Fotografía Cinematográfica Tomo 1

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fotografÍA 
CINEMATOGRÁFICA
CATALINA ACUÑA AVILA 
EDGAR FERNANDO BARRERA
FOTOGRAFÍA 
CINEMATOGRÁFICA
TOMO uno
FOTOGRAFÍA 
CINEMATOGRÁFICA
CATALINA ACUÑA AVILA
EDGAR FERNANDO BARRERA
Derechos subsidiarios Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla 
Año de edición 2013
Fotografía Cinematográfica (tomo uno)
Todos los derechos reservados.
Diseñadores de cubierta: Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla 
Corporación Universitaria Unitec 2006 - Copyright © - Todos lo derechos reservados - Calle 76 No 12 
- 58 - PBX 7434343 - Bogotá - Colombia
Institución Universitaria sujeta a la Inspección y Vigilancia del Ministerio de Educación Nacional 
(Art. 39, Decreto 1295 de 2010).
ISBN 958-04-2334-1
Impreso en Colombia. Printed in Colombia
A quienes han creido en nosotros y nuestras capacidades, 
y a quienes no porque con ello hemos demostrado que 
estaban errados.
“Es imposible hacer una buena película sin una cámara 
que sea como un ojo en el corazón de un poeta.”
Orson Welles (1915-1985) Director de cine estadounidense
Como forma de arte y expresión 
de las películas, la fotografía 
cinematográfica siempre ha es-
tado expuesta principalmente a 
las mayores criticas por parte de 
cineastas, criticos, y en general 
todos los receptores posibles, 
puesto que es la estética de la 
película, lo que se ve y lo que 
deja ver.
sin embargo este tema usual-
mente ha sido nombrado y to-
mado como tema central de mu-
chas conversaciones a lo largo 
del tiempo, pero muy poco se ha 
visto plasmado y expuesto al ojo 
publico de una manera similar 
pero diferente a la vez de lo que 
vemos en la mera proyección de 
la película.
INTRODUCCIÓN
Mediante un gran esfuerzo y 
dedicatoria se ha creado esta 
maravillosa coleecion de dos 
tomos enfocados totalmente a 
la fotografía cinematográfica, 
sus directores mas influyentes y 
sus peliculas mas importantes y 
taquilleras, claro esta, sin dejar 
pasar por desapercibido ningún 
rincón del mundo.
Con todo esto queremos que el 
publico se empape del mundo 
de la fotografía cinematográfica 
y sus secretos, formas y técni-
cas que lo conforman, de tal 
manera que no quede simple-
mente en algo de momento a la 
hora de ver la película. 
A la vez buscamos que que no 
solo quienes pretenden estudiar 
o quenes ya estan enfocados en 
temas similares a este, se inter-
esen es esta coleccion, sino que 
todo el publico posible ya que 
estamos incluyendo pleiculas 
para todos los gustos y de todas 
las clases.
ÍNDICE
CAPITULO UNO
 AMÉRICA
CAPITULO DOS
 LATINOAMÉRICA
 12
55
PAG
AMERICA
MICHAEL CHAPMAN
Nacido el 21 de noviembre 1935) 
es un cineasta estadounidense 
cuya prominencia se debe más 
a su trabajo innovador de los 
años 1970 y 1980.
Comenzó su carrera como oper-
ador de cámara, distinguiéndose 
en Tiburón de Steven Spielberg. 
Como director de fotografía, se 
hizo famoso por sus dos colab-
oraciones con Martin Scorsese, 
Taxi Driver y Raging Bull.
Chapman fue también director 
de fotografía para el remake de 
1978 de La invasión de los la-
drones de cuerpos.
El estilo de Chapman tiende ha-
cia altos contrastes y el uso agre-
sivo de colores fuertes. También 
es muy hábil para la creación de 
complejos movimientos de cá-
mara rápida y la improvisación 
en el set. Este estilo se resume 
en las secuencias de boxeo en 
Raging Bull, en la que la cáma-
ra estaba atado a menudo a los 
actores a través de las plata-
formas improvisadas.
Chapman también fue el direc-
tor de fotografía principal en 
documental de Scorsese The 
Last Waltz.
Obtuvo dos nominaciones para 
los Oscar por su innovador tra-
bajo con la cámara en el clási-
co de Scorsese de 1980, TORO 
SALVAJE y el popular thriller de 
Andrew Davis de 1993, 
EL FUGITIVO (por la que obtu-
vo también una nominación de 
la Sociedad Americana de Cine-
matógrafos). 
Fotografía Cinematográfica
13
JAWS (1975)
Escena de la pelicula “Jaws”
Es una película estadounidense de terror, suspen-
so y aventuras estrenada en 1975. Dirigida por 
Steven Spielberg, se basa en la novela homónima 
del escritor Peter Benchley.
La película cuenta cómo un enorme tiburón blan-
co devorador de hombres ataca a los bañistas en 
las playas de Amity Island, circunstancia que lleva 
al jefe de la policía local a emprender la caza del 
escualo en compañía de un biólogo marino y un 
cazatiburones profesional. El actor Roy Scheider 
interpreta al jefe de policía Martin Brody, Richard 
Dreyfuss al oceanógrafo Matt Hooper, Robert 
Shaw al cazatiburones Quint, Murray Hamilton al 
alcalde de Amity Island y Lorraine Gary a Ellen, 
esposa de Brody.
Recibida en general con alabanzas de la crítica 
especializada, fue galardonada con numerosos 
premios a su banda sonora y montaje, y es citada 
a menudo entre las mejores películas de la his-
toria. Tiburón fue la película más taquillera de la 
historia del cine hasta 1977.
Momento de pánico en la playa de Amity Island
“Fue el segundo lugar de los 
mejores thrillers de todos los 
tiempos, sólo por detrás de 
Psicosis.”
Cápitulo Uno: América
14
TAXI DRIVER (1976)
Robert De Niro como Travis Bickle en “Taxi driver”
Es una película estadounidense de 1976 dirigida 
por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader.
El filme está ambientado en Nueva York, poco des-
pués de que terminara la guerra de Vietnam, y está 
protagonizado por Robert De Niro, quien interpreta 
a Travis Bickle, un excombatiente solitario y men-
talmente inestable que comienza a trabajar como 
taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de 
la ciudad.
La película obtuvo varios premios, entre ellos la Pal-
ma de Oro del Festival de Cannes, y cuatro nomi-
naciones al Oscar; en la actualidad se la considera 
una de las mejores de su década. El reparto cuenta 
también con la presencia de Cybill Shepherd, como 
la mujer de quien Bickle está enamorado; Jodie 
Foster, como una prostituta de 13 años de edad 
con quien el protagonista forja cierto lazo; y Harvey 
Keitel, como su proxeneta. El propio Scorsese rea-
liza un pequeño cameo.
Jodie Foster como Iris "Easy" Steensma
“Robert De Niro trabajó un mes como taxista para poder 
interpretar el papel.”
Fotografía Cinematográfica
15
RAGING BULL (1980)
Es una película de 1980 dirigida por Martin Scor-
sese, basada en el libro Raging Bull: My Story del 
boxeador Jake La Motta. Tiene a Robert De Niro 
como Jake LaMotta, un boxeador de peso media-
no cuya rabia sadomasoquista, celos sexuales y 
brutal apetito excenden los límites del cuadrilátero 
y destruyen su relación con su esposa y su fa-
milia. Joe Pesci interpreta a Joey, el hermano y 
mánager de LaMotta que lo ayuda a luchar contra 
“Fue elegida en el puesto numero 4 de las 100 mejores pelícu-
las por el American Film Institute.1”
Robert De Niro como “ake La Motta”. durante una de sus peleas.
 1El American Film Institute es una entidad cinematográfica estadounidense, independiente y sin fines de lucro, cuyo cometido es conservar el material 
cinematográfico y rendir homenaje al mismo. La organización también preserva películas antiguas, en especial aquellas en riesgo de degradación del 
soporte fotográfico utilizado para la filmación y proyección de la película.
sí mismo, y Cathy Moriarty interpreta a su esposa. 
La película tiene a Nicholas Colasanto, Theresa 
Saldana y Frank Vincent en papeles secundarios. 
Fue nominada a 8 premios Óscar y se alzó con 
dos: los premios al mejor montaje y mejor actor 
para Robert De Niro.
