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MÚSICA VOCAL E INSTRUMENTAL BARROCA 
La música barroca abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 
1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750 (todo el siglo XVII y la primera 
mitad del siglo XVIII). Pertenece a los estilos de la música culta europea, antecedido por 
la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. 
 
Es uno de los períodos más importantes de la Historia de la Música por el enorme espíritu 
de creación que hay en él. Surgen músicos de primerísima línea entre los que destacan: 
Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, 
Georg Philipp Telemann, Jean Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean 
Philippe Rameau y Henry Purcell. 
 
 
 
 
 
La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de 
mecenas pertenecientes a la alta Aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes, 
cardenales, arzobispos o instituciones religiosas (como catedrales o conventos notables). 
Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras impresas. En 
todos los casos eran intérpretes que tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en 
general para las funciones indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música 
ceremonial, etc. 
 
El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo «retorcido», una 
construcción «pesada, elaborada, envuelta» (el término original describía una perla 
deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido peyorativo para describir las 
características del género musical del siglo anterior, que se consideraba «tosco, extraño, 
áspero y anticuado». 
 
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Características generales y estilísticas 
 
Las principales características comunes de la música de la época barroca son: 
 
• A diferencia del Renacimiento, la música no trata de servir sin más a la palabra, 
sino de sobrepasarla, de cantarla “afectivamente”. 
• Se impone el sistema armónico, es decir, la tendencia vertical, no horizontal, como 
en el Renacimiento, por lo que las voces tienen una importancia diferente; hay una principal 
y las demás sirven de acompañamiento armónico, esto se llama monodia acompañada. 
• El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces 
queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, construidos desde el bajo 
continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde). 
• Se emplea la disonancia tanto en las partes fuertes como débiles del compás. 
• La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el 
bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo 
continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves 
(violoncello, viola de gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los 
acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa,...). 
• El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo, muy uniforme, 
incluso mecánico. 
• Se busca un ritmo muy marcado, que se llama ritmo mecánico, por sus 
pulsaciones fuertes y normalmente repetidas. Por ello el movimiento se convierte, como en 
pintura,en uno de los elementos vitales de la música barroca. 
• El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con 
adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los 
teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, 
base de la actual orquesta sinfónica. 
• La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y 
la cantata entre las primeras, y el concierto, lasonata y la suite entre las segundas. 
• El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias 
instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo 
concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el 
Renacimiento. 
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• El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en la ya 
escritas, en forma de ornamentación. 
• Ya no son intercambiables los diversos tipos de música, es decir, la música 
instrumental no se puede cantar, y viceversa; comienzan a diferenciarse claramente estos 
dos estilos. 
• Instrumentos: Clave, órgano, violín, viola, viola da gamba, laúd, fagot, violonchelo, 
flauta y oboe. 
 
 
 
 
 
 
Estética y función de la música en el Barroco 
 
El hombre del barroco vive una época de crisis, tanto económica (recesión económica 
importante, malas cosechas, mala producción…) como espiritual. En plena lucha entre la 
Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada como medio de 
propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto 
a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. 
Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética 
expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de 
recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes 
sonoros... 
 
En los géneros vocales la música queda supeditada a la poesía, pues su propósito es el 
refuerzo en la transmisión del sentido y los sentimientos ligados a la palabra. El espectáculo 
de mayor éxito, y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será la ópera, fusión 
de poesía, música y teatro. La claridad en la dicción de los textos es por ello condición 
fundamental, impuesta tanto en la música religiosa como en la teatral (aparición del estilo 
recitativo). 
 
 
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La diversificación de estilos 
 
En la época barroca se rompió la unidad de estilo musical de la Europa renacentista: 
convivieron diversos estilos, utilizados con plena consciencia por los compositores según el 
lugar en el que trabajasen y el género musical practicado. 
Un primera diferenciación se daba entre el stile antico (stylus gravis), consistente en la 
permanencia de la vieja polifonía renacentista (marginal pero vigente por ejemplo durante 
todo el siglo XVII en parte de la música religiosa italiana y española), contra el stile 
moderno (stylus luxurians), ya plenamente barroco y generalizado en la música teatral y de 
cámara. Así, Monteverdi escribió su Messa da capella como ejemplo del stile antico, y 
Bach denominaba música concertada a sus cantatas de iglesia por contraposición a motetes 
o corales más sencillos. 
 
