos de piel oscura y blanca.
Desde los antiguos pobladores de la tierra existía la práctica 
de marcar y decorar la piel con herramientas muy simples, 
cuyas representaciones eran innumerables, algunas con 
color y otras con ausencia de éste. Dichas representaciones 
eran creadas por individuos llamados tatuadores todo esto 
con fines estéticos, culturales, religiosos y sociales.
El ilustrador y el tatuador cuentan con talento y creatividad 
para crear, modificar y representar de manera única su 
trabajo, no obstante los resultados pueden ser inconcebibles 
si los materiales, técnicas e instrumentos son escasos y 
deficientes. 
Los tatuadores necesitan estar en constante práctica, 
actualizar los materiales que emplean para tatuar, tener 
ética profesional antes y después de un Tatuaje, como el 
concientizar al cliente sobre lo que implica tatuarse así 
como las normas sanitarias una vez realizado. 
Al igual que la Ilustración en papel, los Tatuajes cuentan con 
aspectos importanteslos cuales deben tomarse en cuenta ya 
que el uso inapropiado de estos puede ocasionar un mal 
resultado y problemas de salud en el portador.
En ocasiones la gente se tatúa por moda, por lo que 
fácilmente existe el arrepentimiento. Actualmente en 
diversas regiones del mundo el Tatuaje es penalizado 
por cuestiones religiosas y sociales. Así mismo, cuando 
presenta un aspecto desagradable se asocia con conductas 
criminales. 
Esta investigación documental se conforma por tres 
capítulos expuestos de la siguiente manera:
En el primer Capítulo se mencionan aspectos históricos de 
la Ilustración, materiales, técnicas y aplicaciones de ésta, 
así como la importancia del Dibujo según la teoría del 
autor Juan Acha que expone aspectos relacionados con la 
valoración de las imágenes, su función como lenguaje, su 
carga estética y como fenómeno sociocultural.
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IntroducciónIntroducción
Hablaremos de la Teoría del color, de la reacción que 
presenta ante la combinación de colores luz y colores 
pigmento, de la existencia del círculo cromático y los 
colores que lo conforman, su atribución desde el punto 
de vista psicológico así como la síntesis aditiva, sustractiva 
y partitiva de éste. Todos estos aspectos nos conducirán a 
una mejor aplicación del color para la representación de 
imágenes.
Es importante destacar que la información recopilada 
en los siguientes Capítulos (2 y 3) nos llevar a cumplir el 
objetivo principal de esta Tesis, reconocer al Tatuaje como 
manifestación artística tomando como modelo la formalidad 
de la Ilustración. Dicha información ha sido recopilada 
de fuentes bibliográficas y de entrevistas realizadas a 
tatuadores.
En el segundo Capítulo se mencionará la definición de 
Tatuaje, la existencia de éste en las diferentes regiones del 
mundo, así como las diferentes formas gráficas dependiendo 
del rango que representa el portador.
Los elementos antiguos que eran mezclados para obtener 
los pigmentos que serían introducidos en la piel y de igual 
manera la composición de los pigmentos modernos. Se dará 
a conocer a qué profundidad de la piel son introducidos 
dichos pigmentos. Se hará mención de la clasificación 
de los Tatuajes de acuerdo al tema a representar que van 
desde simples líneas hasta representaciones muy elaboradas 
finalizando con algunas alternativas y variantes del Tatuaje.
 
En el tercer Capítulo se dan a conocer los materiales, 
técnicas antiguas y modernas de esta práctica; normas 
sanitarias y la precisión que lleva el proceso de elaboración 
del Tatuaje. Por último se describen los métodos para la 
remoción de estos ya que debemos tomar en cuenta que un 
Tatuaje es una imagen permanente.
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Capítulo I
ILUSTRACIÓN
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Capítulo I
Hablar del inicio de la Ilustración es hablar del origen del Arte. Sabemos que el hombre inició la 
comunicación con sus semejantes a través del lenguaje 
corporal y por medio de manchas plasmadas en diversas 
superficies, los cuales posteriormente se transformaron en 
Dibujos simples.
Plasmaba sus ideas tratando de ser lo más claro posible lo 
hacía por medio de trazos y grabados utilizando instrumentos 
que él mismo construía, así como de la recolección de 
sustancias minerales y vegetales; que encontraba en su 
entorno y que utilizaría para crear alguna mezcla que diera 
colorido a estos dibujos realizándolos en las diferentes 
superficies que elegía. “Las pinturas rupestres están 
realizadas con medios no muy distintos (aunque muchísimo 
más rudimentarios) que los utilizados por los pintores 
modernos: pigmentos naturales obtenidos de la tierras 
y de la sangre de los animales y pinceles confeccionados 
con bastoncillos de madera y pelo de animal.”1 “Tal vez los 
balbuceos del Arte haya que situarlos en los momentos en 
que el hombre trató de adornar su cuerpo con los colores y 
dibujos similares a los que observaba en la fauna y en la flora 
de su entorno.”2
El hombre al no contar con una paleta de colores 
simplemente utilizaba los recursos que tenían. Sin embargo, 
me hago la siguiente pregunta ¿qué relación había entre 
lo que plasmaban y los colores utilizados?, posiblemente 
sólo se preocuparon por plasmar información sin tomar 
en cuenta que colores utilizaban para representar sus 
sentimientos. 
Figura 1.1
Cueva de Lascaux, 
Vaca saltando y friso de los 
llamados caballitos chinos, 
Paleolítico Superior
1 Sanmiguel Cuevas David, El gran libro de la composición, p. 12
2 Arias Anglés Enrique, Historia del Arte, Vol.1, p. 3
Esta comunicación dada entre los hombres fue aceptada y 
conservada por mucho tiempo. Con la evolución del hombre 
y de manera simultánea el Dibujo tenía que cambiar. Tal vez 
una de las épocas importantes en el origen de la Ilustración 
fue en la cultura egipcia, en ella existe una riqueza visual 
ya que hubo una conjunción entre la escritura y las 
imágenes. “Es probable que cuando los primeros escribas 
se enfrentaron a palabras difíciles de expresar idearon 
los jeroglíficos: representaron sonidos con imágenes para 
significar la palabra deseada. Simultáneamente designaron 
un símbolo pictórico para cada sonido consonante o 
combinación de consonantes. Este sistema de escritura, 
asombrosamente eficaz, consistía en más de 700 jeroglíficos, 
de los cuales más de un centenar quedaron estrictamente 
como pictografías visuales o palabras-dibujo.”3 Los egipcios 
no sólo mostraban gran interés por la belleza en sus escritos 
sino también en su belleza corporal.
“El Libro de los muertos se escribía en primera persona y 
suponía como narrador al difunto: el libro era colocado 
en la tumba, ya que era una ayuda para triunfar sobre los 
peligros del Bajo Mundo.”4 La cultura egipcia contaba con 
un sistema de composición que consistía en copiar imágenes 
a escala con el sistema de cuadrícula, tal vez fueron utilizados 
para realizar sus murales. “Según recientes estudios, la 
medida básica, el patrón compositivo de las figuras egipcias, 
era el puño cerrado: un cuadrado determinado por la 
distancia que medía entre los nudillos y el arranque de la 
muñeca, y la anchura de la mano incluyendo el pulgar. Las 
cuadrículas se realizaban a partir de este módulo básico.”5
Figura 1.2
Proporciones y Medidas utilizadas por los egipcios
3 B. Meggs Phillip, Historia del Diseño Gráfico, pp. 32, 33
4 Ibídem, p. 16
5 Sanmiguel Cuevas David, op.cit., p. 12
2
1.1. Generalidades de la Ilustración
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................................................................ ~ 
Capítulo I
Este nuevo sistema daría paso a nuevos métodos de 
composición, tal vez fue una inspiración para los griegos 
quienes trataron de perfeccionar la figura humana y la 
proporción. Estos sistemas de proporción y utilización de 
materiales eran demasiado complejos para todo aquel que 
quisiera interpretar estos pasajes, por lo que se dieron a la 
tarea de simplificar sus dibujos por simples trazos logrando 
así la escritura cuneiforme, pero eso también fue un tanto 
complicado para las personas que contaban con pocos 
estudios ya que sólo las personas especializadas en descifrar 
este tipo de escritura eran los escribas. 
Debido a este inconveniente, se modificó nuevamente el 
sistema de escritura hasta formar lo que conocemos hoy 
como el alfabeto. 
Figura 1.3
Tablilla Cuneiforme
Durante la Edad Media, en la llamada Iluminación de 
manuscritos, la Ilustración de los libros impresos, se 
enfocaban a los aspectos de carácter religioso y al poder de 
la iglesia. Este tipo detrabajos, se realizaban comúnmente 
en los monasterios, muestran el gran Arte de la Ilustración 
en las llamadas miniaturas generalmente hechas en papel 
avitelado, empleando colores brillantes de temple y oro. 
