Jackson Pollock - María Luz Asprella

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Surrealismo
El Surrealismo es un movimiento vanguardista Busca su inspiración en la dimensión psíquica más profunda del hombre
 Su objetivo es liberar los impulsos reprimidos en el inconsciente.
El Surrealismo fue una de las mayores influencias para los expresionistas abstractos, adoptaron la noción de liberar la energía del inconsciente y pintar de forma automática el estilo biomorfismo
 Este movimiento fue también una respuesta a la sociedad estadounidense de posguerra que movió a los artistas a comunicar sus vivencias y sentimientos más íntimos. 
Expresionismo abstracto 
Surgió en las décadas de 1940 y 1950 en New York. 
Los artistas convierten la obra en reflejo espontáneo de sus pulsiones internas, sirviéndose exclusivamente del material pictórico. 
El expresionismo abstracto se puede dividir en dos grupos:
Actions painting
Es un movimiento dentro de la pintura abstracta, surgido en el siglo XX, mediante el cual se hace uso del color y la materia para expresar sensaciones como el movimiento, la velocidad y la energía. 
Para ello no sólo se emplean materiales estrictamente pictóricos, sino que se experimenta con otros elementos tan diversos como por ejemplo la arena o el alambre.
En ésta técnica la imágen es un reflejo directo de las emociones del artista mientras crea. Sus practicantes vertían, goteaban y salpicaban la pintura sobre el lienzo. Hans Hofmann fue de los primeros en hacerlo, pero fue Pollock quien llevó ésta técnica hasta su conclusión lógica, abandonando las restricciones de los pinceles y del caballete para crear imágenes que describió como "energía y movimiento en forma visible".
 Color field painting
Sus composiciones presentan amplias áreas de color, a menudo sin grandes contrastes tonales, ni un punto focal claro. 
Muchas obras de éste estilo buscaban inspirar a quien las contemplara, sentimientos trascendentes y sobrecogedores. El enorme tamaño de muchos de los cuadros abruma al espectador que induce a un sentimiento de aislamiento en un mundo ilimitado. 
Consiste en rellenar áreas de color que parecen expandirse más allá de los límites del cuadro, produciendo cierto efecto de similitud. 
Si la actions painting era el resultado de un agudo estado de consciencia del pintor, lo que buscaba la color field painting era inducir dicho estado del espectador. 
Dripping
Es una técnica pictórica que consiste en dejar gotear la pintura sobre el lienzo, extendido en el suelo, para conseguir formas y manchas que el artista irá creando espontáneamente.
La técnica del dripping forma parte del action painting 
Jackson Pollock es considerado el máximo exponente de esta tecnica.
 A finales de la década de los 40 pintó una gran cantidad de obras con esta técnica y la comparó con el ejercicio de la escritura automática surrealista, dado su elevado grado de espontaneidad que obliga al artista a plasmar una parte de su interior en cada cuadro.
Posteriormente, en las décadas de los 50 y los 60, el dripping fue utilizado por una gran cantidad de artistas informalistas, no sólo estadounidenses sino también europeos, aunque ninguno de ellos consiguió la misma excelencia que Jackson Pollock.
Pollock nació en Cody (Wyoming) en 1912, era el más joven de cinco hijos. Sus padres, Stella May McClure y LeRoy Pollock, eran oriundos de Tingley (Iowa). Su padre nació con el apellido McCoy pero tomó el apellido de sus padres adoptivos. Los Pollock eran vecinos de la familia McCoy y adoptaron a LeRoy después de la muerte de sus padres.
 LeRoy Pollock era inicialmente granjero y posteriormente trabajó de agrimensor para el gobierno, desplazándose con su familia según el trabajo lo requería. Jackson creció en Arizona y Chico, California.
Mientras vivió en Echo Park, Los Ángeles, Pollock se inscribió en la Preparatoria de Artes Manuales de Los Ángeles,​ sin embargo fue expulsado de la misma; Pollock ya había sido expulsado de otra preparatoria
Durante los primeros años de su vida, Pollock exploró la cultura de los Pueblos nativos de los Estados Unidos mientras acompañaba a su padre en sus viajes.
Biografia 
En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor Charles Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió junto con su hermano y bajo la tutela del pintor Thomas Hart Benton en el Art Students League of New York.
Tratando de lidiar con su problema de alcoholismo, Pollock se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson entre 1938 y 1941 y posteriormente con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su arte, alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos junguianos quedaron expresados en sus pinturas. 
New York y comienzos artísticos 
Mural 
Pollock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Recibió el encargo de crear la obra Mural (1943), que mide 2.43 x 6.04 m,​ para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. Como sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock pintó esta obra en un lienzo en lugar de la pared para que la obra fuera portátil.
Pollock indicaría años más tarde: “Es una estampida... […] Cada animal en el oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos, todos a la carga a través de la maldita superficie”.
La visión de Pollock puede deberse al recuerdo de su infancia en el Oeste Americano.
La tremenda energía que Pollock proyectó en Mural y la gran escala empleada abrieron horizontes desconocidos hasta entonces en su obra y en la de otros artistas norteamericanos que empezaban a experimentar con nuevas formas de pintura
En Mural, Jackson Pollock resume muchas de las influencias artísticas que había recibido desde sus inicios, como su admiración por los muralistas mexicanos y, en parte, por el artista vivo más célebre de aquel momento: Pablo Picasso. Había visto en Nueva York el Guernica, que le causó una honda impresión que afloró en trabajos como este gran lienzo, que Peggy Guggenheim donó al University of Iowa Museum of Art.
Mudanza a Springs
En octubre de 1945, Pollock se casó con la pintora estadounidense Lee Krasner y en noviembre se mudaron a las afueras de la ciudad a Springs (Nueva York)
En ese espacio perfeccionó su técnica de pintura de grandes "salpicaduras", con la que se sentiría permanentemente identificado. 
Comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura.
 Utilizo pinturas con base de resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describía estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, "un resultado natural salido de una necesidad".
 Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura.
 Las pinturas más famosas de Pollock fueron hechas durante el "Periodo de goteo" entre 1947 y 1952. 
Escaló a la fama después de un artículo en la revista Life.
En el pico de su fama Pollock abandonó su estilo de goteo.
Desde 1951, su trabajo fue de colores más oscuros, como su colección pintada con negro sobre lienzos crudos. 
Posteriormente, volvió a utilizar color y re-introdujo elementos figurativos.​ Durante este periodo se cambió a una galería más comercial debido a que había mucha demanda de su trabajo por parte de coleccionistas. En respuesta a esta presión, unido a frustraciones personales, su problema de alcoholismo se hizo más profundo.
En 1955, Pollock realizó sus últimas dos pinturas, Aroma y Búsqueda. El artista no pintó nada en 1956, pero estaba realizando esculturas ​con mucha textura, similares a lo que Pollock creaba en sus pinturas.
 en la casa del escultor Tony Smith.
Últimos años
A principios de agosto de 1956 Ruth Kligmas fue testigo de cómo su amigo y amante Jackson Pollock pintaba en su presencia «Rojo, negro y plata», una pequeña obra de 60 centímetros de alto y 50 de ancho que le entregó como seña de su amor.
 El inesperado fallecimiento de Pollock pocos días después, en la noche del 11 de agosto, durante un accidente de tráfico al que solo Kligman sobrevivió, supuso que el artista no llegasea firmar la pintura.
Esta omisión dio comienzo a una de los conflictos más reñidos que ha vivido el mundo del arte moderno. De un lado estaba Kligman, quien durante décadas y hasta su fallecimiento en 2010 reclamó la autenticidad de la obra. En su contra se posicionó un gran conglomerado de representantes de las artes que pensaban que Kligman quería sacar tajada de su tardío amorío con Pollock. Este grupo estaba liderado por la viuda de Pollock, Lee Krasner, quien durante años bloqueó cualquier proceso de autentificación de la obra 
Sin embargo, una investigación acaba de darle la razón a Kligman. Gracias a un pelo de oso polar encontrado mezclado con la pintura de la superficie de la obra, un equipo de investigadores ha conseguido atribuir fidedignamente el cuadro a Pollock, ya que el ADN del cabello coincide con el de la alfombra hecha con piel de oso polar que decoraba uno de los salones de la casa de Pollock
 