Dos estilos nacionales completamente diferenciados dominaron claramente la música 
europea del Barroco medio y tardío: 
 
• El estilo francés. Con la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación 
y Lully como referente. Es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza: 
piezas breves (unidas en la suite), de forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y 
simétricas, con armonías muy restringidas (aunque usadas con sutil imaginación) y una 
compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas. 
• El estilo italiano. Gracias a la constante innovación estilística generada en las 
ciudades italianas (Venecia, Nápoles, Roma y, sobre todo, Bolonia), las invenciones de la 
música italiana fueron imitadas en todos los centros musicales europeos, incluidos los 
franceses, hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en todo el 
continente. El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una tonalidad 
fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de 
la armonía,las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de 
frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación. 
 
 
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El resto de naciones imitaba uno u otro de estos estilos: así, en Alemania, los compositores 
se adaptaban alternativamente a uno u otro, aplicando al tiempo la fuerte tradición 
polifónica local: por ejemplo Telemann escribió cientos de oberturas y conciertos, mientras 
Bach ejemplificó sus versiones de uno y otro estilo en su primera publicación, que incluía 
el Concierto italiano (BWV 971) y la Obertura a la francesa (BWV 831). 
 
Etapas y evolución 
 
El Barroco temprano (1580-1630) 
 
Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico 
renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las 
novedades principales: 
 
• Se empieza a dar valor afectivo y violento a las palabras a través de la música. Se 
busca la disonacia. Las obras son todavía de poca extensión. Comienza la diferenciación 
entre musica vocal e instrumental. 
• La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni 
Gabrieli), consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales 
situados en diversas ubicaciones (cori spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una 
evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan 
instrumentos contra voces (como en losconcerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto 
general. 
• La monodia acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés 
musical. Su acompañamiento instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo 
continuo. La Camerata Florentina fue decisiva en la difusión de esta monodia acompañada, 
cuyo objetivo, poner a la música como sierva de la palabra, finalmente cristalizó en la 
ópera; por ello les interesaba imitar la antigua monodia helénica con acompañamiento de 
khitara: Vincenzo Galilei, padre del astrónomo Galileo, escribió en 1581 un tratado contra 
el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della 
Moderna. Sus nuevos géneros musicalesrecitativo, espressivo y representativo utilizaban 
además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (seconda prattica). 
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En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi. Maestro 
del stile antico (aplicado al polifónico género madrigal) y del stile moderno (la 
monodia acompañada), daría forma a esa recién creada ópera. En paralelo a ella se 
desarrolló el oratorio religioso, gracias a la influencia de Felipe Neri. 
 
 
 
 
 
El Barroco medio (1630-1680) 
 
El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió 
por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodia y del 
estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores como Cesti, Francesco Cavali y Luigi 
Rossi, suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera 
belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de 
ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, 
gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos. La ópera 
francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el 
mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de 
madera barrocos (oboe, fagot, flautas travesera y de pico...) y en que se fijaba la suite 
instrumental francesa. 
 
En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música 
instrumental sienta las bases de la tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Autores 
como Legrenzi, Cazzati, Alessandro Stradella o Vitali convierten la vieja canzona en la 
nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico. 
 
 
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Es la época de la Ópera y la Cantata. 
 
El Barroco tardío (1680-1730) 
 
El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país 
que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están: 
 
• Las formas adquieren dimensiones largas. 
• Aparece el estilo Concerto, ya bien constituido, y con ello el énfasis en el ritmo 
mecánico. 
• La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y 
más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con 
movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta... 
• La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: 
uso de ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en 
unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo... 
• La música instrumental domina a la vocal. 
 
La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó 
incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias 
(hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos, 
como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel 
como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano. 
 