Cápitulo Uno: América
16
The 
Bourne 
Supremacy
(2004)
The Bourne Supremacy es una 
película estadounidense de ac-
ción del año 2004 dirigida por 
Paul Greengrass y protagoni-
zada por Matt Damon y Franka 
Potente.
Es una película de acción es-
tadounidense-alemana 2004 de 
espías basado libremente en la 
novela del mismo nombre de 
Robert Ludlum. 
La película fue dirigida por Paul 
Greengrass, con guión de Tony 
Gilroy. Universal Pictures lanzó 
la película a los cines de Es-tados Unidos el 23 de julio de 
2004. Es el segundo en la serie 
de películas de Bourne. 
Va precedida de El caso Bourne 
(2002) y seguida por El ultimá-
tum de Bourne (2007) y The 
Bourne Legacy (2012).
El mito de Bourne recaudó 
$ 288,500,217.
Comentarios en sitios críticos 
de Internet sugieren una dis-
posición positiva general hacia 
la película. 
Matt Damon como Jason Bourne/David Webb
Julia Stiles como Nicky Parsons
Fotografía Cinematográfica
17
Space Jam (1996)
Space Jam (1996) es una película de la compa-
ñía Warner Bros, protagonizada por el jugador de 
baloncesto Michael Jordan y por los dibujos ani-
mados de la compañía, como Bugs Bunny y Pato 
Lucas. 
La historia se basa parcialmente en el contexto 
del primer retiro real de Jordan para incursionar 
en el béisbol. La película fue un éxito de taquilla; 
recaudó más de 80 millones de dólares tan sólo 
en Estados Unidos y 230 millones a nivel interna-
cional.
La película recibió críticas mixtas de los críticos 
de cine. Se le dío a la película una calificación de 
35% basado en 49 opiniones.
Todd McCarthy de Variety elogió la película por su 
humor. También elogió “las payasadas y acción 
de Jordan.
The New York Times criticó la animación de la pe-
lícula, que más tarde pasó a decir que la película 
es un ”aficionado homenaje a los personajes de 
Looney Tunes”
Escena de la película “Space Jam”
“Lola Bunny” personaje de “Looney Tunes”
LARRY FONG
Nació en Los Ángeles, Califor-
nia. Su interés por la fotogra-
fía y el cine se despertó en su 
adolescencia rodando corto-
metrajes en Súper 8, así como 
proyectos de animación y de 
stop-motion2. Se graduó en la 
Universidad UCLA con un título 
en lingüística, y también en el 
Art Center College of Design de 
Pasadena, especializándose en 
cine y fotografía.
Fong comenzó su carrera gra-
bando anuncios y videos mu-
sicales, algunos de los cuales 
fueron ganadores de los pre-
mios MTV (REM, Van Halen y 
Goo Goo Dolls).
Rodó con J.J Abrams el episodio 
piloto de “Perdidos”, que obtuvo 
una nominación al premio ASC, 
y luego rodó varios episodios de 
la serie antes de irse a trabajar 
en “300”, a la que siguieron Wat-
chmen” y “Sucker Punch”.
Su fotografía es muy particular y 
se ha convertido en un elemen-
to distintivo del cine de Snyder. 
Tiene sus seguidores y detrac-
tores, que la tachan de dema-
siado artificial, y de conseguir 
que los personajes parezcan fi-
guras de cera. 
Comenzó su carrera profesio-
nal haciendo videos musicales y 
obtuvo suficiente atención para 
dar lugar para filmar dos pelícu-
las independientes y pilotos di-
ferentes de televisión, anuncios 
y cortometrajes.
2 El stop motion, paso de manivela o cuadro 
por cuadro es una técnica de animación que 
consiste en aparentar el movimiento de objetos 
estáticos capturando fotografías. En general se 
denomina animaciones de stop motion a las que 
no entran en la categoría de dibujo animado, 
esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, 
sino que fueron creadas tomando imágenes de 
la realidad.
Fotografía Cinematográfica
19
 oo (2007)
“La postproducción en su totalidad tomó un año 
y fue manejada 
por diez compañías de efectos especiales”
300 es una película estadounidense épica-de ac-
ción de 2007 dirigida por Zack Snyder. Es la adap-
tación cinematográfica de la serie limitada de có-
mics del mismo nombre de Frank Miller, la cual 
relata la Batalla de las Termópilas. Miller sirvió 
como productor ejecutivo y consultor. La pelícu-
la fue rodada en su mayoría con una técnica de 
súperposición de croma, para ayudar a reproducir 
las imágenes del cómic original.
La trama describe la historia del Rey Espartano 
Leónidas (Gerard Butler) y sus 300 guerreros es-
partanos que pelearon a muerte contra el “Dios-
Rey” Persa Jerjes (Rodrigo Santoro) y su armada 
de más de un millón de soldados.
Larry Fong obtiene imágenes de las que destaca 
su fortísima estilización, que huye radicalmente 
de cualquier atisbo de naturalismo en la puesta en 
escena de cara a representar con mayor fidelidad 
y expresividad la imaginería de la novela de Miller. 
Por ello, ni Fong ni Snyder llevan a cabo el menor 
intento de realizar una puesta en escena realista, 
sino que todos sus esfuerzos se centran en crear 
una atmósfera mucho más propia del cómic que 
adaptan o del cine de animación que de una pelí-
cula de acción real. 
No solo los colores (desaturados), el aspecto ge-
neral de la fotografía (de altísimo contraste, abun-
dante grano y negros profundos) y los fondos (di-
gitales) crean una estética tan especial, sino que 
gran parte de la película está rodada a cámara 
lenta.
3La súperposición de croma es una técnica audiovisual utilizada ampliamente tanto en cine y televisión como en fotografía, que consiste en extraer un 
color de la imagen (usualmente el verde o el azul) y reemplazar el área que ocupaba ese color por otra imagen, con la ayuda de un equipo especializado 
o un ordenador. Esto se hace cuando es demasiado costoso o inviable rodar al personaje en el escenario deseado, o para evitar el laborioso recorte del 
personaje fotograma a fotograma (rotoscopia). 
Michael Fassbender como “Stelios” en “300”.
Cápitulo Uno: América
20
WATCHMEN
La película recaudó 24.515.772 dólares en 3.611 salas de cine en su primer día, y más tar-
de terminó su primer fin de semana recaudando $ 55.214.334.
(2009)
Es una película estadounidense de acción-Cien-
cia Ficción de 2009 dirigida por Zack Snyder, y la 
adaptación fílmica de la serie limitada de cómics 
ganadora del Premio Hugo homónima, escrita y 
dibujada respectivamente por Alan Moore y Dave 
Gibbons. Es protagonizada por Jackie Earle Ha-
ley, Patrick Wilson, Malin Akerman, Billy Crudup, 
Jeffrey Dean Morgan, Matthew Goode, Stephen 
McHattie y Carla Gugino.
Su historia transcurre en un 1985 alternativo y si-
gue a un grupo de ex vigilantes mientras la tensión 
entre los Estados Unidos y la Unión Soviética au-
menta drásticamente. Comenzó a filmarse en Van-
couver en septiembre de 2007 y su estreno fue el 6 
de marzo de 2009. Al igual que con su película an-
terior, 300, Snyder se guio por el cómic para crear 
los storyboards4; sin embargo, esta vez decidió no 
utilizar croma para filmar la totalidad de la película.
4 Un storyboard es un conjunto de ilustraciones mostradas en secuencia 
con el objetivo de servir de guía para entender una historia, previsualizar 
una animación o seguir la estructura de una película antes de realizarse o 
filmarse.
Superhéroes pelicula “watchmen”
Símbolo de watchmen
Fotografía Cinematográfica
21
SUCKER PUNCH
Ambientada en los años 50. Una chica es interna-
da por su padrastro en una institución psiquiátrica 
para que le practiquen una lobotomía5. Mientras 
espera, su imaginación crea una realidad alterna-
tiva que podría salvarla de su dramática situación. 
cuyos sueños le ofrecen la mejor escapatoria para 
su realidad más oscura. 
A partir de ahí, la joven comienza a preparar su 
fuga, cuyo éxito depende del robo de cinco obje-
tos. 
Pero sus increíbles aventuras difuminarán las 
fronteras entre lo real y lo imaginario, con conse-
cuencias potencialmente trágicas.