Considero que la función de la Ilustración en la Edad Media, 
fue esencial, por los decorados e ilustraciones que tenían 
dichos escritos ya que la finalidad era reforzar visualmente 
el significado de la palabra, pero con el inconveniente de 
que sólo las personas que sabían leer eran las privilegiadas. 
Estas ilustraciones en los escritos ayudaron a miles de 
paganos a convertirse al cristianismo. Los ilustradores se 
encargaban de realizar los ornamentos e imágenes de los 
manuscritos, el trabajo consistía en calcar tipografía y labrar 
placas que cumplían con la función de decorar los escritos. 
La tinta utilizada en las letras estaba compuesta de hollín 
o negro humo, para los rojos agua y tiza, para los cafés se 
empleaba la raspadura de hierro. Para la iluminación de 
las imágenes se utilizaban sustancias vegetales, animales y 
minerales; el oro y la plata eran molidos y mezclados con 
otra sustancia para su posible adherencia. El brillo de las 
hojas de oro capaz de reflejar la luz en el trabajo realizado, 
al cual se le nombró manuscrito iluminado. “La producción 
de manuscritos durante los mil años que duró la época 
medieval, creó un vasto vocabulario de formas gráficas, 
composición de páginas, estilos de Ilustración y de letras, 
así como técnicas.”6
Durante el periodo Romano se crearon diseños con 
formas de letras que eran creadas con belleza. Para lograr 
su permanencia; estaban hechos con líneas geométricas 
simples, se dibujaban trazos gruesos y delgados con líneas 
rectas y curvas los cuales eran unificadas orgánicamente. 
Pero no hay existencia de algún escrito de este tipo. Existe 
un manuscrito antiguo con ilustraciones llamado el Virgilio 
del Vaticano creado a fines del siglo V d.C. que contiene un 
poema relacionado con la vida de las granjas y el campo. La 
concepción del Diseño se puede apreciar por la existencia 
vigorosa de mayúsculas, seis ilustraciones enmarcadas con 
bandas de colores brillantes las cuales tenían el mismo 
tamaño al de una columna completa de texto. Este estilo 
pictórico de la Ilustración en libros representó el estilo 
clásico. En el periodo de las cruzadas creció la demanda por 
este tipo de trabajo de textos ilustrados incluso se manifestó 
en el imperio Oriental Bizantino, ya que se desarrolló de 
manera importante la creación de iconos en miniatura.
6 Philip B. Megss, op. cit., p. 65
Generalidades de la Ilustración
3
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................................................................ ~ 
Capítulo I
En el siglo XV se fija el inicio de la Edad Moderna, cuando 
la impresión se realizaba en bloques de madera. El trabajo 
consistía sólo en la impresión de ilustraciones de naipes e 
imágenes religiosas; nuevamente se presenta una interacción 
entre la imagen y el texto, estos se grababan en un mismo 
bloque de madera.
“La mayoría de estos libros constaba de 30 a 50 hojas, 
además de la coloración manual y del uso de esténciles 
para aplicar áreas lisas de color a los textiles y juegos de 
naipes.”7 
Figura 1.4
Izquierda.- Sota de diamantes, naipe grabado en madera, 1400 
Derecha.- Grabado en madera de San Cristóbal,1423
Ante la gran demanda por continuar con los sistemas de 
impresión, países como Alemania, Países Bajos, Francia e 
Italia continuaron su búsqueda por crear un mecanismo 
para la producción de textos y gráficos impresos.
En Alemania, Johann Gensfleisch zum Gutemberg tuvo 
la dicha de imprimir el primer libro tipográfico, La 
Biblia volumen que constaba de 42 líneas. “Debido a la 
necesidad de un enriquecimiento posterior, se dejaron 
espacios en blanco para que un copista dibujara las iniciales 
decorativas.”8
7 Phillip B. Meggs, op. cit., p. 90
8 Ibídem, p. 95
Posteriormente se crearon placas de metal ante el gran 
apogeo de impresión de naipes, desafortunadamente se 
desconoce el inventor de dicho sistema. Las placas eran de 
cobre y las ilustraciones se realizaban sobre éstas, las cuales 
eran previamente pulidas. 
Algunas de las obras del 
Maestro de los Naipes 
fueron imágenes de pájaros, 
animales y hombres salvajes 
por la calidad en el Dibujo 
fue considerado artístico. 
Este tipo de impresión se 
destacó por el gran detalle 
en las ilustraciones, ya que 
se podían obtener escalas 
tonales que iban del negro 
al blanco.
 Figura 1.5
El Maestro de los naipes, The Three of Birds, alrededor del año 1450
Otro de los libros que alternó imágenes con texto fue 
El Agricultor de Bohem impreso también por el alemán 
Albrecht Pfister en 1460, usando el mismo sistema de 
impresión que Gutemberg. Este sistema subsistió durante 
muchos siglos, se permitía el trabajo en alto contraste, ya 
que el trabajo para la escala de grises era muy limitado. En 
el año de 1486 Erhard Reuwich fue el primer ilustrador 
reconocido por ilustrar el libro Peregrinationes in montem 
Syon; fue muy cuidadoso al realizar las imágenes de la 
naturaleza, era un buen observador, comenzó a introducir 
las primeras ilustraciones sombreadas, el cual ya contaba 
con ilustraciones desplegables.
Figura 1.6
 Peregrinationes in montem Syon,1486
Generalidades de la Ilustración
4
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Capítulo I
Durante el año de 1490 los impresores comenzaron a tener 
un baja considerable en la venta de sus libros, abandonaron 
la impresión de gran formato. Sin embargo, Anton 
Koberger, quien imprimió aproximadamente doscientas 
ediciones incluyendo quince Bíblias continuó publicando y 
vendiendo sus libros de gran formato, consiguiendo trabajar 
con grandes ilustradores creando grandes obras. En el año 
de 1493 se editó un libro llamado La crónica de Nuremberg, 
ésta es una de las obras maestras dentro la Ilustración ya 
que contiene 1809 ilustraciones grabadas. Algunos de los 
ilustradores que participaron en la producción de dicho 
libro fueron Michael Wolgemuth y Wilchelm Medien 
Wurff; quienes diseñaron, ilustraron y tallaron las placas 
de madera para su impresión. “La imaginación de los 
ilustradores posibilitaron la creación de monstruosidades 
nunca vistas, ciudades no visitadas, horribles torturas así 
como la capacidad para expresar la historia de la creación 
en símbolos gráficos.”9
Figura 1.7
Páginas de La Nuremberg Chronicle
Alberto Durero, colaboró en el bocetaje de las ilustraciones 
de La crónica de Nuremberg, fue un artista gráfico y pintor 
que fue afamado por la publicación de El Apocalipsis, 
volumen que contenía 15 grabados. “El Apocalipsis de 
Durero tiene una fuerza emotiva sin precedente. La tinta 
negra sobre el papel blanco crea volumen y profundidad, 
luz y sombra, textura y superficie, y se convierte en una 
metáfora de la luz, en un mundo turbulento de poderes 
imponentes”10
9 B. Meggs Phillip, op.cit., p. 107
10 Ibídem, p. 108
Figura 1.8 
Alberto Durero Los cuatro Jinetes del Apocalipsis,1498
Considero que la Ilustración ha tenido un papel muy 
importante en la historia de las Artes Visuales, a partir de 
la Edad Media por el gran contenido visual ya que el tema 
principal de las obras representadas tenían un carácter 
religioso aunque los orígenes son atribuidos al Grabado 
por lo que es conveniente mencionar algunos aspectos 
importantes de la Ilustración y su relación con éste.
El Grabado fue de suma importancia a partir de la Edad 
Media ya que con la demanda de miniaturas y libros 
religiosos los cuales estaban repletos de imágenes tuvieron 
la necesidad de crear un sistema de impresión que fuera 
capaz de imprimir grandes cantidades de libros. “Un libro, 
cuando presenta un texto,es un contenedor de símbolos-
palabra exactamente repetibles que se disponen en un 
orden también exactamente repetible.”11 
11 Mills Ivins William, Imagen impresa y conocimiento, p. 14
Generalidades de la Ilustración
5
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_ . 
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Capítulo I
Con el descubrimiento del continente americano se inició 
la propagación del cristianismo en dicho continente. 
En cuanto a la pintura en las primeras civilizaciones de 
América, se manifiesta en estilos y aplicaciones diferentes; 
desde los dibujos abstractos o decorativos hechos en pieles, 
telas, murales y libros. Las representaciones de carácter 
religioso, escenas de batallas, ceremonias o sucesos de la 
vida cotidiana eran principalmente plasmadas por lo que 
respecta a la zona de México. Los pobladores en México 
contaban con un sistema de escritura, que aún no se sabe de 
sus inicios sólo que las primeras apariciones de éstos fue en 
la zona maya durante los siglos II a.C. y II d.C.; cabe señalar 
que estos códices mayas eran de piel de venado, papel amate 
o amatl, en donde utilizaban tinta y pincel. México, fue uno 
de los países en donde se estableció uno de los sistemas 
de impresión el cual estaba destinado a los escritos que 
servirían para la conversión al cristianismo de sus nativos. 