Ultima obra y Muerte
Jackson Pollock atravesado por Kant
 
Kant: define “bello es lo que, sin concepto, place universalmente”, así en las obras pictóricas de Pollock observaremos que no hay objetos definidos para examinar, sino que en las mismas hay una belleza libre; y esta no presupone conceptos del objeto, sino que es bella en sí.
 La ausencia de racionalidad es un elemento común en ambos, no admitían el análisis racional de sus obras e intentaban alcanzar una experiencia entre la obra y el receptor, Pollock a través de sus pinturas y Heidegger mediante lo poético.
 Otra relación en común es la ausencia de nombres. Podemos observar que parte de las obra de Pollock están numeradas, con la intención de que el espectador, tenga absoluta libertad interpretativa así como creativa.
Heidegger sostenía que el hecho de poner nombre acotaba la experiencia, que el propio espectador tenga mayor libertad al mirar una de sus obras. 
El pensamiento  poetizado heideggeriano y el expresionismo abstracto de la plástica de Pollock buscan alcanzar un sentido, de la  plenitud de las cosas.
Jackson Pollock atravesado por Heidegger
Tanto en la experiencia abstracta que ofrece la obra de Pollock como en las reflexiones nietzscheanas encontramos un juego lúdico de interpretación y referencias casi inagotable, precisamente porque no puede hablarse con propiedad de una referencia última, correcta y cognoscible. Ambas, nos enfrentan a un límite comprensivo, en donde la metáfora cumple un papel de aproximación casi infinita
Jackson Pollock atravesado por Nietzche
 Jackson Pollock en sus obras nos muestra sus emociones, se expresa libremente sin convencionalismos, sus obras son complejas, de colores llamativos y los límites los pone el borde del lienzo.
Debido a su peculiaridad y novedad en términos de técnica y corriente artística consigue manifestar el individualismo del imaginario social. Haciendo inigualable su obra y dejando al espectador total libertad de interpretación. 
Una frase que utilizaba el era… ..."En el piso me siento más cómodo, me siento más cerca, me siento parte de la pintura, puesto que, de esta manera, puedo caminar a su alrededor, trabajar desde los cuatro costados, y estar, literalmente, en la pintura”...
En ésta frase expresa que el modo de realizar sus obras lo hacía parte de la misma, ya que aparte de los diversos elementos que utilizaba para aplicar la pintura, también lo hacía con partes de su cuerpo y ésta interacción generaba una obra única e inigualable
Conclusión
“La sonrisa de la Mona Lisa”
Teoría de las Artes Visuales 
Profesora: Graciela Cianfagna 
Alumnas: Asprella María Luz, Ciminelli Milagros, Otero Pilar, Ricchino Giuliana
PAV III 
2020
Escuela de arte Xul Solar