 
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Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la 
generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, G.F. Händel en 
Inglaterra, J.S. Bach y G.P. Telemann en Alemania, J.P. Rameau en Francia y Domenico 
Scarlatti, español de adopción. 
 
La transición al Clasicismo (1730-1750) 
 
A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el 
desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental 
(Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de pre clasicismo. Carl Philipp 
Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre de la 
sonata clásica. 
 
 
 
 
Los géneros y las formas 
 
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La emancipación de la música instrumental respecto de la vocal conduce a una clara 
separación entre géneros instrumentales y géneros vocales. La música instrumental alcanzó 
pronto su madurez con la creación de formas como la sonata, el concierto y la suite, de gran 
trascendencia posterior. 
Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los 
primeros se cuenta la gran creación del Barroco musical, la ópera, mientras a los religiosos 
se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata, junto a antiguas como el motete y 
la misa. 
 
 
 
 
La música vocal 
 
La ópera 
 
Las corrientes humanistas, en particular la Camerata Florentina, buscaban ya a finales del 
XVI una puesta al día del antiguo teatro griego, basándose sin embargo en formas musicales 
recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias madrigalescas con 
figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Los sucesivos experimentos en 
los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron 
finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas habladaseran 
sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. Entre las primeras conservadas se cuentan 
la Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue significativamente tomado de Las metamorfosis de 
Ovidio, y Eurídice, también de Jacopo Peri; pero fue Monteverdi con su Orfeo (1607) quien 
consolidó la forma. 
 
 
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La Ópera barroca es una forma musical profana, de carácter narrativo, con representación 
escénica. Precisa de escenario, orquesta, coro y solistas. Consta además de Obertura (que es 
la parte instrumental que la precede). 
 
La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabaron convirtiendo 
a la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden 
números de cuatro tipos: 
• Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática 
en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo. 
• Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy 
elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite 
musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se 
impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo. 
• Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía 
inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena. 
• Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego. 
 
La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa: además de en 
toda Italia, se representaron regularmente en lugares como Viena, Londres, Hamburgo, 
Dresde, Hannover, Múnich y París. Con la notable excepción de Francia, el italiano siguió 
siendo el idioma de los libretos, y la temática casi siempre mitológica: era la llamada opera 
seria, arena del triunfo de los compositores con pretensiones de éxito del Barroco. 
 
 
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Paralelamente aparecieron géneros músico-teatrales más populares, en lengua vernácula, 
con personajes contemporáneos (a menudo de clase baja), tramas a veces humorísticas y 
pasajes hablados en lugar de recitativos. Estos espectáculos se introducían bien a modo de 
intermedio entre los actos de la ópera seria o bien como obras independientes; recibieron 
diversos nombres en cada país: singspiel (Alemania), zarzuela (España), opera buffa e 
intermezzi (Italia), opéra-comique (Francia), etc. 
 
El oratorio 
 
Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una 
temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales 
"versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios 
solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías, de Händel. 
Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la 
Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión 
de Jesucristo, con arias y corales insertados. La Pasión según san Mateo de Bach es su más 
ilustre ejemplo. 
 
 
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La cantata 
 
La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio 
lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías 
instrumentales, recitativos, arias y coros. La composición y ejecución de nuevas cantatas 
religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de los músicos de los 
países luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas. 
Se escribieron también cantatas profanas, especie de mini óperas de cámara habitualmente 
formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria. Con frecuencia tienen un 
carácter vanguardista por estar dirigidas a una audiencia selecta y culta. Aunque Alessandro 
Scarlatti fue el más prolífico autor del género, son sin embargo más conocidas la Cantata 
del café de Bach o las compuestas por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma. 
 
El motete 
 
El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para 
ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en 
un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el 
XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante. 
 