Otras representaciones de la Ilustración en México son 
los códices con contenidos religiosos como el códice Laud 
y Fejeruary, el códice Vaticano B y Borgia, este último 
considerado como una de las más grandes obras pictóricas 
por su abundante ornamentación y el gran equilibrio de 
color. Otros códices son Nutall y Viena (Vindobonesis) y 
los códices tenochcas, en los que se encuentran los códices 
Borbónico y Aubin. Se pretendió imprimir catequismos 
en el idioma español y en el idioma náhuatl ya que era el 
idioma de los nativos. Uno de los documentos que persisten 
en América fue El Manual de Adultos de 1590 mucho antes 
de que se estableciera la primera imprenta en América del 
Norte. 
Los siglos XIV y XV es la época del Renacimiento, época 
dónde comenzó a desarrollarse el Diseño y la perspectiva, 
hubo una recuperación en las obras del desnudo humano, se 
conquista la representación de la realidad, revolucionando 
así la apreciación visual a escala y la proporción mediante 
la Teoría de Brunelleschi, fue una gran riqueza para la 
evolución del Diseño renacentista. Hubo un desarrollo 
y gusto por las decoraciones florales que se aplicaron en 
textos, arquitectura y mobiliario. 
Se utilizó la impresión en dos colores; amarillo y negro. Otra 
innovación en el Diseño fue el uso de las orillas e iniciales 
grabadas como parte de la decoración en los escritos, se 
tomaron elementos naturales para la ornamentación de los 
libros, posiblemente derivados de culturas orientales, hubo 
diseños con líneas finas, trazos invertidos en donde el texto 
era blanco y el fondo negro aunque también el contraste se 
daba en color rojo con blanco.
Figura 1.9
Erhard Ratdolt, Peter Loeslein y Bernhard Maler. Portada para la Geometriae 
elementa de Euclides,1482
El grabado en láminas de cobre continuó con su 
popularidad, aumentó la calidad en el trabajo; los detalles 
y las texturas no sólo eran grabados para las ilustraciones 
de los libros, cumplieron con la función de elementos 
decorativos de pared se imprimieron tarjetas de publicidad, 
pliegos individuales y otro tipo de impresos. La nueva 
composición renacentista se basaba en la perspectiva, que 
lograba la ilusión de profundidad con la intención de llamar 
la atención del espectador, logrando posicionarse en un 
punto determinado gracias al ingenio del artista. Lograron 
que el tamaño de los objetos determinara la distancia y el 
espacio teniendo como consecuencia un realismo nunca 
antes logrado. Estos maravillosos trabajos de color e 
imaginación representaron un gran esfuerzo por superar 
todo lo ya creado. 
Generalidades de la Ilustración
6
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Capítulo I
El gran avance en la impresión originó que la población 
demandara impresos de los acontecimientos importantes, 
y la producción de los escritos en formatos más grandes 
para que pudieran leerse a distancia. Hubo gran avance en 
los diseños tipográficos, continuó la ilusión de perspectiva 
y sombreados en los caracteres haciendo posible la 
proliferación de estos y la creación de más diseños. 
Figura 1.11
Paul Gavarni. An afficheur at 
work 
(Un fija carteles trabajando), 
1845
La demanda de 
los carteles crecía 
por lo que hubo la 
necesidad de crear 
casas especializadas para dichos impresos, sin embargo, 
los trabajos de invitaciones, volantes y hojas sueltas no 
requerían de un trabajo minucioso. Los adelantos en el 
diseño de tipografías demandaba ser utilizados en conjunto 
con diseños ornamentales e ilustraciones que cada día 
contaban con diseños muy novedosos. 
Existía un gran juego tipográfico 
en la composición de los carteles, 
ya que se marcaba con énfasis los 
títulos utilizando letras de gran 
tamaño; por lo que la litografía 
impresa dio mejores resultados ya 
que contaba con una mejor calidad 
en las ilustraciones y tenían más 
colorido. 
Figura 1.12
Cartel tipo madera del taller de trabajos 
tipográficos con energía de vapor de 
Brown,1854
Posteriormente en Inglaterra, un hombre llamado William 
Blake, desarrolló sus propias superficies de impresión 
empleando un método de aguafuerte en relieve, el método 
de impresión se llama planografía. Publicó libros de su 
poesía y cada página estaba impresa con una monocromía, 
combinando palabras e imágenes. 
Figura 1.10
William Blake. Portada para Songs of Innocence, 1789
Podemos decir que el fin de la composición plana había 
llegado, del objeto bidimensional; las figuras tomadas de 
la estatuaria clásica ocupaban un volumen real dentro 
de la composición: a partir de este momento se creó la 
composición artística. Durante el periodo de la Revolución 
Industrial trajo consigo muchos cambios, la mayoría de 
la gente dejó el campo y se dedicó a trabajar en fábricas, 
periodo en donde hubo una mayor difusión para la 
Comunicación Gráfica. La revolución hizo posible que 
todas las imágenes llenas de color fuera un privilegio entre 
las clases sociales. 
La litografía, cuyo sistema de impresión se basaba en el 
principio de: agua y aceite no se mezclan; se dibujaba sobre 
una superficie plana con un lápiz de cera, se esparcía agua 
por la superficie cuidando de no mojar los trazos aceitosos, 
posteriormente se aplicaba la tinta y se colocaba papel para 
que este fuera impreso. Fue un siglo que presenció un 
desfile de nuevas tecnologías que expandieron las múltiples 
aplicaciones de los medios impresos.
Generalidades de la Ilustración
7
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Capítulo I
Sin embargo, esos acontecimientos afectaron en aspectos 
de composición de los carteles por restricciones en estos. 
Las máquinas de impresión a base de vapor se desarrollaron 
rápidamente por lo que aumentaba la demanda de 
impresión de revistas, periódicos, libros, etc., y su tiraje era 
mayor. Las décadas de 1860 a 1900 fueron la mejor época 
de la litografía; con la invención de la cromolitografía, se 
introdujo el color a las ilustraciones de los libros, que hasta 
entonces se limitaba en blanco y negro.
Quizá el francés Jules Cheret sea el verdadero promotor del 
cartel publicitario ya que en ese entonces se creó un estilo 
particular llamado Poster Movement. Uno de los carteles 
más famosos del año 1871 fue The Woman in White; cuya 
impresión fue realizada en una placa de madera, los diseños 
e ilustraciones fueron creadas porFrederick Walker. El 
cartel causó gran osadía por el impacto de la imagen y el 
juego de la tipografía hacia el 
espectador. 
Chéret estaba convencido de 
que los carteles litográficos 
pictóricos reemplazarían 
a los carteles tipográficos 
que se hacían con tipos, y 
que ocasionalmente tenían 
pequeñas ilustraciones.
Figura 1.13
Frederick Walker. Cartel de teatro,1871
Durante 1880 comenzó a utilizar los colores primarios: rojo, 
amarillo y azul, con los que logró gran vitalidad gráfica y una 
sutil sobreimpresión que permitió hacer efectos tonales y de 
color. Para el año 1884 Chéret produjo carteles de 2.31m de 
altura, impresas por secciones y que estas fueran colocadas 
por los pega-carteles. En los países occidentales se crearon 
libros de juegos, con color y dibujos dirigidos a los niños de 
preescolar. 
Otro de los iniciadores de la Ilustración en libros infantiles 
fue Walter Crane; quien a la edad de 20 años publicó un sin 
fin de libros infantiles, cuyo fin era la didáctica o moral hacia 
los infantes.
Randolph Caldecott (1846-1886), desarrolló un gusto por 
el Dibujo, tomó clases de pintura y modelado, disecaba 
pájaros para aprender anatomía. Poseía un estilo particular 
por las exageraciones en las expresiones faciales y en los 
movimientos de las personas y animales. Personificaba 
artefactos de cocina, ambientándolos con animales que 
tocaban instrumentos musicales y en donde los adultos 
jugaban el papel de sirvientes. Estos dibujos tan peculiares 
fueron de gran ayuda para el desarrollo intelectual de los 
infantes.
Figura 1.14
 Ilustraciones de Randolph Caldecott
Kate Greenaway, ilustraba libros infantiles ya que gracias a 
su gran sentido de composición humorística, creó siluetas 
de imágenes que contrastaban con el colorido de las 
páginas originando un gran encanto. Las exageraciones 
que hacia a los ropajes en las ilustraciones de los niños, la 
llevó a una denuncia por parte de un psicólogo infantil, ya 
que según él era una arrogancia, sin embargo, esto no fue 
un impedimento para que continuaran imprimiendo sus 
libros. Con la invención de la cromolitografía Edmund 
Evans, imprimió sus libros a color los cuales también fueron 
ilustrados por Kate Greenaway.
Generalidades de la Ilustración
8
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................................................................ ~ 
Capítulo I
Figura 1.15
Kate Greenaway. Páginas de Debajo de la ventana, 1879. 
