Jackson Pollock power point - María Luz Asprella (1)

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El Surrealismo es un movimiento vanguardista 
Busca su inspiración en la dimensión psíquica 
más profunda del hombre
Su objetivo es liberar los impulsos reprimidos 
en el inconsciente.
El Surrealismo fue una de las mayores 
influencias para los expresionistas abstractos, 
adoptaron la noción de liberar la energía del 
inconsciente y pintar de forma automática el 
estilo biomorfismo
Este movimiento fue también una respuesta a la 
sociedad estadounidense de posguerra que movió 
a los artistas a comunicar sus vivencias y 
sentimientos más íntimos.
Surgió en las décadas de 1940 y 1950 en New York.
Los artistas convierten la obra en reflejo espontáneo 
de sus pulsiones internas, sirviéndose exclusivamente 
del material pictórico.
El expresionismo abstracto se puede dividir en dos 
grupos:
Es un movimiento dentro de la pintura 
abstracta, surgido en el siglo XX, mediante el 
cual se hace uso del color y la materia para 
expresar sensaciones como el movimiento, la 
velocidad y la energía. 
Para ello no sólo se emplean materiales 
estrictamente pictóricos, sino que se 
experimenta con otros elementos tan diversos 
como por ejemplo la arena o el alambre.
En ésta técnica la imágen es un reflejo directo 
de las emociones del artista mientras crea. Sus 
practicantes vertían, goteaban y salpicaban la 
pintura sobre el lienzo. Hans Hofmann fue de 
los primeros en hacerlo, pero fue Pollock quien 
llevó ésta técnica hasta su conclusión lógica, 
abandonando las restricciones de los pinceles y 
del caballete para crear imágenes que describió 
como "energía y movimiento en forma visible".
Sus composiciones presentan amplias áreas de 
color, a menudo sin grandes contrastes tonales, 
ni un punto focal claro.
Muchas obras de éste estilo buscaban inspirar a 
quien las contemplara, sentimientos 
trascendentes y sobrecogedores. El enorme 
tamaño de muchos de los cuadros abruma al 
espectador que induce a un sentimiento de 
aislamiento en un mundo ilimitado.
Consiste en rellenar áreas de color que parecen 
expandirse más allá de los límites del cuadro, 
produciendo cierto efecto de similitud.
Si la actions painting era el resultado de un 
agudo estado de consciencia del pintor, lo que 
buscaba la color field painting era inducir 
dicho estado del espectador.
Es una técnica pictórica que consiste en dejar gotear la 
pintura sobre el lienzo, extendido en el suelo, para 
conseguir formas y manchas que el artista irá creando 
espontáneamente.
La técnica del dripping forma parte del action painting
Jackson Pollock es considerado el máximo exponente de 
esta tecnica.
A finales de la década de los 40 pintó una gran cantidad 
de obras con esta técnica y la comparó con el ejercicio 
de la escritura automática surrealista, dado su elevado 
grado de espontaneidad que obliga al artista a plasmar 
una parte de su interior en cada cuadro.
Posteriormente, en las décadas de los 50 y los 60, el 
dripping fue utilizado por una gran cantidad de artistas 
informalistas, no sólo estadounidenses sino también 
europeos, aunque ninguno de ellos consiguió la misma 
excelencia que Jackson Pollock.
Pollock nació en Cody (Wyoming) en 1912, era el más joven de 
cinco hijos. Sus padres, Stella May McClure y LeRoy Pollock, 
eran oriundos de Tingley (Iowa). Su padre nació con el apellido 
McCoy pero tomó el apellido de sus padres adoptivos. Los Pollock 
eran vecinos de la familia McCoy y adoptaron a LeRoy después de 
la muerte de sus padres.
LeRoy Pollock era inicialmente granjero y posteriormente 
trabajó de agrimensor para el gobierno, desplazándose con su 
familia según el trabajo lo requería. Jackson creció 
en Arizona y Chico, California.