La producción contó con un presupuesto de 82 millones de dólares
(2011)
Vanessa Hudgens como blondie en “sucker punch” Ejército en “sucker punch”
Símbolo de watchmen
5 Es la incisión quirúrgica practicada en el lóbulo de un órgano o de una glándula
TOM STERN
Nació el 16 de diciembre de 
1946. Es el director de la foto-
grafía de las películas de Clint 
Eastwood desde Deuda de San-
gre da una excelente lección de 
fotografía clásica, y demuestra 
un gran control de la ilumina-
ción. Sabe sacar mucho pro-
vecho de los claros y los oscu-
ros, como se puede comprobar 
perfectamente en Million Dollar 
Baby. 
Fue nominado a los Óscar y el 
premio BAFTA6 a la Mejor Foto-
grafía por su trabajo en el drama 
de Clint Eastwood “El intercam-
bio”. 
Stern, que colabora con Eas-
twood, desde hace mucho tiem-
po, ha sido el responsable de lafotografía de títulos aclamados 
por la crítica como “Invictus” y 
“Gran Torino”. 
También ha sido director de fo-
tografía de los dramas de Eas-
twood ambientados en la II 
Guerra Mundial “Banderas de 
nuestros padres” y “Cartas des-
de Iwo Jima”; los oscarizados 
títulos “Million Dollar Baby” y 
“Mystic River”; y “Deuda de san-
gre”, que fue la primera película 
de Stern como director de 
fotografía. 
6Los Premios de Cine de la Academia Británica 
son unos galardones otorgados por la Academia 
Británica de las Artes Cinematográficas y de la 
Televisión (BAFTA). A menudo son citados como 
los equivalentes británicos a los Premios de la 
Academia Estadounidense. 2008, los premios 
fueron entregados en la Royal Opera House 
de Londres, y han tenido lugar desde el año 
2000 en el Odeon Cinema, situado en Leicester 
Square.
Veterano de la industria desde 
hace tres décadas, Stern lleva 
más de veinte años colaboran-
do con Eastwood, una asocia-
ción que se remonta a la época 
en que Stern fue electricista en 
títulos como “Aventurero de me-
dianoche”, “Impacto súbito”, “En 
la cuerda floja”, “Jinete pálido” y 
“El sargento de hierro”.
Fotografía Cinematográfica
23
MILLION DOLlAR BABY
Es una película dramática estadounidense de 
2004 dirigida por Clint Eastwood, quien también 
participó en la producción, compuso la banda so-
nora e interpretó uno de los papeles principales. 
Además de Eastwood, protagonizan la película 
Hilary Swank y Morgan Freeman. El guion, escrito 
por Paul Haggis, está basado en la novela Rope 
Burns: Stories From the Corner de F.X. Toole. Na-
rra la historia de Frankie Dunn, un veterano en-
trenador de boxeo ya al final de su carrera, y sus 
esfuerzos por ayudar a una boxeadora a llegar 
hasta lo más alto, aunque entrenar a una mujer 
esté contra sus criterios.
"Cualquiera puede perder una pelea, nadie puede perder una 
vez, tu volveras de esto, podrás ser campeón del mundo."
Fragmento de Million Dollar Baby.
(2004)
Película ganadora de 4 premios Óscar y 2 Globo de Oro.
Hilary Swank y Clint Eastwood en “Million Dollar Baby”
Hilary Swank como Maggie Fitzgerald en “Million Dollar Baby”
Cápitulo Uno: América
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letters from iwo jima
(2006)
La película ha sido proclamada como mejor película de 2006.
Rodada íntegramente en japo-
nés, la película ofrece la versión 
nipona de la batalla de Iwo Jima, 
el episodio más cruento de la 
guerra del Pacífico, en el que 
murieron más de 20.000 japo-
neses y 7.000 estadounidenses. 
El objetivo de la batalla para los 
japoneses era conservar un is-
lote insignificante, pero de gran 
valor estratégico, pues desde 
allí defendían la integridad de 
su territorio. El mismo año, Eas-
twood dirigió también ‘’Banderas 
de nuestros padres’’, que narra 
la misma batalla desde el punto 
de vista norteamericano. La ver-
sión japonesa muestra cómo el 
general Tadamichi Kuribayashi 
(Ken Watanabe) organizó la re-
sistencia a través de un sistema 
de túneles. 
Muchos críticos han alabado el 
film, considerándolo aún mejor 
que su también aclamado para-
lelo. Ha sido proclamada como 
mejor película de 2006 por la 
Asociación de Críticos de Cine 
de Los Ángeles y la National 
Board of Review of Motion Pic-
tures, y ha conseguido dos no-
minaciones a los Globos de Oro.
Escena de la película “letters from iwo jima”.
Escena de la película “letters from iwo jima”.
Fotografía Cinematográfica
25
gran torino
La pelicula recaudó 270 millones en taquilla una semana despues de su estreno
(2008)
Gran Torino (2008) es una película dirigida, produ-
cida y protagonizada por Clint Eastwood. Con un 
elenco principalmente hmong, la película cuenta 
con la participación de dos hijos Eastwood: Kyle 
en la banda sonora y Scott con un pequeño papel. 
Aunque se estrenó el 12 de diciembre de 2008, 
en la mayoría del país se estrenó el 9 de enero 
de 2009.
Gran Torino fue dirigida por Clint Eastwood y es-
crita por Nick Schenk.
Fue producida por Village Roadshow Pictures, 
Magik Media Entertainment y Malpaso Produc-
tions, la compañía Warner Bros. se encargó de la 
distribución de la película. 
El guion original se inspiró en los suburbios de 
las afueras de Minneapolis, Minnesota, pero los 
cineastas decidieron producir Gran Torino, en el 
estado de Míchigan, siendo una de las primeras 
películas en 
aprovechar la nueva ley del estado sobre los 
paquetes de incentivos para las producciones 
cinematográficas.
Clint Eastwood como Walt Kowalski
Poster de la película “Mystic River”
RON FRICKE
Es un cineasta estadounidese, 
reconocido sobre todo por ser 
uno de los maestros en la di-
rección fotográfica, faceta que 
puede ser admirada en la primer 
película de la Trilogía qatsi: Ko-
yaanisqatsi del director Godfrey 
Reggio. 
Sus primeras contribuciones 
como director las haría con 
Chronos (1985) y Sacred Site 
(1986). Sin embargo, sería has-
ta 1992 cuando alcanzaría gran 
fama con su película Baraka 
en la que utilizó una cámara de 
70mm diseñada por él mismo. 
Samsara es su último filme.
Filmado en más de una vein-
tena de países y con una pelí-
cula especial de 70 milímetros, 
“Baraka” trata de explicar la 
evolución del ser humano y su 
relación con la naturaleza de 
manera enteramente visual, de-
jando a un lado las palabras. 
Cada fotograma7 de esta pelí-
cula de culto es una perfecta y 
admirable fotografía.
Es considerado como un maes-
tro de la fotografía de lapso de 
tiempo y gran formato cinema-
tográfico.
Fricke escribe sobre su obra:
Siento que mi trabajo ha evolu-
cionado a través de Koyaanis-
qatsi, Chronos y Baraka. Tanto 
técnicamente y filosóficamente 
estoy dispuesto a ir más a fondo 
en mi tema favorito: la relación 
de la humanidad con lo eterno
anuncios y cortometrajes.
7 Se denomina fotograma a cada una de las im-
ágenes impresionadas químicamente en la tira 
de celuloide del cinematógrafo o bien en la pelíc-
ula fotográfica.
Por extensión también se llama de ese modo a 
cada una de las imágenes individuales captadas 
por cámaras de video y registradas analógica o 
digitalmente.
Fotografía Cinematográfica
27
BARAKA (1993)
Al igual que Koyaanisqatsi (1983), este documen-
tal no tiene narrativa lineal ni personajes protagó-
nicos, ya que su verdadero tema son los precarios 
equilibrios y flujos naturales de la Tierra. 
A través de imágenes realmente impresionantes 
(el filme se rodó originalmente en el casi olvidado 
formato de los 70 mm), Baraka se mueve de los 
entornos naturales más solitarios al corazón de 
urbes en Oriente, Europa y América. 
De hecho, su relación con Koyaanisqatsi es más 
que simplemente temática: su director fue fotó-
grafo y asistente del documental de 1983. 
Baraka es un documental sin narración o voz en 
off. Se explora temas a través de una recopilación 
caleidoscópica de eventos naturales, la vida, las 
actividades humanas y los fenómenos tecnológi-
cos tomadas en 24 países en seis continentes a 
lo largo de un período de 14 meses.