Harper y Hnos. formaron un proyecto con el cual 
pretendían convertirse en lo máximo dentro de las 
publicaciones impresas. Se dedicaron a la impresión de 
libros; ellos se encargaban de realizar los grabados en 
madera, la impresión, encuadernado y el empastado de 
libros; muchos de los libros tenían hasta 28 páginas. Con el 
paso del tiempo se dedicaron a la impresión de una revista, 
la cual constaba de 144 páginas. En ella se publicaba una 
novela, con numerosas ilustraciones creadas por el personal 
ilustrador. “El formato consistía en dos columnas de texto, 
con un margen al centro, acompañado de anotaciones. Las 
ilustraciones incluían grandes imágenes del ancho de dos 
columnas, contenidas en marcos victorianos ornamentados 
y cientos de ilustraciones selectas.”12
Figura 1.16
Izquierda.- Richard G. Tietze Anuncio para la Revista de Harper,1883 
Derecha.- Joseph A. Adams. Diseño de Portada entrega núm.33 de la Nueva 
Biblia pictórica iluminada de Harper,1844
12 B. Meggs Phillip, op.cit., p. 217
El semanario de Harper se anunció como el periódico de 
la civilización la cual contenía una sección en donde se 
imprimían caricaturas y reportajes gráficos que los artistas 
realizaban en los que participaba Thomas Nast, quien a la 
edad de 15 años comenzó su trabajo como ilustrador en el 
Semanario Leslie. Posteriormente trabajó haciendo bocetos 
para campos de batalla durante la guerra civil, al terminar 
la guerra, Nast continuó ilustrando con dibujos de carácter 
político y social, por lo 
que se le conoció como El 
Padre de las Caricaturas 
Políticas de los Estados 
Unidos. Santa Claus, el 
burro demócrata, el Tío 
Sam entre otros fueron 
sus creaciones dentro de 
la caricatura política. 
Figura 1.17
Thomas Nast. Caricatura política del Semanario Harper,1872
“La compañía Harper y Hnos. tuvo un excelente director 
de arte, Charles Parson quien contrató a ilustradores que 
cumplían con los perfiles para cubrir las necesidades que 
requerían las ilustraciones. Algunos ilustradores fueron 
Edwin Austin Abbey, Charles Danna Gibson. Sin embargo 
hubo un ilustrador que fue el predilecto, Howard Pyle, 
quien por su estilo dio inicio a la famosa Edad de Oro de 
la Ilustración Estadounidense.”13 Pyle publicó más de 3300 
ilustraciones y 200 textos. El gran empeño de Pyle, aunado 
con las investigaciones y conocimientos inspiró a muchos 
jóvenes artistas. En 1887 Pyle contaba con 34 años de edad, 
fue comisionado para hacer su primera Ilustración tonal, 
gracias a un procedimiento fotomecánico llamado medio 
tono con el cual obtuvo la escala de grises por medio de 
puntos negros haciendo la ilusión de tonos continuos, por 
lo que los ilustradores sustituyeron la pluma y la tinta por las 
escalas tonales basadas en puntos.
13 B. Meggs Phillip, op.cit., p. 219
Generalidades de la Ilustración
9
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................................................................ ~ 
Capítulo I
En 1893, Pyle realizó su primera Ilustración a dos colores, 
rosa y café, que fue impresa en dos planchas de medios 
tonos. Cuatro años mas tarde pudo aplicar a una Ilustración 
cuatro colores las cuales fueron realizadas en un lapso de 15 
años. Pyle muere en el año de 1911. 
Ante tal avance en los sistemas de impresión la tecnología 
y la industrialización, provocan en cierto modo una 
separación entre la sociedad y el artista, sus consecuencias 
fueron el eclecticismo* de modelos históricos, declinando 
de la creatividad y del Diseño.
Durante las décadas de 1890 a 1910 se produjo un 
desarrollo dentro del estilo decorativo en el mundo, esto 
determinó un nuevo principio en el Diseño: la decoración, 
la estructura y la función. En el Art Nouveau se inventan 
cosas nuevas; en vez de hacer copias, se revitaliza el proceso 
de diseñar dirigido hacia el Arte abstracto. Los ilustradores 
del Art Nouveau trataron de hacer del Arte Visual parte de 
la vida cotidiana. Aprendieron nuevas metodologías que 
ampliaban su visión hacia las Artes Visuales y la Estética, los 
materiales y sus técnicas fueron evolucionando de acuerdo 
a las necesidades comerciales de impresión. Las nuevas 
publicaciones se introducían entre la gente para crear otro 
sentido del Arte Visual.
Uno de los artistas fuertemente expresivos fue sin lugar a 
dudas fue el Conde Henri Marie- Raimond de Toulouse 
Lautrec Monfa, conocido como Henri de Toulouse Lautrec 
quién creó el arte y la técnica del cartel moderno. La 
capacidad de observación y la síntesis de Lautrec han 
hecho que sus obras trasciendan por décadas. El trabajo de 
Lautrec proporcionaría la posibilidad de ampliar el impacto 
de su arte. Buscaba invitar al espectador a participar en la 
experiencia de la forma y el color. 
eclecticismo*.- Escuela filosófica que procura conciliar las doctrinas que 
parecen mejores o más verosímiles, aunque procedan de diversos sistemas
Hacia finales de siglo XIX, aparecieron las primeras 
fotografías en algunos libros impresos, incrementando 
las posibilidades del realismo de las ilustraciones, con el 
desarrollo de las placas y superficies mejor elaboradas, 
añadieron más sofisticación a los avances dentro de la 
impresión en conjunto con los procesos de revelado e 
impresión de negativos. De la misma manera las técnicas 
fotográficas ampliaron las posibilidades de la reproducción 
de ilustraciones, la impresión de semitonos que es un 
procesoque ha facilitado la multiplicación de obras a color, 
mediante la superposición de tramas de diferentes tintas, 
fragmentadas con retículas para crear semitonos.
Actualmente, la Ilustración, puede considerarse como una 
respuesta al desarrollo del comercio y la industria. Con el 
avance tecnológico del Offset fue posible la reproducción 
de obras a bajos costos, pero con materiales cada vez más 
sofisticados. 
Durante décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, 
hubo cambios dentro de los medios gráficos. En aquel 
momento numerosos artistas buscaban nuevos medios de 
expresión que liberaran a la pintura de la repetición de los 
temas y técnicas tradicionales. El ilustrador interpretaba de 
manera plástica los textos que le enviaban los escritores. La 
historia de las Artes Visuales quedó en manos de los artistas 
gráficos que de ahora en adelante se encargaban de dirigir 
los proyectos gráficos así como los movimientos artísticos 
como el cubismo, las yuxtaposiciones, dislocaciones y 
cambios en el surrealismo; la naturalidad del expresionismo 
y del fauvismo, así como la renovación de imágenes, masivas 
y publicitarias del Pop Art. 
Considero que con la invención de la fotomecánica, 
la posibilidad de reproducción de imágenes aumentó 
considerablemente, sin embargo, el trabajo de los antiguos 
impresores se reemplazó, dando como resultado la 
disminución de ilustraciones realizadas en las placas de 
madera, piedra y metal. Sin duda los artistas gráficos fueron 
adquiriendo conocimientos en cuanto a nuevas técnicas e 
imágenes, tener su propio estilo y poder manifestarlo. 
Generalidades de la Ilustración
10
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Capítulo I
La creación de las imágenes llegó a ser significativa en países 
como Estados Unidos, Alemania, Cuba y Polonia. En este 
último se crea la Escuela Polaca del Cartel, en donde el cartel 
ha sido uno de los orgullos medios gráficos por su riqueza 
cultural. La Ilustración obtuvo un enfoque más conceptual 
en Nueva York gracias a Seymour Schwast, Milton Glaser, 
Raynolds Ruffin y Eduard Sorel. Ellos lograron a través de 
una publicación llamada The Push Pin Almanac realizar 
trabajos independientes con un programa de material 
editorial de antiguos almanaques. El Push Pin fue creado 
por Glaser después de haber tomado clases de grabado. 
Otros ilustradores que colaboraron en este movimiento fue 
el acuarelista James McMullan, posteriormente apareció 
Paul Davis quien mostró interés por la pintura de detalles 
diminutos. La escuela Push Pin de Ilustración y Diseño, 
presentó una nueva alternativa a la Ilustración del pasado. 
Figura 1.18
Carteles de Seymour Schwast
A comienzos de la década de los años 60 continuando 
hasta los años 80 surgió un medio de ilustrar basado en 
el manejo de imágenes fotográficas por medio del collage 
y el montaje. Los cambios constantes en los sistemas de 
reproducción y materiales aumentaron las expectativas 
culturales y técnicas del ilustrador, lo cual ayuda a ejercer su 
oficio libremente, sin descartar el conocimiento general de 
los métodos tradicionales. Con base a lo antes mencionado, 
las actividades del ilustrador se han ramificado a otras 
manifestaciones no incluidas en las Artes, su papel no 
ha cambiado, sus objetivos culturales, comerciales y de 
comunicación continúan con el único fin de ilustrar e 
informar al espectador.