Mientras vivió en Echo Park, Los Ángeles, Pollock se inscribió 
en la Preparatoria de Artes Manuales de Los Ángeles,​ sin embargo 
fue expulsado de la misma; Pollock ya había sido expulsado de 
otra preparatoria
Durante los primeros años de su vida, Pollock exploró la cultura 
de los Pueblos nativos de los Estados Unidos mientras acompañaba 
a su padre en sus viajes.
En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor 
Charles Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió 
junto con su hermano y bajo la tutela del pintor 
Thomas Hart Benton en el Art Students League of New 
York.
Tratando de lidiar con su problema de alcoholismo, 
Pollock se sometió a psicoterapia junguiana con el 
Dr. Joseph L. Henderson entre 1938 y 1941 y 
posteriormente con la Dra. Violet Staub de Laszlo
en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su 
arte, alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y 
arquetipos junguianos quedaron expresados en sus 
pinturas.
Pollock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. 
Recibió el encargo de crear la obra Mural (1943), que mide 2.43 x 6.04 
m,​ para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. Como sugerencia de 
su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock pintó esta obra en un 
lienzo en lugar de la pared para que la obra fuera portátil.
Pollock indicaría años más tarde: “Es una estampida... […] Cada animal 
en el oeste americano, vacas y caballos y antílopes y búfalos, todos a 
la carga a través de la maldita superficie”.
La visión de Pollock puede deberse al recuerdo de su infancia en el 
Oeste Americano.
La tremenda energía que Pollock proyectó en Mural y la gran escala 
empleada abrieron horizontes desconocidos hasta entonces en su obra y 
en la de otros artistas norteamericanos que empezaban a experimentar 
con nuevas formas de pintura
En Mural, Jackson Pollock resume muchas de las influencias artísticas 
que había recibido desde sus inicios, como su admiración por los 
muralistas mexicanos y, en parte, por el artista vivo más célebre de 
aquel momento: Pablo Picasso. Había visto en Nueva York el Guernica, 
que le causó una honda impresión que afloró en trabajos como este gran 
lienzo, que Peggy Guggenheim donó al University of Iowa Museum of Art.
En octubre de 1945, Pollock se casó con la 
pintora estadounidense Lee Krasner y en 
noviembre se mudaron a las afueras de la ciudad 
a Springs (Nueva York)
En ese espacio perfeccionó su técnica de 
pintura de grandes "salpicaduras", con la que 
se sentiría permanentemente identificado. 
Comenzó a pintar con los lienzos recostados en 
el suelo del estudio y desarrolló su técnica de 
salpicar pintura.
Utilizo pinturas con base de resina sintética 
llamada barniz alkyd. Pollock describía estas 
pinturas como más que una simple herramienta de 
trabajo, "un resultado natural salido de una 
necesidad".
Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y 
jeringas para aplicar la pintura.
Las pinturas más famosas de Pollock fueron hechas durante el 
"Periodo de goteo" entre 1947 y 1952. 
Escaló a la fama después de un artículo en la revista Life.
En el pico de su fama Pollock abandonó su estilo de goteo.
Desde 1951, su trabajo fue de colores más oscuros, como su 
colección pintada con negro sobre lienzos crudos. 
Posteriormente, volvió a utilizar color y re-introdujo 
elementos figurativos.​ Durante este periodo se cambió a una 
galería más comercial debido a que había mucha demanda de su 
trabajo por parte de coleccionistas. En respuesta a esta 
presión, unido a frustraciones personales, su problema de 
alcoholismo se hizo más profundo.
En 1955, Pollock realizó sus últimas dos pinturas, Aroma y 
Búsqueda. El artista no pintó nada en 1956, pero estaba 
realizando esculturas ​con mucha textura, similares a lo que 
Pollock creaba en sus pinturas.
en la casa del escultor Tony Smith.
A principios de agosto de 1956 Ruth Kligmas fue testigo de cómo su amigo y amante 
Jackson Pollock pintaba en su presencia «Rojo, negro y plata», una pequeña obra 
de 60 centímetros de alto y 50 de ancho que le entregó como seña de su amor.