Escena de la película “Baraka”
Escena de la película “Baraka”
Cápitulo Uno: América
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SAMSARA (2011)
Samsara es una película do-
cumental de 2011 no narrativa, 
dirigida por Ron Fricke y produ-
cido por Mark Magidson, quien 
también colaboró en Baraka 
(1992), una película de la mis-
ma línea. Samsara se rodó du-
rante cuatro años en 25 países 
de todo el mundo. Se rodó en 
formato de 70 mm y la salida a 
formato digital.
Para la película de 70 mm a 
resolución 4k increíblemente 
detallada para los teatros, cada 
cuadro de la negativa fue esca-
neada a una resolución de 8k 
“La película se estrenó en el 2011 Toronto International Film 
Festival y recibió un lanzamiento limitado en agosto de 2012.”
Escena de la película “Samsara”
Escena de la película “Samsara”
en la famosa BigFoot escáner 
de FotoKem (abajo). El archivo 
de datos digital resultante fue 
de más de 20 terabytes! A con-
tinuación, este archivo de gran 
tamaño se comprimió en 4k para 
crear el DCP final. 
Los realizadores ampliamente 
probado este método para 
confirmar los beneficiosde so-
bremuestreo en el escaneo de 
película a digital. El resultado es 
una experiencia visual sin igual 
con extraordinarios niveles de 
detalle, claridad y viveza.
Fotografía Cinematográfica
29
CHRONOS(1985)
Chronos comparte su particular estilo con la pelí-
cula Koyaanisqatsi (1983), por la que Ron Fricke 
era el director de fotografía, así como sus últimas 
películas Sagrado Sitio y Baraka (1992). El tema 
de la película es “la celebración de la vida”, y no 
incluye los temas de la tecnología como el culpa-
ble de la sociedad o de la “vida fuera de equilibrio”, 
que estaban presentes en Koyaanisqatsi. Director 
de fotografía estadounidense describió la película 
como “un poema musical alabando la evolución 
del hombre occidental de El Cairo a Los Angeles”. 
La película fue producida por Films Cántico, una 
productora fundada por Fricke. La financiación de 
Chronos vino del capital inicial adquirida a través 
de la publicidad en torno a la producción de Ko-
yaanisqatsi.
Fricke diseñó y construyó una cámara de 65 mm 
de la película, que incluye un sistema de control 
de movimiento para los efectos especiales de la 
película. El director también se utiliza el sistema 
en sus películas posteriores.
Chronos es de 42 minutos de duración y no tiene 
actores ni diálogo. La banda sonora se compone 
de una sola pieza continua por el compositor Mi-
chael Stearns. Filmada en docenas de lugares 
en los cinco continentes, la película se relaciona 
con el concepto del paso del tiempo a diferentes 
escalas-la mayor parte de la película recorre la 
historia de la civilización, desde la prehistoria a 
Egipto a Roma de la Antigüedad tardía a la subida 
de Europa Occidental en la Edad Media hasta el 
Renacimiento hasta la era moderna. 
Se centra en temas europeos, pero no exclusiva-
mente. Otras escalas de tiempo incluyen el paso 
de las estaciones y el paso de la noche y el día, y 
las sombras que pasan del sol en una tarde de la 
aprobación de la gente en la calle. Estos temas se 
entremezclan con un significado simbólico. Escena de la película “Chronos”
WALLY PFISTER
Es un director de fotografía ga-
nador de un premio de la aca-
demia por su trabajo en Incep-
tion, actualmente trabaja en su 
primera película en la silla de 
director. 
Es conocido por trabajar habi-
tualmente con el director Chris-
topher Nolan, entre las que se 
incluyen Memento, Insomnia, 
Batman Begins, The Prestige, 
The Dark Knight, Inception, y 
The Dark Knight Rises. 
Pfister también es conocido por 
su trabajo con el director F. Gary 
Gray en la película The Italian 
Job y con Bennett Miller en Mo-
neyball. 
Pfister ha sido nominado para 
un Premio de la Academia a la 
Mejor Fotografía cuatro veces, 
cada vez por una película dirigi-
da por Nolan. 
Ganó un premio de la Academia 
por su trabajo en Origen en los 
Premios de la Academia 83a. 
También ha sido nominado tres 
veces para el Premio de la So-
ciedad Americana de Directores 
de Fotografía para el Logro So-
bresaliente en Cinematografía 
en producciones teatrales, de 
Batman Begins, El Caballero 
Oscuro y Origen, ganadora de 
la última, en 2011.
Es miembro de la Sociedad 
Americana de Directores de Fo-
tografía (ASC) desde 2002, y la 
Sociedad Británica de Directo-
res de Fotografía (BSC) desde 
2011.
Después de terminar su carrera, 
Pfister encontró trabajo como 
Asistente de Producción en el 
canal televisivo WMDT-TV, en 
Salisbury, Maryland. Tiempo 
después tomaba prestada una 
cámara CP-16 con la que em-
pieza a grabar pequeños cortos 
los fines de semana, incluyen-
do un ensayo visual sobre una 
Casa Victoriana; dice Pfister de 
esto: “Lo hice suave. 
Fotografía Cinematográfica
31
MEMENTO
(2000)
Memento se presenta como dos secuencias di-
ferentes de escenas: una serie de negro y blan-
co que se muestran en orden cronológico, y una 
serie de secuencias de colores que se muestran 
en el orden inverso. Las dos secuencias de “satis-
facer” al final de la película, la producción de una 
historia común. 
Está protagonizada por Guy Pearce como Leo-
nard Shelby, un hombre con amnesia anterógra-
da, que menoscabe su capacidad de almacenar 
nuevos recuerdos explícitos, que ha desarrollado 
un sistema para el recogimiento con notas escri-
tas a mano, tatuajes y fotos Polaroid. Durante los 
créditos iniciales, que retrata el final de la historia, 
se muestra que Leonard mata peluche (Joe Pan-
toliano). La película sugiere que este asesinato 
es la venganza por la violación y asesinato de su 
esposa (Jorja Fox), basado en la información pro-
porcionada por Natalie (Carrie-Anne Moss).
La presentación de la película, se estructura con 
dos líneas de tiempo: una en color y una en ne-
gro y blanco. Las secuencias de color se alternan 
con secuencias de negro y blanco. Este último 
se ponen juntos en orden cronológico. Los colo-
res, aunque se muestra hacia adelante (excepto 
el primero, que se muestra a la inversa) se or-
denan en sentido inverso. Cronológicamente, las 
secuencias de negro y blanco son lo primero, las 
secuencias de colores vienen a continuación.
Las secuencias de color incluyen una breve su-
perposición para ayudar a pista a la audiencia en 
el hecho de que se presentan en el orden inverso. 
El propósito de la secuencia inversa fragmentada 
es forzar a la audiencia en una experiencia simpá-
tica de la capacidad defectuosa de Leonard para 
crear nuevos recuerdos a largo plazo, donde los 
eventos anteriores no se recuerdan, ya que el pú-
blico tiene todavía.
Guy Pearce como Leonard Shelby
Cápitulo Uno: América
32
THE 
DARK
KNIGHT
(2008)
The Dark Knight es una película 
de superhéroes dirigida, produ-
cida y co-escrita por Christopher 
Nolan. Basado en el personaje 
de DC Comics Batman, la pelí-
cula es la segunda parte de la 
serie de películas de Batman de 
Nolan y una secuela de Batman 
Begins de 2005. 
Christian Bale vuelve a inter-
pretar el papel protagónico de 
Bruce Wayne / Batman, con un 
elenco de retorno de Michael 
Caine como Alfred Pennyworth, 
Gary Oldman como James Gor-
don, y Morgan Freeman como 
Lucius Fox. La película presen-
ta el personaje de Harvey Dent 
(Aaron Eckhart), fiscal de distri-
to electo de Ciudad Gótica y el 
consorte del amigo de la infancia 
Rachel Dawes de Bruce Way-
ne (Maggie Gyllenhaal), que se 
une a Batman y la policía en la 
lucha contra la nueva amenaza 
creciente de un cerebro criminal 
llamada sí mismo “The Joker” 
(Heath Ledger).