Se puede decir que la tarea del ilustrador no consiste 
en alterar la información contenida en la imagen, sino 
transmitir mensajes por todos los medios gráficos posibles.
Con la aparición del cine y la televisión la Ilustración 
incrementó su función ampliando y reconociendo la obra 
del artista visual. En el cine las técnicas desarrolladas para 
las películas de dibujos animados, proporcionaron nuevas 
opciones para el ilustrador. La expansión del campo de las 
actividades del ilustrador, la sofisticación de materiales y 
sus técnicas así como los procesos de reproducción, hizo 
posible que la Ilustración haya rebasado las posibilidades de 
manifestaciones artísticas.
El objetivo de todo Arte Visual es la producción de imágenes; 
cuya función es la de comunicar. Arte e Ilustración nunca 
pueden separarse por completo, la Ilustración se basa en 
los materiales y sus técnicas artísticas tradicionales y de 
vanguardia. Generalmente, se considera a la Ilustración 
como contexto comercial y por lo tanto, las demandas 
sociales y económicas determinan la forma y el contenido 
de la Ilustración. 
La Era del Cartel
Generalidades de la Ilustración
11
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Capítulo I
Entre los diferentes medios de expresión gráfi ca conocidos, la Ilustración es el más difundido, vivo 
y dinámico, porque habla a todos en un lenguaje del 
momento. Es la manera más sincera de expresar cualquier 
sentimiento, sin temor a ser reprimido, sus innumerables 
especializaciones hacen al ilustrador capaz de crear 
reacciones múltiples en niños, jóvenes y adultos. Así mismo 
la Ilustración cumple la gran función de enfatizar cualquier 
tema por minúsculo que sea, no es elitista, expresa lo 
ridículo, lo vulgar o lo sublime, cómico o dinámico. La 
Ilustración es la expresión vital del arte moderno ya que la 
mayoría de las veces es subjetiva. 
Es difícil no encontrarnos con la Ilustración, está presente 
en nuestra vida diaria, la vemos en revistas, portadas e 
interiores de libros, en envases de comida, carteles, folletos, 
etc. Su fuerza y el número casi infi nito de formas en la 
que se puede emplear ha hecho que sea una de las Artes 
Visuales con mayor difusión dentro de los medios gráfi cos. 
Hay quienes aseguran que la Ilustración está por debajo de 
otros medios gráfi cos.
Pero si comparamos la fotografía con la Ilustración; 
sabemos que en la fotografía pueden existir riquezas 
visuales, sin embargo, la Ilustración tiene la posibilidad de 
mezclar diversas materiales y técnicas de cualidad especial, 
porque una Ilustración puede ser resuelta con un sin fi n de 
posibilidades.
Figura 1.19
 Fotografía blanco y negro 
En la Ilustración son admisibles todos los materiales y 
sus técnicas para su ejecución, siempre que éstos sean 
reproducibles; en una sola Ilustración podrán ser mezcladas 
tintas indelebles, colores de acuarela, gouache y aún resolver 
algunos detalles con lápiz negro de carbón o graso o con 
lápices de colores así como emplear lápiz, pluma, pincel y 
con otros materiales que produzcan efectos y cualidades 
excepcionales. 
12
Figura 1.20
Ilustraciones con Materiales y sus Técnicas
1.2. Técnicas de Ilustración
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SUGAR FREE 
SWEETS 
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Capítulo I
Técnicas de la Ilustración
El ilustrador debe resolver su trabajo con imaginación. La 
finalidad del ilustrador, como la de todo artista visual, es 
la de crear imágenes que pueden ser de cualquier índole y 
sobre todo tipo de soporte, teniendo en mente que deben 
ser los que mejor respondan a una idea.
A diferencia de otras manifestaciones artísticas, la 
Ilustración siempre debe realizar una función concreta. 
Es recomendable transmitir información basada en los 
conocimientos previos al público. Algunos ilustradores 
resuelven pensando visualmente, es decir, trabajando 
inmediatamente con los materiales y sus técnicas, 
instrumentos de manera que expresen gráficamente la 
impresión mental. 
Al realizar una Ilustración se debe tener en cuenta los 
principios de composición y tratar de evitar que ésta sea 
simple e importuna. En una Ilustración deberá existir un 
área de mayor interés; así como conducir a la vista por los 
diferentes valores, colores y elementos dela composición.
Figura 1.21
Métodos de composición: a) basada en letras, b) basada en figuras 
geométricas, c) basada en líneas, d) basada en simetría
Los bocetos son muy útiles porque facilitan la visualización 
del tema a desarrollar con diferentes esquemas de color, 
sobre fondos diferentes, simplificando o permitiendo la 
eliminación oportuna de todo aquello que no sea esencial.
La función principal de bocetos es que se podrán hacer 
rectificaciones ya que así se evitará estropear la Ilustración 
final.
En cuanto al uso del color en una Ilustración el autor 
Isaboy comenta: “Considérese que cuantos más colores 
sean utilizados en la obra, tanto más difícil se hará el poder 
crear una armonía y un buen efecto con ellos. El esquema 
general debe estar basado en los colores más indispensables 
y formado por colores neutros con uno o dos colores que 
predominen, por dos colores con sus complementarios, 
por colores contrastantes armónicos o por una armonía 
tranquila de colores análogos, pero siempre y cualquiera 
que sea el esquema que se adopte, haciendo uso de unos 
pocos colores elegidos y bien administrados. La ordenación 
de las áreas claras y oscuras es uno de los aspectos más 
importantes de la composición. Todo cuadro se resuelve 
en términos de luz y lo que hay que captar y representar es 
el efecto de ésta sobre las formas; el tono es, en realidad, la 
cantidad de luz que éstas reciben.”15
“La Ilustración y el Diseño son disciplinas que tienen lazos 
estrechos y tradicionales. La Ilustración ha servido como 
complemento narrativo en manuscritos y libros desde los 
documentos ilustrados antiguos que se conocen: El libro 
Egipcio de los Muertos y el Papyrus Ramessum, el cual su 
Diseño es tan antiguo como el Arte.”16
Figura 1.22
Pasaje del Libro de los Muertos
A continuación se indicarán algunas de las técnicas más 
usuales en la Ilustración, comenzando con la Xilografía ya 
que históricamente la Ilustración se empleó dentro de este 
sistema de impresión.
15 L. Isaboy, Técnicas de Gouache y Temple, 3ª Ed. p. 57
16 Dalley Terence, Guía completa de Ilustración y Diseño, pp. 6, 7, 10
13
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a) b) 
e) d) 
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Capítulo I
X i l o g r a f í a
“Generalmente se usa palabra grabado para designar toda 
estampación artística, pero el grabado es el resultado de la 
estampación de una plancha en la que se han efectuado 
incisiones, o sea, grabados, como los efectuados en madera 
(xilográficos) o en metal (grabado en hueco). Pero si la 
estampación se efectúa con dibujos realizados sobre piedra 
(litografía) o sobre pantallas de seda o nylon (serigrafía), en 
las que no se han efectuado clase alguna de incisiones, el 
resultado de la estampación no se debe denominar grabado 
sino estampa.”17
La Xilografía es uno de los sistemas de impresión más 
antiguos, ya que sus comienzos se remontan desde la época 
del Renacimiento. La estampación de imágenes, al contrario 
de la impresión de palabras con los tipos móviles, hizo nacer 
algo completamente nuevo: hizo posible hacer por primera 
vez manifestaciones gráficas susceptibles de repetirse 
exactamente. El grabado en láminas de cobre continuó 
con su popularidad, aumentó la calidad en el trabajo; en 
los detalles y texturas; no sólo se hicieron grabados para 
las ilustraciones de los libros, cumplieron con la función 
de elementos decorativos de pared se imprimieron tarjetas 
de publicidad, pliegos sueltos y otro tipo de impresos. Por 
sus posibilidades de expresión artística directa de la imagen 
y por su enorme poder de expansión a través de múltiples 
originales, los grabados han servido como vehículo a los 
mensajes espirituales, políticos, tecnológicos, sociales o 
estéticos (según su categoría).
Figura 1.23
Grabados por xilografía y cartulina rascable
17 M. Rubio Martín, Ayer y hoy del grabado y sistemas de estampación, 
pp. 5-7
Aparte de las pinturas y esculturas de las catedrales y de los 
monasterios, el grabado fue para el hombre el único camino 
al acontecimiento de hechos, situaciones, personajes y 
paisajes, o de cualquier información desconocida. Su 
influencia ha sido muy importante como por ejemplo en la 
arquitectura ya que todo proyecto a realizar era ilustrado. 
Los primeros grabados conocidos fueron ejecutados 
utilizando las técnicas de grabado e impresión en relieve 
o topográfica. Los primeros vestigios del Arte de imprimir 
aparecieron a fines del siglo XIV. Las técnicas empleadas en 
estos comienzos son las siguientes: Xilografía o Grabado en 
madera y Grabado en relieve sobre metal.