El inesperado fallecimiento de Pollock pocos días después, en la noche del 11 de 
agosto, durante un accidente de tráfico al que solo Kligman sobrevivió, supuso 
que el artista no llegase a firmar la pintura.
Esta omisión dio comienzo a una de los conflictos más reñidosque ha vivido el 
mundo del arte moderno. De un lado estaba Kligman, quien durante décadas y hasta 
su fallecimiento en 2010 reclamó la autenticidad de la obra. En su contra se 
posicionó un gran conglomerado de representantes de las artes que pensaban que 
Kligman quería sacar tajada de su tardío amorío con Pollock. Este grupo estaba 
liderado por la viuda de Pollock, Lee Krasner, quien durante años bloqueó 
cualquier proceso de autentificación de la obra 
Sin embargo, una investigación acaba de darle la razón a Kligman. Gracias a un 
pelo de oso polar encontrado mezclado con la pintura de la superficie de la obra, 
un equipo de investigadores ha conseguido atribuir fidedignamente el cuadro a 
Pollock, ya que el ADN del cabello coincide con el de la alfombra hecha con piel 
de oso polar que decoraba uno de los salones de la casa de Pollock
Kant: define “bello es lo que, sin concepto, 
place universalmente”, así en las obras 
pictóricas de Pollock observaremos que no hay 
objetos definidos para examinar, sino que en 
las mismas hay una belleza libre; y esta no 
presupone conceptos del objeto, sino que es 
bella en sí.
La ausencia de racionalidad es un elemento 
común en ambos, no admitían el análisis 
racional de sus obras e intentaban alcanzar una 
experiencia entre la obra y el receptor, 
Pollock a través de sus pinturas y Heidegger 
mediante lo poético.
Otra relación en común es la ausencia de 
nombres. Podemos observar que parte de las obra 
de Pollock están numeradas, con la intención de 
que el espectador, tenga absoluta libertad 
interpretativa así como creativa.
Heidegger sostenía que el hecho de poner nombre 
acotaba la experiencia, que el propio 
espectador tenga mayor libertad al mirar una de 
sus obras.
El pensamiento poetizado heideggeriano y el 
expresionismo abstracto de la plástica de 
Pollock buscan alcanzar un sentido, de 
la plenitud de las cosas.
Tanto en la experiencia abstracta que ofrece la 
obra de Pollock como en las reflexiones 
nietzscheanas encontramos un juego lúdico de 
interpretación y referencias casi inagotable, 
precisamente porque no puede hablarse con 
propiedad de una referencia última, correcta y 
cognoscible. Ambas, nos enfrentan a un límite 
comprensivo, en donde la metáfora cumple un 
papel de aproximación casi infinita
Jackson Pollock en sus obras nos muestra sus emociones, se 
expresa libremente sin convencionalismos, sus obras son 
complejas, de colores llamativos y los límites los pone el 
borde del lienzo.
Debido a su peculiaridad y novedad en términos de técnica y 
corriente artística consigue manifestar el individualismo del 
imaginario social. Haciendo inigualable su obra y dejando al 
espectador total libertad de interpretación.
Una frase que utilizaba el era… ..."En el piso me siento más 
cómodo, me siento más cerca, me siento parte de la pintura, 
puesto que, de esta manera, puedo caminar a su alrededor, 
trabajar desde los cuatro costados, y estar, literalmente, en 
la pintura”...
En ésta frase expresa que el modo de realizar sus obras lo 
hacía parte de la misma, ya que aparte de los diversos 
elementos que utilizaba para aplicar la pintura, también lo 
hacía con partes de su cuerpo y ésta interacción generaba una 
obra única e inigualable
Profesora: Graciela Cianfagna
Alumnas: Asprella María Luz, Ciminelli Milagros, Otero Pilar, 
Ricchino Giuliana
PAV III 
2020