El rodaje tuvo lugar en Hong 
Kong, se utilizó formato IMAX 
cuyas cámaras tenían cargas 
de cortos que van desde 30 
segundos y dos minutos y el 
costo de la acción de la película 
era mucho mayor que película 
estándar de 35 mm.
Christian Bale como Batman
Heath Ledger como The Joker
Fotografía Cinematográfica
33
INCEPTION (2010)
Inception es una película de ciencia 
ficción escrita, producida y dirigi-
da por Christopher Nolan y prota-
gonizada por Leonardo DiCaprio, 
Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, 
Ken Watanabe, Tom Hardy, Marion 
Cotillard, Cillian Murphy, Tom Be-
renger y Michael Caine.
Logró tres premios BAFTA para el 
Mejor Diseño de Producción, Mejor 
Sonido y Mejores Efectos Especial-
es. También obtuvo nominaciones 
tanto en los Óscar, Globos de Oro 
y los Premios BAFTA, destacando 
en los tres premios las categorías 
de Mejor Película, Mejor Director, 
Mejor Banda Sonora y Mejor Gui-
on. Además, obtuvo el tercer lugar 
de taquilla en 2010 según la ABC. 
La película fue rodada principalmente en el forma-
to anamórfico en película de 35 mm8, con secuen-
cias de teclas grabadas en 65 mm. Wally Pfister 
dio a cada ubicación y nivel de sueño una mirada 
distintiva.
La fortaleza de la montaña parece estéril y fresco, 
los pasillos del hotel tienen tonos cálidos, y las 
escenas de la furgoneta es más neutral.
Joseph Gordon-Levitt en “Inception”
Elemento clave de la película
Esto se hizo para facilitar el reconocimiento de la 
audiencia del La ubicación de la narrativa en gran 
medida durante la parte de corte transversal de la 
película. 
Nolandijo que la película “trata de los niveles de 
la realidad y la percepción de la realidad que es 
algo que estoy muy interesado.
8 La película de 35 mm es el formato de negativo o película fotográfica más utilizado, tanto en cine como en fotografía, que se mantiene relativamente 
sin cambios desde su introducción en 1892 por William Dickson y Thomas Edison, que usaron material fotográfico proporcionado por George Eastman.
GORDON WILLIS
Nació en Queens, Nueva York; 
el 28 de mayo de 1931.
Es conocido fundamentalmen-
te por sus colaboraciones con 
los realizadores Woody Allen, 
Francis Ford Coppola y Alan J. 
Pakula. 
En la 82ª edición de los Premios 
Oscar, celebrada en 2009, ob-
tuvo un Oscar Honorífico por el 
conjunto de su trayectoria cine-
matográfica. Su participación en 
la trilogía de “El padrino” (“The 
Godfather”, 1972) es ya un mo-
tivo más que suficiente para in-
cluir a Gordon Willis entre los 
artistas más importantes del 
séptimo arte. 
Y es que este neoyorquino es 
uno de los principales artífices 
de la revolución estética que 
sufrió el cine norteamericano en 
los años 70. Los contraluces, la 
tendencia a la subexposición1 
y el absoluto domino de la fo-
tografía en blanco y negro son 
algunos de los rasgos de su re-
conocible estilo. 
Un claro ejemplo de todo esto 
podemos encontrarlo en “Man-
hattan” (“Manhattan”, 1979), 
una de sus muchas colaboracio-
nes con Woody Allen, en la que 
retrató magistralmente la vida 
en la legendaria ciudad de los 
rascacielos. 
Según recuerdan quienes han 
trabajado con él, Willis es un 
tipo irritable, que en su afán 
perfeccionista sufría continuos 
ataques de ira, pero no paraba 
hasta que encontraba el encua-
dre y la iluminación ideal. No la 
mejor para su propio lucimiento, 
sino la que mejor expresaba lo 
que tenía que narrar el plano en 
cuestión.
9 Es la exposición a la luz insuficiente de un ma-
terial fotográfico.
Puede deberse a la colocación incorrecta del 
mando de sensibilidades, a un cálculo incorrecto 
en situaciones difíciles de ilminación, a suciedad 
acumulada en el objetivo o a la no compen-
sación de un filtro denso.
Fotografía Cinematográfica
35
MANHATTAN (1979)
Manhattan es una película dirigida y protagoniza-
da por Woody Allen, estrenada en 1979, conside-
rada un clásico en la Historia del cine. Obtuvo dos 
nominaciones a los Óscar.
La película describe la vida de Isaac Davis, un 
escritor de gags10 para televisión, que ha pasado 
los cuarenta y tras conocer dos fracasos matrimo-
niales, su última esposa publica un libro con los 
detalles de su vida sexual, mantiene una relación 
con una joven de diecisiete años llamada Tracy, 
pero se enamora de Mary Wilkie, amante de su 
mejor amigo Yale.
Fue aclamada tanto por el público como por la 
crítica, posiblemente porque hasta cierto punto 
evocaba la cinta Annie Hall11 dado que es la histo-
ria de un romance conflictivo narrada con mucho 
ingenio.
El guion de esta película, original de Woody Al-
len y Marshall Brickman, fue traducido al español 
por José Luis Guarner, publicado por Tusquets en 
1981 y reeditado posteriormente
El excelente trabajo del director de fotografía Gor-
don Willis se nota en los encuadres medidos, en 
los planos sostenidos, en el fuera de campo, en 
los claroscuros, incluso en esa neblina que en-
vuelve la ciudad y que le confiere un aura entre 
mágica y mefítica. Secuencias como la del Plane-
tarium, la del puente de Brooklyn o la del paseo en 
calesa nos brindan la oportunidad de contemplar 
la faceta más desconocida del director de ‘Match 
Point’.
“Conoces a muchos genios. Deberías conocer gente tonta de vez en cuando.
 Podrías aprender algo.”
Escena de la Película Manhattan
10 En comedia, un gag o gag visual es algo que transmite su humor a través de imágenes, generalmente sin el uso de palabras
11 Annie Hall conocida también en castellano como Dos extraños amantes (Hispanoamérica), es una de las más célebres películas dirigidas por Woody 
Allen, por la que ganó el Óscar al mejor director en 1977.
Cápitulo Uno: América
36
THE
DEVIL'S
OWN
(1997)
The Devil’s Own es una película 
estadounidense de 1997, dirigi-
da por Alan J. Pakula y protago-
nizada por Harrison Ford y Brad 
Pitt en los papeles principales.
Esta película narra la historia 
de un irlandés perteneciente al 
IRA, quien es enviado a Nueva 
York con la finalidad de comprar 
armamento en forma ilegal. 
Para disminuir sospechas so-
bre su paradero, cambia su 
identidad y se hospeda en el 
hogar de un policía neoyorkino 
de origen irlandés, quien igno-
ra sobre la verdadera identidad 
de su huésped. Destaca una 
soberbia fotografía a cargo del 
excelente Gordon Willis, bien 
acompañada por la partitura de 
música celta de James Horner. 
Ambas se pueden apreciar en 
la espectacular secuencia inicial 
que tiene lugar en Irlanda, con 
la que arranca el film. 
Fue la última película dirigida 
por Alan J. Pakula, fallecido en 
un accidente automovilístico el 
19 de noviembre de 1998.
Harrison Ford y Brad Pitt como Tom O’Meara y Rory Devaney / Francis Austin McGuire
Brad Pitt como Rory Devaney / Francis Austin McGuire
Fotografía Cinematográfica
37
KLUTE
(1971)
Klute es una película dramática 1971 dirigida y 
producida por Alan J. Pakula, escrito por Andy 
y Dave Lewis, y protagonizada por Jane Fonda, 
Donald Sutherland, Charles Cioffi y Roy Scheider. 
Cuenta la historia de una prostituta que ayuda a 
un detective para resolver el caso de una persona 
desaparecida.
Klute fue la primera entrega de lo informal llegó 
a ser conocido como “trilogía de la paranoia” de 
Pakula. Las otras dos películas de la trilogía son 
El último testigo (1974) y Todos los hombres del 
presidente (1976).
La película incluye un cameo de Warhol12 supere-
strellas actriz Candy Darling, y otro de All in the 
Family coprotagonista Jean Stapleton. La música 
fue compuesta por Michael Small.
Alan J. Pakula rueda un thriller muy sórdido, 
aunque vistoso visualmente, que impactó al 
comienzo de los 70. El film recoge todo un océano 
de miserias humanas.