“El grabado en madera o xilografía, es la más antigua de 
las técnicas del grabado occidental donde se utilizaba con 
preferencia para la estampación en seda. Llega a Occidente 
a manos de árabes y se utiliza para la edición de cartas de 
juego y de estampas religiosas. A fines de la Edad Media 
la xilografía se convertiría en un valioso auxiliar de los 
amanuenses, con cuya técnica grababan y estampaban 
ciertas partes de los manuscritos, tales como mayúsculas 
historiadas y figuras diversas, coloreándolas luego a mano. 
Las técnicas usadas en xilografía son dos: para la primera 
se emplea madera cortada en el sentido de la fibra, o sea, 
en dirección del eje del árbol. A esta técnica de grabar se le 
denomina a fibra o bien al hilo. La segunda se usa madera 
cortada en sentido vertical al eje del árbol este se denomina 
grabado a contrafibra o contrahilo.”18
Figura 1.24
Proceso de grabado en plancha de madera
18 Ibídem, p. 139
Técnicas de la Ilustración
14
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Capítulo I
Técnicas de la Ilustración
En la Xilografía se emplean toda clase de maderas de 
distinto calibre; las maderas ofrecen la ventaja de presentar 
cortes con bordes más nítidos y consistentes, permitiendo 
así la posibilidad de estampar mayor número de pruebas; 
las maderas blandas son más indicadas para la Xilografía. El 
grosor de la plancha tiene que presentar un calibre uniforme 
en toda su extensión. Una vez calibrada y alisada, se efectúa 
el dibujo sobre la superficie a grabar. Es aconsejable trazar 
la imagen por separado es decir en papel, puede realizarse 
en papel transparente, invertirlo y transportarlo sobre 
la superficie de madera, intercalando un papel carbón y 
resiguiendo el dibujo con una punta dura y chata, con el fin 
de no rasgar el papel. 
Posiblemente, al efectuar esta operación, el dibujo puede 
perder elementos del que tenía el trazado original. Para 
recuperarlo se retocan los trazos dejados por el papel de 
calco en la madera con un lápiz blando o un pincel, con lo 
que se consigue oscurecer la parte que interesa estampar. 
Una vez transferido el dibujo sobre la madera, se efectúa 
el grabado, el cual consiste en retirar de la madera las 
superficies no dibujadas, con los instrumentos de corte. 
Los instrumentos utilizados en el grabado a fibra son: 
cuchillas y gubias. Por cuchilla se entiende una hoja de 
acero afilada, existen gran variedad de formas y tamaños. 
Las gubias son como las utilizadas por los escultores en 
madera, de distinto formato y sección. Las cuchillas se 
utilizan según la técnica especial que consiste en cortar la 
madera, llevando la cuchilla inclinada hacia un lado (talla) 
y practicando seguidamente otro corte con la cuchilla 
inclinada hacia el lado contrario (contratalla). 
El grabado a contrafibra es aquel que es realizado en madera 
cortada transversalmente a la fibra. Se trabaja con buril, que 
permite un trabajo minucioso y con gran libertad de trazo 
ya que no encuentra la dificultad de la fibra. Es importante 
hacer constar que en el grabado y sistemas de estampación 
existen dos fases diferenciadas y aunque la primera sea deopción pura, las dos son fundamentales. Primeramente se 
realiza la plancha matriz, piedra o pantalla, en segundo 
lugar se efectúa su estampación. 
Los buriles que se utilizan para realizar el grabado exigen 
un afilado perfecto, el afilado debe efectuarse con giros 
sobre la piedra esmeriladora previamente aceitada. En 
cuanto a la profundidad del corte en la plancha de madera 
deberán ser mínimo de tres milímetros de profundidad y 
máximo de un centímetro. Es importante mencionar que 
en las primeras ilustraciones era casi nula la existencia de 
gradaciones tonales, por lo que los grabados tenían un 
resultado en alto contraste.
Figura 1.25
Buriles y afiladores
“En sus comienzos la xilografía a fibra resultaba 
excesivamente uniforme y seca de trazo, sin matiz alguno. 
Con el dominio de la técnica, los grabadores comenzaron 
a conseguir valoraciones diferentes de luces y sombras, 
medios tonos por medio de líneas entrecruzadas con más 
o menos separación, o bien vaciando los negros a base de 
punteados conseguidos con gubias de distinta sección.”19
 
Planchas
Las planchas cumplen la función de matriz, las cuales 
permiten un número considerable de estampaciones, en 
ellas se encuentran: litografía, serigrafía, plaster, gofrado, 
etc. 
Figura 1.26
Planchas de impresion
 19 Ibídem, p. 141
15
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Capítulo I
El proceso de ejecución de la plancha matriz, para la 
posterior estampación de un número de ejemplares iguales, 
divide al grabado en: grabados y estampas; los grabados 
cuentan con las técnicas de la xilografía la cual se realiza 
en una plancha de madera grabado por medio de cortes y 
grabado calcográfico o huecograbado en donde se utiliza 
una plancha de zinc o cobre en donde se efectúan incisiones; 
y las estampas tienen las técnicas de la litografía, donde se 
realizan dibujos sobre piedra o cinc con materia grasa, y 
materiales diversos; y la serigrafía donde se realizan dibujos 
sobre una malla de seda o nylon. Es recomendable que el 
artista que graba debe ser quien efectúe la estampación o, 
cuando menos vigilar el proceso con el mismo cuidado que 
puso en la ejecución de la plancha.
P l u m a
Sabemos que todo principio de cualquier expresión artística, 
es la línea. La línea no es más que la marca de un lápiz o trazo 
simple de la pluma. La línea, en sus diversas funciones, ha 
contribuido a creaciones simples pero magnificas, a trazos 
inigualables, arrogantes, sutiles, etc. 
“Según la definición común, contorno es el conjunto de 
líneas que limitan exteriormente a los cuerpos o espacios; 
pictóricamente es un recurso convencional para definir las 
cosas, ya que los bordes de ellas se establecen no por líneas o 
perfiles, sino por los valores de claroscuro que dependen de 
la cualidad de la luz que ilumine al objeto o forma: intensa, 
clara, intermedia, débil, etc.”20 Los ilustradores han usado la 
pluma y la tinta durante muchos siglos. Los campos en los 
que se realiza esta técnica son sumamente diversos como por 
ejemplo: medios impresos y a veces fotografía y películas. La 
Ilustración a pluma ha demostrado ser lo suficientemente 
versátil para 
emplearse en todos 
estos medios.
Figura 1.27
Ilustración con técnica a 
pluma
20 Bay J, El Dibujo a la pluma, p. 9
Técnicas de la Ilustración
El primer uso de la pluma se debió a los monjes medievales 
quienes con la caligrafía y las ilustraciones a pluma llenaban 
y decoraban sus manuscritos hasta convertirse en la 
suntuosa iluminación y las miniaturas de la Edad Media. 
Esto lo realizaban en piel preparada de cabra, oveja, ternera 
o cordero. Las plumas que utilizaban eran de ganso, aunque 
también solían utilizar de pavo y de cisne. En cuanto a la 
tinta existen dos fórmulas, la primera era una combinación 
de sales de hierro y agallas de roble, que con el tiempo 
se tornaba de color marrón; la segunda consistía en la 
elaboración de una suspensión de carbono (generalmente 
negro de humo) en goma y agua.
Figura 1.28
Técnica de pluma con diversas resoluciones 
La variedad de plumas que pueden ser utilizadas en esta 
técnica pueden ser: la pluma caligráfica conocida como tal 
por su tamaño reducido y su punta extremadamente dúctil 
y afilada; o atómica, el resultado en cuanto la opacidad 
de la tinta de cada pluma será diferente, ya que la pluma 
caligráfica emplea tinta china la cual al secarse adquiere un 
terminado mate y la tinta de la pluma atómica su terminado 
es brillante no debe preocuparnos esto ya que el resultado 
del trazo será el mismo, por medio de líneas paralelas y/o 
entrecruzadas. 
Figura 1.29
Tipos de plumas para dibujo
16
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Capítulo I
La utilización de plumas de aves es uno de los instrumentos 
más tradicionales en la técnica de la pluma ya que son 
fáciles de manejar y conseguir. Se pueden utilizar plumas 
de cualquier ave siempre y cuando no sean pequeñas y muy 
frágiles ya que al momento de hacer los trazos se quebrarían. 
Las primeras plumas fueron de ave y caña y las usaron 
los griegos, romanos y egipcios. Para conseguir buenos 
resultados hay que cortar la punta exactamente en el ángulo 
adecuado y recortarla con frecuencia. En las plumas de ave 
se corta el extremo de la pluma con cuchilla, enseguida se 
debe hacer un corte oblicuo en el ángulo adecuado, después 
se talla cuidadosamente una ranura central, se limpia el 
extremo de la pluma para evitar emborronamientos, se 
recortan los lados curvos y por último se limpia el extremo. 