 
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La música instrumental 
 
El Barroco conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos 
dinámicamente más flexibles y vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. 
Nacida durante el siglo XVI en ambientes populares, la familia del violín (violines, violas, 
violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el 
punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido 
reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de 
artesanos como los Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno 
rendimiento la fabricación de violas da gamba, extinguidas sin embargo hacia el final del 
periodo. Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la familia 
Hotteterre en la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la 
flauta travesera barroca. 
La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música 
académica, tuvo un auge sin precedentes en los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la 
historia, la música vocal e instrumental estaba en plena igualdad. Hubo un gran 
florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un 
profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos, al servicio de una fuerte expresión 
emocional: son típicos testimonios como el de François Raguenet sobre el violinista 
Arcangelo Corelli quien, cuando tocaba en público, "perdía el dominio de sí mismo". 
 
 
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Preludios, tocatas, fantasías y fugas 
 
Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de 
teclado) de carácter improvisatorio; como tales, suelen ser rapsódicas, cargadas de 
ornamentación, de forma y compás poco definidos y de textura variable. Esas piezas 
improvisatorias solían ir seguidas de una fuga (a 2, 3, 4 o 5 voces): forma derivada del 
antiguo ricercare, en ella una breve melodía llamada sujeto es presentada inicialmente en 
cada una de las voces y desarrollada después en contrapunto imitativo. 
 
 
 
 
 
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La sonata 
 
Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo continuo, 
la palabra sonata designa en el Barroco una composición para ser "sonada", esto es, para 
uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual 
bajo continuo.La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para la o 
las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, 
laúd...) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. 
Derivada de la canzona del Barroco temprano, la sonata solía dividirse en tres o cuatro 
movimientos de carácter y tempo contrastantes: típica es la secuencia Largo-Allegro-
Adagio-Allegro. 
 
 
 
 
 
 La sonatas destinadas a la iglesia (sonate da chiesa) solían consistir en movimientos de 
forma libre, que incluían algún fugado entre los rápidos. Las destinadas a las salas civiles 
(sonate da camera) incluían movimientos de danza bipartitos, al modo de la Suite. Entre los 
más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach. A mediados del siglo XVIII 
la palabra sonata designó también obras para tecla, tales como las más de quinientas sonatas 
para clave de Domenico Scarlatti. 
 
El concierto 
 
Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en 
el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica, de 
suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro 
pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos. 
Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto 
grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos 
violines y un violoncello). A las obras así escritas se les llamó concerti grossi. 
Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia, los concerti grossi fueron difundidos 
por toda Europa gracias a las publicaciones de Arcangelo Corelli; consistentes inicialmente 
en meras sonatas en trío en las que cada pasaje era repetido por el tutti tras ser tocado por 
elconcertino, las partes solistas ganaron en sofisticación y dificultad técnica hasta 
diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto 
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solista virtuoso en tres movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto), fijado por 
Vivaldi y que traspasó épocas musicales al punto de estar aún vigente como forma musical. 
Importantes centros del género instrumental concertante fueron Módena, Bolonia y 
Venecia. 
 
 
 
La suite 
 
Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en 
francés, suite). Su secuencia mínima clásica incluía: 
 
• Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado. 
• Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de 
compás ternario y frecuentes hemiolias. 
• Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su 
segundo pulso, de origen español. 
• Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen 
irlandés. 
 
A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas 
libremente, como por ejemplo: 
• Minué: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués 
emparejados. 
• Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B, 
C, D, etc.). 
 
De carácter aristocrático, vigoroso rítmicamente y muy sofisticado en lo melódico, la suite 
se derivó de los ballets de cour de la corte francesa de Versalles y acabó infiltrándose en 
toda la música instrumental francesa, alemana e incluso italiana, tanto para instrumentos 
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solistas (clave, laúd) como para grupos de cámara o conjunto orquestal. Su transformación 
en música camerística estilizó sus piezas a costa de su original carácter danzable. 
 
 
 
 
 
Bibliografía 
 
- CASARES RODICIO, E. (1997): Música y actividades musicales, Everest. 
 
- HONOLKA, K. (1988): Historia de la Música, Edaf. 
 
- A.A.V.V.: Wikipedia. 
 
 
- RANDEL, D. (1997): Diccionario Harvard de música, Alianza. 
 
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