Jane Fonda ganó el Oscar por su composición de 
una prostituta, aunque el trabajo de Donald Suth-
erland no le va a la zaga. Según la actriz, “me ded-
iqué a construir una manera distinta de construir 
una prostituta: dura, indignada, pero no del todo 
insensible; y fue cuando acudí a mi recuerdo de 
las prostitutas parisinas que había conocido con 
Roger Vadim”.
Rodando el film en uno de sus momentos más 
azarosos, Fonda dijo en sus memorias, en un 
rapto infrecuente de sinceridad en el mundo de la 
farándula, que “veo el paralelismo entre la que yo 
era entonces y el personaje de Bree, una mujer 
que prefería la prostitución a la intimidad de una 
relación verdadera”. 
De Sutherland comentó que “se portaba como un 
caballero de los de antes”.
Jane Fonda como Bree Daniels
Brad Pitt como Rory Devaney / Francis Austin McGuire
12 Comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y 
desarrollo del pop art.
STEFAN CZAPSKY
Stefan Czapsky es un cineasta 
estadounidense de origen ucra-
niano que se crió en Cleveland 
Ohio y se trasladó a Nueva York 
para asistir al programa de cine 
de posgrado de la Universidad 
de Columbia. Llegó a dominar el 
arte de la fotografía, trabajando 
como ayudante de cámara, ca-
pataz y jefe grip antes de lanzar 
su carrera como director de 
fotografía.
Stefan ha rodado numerosas 
películas premiadas, anuncios 
y vídeos musicales. Él trae con-
fianza y claridad a cada uno de 
sus proyectos y actualmente re-
side en la ciudad de Nueva York.
Czapsky se abrió camino hasta 
las filas para convertirse en un 
galardonado director de foto-
grafía después de los créditos 
acumulando como ayudante de 
cámara, gaffer, grip, y jefe de 
electricistas. 
Estos primeros trabajos abarcan 
proyectos tan diversos como el 
culto thriller de Larry Cohen “De-
mon / Demon” (1976), de John 
Sayles período de drama ado-
lescente “Baby,eres tú” (1983), 
y de Bertrand Tavernier “’Round 
Midnight” (1986 ). Primeras co-
laboraciones con cineastas tan 
reputados llevaron a tareas 
cada vez más alto perfil.
El primer crédito de Czapsky 
como director de fotografía fue 
un Bruce oscura Dern-prota-
gonizada por una crisis de la 
mediana edad (“On the Edge”, 
1985), pero su segundo, “The 
Thin Blue Line”, fue un crimen 
considerado ampliamente acla-
mado y (relativamente) docu-
drama de bicho raro documen-
talista Errol Morris. 
El trabajo de Czapsky aquí fue 
muy seguro, haber hecho la 
transición sin problemas entre el 
sencillo cantidad de la entrevis-
ta y las recreaciones de ensue-
ño de la escena del crimen to-
madas desde diversos ángulos 
ya diferentes velocidades.
Fotografía Cinematográfica
39
EDWARD SCISSORHANDS (1990)
Una mujer mayor cuenta a sus nietos una historia. 
Ellos piensan que se trata de un cuento, pero en 
realidad está basado en una historia real. Un in-
ventor vivía en un castillo en la cima de una colina 
y había creado un ser vivo llamado Eduardo. 
Era un joven atractivo, pero tenía un grave defec-
to, en lugar de manos tenía unas tijeras de metal. 
Tras la muerte de su creador, Eduardo se queda 
solo en el castillo, hasta que una vendedora a do-
micilio se lo lleva a su casa a vivir con su familia. 
Se trata de una especie de versión moderna de 
Frankenstein, de Mary Shelley, pues un extrafa-
lario inventor da vida a un ser sensible y bonda-
doso, que en lugar de dedos tiene tijeras, lo que 
conducirá su vida hasta la tragedia. 
“Hay todo tipo de tijeras. Inclusive hubo una vez un hombre 
que tenía tijeras por manos.”
Escena de Edward Scissorhands
Johnny Depp como Edward Scissorhands
Cápitulo Uno: América
40
MATILDA (1996)
Matilda (Mara Wilson) es una 
extraordinaria niña, de una inte-
ligencia prodigiosa. 
Desgraciadamente, sus padres, 
Harry y Zinnia Wormwood (Dan-
ny DeVito y Rhea Perlman) no 
se dan cuenta de este hecho. 
Están demasiado acupados en 
sus pequeños quehaceres coti-
dianos e ignoran que su peque-
ña hija está completamente ena-
morada de los libros y la cultura, 
y de que tiene inmensos deseos 
de aprender cosas nuevas. 
Cuando los Wormwood conce-
den por fin a su hija el deseo 
de ir al colegio, la envían a una 
inhóspita escuela-prisión donde 
todos sus alumnos viven ate-
morizados bajo el látigo de una 
horrible directora, Agatha Trunc-
bull (Pam Ferris).
Deliciosa comedia familiar que 
ofrece algunas magníficas dosis 
de valores familiares, como el 
cariño y la generosidad. 
Danny DeVito demuestra que 
además de ser un gran actor es 
un fantástico y original 
realizador.
Mara Wilson como Matilda Wormwood
Familia Wormwood en Matilda
Fotografía Cinematográfica
41
Familia Wormwood en Matilda
Ed Wood es una película esta-
dounidense cómica-biográfica 
de 1994 dirigida por Tim Burton, 
que narra la vida del famoso di-
rector de cine bizarro y de culto 
Ed Wood. Fue escrita por Scott 
Alexander y Larry Karaszewski y 
está basada en la biografía escri-
ta por Rudolph Grey. La historia 
nos muestra a un joven Ed Wood 
con enormes problemas para en-
contrar financiación para sus 
películas. 
Ayudado por un grupo de excén-
tricos pero leales personajes, en 
especial del actor húngaro Béla 
Lugosi, Wood verá cumplido su 
sueño de dirigir películas de cine. 
Fue rodada en blanco y negro 
por decisión personal de Burton, 
ya que Béla Lugosi había hecho 
pocas películas en color, además 
de estar popularmente asociado 
a los films que rodó en blanco y 
negro, y Burton deseaba que si-
guiera siendo así.
EdWood 
(1994)
Johnny Depp como Ed Wood
Cápitulo Uno: América
42
 The Exorcism 
of Emily Rose
(2005)
El exorcismo de Emily Rose 
(2005) es una película de terror 
dirigida por Scott Derrickson y 
protagonizada por Tom Wilkin-
son, Laura Linney y Jennifer 
Carpenter. 
Inspirada en la verdadera histo-
ria de Anneliese Michel, el guion 
fue escrito por el propio director 
y Paul Harris Boardman y con-
siguió recaudar 144 216 468 
dólares en todo el mundo.
Que el film trate temas de fon-
do con rigor no está reñido con 
la comercialidad, como ocurría 
en El exorcista, de William Frie-
dkin. Las secuencias de terror, 
con el diablo sugerido o mani-
fiesto, están bien resueltas, y 
buscan el realismo, la credibili-
dad. A ello ayuda el trabajo de 
Jennifer Carpenter, convincente 
Emily Rose, que no requiere excesos de maquillaje y efectos es-
peciales.
Se trata de un gran trabajo de dirección que logra muy bien su 
objetivo. La película ofrece escenas muy intensas que atrapan al 
espectador y logran asustar.
Jennifer Carpenter como Emily Rose
Escena clave de la película
Fotografía Cinematográfica
43
ED WOOD (2007)
Ed Wood es una película estadounidense cómi-
ca-biográfica de 1994 dirigida por Tim Burton, que 
narra la vida del famoso director de cine bizarro y 
de culto Ed Wood. 
Fue escrita por Scott Alexander y Larry Ka-
raszewski y está basada en la biografía escrita 
por Rudolph Grey. La historia nos muestra a un 
joven Ed Wood con enormes problemas para en-
contrar financiación para sus películas. Ayudado 
por un grupo de excéntricos pero leales persona-
jes, en especial del actor húngaro Béla Lugosi, 
Wood verá cumplido su sueño de dirigir pelícu-
las de cine. Fue rodada en blanco y negro por 
decisión personal de Burton, ya que Béla Lugosi 
había hecho pocas películas en color, además de 
estar popularmente asociado a los films que rodó 
en blanco y negro, y Burton deseaba que siguiera 
siendo así.