Otro tipo de pluma puede realizarse con la caña, su utilidad 
es algo limitada, ya que su toque es algo insensible, pero en 
combinación con otra pluma pueden ser muy efectivas. La 
característica de línea truncada que produce este tipo de 
pluma sirve para realzar expresivamente un dibujo a tinta 
más delicado.
Figura 1.30
Pluma de ave y pluma 
de caña
La pluma estilográfica, cuenta con un plumín constituido 
por un tubo del cual fluye la tinta, proporcionando trazos 
uniformes y continuos. Se usa particularmente en trabajos 
de tipo publicitario o de arte comercial, en donde se exige 
en muchos casos el uso de regla, escuadras, tiralíneas, 
compás y bigotera.
Figura 1.31
Estilógrafos
La tinta es un material importante en esta técnica a 
continuación el autor Parramón menciona algunos aspectos 
importantes: “El medio más representativo de un dibujo a 
la pluma es la tinta china negra. La tinta china se fabricaba 
en barras o cubitos sólidos que para su uso eran disueltos en 
agua. Actualmente la tinta china es un compuesto líquido de 
negro de humo en suspensión coloidal, esto es, disgregado 
en partículas extremadamente pequeñas. La tinta china 
proporciona un negro intenso e indeleble, es cubriente y al 
propio tiempo fluida, permitiendo trazos finísimos. Como 
sustituto de la tinta china y para logro de determinados 
estilos, cabe también el uso de la pintura al témpera o 
gouache, negro.”21
Figura 1.32
Barra y frasco de tinta china
En ilustraciones a pluma, el tono, se desarrolla por la 
menor o mayor visibilidad del fondo blanco del papel a 
través de una red de líneas que a medida que se hacen más 
compactas van oscureciendo la luz que refleja el papel; los 
valores en la técnica de la pluma son producidos por líneas 
gruesas o finas, unidas o separadas, que dejen ver, a través 
de ellas más o menos blanco. Este plumeado, que por 
líneas entrecruzadas o paralelas forma las medias tintas y el 
modelado, no puede ser ejecutado de cualquier manera, ya 
que se debe representar al modelo.
21 Parramón José María, Así se dibuja a la pluma, 7ª ed., p. 7
17
Técnicas de la Ilustración
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Capítulo I
Cuando un objeto es recto en su estructura el plumeado 
debe ser indicado por trazos rectos; si aquel es corvado o 
redondo éste habrá de seguir la dirección de la forma, sea 
a lo largo o a través de ésta. Esta dirección de las líneas no 
sólo indican los valores y el modelado, sino que también 
tiene relación con la perspectiva.
Figura 1.33
Diferentes valores y modelado por medio de trazos curvos y entrecruzados
Las ilustraciones a pluma, se resuelven esencialmente por 
líneas. Por una línea de diferente grueso, pueden sugerirse 
múltiples variaciones en profundidad o perspectiva; por el 
contorno son reconocidas las cosas, siendo éste el primero 
y más simple informe de la realidad tangible; permitiendo 
expresar las tres dimensiones: profundidad, altura y 
anchura en un soporte de dos dimensiones: alto y ancho 
así como la utilización de la línea, entre más próximo se 
encuentre un objeto más gruesa será la línea y más delgadas 
serán las líneas al objeto lejano. 
El contorno acentuado se utiliza para que los objetos 
representados tengan una impresión de mayor relieve. Si 
queremos representar un libro sobre una mesa todas las 
líneas del plumeado indicarán una dirección ascendente por 
debajo de la línea de horizonte y descendente por encima de 
este nivel de visión. 
Si en lugar de la forma recta del libro se representa la forma 
redonda de una botella, el plumeado modelará a ésta por 
medio de líneas curvas ascendentes que perderán su forma 
al acercarse a la línea de horizonte hasta terminar en ésta por 
una recta paralela; este efecto se repetirá, a la inversa, por 
encima de aquélla.
Figura 1.34
Trazos de pluma que dan 
dirección al objeto
Las ejecuciones a la pluma deben ser ligeras y no estar 
recargadas de medias tintas ni sombras excesivas; cuando 
se sombrea con un rayado que sigue la dirección de las 
formas se modelan y adquieren relieve; las líneas de rayado 
que se trazan paralelamente a través del dibujo, de abajo 
arriba, de izquierda a derecha o al contrario, son compactas 
y plenas cuando se desea dar un efecto de profundidad; o 
más suaves y separadas cuando se pretenda dar efectos de 
delicadez. El rayado cruzado en todos los sentidos produce 
una impresión de ambiente y es útil en los fondos y en todos 
aquellos planos que requieren atmósfera. 
El sombreado por rayado transversal a las formas crea un 
efecto suave, opulento si aquél es curvo, vigoroso si sigue 
el modelado de la forma, atmosférico si se cruza en todas 
direcciones. En las ilustraciones con esta técnica intervienen 
los espacios en blanco. El plumeado debe ser muy simple 
cuando el objeto está lejano y ha de estar resuelto con mayor 
vigor en las formas próximas, en las que se manifestará más 
acusado y detallado. La técnica a pluma es muy directa y 
obliga a una definición definitiva desde las primeras etapas 
del trabajo. Su práctica es absolutamente indispensable.
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Técnicas de la Ilustración
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Capítulo I
En esta técnica deben ser considerados el ancho de los rasgos 
y las separaciones entre éstos. Tal es el caso del grabado a 
línea en el cual se observa una tendencia a engrosar los 
trazos y a llenar los espacios blancos; para evitar un mal 
resultado debe ser ejecutado el rasgo limpio su escala tonal 
tiene siete o nueve valores, en cambio en la resolución de la 
técnica a pluma ha de reducirse aproximadamente a cinco 
valores entre el blanco y el negro. 
Figura 1.35
Ilustraciones con diferente grosor de línea
 
“La primera cualidad de una pluma ha de ser la suavidad 
y ligereza en el trazado del rasgo; ni muy blandas, pues 
esto es un defecto, ni duras. Las dos puntas deben ser 
absolutamente iguales; esto puede probarlo si sitúa la 
pluma de perfil y comprueba que tiene las dos puntas en el 
mismo plano.”22 Debemos tener en cuenta que para ilustrar 
a pluma no es lo mismo que escribir con ella. La mano ha de 
estar suelta, fácil y apta para toda variación y para trabajar 
en cualquier dirección. Los ejercicios iniciales llevan, al 
dominio de la pluma y son de excepcional importancia para 
que el ilustrador adquiera facilidad en la ejecución de líneas 
rectas, verticales, horizontales, inclinadas o curvas; delgadas 
o gruesas; cruzadas o cortadas, etc; combinando unas con 
otras hasta realizarlas sin esfuerzo, con relativa rapidez.
22 Bay J, op.cit, p. 6
Una Ilustración también puede ser realizada con un proceso 
mixto: con la pluma y pincel alternado el empleo de la 
pluma y el pincel. Esta técnica no es adecuada para aquellos 
papeles de superficie blanda en los que la pluma levanta 
fácilmente la capa superficial y se crea una especie de 
pelusa, formando líneas sucias y manchas. En esta técnica 
es muy común aplicar esta combinación; especialmente 
cuando es preciso cubrir áreas planas de negro, éste se 
aplica directamente con el pincel.
Otro aspecto importante en la técnica a pluma es la cualidad 
del soporte. Los papeles de un buen gramaje son mejores 
que los de menor gramaje ya que con un papel fino existe la 
posibilidad de que la tinta se extienda demasiado. El papel de 
27 kgs. permite hacer correcciones; para trabajos cuidadosos 
y con plumilla de acero, lo mejor es una superficie dura. Sin 
embargo, la única forma de saber realmente cual es papel 
más recomendable, es experimentando con varios papeles. 
Entre los papeles de superficie media y dura están la 
cartulina Bristol; el Fashion, el RWS prensado en caliente, 
Arches, etc. Entre los papeles absorbentes medios y duros 
se encuentran: Daler Cartridge, el Kent NHP, el fabriano 
NHP, el Arches Satine, y el Saunders NHP.
La práctica y exactitud de esta técnica es indispensable, ya 
que se debe tener conocimiento de las cualidades de la línea 
a trazar, el rasgo de ésta, así como su dirección y volumen 
según el objeto representado. La técnica de pluma puede 
ser combinada con otros materiales los cuales crean un sin 
fin de efectos tonales y colorido como por ejemplo el pincel 
seco, ilustraciones con lápices de color y de grafito por 
mencionar algunos. 
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Técnicas de la Ilustración
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Capítulo I
L á p i z
Desde nuestra infancia, el lápiz, ha sido nuestro compañero 
de clase, diversión y experimentación. Con él aprendímos a 
escribir, a trazar líneas sutiles y burdas las cuales al pretender 
eliminarlas con la goma para no dejar rastro alguno; era casi 
imposible. Es un medio cuyo acceso no está condicionado, 
no al menos para todo aquel que desee experimentar su gran 
utilidad cualquiera que pretenda hacer un dibujo, escribir o 
simplemente hacer garabatos sin temor a equivocarse. En la 
mayoría de las técnicas de Ilustración es común recurrir a un 
trabajo preliminar a lápiz y anotaciones de las que también 
se hace uso de éste. Con el lápiz pueden ser captados los 
movimientos más rápidos. Este simple medio resuelve todo 
requerimiento, expresa valores, calidades y texturas, es útil 
para bocetos.
Figura 1.36
Trazos con lápiz grafito
Se cree que el concepto de lápiz de plomo es correcta o 
sinónimo de lápiz grafito pero en realidad; el plomo no es el 
elemento que contiene el lápiz, sino una mezcla de grafito y 
arcilla. Antiguamente, estos materiales incluían ceras, goma-
laca y resinas, además de negro humo para obtener mayor 
intensidad. 
Hoy en día, algunas de las mejores minas que se usan con 
portaminas, se hacen mezclando grafito de gran calidad con 
polímeros especiales. La calidad de los lápices depende 
principalmente de la calidad y la pureza de los grafitos y 
arcillas empleadas en su fabricación. Cuanta más arcilla 
haya en la mezcla, mayor será la dureza de la mina. Para 
graduar la durezase emplean dos sistemas: el Conté, basado 
en números, y el Brookman, basado en letras (BB, BF, HB, 
etc). 
Los lápices empleados para dibujo van desde el 9B que es el 
más blando, hasta el 10H, el más duro. En los lápices para 
escribir, la dureza se indica mediante números del 1 al 4.
Las minas están reforzadas para impedir la rotura, y 
encerradas en madera: la sección de los lápices es redonda 
o hexagonal. Las marcas que dejan los tres principales tipos 
de lápiz son diferentes. Un lápiz compuesto de grafito 
produce marcas grises y brillantes; el lápiz de carbón/
carbono hace marcas negras y mates; el lápiz Conté hace 
marcas negras y mates con una apariencia grasa. Los tres 
tipos se presentan en diferentes gradaciones. También el 
espesor de la mina es variable. La gradación determina 
si el lápiz es o no adecuado para cada tarea concreta. Un 
lápiz 6B, por ejemplo, no mantendrá la punta afilada mucho 
tiempo, mientras que un lápiz 8H no resulta adecuado para 
zonas amplias de sombreado gradual. También la presión 
aplicada al lápiz influye en el tipo de marca producida. 
Figura 1.37
Gradaciones de lápiz grafito
La mayoría de los lápices dejarán alguna marca en casi todas 
las superficies normales empleadas para dibujar y pintar. 
En las superficies más lustrosas hará falta un lápiz especial 
para dejar alguna marca. El hacer trazos con lápices duros 
probablemente sea imposible eliminarlos por completo ya 
que su dureza produce surcos en los soportes. En cambio 
un lápiz suave exigirá un borrado con goma suave; una 
goma dura lastimaría la superficie del papel. 
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Técnicas de la Ilustración
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Capítulo I
Existe otra clase de lápiz de cualidades grasas; el lápiz 
litográfico es utilizado especialmente por los grabadores 
litógrafos para trazar sobre piedras o planchas graneadas; 
este se produce como el lápiz grafito, en lápiz y barra con 
diferentes durezas. Es empleado sobre papeles o cartulinas 
de grano; no es diluible con agua ni puede ser borrado. Las 
rectificaciones o blancos en los dibujos resueltos con éste 
lápiz se obtienen rascando con una cuchilla u hoja de afeitar 
o cubriendo con pincel y blanco de gouache o tempera. Una 
de las ventajas en comparación del lápiz grafito es que no 
requiere fijación.
 
Figura 1.38
Lápiz litográfico 
Con el lápiz grafito se puede dibujar sobre cualquier 
soporte: papel, una pared, una tela, madera, etc. Aunque 
el soporte ideal sigue siendo el papel de cualquier tipo. La 
mayoría de los ilustradores emplean papel de color blanco, 
sin embargo, cualquier papel de color puede ser utilizado, 
pudiendo experimentar con este; siempre y cuando el papel 
no tenga una tonalidad oscura, aunque la solución sería 
emplear un lápiz de cera blanco.
Figura 1.39
Ilustraciones a lápiz resueltas en diversas tonalidades de papel
Muchos principiantes y artistas no conceden al papel la 
importancia que requiere y se limitan a utilizar cualquier tipo 
de papel, sin consideración alguna a sus diversas cualidades 
y pretendiendo que el lápiz supla la falta de éstas.
Ciertos tipos de papel se adaptan mejor a ciertos materiales 
y técnicas en particular. La cartulina Bristol, el papel marfil y 
el papel liso dan buenos resultados con lápices blandos. Los 
papeles lisos se adaptan al dibujo técnico, arquitectónico 
o lineal realizado con mina dura o la serie H. Los papeles 
rugosos o semirrugosos son los más indicados para el dibujo 
artístico realizado con minas blandas de la serie B.
Por ejemplo, los papeles hechos a mano que, aunque 
oficialmente se clasifican como papeles para acuarela, sirven 
también para pluma, lápiz, carbón y pastel, y algunos otros 
medios; todos los papeles catalogados para usos específicos 
constituyen buenas superficies de dibujo.
El afilado de los lápices también es un factor importante 
según su gradación, y los trazos que pretendan realizarse. 
Un lápiz nuevo se afila por el extremo opuesto al que 
lleva la designación de la marca y grado. Se debe cortar la 
madera con cuidado para no romper la mina; los lápices 
blandos requieren sumo cuidado al afilarse, pues por su 
propia cualidad se rompen fácilmente. En los lápices de 
gradación dura puede quedar una mina libre con una 
extensión de unos diez u once milímetros; en los blandos, 
unos milímetros menos.
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Técnicas de la Ilustración
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Capítulo I
La mina se termina de afilar y se refina girándola sobre un 
raspador que puede ser de papel de lija; éste será sacudido 
repetidamente hasta que haya soltado todo el polvillo de 
grafito.
Figura 1.40
Manera de afilar lápices de grafito
Los lápices pueden ser afilados en plano o punta ancha 
cortando la madera para dejar la mina al descubierto y lijando 
ésta, sin girarla, por sólo dos lados; en cincel afilándolo de 
la misma manera pero a fondo para dejar un filo más fino, y 
en cuña frotando la mina con el lápiz formando un ángulo 
sobre el papel para que el corte de aquella quede ovalado. 
Con la punta plana y en cincel se realizan trazos gruesos, 
limpios y otros más o menos delgados según sea llevado el 
lápiz. Con la punta en cuña y llevando el lápiz con presión 
uniforme son resueltos trazos anchos con el lado plano 
de la mina; girando algo el lápiz se describen rasgos muy 
variados, y pasando por el papel la punta de la cuña pueden 
ser trazadas líneas finas.
Figura 1.41
Diferentes puntas de lápiz grafito
Para la mayor parte de los trabajos se utiliza el lápiz de la 
misma manera que para escribir, y apoyando la mano o el 
meñique ligeramente sobre el tablero o mesa. La mayor 
parte de los rasgos cortos no son trazados por los dedos, 
sino accionando la muñeca; los trazos largos son obtenidos 
agarrando el lápiz casi por su mitad, como si fuese pincel, 
desarrollando la acción con la muñeca y el antebrazo. En los 
esbozos de tamaño grande se agarra el lápiz por su extremo, 
tocando éste con la palma de la mano o llevando aquél por 
los dedos pulgar, índice y medio describiendo el movimiento 
con muñeca y brazo; la mano puede desenvolverse con la 
palma hacia abajo, arriba o de lado. El lápiz, según sea el 
efecto requerido y la cualidad de la punta, puede ser llevado 
verticalmente, con diferentes inclinaciones y casi paralelo al 
tablero. Los rasgos muy largos, decididos y las líneas deben 
ser trazadas por un solo movimiento, deben ser continuas 
y resueltas sin vacilación, el lápiz debe ir de un extremo a 
otro. 
Figura 1.42
Trazos con lápiz grafito
El contorno, envuelve y define a toda forma y separa 
sus diferentes valores. Este es uno de los métodos más 
utilizados en la técnica de lápiz ya que por su simplicidad, 
expresa aspectos naturales; generales o particulares de los 
objetos como líneas horizontales, verticales, paralelas o 
perpendiculares, inclinadas, etc. Así como los diferentes 
valores tonales y grosores que dan vida al volumen de las 
formas. 
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Técnicas de la Ilustración
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Capítulo I
La importancia del contorno en la Ilustración constituye una 
manera de ejercitar al artista a la sensibilidad, la observación, 
la proporción y a la transición de las luces sobre las sombras 
o viceversa que producen los objetos. Todo trabajo a línea 
debe ser resuelto con la mayor economía de trazos, con 
soltura y decisión.
El tono, es la cualidad clara, intermedia u oscura de 
una superficie según sea su propio valor o el grado de 
intensidad de luz que reciba. “Los tonos son masas planas 
o graduadas que se representan: por frotado, por rayado 
y por cruzado; métodos más usados en la representación