La historia narra la vida del director Ed Wood en 
los años en los que empezó a rodar sus primer-
os largometrajes, recogiendo los rodajes de sus 
películas Glen o Glenda, La novia del monstruo 
y la obra cumbre del director, Plan 9 from Outer 
Space.
Burton rinde con esta película un homenaje al cine 
de terror y ciencia ficción de clase B, además de 
desarrollar, entre otras cosas, una visión bastante 
realista del Hollywood de los años 1950, a través 
de la figura de Lugosi, ya en decadencia y con 
problemas de heroína debido a su ocaso cine-
matográfico. Tuvo una baja recepción en la taq-
uilla estadounidense. Aunque para la crítica, esta 
es, junto con Edward Scissorhands y Big Fish, 
posiblemente una de las mejores obras del real-
izador, debido a su creatividad, su estilización y 
los diferentes temas que se tratan en ella.
“¿La peor película que ha visto? Bueno, la próxima será mejor.”
Martin Landau como Bela Lugosi: Rick Baker
(17 marzo 1915 hasta 24 mayo 
2006) fue un estadounidense de 
cine director de arte y diseñador de 
producción . 
En una carrera que se extendió 
por más de cincuenta y cinco años, 
ganó dos premios de la Academia 
: el primero para Matar a un ruise-
ñor , y la segunda para The Sting . 
Además, fue nominado a Alfred Hit-
chcock 's Vertigo y Clint Eastwood 
's Unforgiven . 
Bumstead nació en Ontario, Ca-
lifornia , y tras su graduación de 
la Universidad del Sur de Califor-
nia , se unió a Paramount Pictu-
res en 1948.Aprendió el oficio de 
Hans Dreier , con quien trabajó 
en varias películas que comien-
zan con Saigón . 
Después del retiro de Dreier en 
1951 trabajó con Hal Pereira , a 
quien Paramount había 
contratado para reemplazar 
Dreier. 
Durante estos primeros años, 
Bumstead trabajó en numerosas 
películas, incluyendo My Friend 
Irma , My Friend Irma Goes West 
, y Los puentes de Toko-Ri . 
Sin embargo, su gran oportuni-
dad llegó en 1956 cuando tra-
bajó con Pereira en Alfred Hitch-
cock remake de 's de El hombre 
que sabía demasiado . Luego 
pasó a trabajar en otras tres pe-
lículas de Hitchcock: Vértigo , 
Topacio y Family Plot .
En 1961, Paramount Bumstead 
dejó para unirse a Universal Stu-
dios , donde formó una estrecha 
colaboración con Alexander 
Golitzen13 . 
Mientras que en Universal, es-
tableció relaciones conGeorge 
Roy Hill y Clint Eastwood , que 
se inició en Slaughterhouse-Fi-
ve y High Plains Drifter respecti-
vamente. Luego pasó a trabajar 
con los dos hombres en 
numerosas películas.henry bumstead
13Supervisó dirección de arte por más de 300 
películas, Fue nominado para un Premio de la 
Academia por su trabajo en Sundown (1941), 
Noches de Arabia (1942), The Climax (1944), 
Flower Drum Song (1961), que tocan de Mink 
(1962), Gambito (1966), totalmente moderno 
Millie (1967), Sweet Charity (1969), Aeropuerto 
(1970), y Terremoto (1974).
Fotografía Cinematográfica
45
Es una película de suspense, cine negro y melo-
drama dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 
1958. Un detective retirado aquejado de acrofobia 
o vértigo es contratado por un viejo amigo para que 
vigile discretamente su esposa quien dice estar po-
seída por un espíritu. Es una de las películas me-
jor valoradas de la cinematografía norteamericana, 
nominada a dos premios Óscar. En 1996 se pre-
sentó una versión restaurada de la cinta.
El 2 de agosto de 2012 la Película fue elegida, 
tras una evaluación de 10 años, como la mejor 
película de todos los tiempos, desplazando a Ciu-
dadano Kane de Orson Welles(1).
13 Aclamado director cinematografico considerado uno de los mejores
 directores de la historia
vertigo (1956)
James Stuart En Vertigo
Escena de “Vertigo” deAlfred Hitchcock
Una de las peliculas mas polemicas del maestro del suspenso Alfred Hitchcock
Cápitulo Uno: América
46
mystic 
river 
(2003)
Es una película estadounidense 
de 2003, dirigida por Clint Eas-
twood. Tuvo una amplia aclama-
ción de la crítica y fue nominada 
para 6 premios Oscar de los que 
obtuvo dos: al mejor actor (Sean 
Penn) y al mejor actor secun-
dario (Tim Robbins). La pelícu-
la esta basada en la novela del 
mismo nombre de Dennis Leha-
ne.
Eastwood nos muestra a unos 
personajes poseídos por sus 
demonios interiores, al borde 
del absoluto abismo. Dave, al 
que da vida un soberbio Tim 
Robbins, todavía está trauma-
tizado por lo que sucedió en el 
pasado, y en algunos momentos 
incluso se ve como poseído por 
una maldición. Tal vez por eso 
ahí está ese malévolo detalle de 
Eastwood colocando al perso-
naje ante la televisión en plena 
madrugada viendo “Vampiros de 
John Carpenter”, mostrándonos 
a Dave como ese vampiro que 
ve que nunca podrá librarse de 
esa maldición, por mucho que lo 
intente y que está condenado a 
seguir prisionero del pasado.
fue uno de las primeras
 grandes victorias del actor, 
productor y director 
Clint Eastwood
Imagen De Mystic River dirigida Por Clint Eastwood
Fotografía Cinematográfica
47
CAPE FEAR 
(1991)
Es una película estadounidense de suspenso 
estrenada en 1991.
Es dirigida por Martin Scorsese y protagonizada 
por Robert De Niro, Nick Nolte, Jessica Lange, 
Juliette Lewis y Joe Don Baker, con apariciones 
de Robert Mitchum y Gregory Peck. 
Está basada en la novela de 1957 The 
Executioners, de John D. MacDonald, y es un 
remake del filme homónimo de 1962.
Robert DeNiro como Max Cady
Escena de Cape Fear
(16 abril 1928 hasta 23 marzo 
2002) fue un premio de la Aca-
demia ganador de un diseñador 
de producción y director de arte 
, sobre todo para las películas .
Primeros años
Nacido en Brooklyn, Nueva York 
, hijo de Samuel y Lily (Lazell) 
Sylbert, Sylbert luchó en la gue-
rra de Corea y asistió a la Es-
cuela de Arte Tyleren la Univer-
sidad de Temple en Elkins Park, 
Pensilvania . 
Su abuelo, Ribac, fue un perio-
dista en su país natal, Rumania 
antes de emigrar a losEstados 
Unidos . 
Richard Sylbert
Sylbert comenzó su carrera en 
los primeros días de la televi-
sión , el diseño de las produccio-
nes de Hamlet (1953) y Ricardo 
II(1954) para el Hallmark Hall of 
Fame .
Crédito Sylbert primera película 
fue Patterns (1956), una adap-
tación cinematográfica de un 
Emmy Award -winning adap-
tación para televisión por Rod 
Serling . 
Luego pasó a diseñar Baby Doll 
,Un rostro en la multitud , Piel de 
serpiente , Murder, Inc. , Esplen-
dor en la hierba , Walk on the 
Wild Side , Largo viaje hacia la 
noche , El mensajero del miedo 
, El prestamista , Lilith , ¿Quién 
es teme a Virginia Woolf? , El 
graduado , La semilla del diablo 
, Catch-22 , Conocimiento car-
nal , Chinatown , champú , Ro-
jos , Frances , The Cotton Club 
, Tequila Sunrise , Dick Tracy , 
La hoguera de las vanidades , 
Atrapado por su pasado , Mul-
holland Falls , Mi El mejor amigo 
La boda , y atrapado . 
Trabajó en múltiples ocasiones 
con los directores Roman Po-
lanski , Elia Kazan, Mike Nichols 
, y Warren Beatty Robert Evans 
Sylbert nombrado su sucesor 
cuando renunció a su cargo 
de jefe de producción en Para-
mount Pictures en 1975. 
Simplemente uno de los grandes directores del cine a blanco y negro del siglo xx
Who's Afraid of Virginia Woolf?
Fotografía Cinematográfica
49
Who's Afraid of Virginia Woolf?
Who's Afraid of 
Virginia Woolf? 
(1996)
Es una película estadounidense de 1966, dirigi-
da por Mike Nichols, basada en la obra teatral del 
mismo título de Edward Albee14. Ganó cinco Os-
car y fue nominada a otros ocho. 
Richard Burton y Elizabeth Taylor actuaron los ro-
les principales, George Segal y Sandy Dennis en 
los roles secundarios. De gran éxito de público en 
el momento de su estreno, lanzó a la fama a un 
joven realizador que en 1967 reeditaría el éxito de 
crítica y público con otro clásico, El Graduado15.
Esta obra, además de ser la primera que dirigió 
Mike Nichols (después sería director de El Gra-
duado y Closer, entre otras), fue la primera que 
significo un acercamiento más real y confidencial 
entre el cine y la sociedad al permitirse usar por 
vez primera un lenguaje considerado demasiado 
“fuerte” por la censura, que sin embargo son pa-
labras que la gente usaba ya comúnmente, pero 
que no se habían oído nunca en el cine.
14 Dramaturgo estadounidense, introdujo en buena parte a los EE. UU. en 
las nuevas tendencias dramáticas europeas de la segunda mitad del Siglo 
XX.
15 Es una película basada en la novela del mismo nombre de Charles 
Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones, entre ellas la de Dus-
tin Hoffman como mejor actor.
Elizabeth Taylor como Martha
Cápitulo Uno: América
50
CHINATOWN 
(1974)
Es una película de 1974 dirigida 
por Roman Polanski y protago-
nizada por Jack Nicholson, Faye 
Dunaway y John Huston. Ganó 
el Oscar a Mejor guion original y 
fue candidata a 10 premios más.
A pesar de elegir para este pro-
yecto un género que había lle-
gado a su época dorada durante 
los años cuarenta, Polanski tuvo 
la inteligencia de no abordar-
lo desde la fácil imitación a las 
obras maestras que todos recor-
damos, sino desde un plantea-
miento cinematográfico moder-
no; «Yo no veía en Chinatown 
una obra “retro” o una imitación 
consciente de las películas clási-
cas en blanco y negro, sino una 
película sobre los años treinta, 
vistos a través del ojo de la cá-
mara de los setenta».
Este es uno de los grandes acier-
tos de la película, que, gracias a 
este planteamiento, al empleo 
del color o la dirección tan 
personal de Polanski, se hace 
más cercana y realista, sin per-
der los caracteres propios del 
género negro.
La narración es muy medida, 
Polanski sólo nos cuenta lo 
necesario en cada momento, es 
muy preciso en su trabajo de 
dirección. 
Walsh: Forget it, Jake. It’s Chinatown
Roman Polanski
Faye Dunaway Como Evelyn Cross Mulwray
Fotografía Cinematográfica
51
Faye Dunaway Como Evelyn Cross Mulwray
THE GRADUATE 
(1967)
El graduado (The graduate) es una película ba-
sada en la novela del mismo nombre de Charles 
Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominacio-
nes, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor 
actor.
Benjamin, Dustin Hoffman, un chico que encarna 
las características de una nueva generación de 
jóvenes americanos (rebeldía, búsqueda de nue-
vos valores, liberación sexual, etc.). Sin embargo, 
Benjamin vive la contradicción de las pautas de 
comportamiento que sus padres le imponen.
Por otro lado, tenemos a la Señora Robinson, 
Anne Bancroft, un personaje que deja en eviden-
cia las debilidades de la familia tradicional ameri-
cana, desde el alcoholismo social pasando por lainfidelidad y el materialismo.
La relación que se establece entre estos dos per-
sonajes, más allá del escándalo, es utilizada por 
Nichols, para poner de manifiesto una serie de te-
mas como la incomunicación, el desaliento y la 
confusión. Estamos ante la crítica de una socie-
dad podrida por la hipocresía e incapaz de 
avanzar.
Este film contiene dos paradojas. La primera de 
ellas es que cada vez que hay momentos de co-
media, la amargura que desprende es mayor. A 
medida que los diálogos son más agudos y áci-
dos, la pesadumbre se hace aún más presente. 
Por ejemplo, los momentos dónde Benjamin ac-
túa de “bufón” para el resto de personajes, ponen 
de manifiesto lo vacío de la sociedad en la que 
vive el chico.
La segunda paradoja corresponde a la edad. 
Cuando se rodó, Dustin Hoffman tenía 30 años, 
Katharine Ross tenía 27 y Anne Bancroft, 36. 
Obviamente, no se correspondían con las edades 
de sus personajes.
Benjamin: Mrs. Robinson, you're trying to seduce me... Aren't you?
Mike Nichols
Dustin Hoffman como Benjamin Katharine Ross como Elaine 
CAPITULO UNO:AMÉRICA
Dean Tavoularis 
Nacido el 18 de mayo 1932,es 
un griego diseñador de produc-
ción cuyo trabajo apareció en ta-
quilla numerosos éxitos como El 
Padrino películas, Apocalypse 
Now , de trabajo El mayor robo 
del siglo , One from the Heart y 
Bonnie y Clyde .
En 1967, Arthur Penn llamó para 
hacerse cargo de la dirección ar-
tística de Bonnie y Clyde . Tres 
años más tarde, Penn llamó una 
vez más a diseñar Pequeño gran 
hombre . Pero estaba trabajan-
do con Francis Ford Coppola en 
1972 en El Padrino que marcó 
la pauta creativa de su carrera. 
El Padrino II y La Conversación 
, en 1974, consolidó su colabo-
ración, y abrió el camino para 
lo que iba a ser su reto creati-
vo conjunto : Apocalypse Now 
, la película para la que creó 
un reino Tavoularis selva pesa-
dilla, inspirada en Angkor Wat 
. También fue en el rodaje de 
Apocalypse Now donde cono-
ció a su futura esposa, la actriz 
francesa Aurore Clément . 
(Papel de Clément fue editado 
finalmente fuera del corte final 
de la película, y sólo restaurada 
en el Apocalypse Now Redux 
versión en 2001.
Desde 1967 hasta 2001, traba-
jó en más de treinta películas 
y aterrizó cinco premios de la 
Academia nominaciones, una 
de las que ganó por El Padrino 
II . Para la versión 1982 One 
from the Heart recreó tanto en 
el "Strip" de Las Vegas y el Ae-
ropuerto Internacional McCarran 
en los estudios de sonido de 
Zoetrope Studios .
“Aunque Dean 
Tavoularis sea de 
padres griegos es un 
Norteamericano nacido 
en Massachusets.”
Escena inicial de “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola
Fotografía Cinematográfica
53
APOCALYPSE NOW 
(1979) 
Conocida mundialmente como Apocalypse Now, 
(Apocalipsis ahora en América Latina) es una pe-
lícula bélica dirigida por Francis Ford Coppola en 
1979. 
El guion está basado en El corazón de las tinie-
blas (Heart of Darkness), una novela de Joseph 
Conrad ambientada en el África de finales del si-
glo XIX, aunque trasladando la acción a la inva-
sión estadounidense de Vietnam. 
Ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor 
sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor direc-
tor, a la mejor película, al mejor actor de reparto 
(Robert Duvall), al mejor guion adaptado, a la me-
jor dirección artística y al mejor montaje. También 
fue merecedora de la Palma de Oro del Festival 
de Cannes de ese año.
En 2001 Coppola presentó, también en el Festival 
de Cannes, un nuevo montaje de la película, am-
pliada hasta las tres horas y media de duración, 
con el nombre de Apocalypse Now Redux. 
El rodaje de esta película en las Islas Filipinas 
se convirtió en un verdadero infierno. De hecho 
cuando F.Coppola la presentó en Cannes comen-
tó: «Ésta no es una película sobre la Guerra de 
Vietnam16, esto es Vietnam». 
16Fue un conflicto bélico que enfrentó entre 1964 y 1975 a Vietnam del 
Sur, apoyada por Estados Unidos, contra Vietnam del Norte, apoyada por 
la Unión Soviética, en el contexto general de la Guerra Fría.
Ha sido hasta ahora una de las peliculas mas realistas sobre un conflicto armado
Escena inicial de “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola
Marlon Brando en “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola
Cápitulo Uno: América
54
Es una película estadouniden-
se de 1972 dirigida por Francis 
Ford Coppola. El filme fue pro-
ducido por Albert S. Ruddy, de 
la compañía productora Para-
mount Pictures. Está basada en 
la novela del mismo nombre, de 
Mario Puzo17, quien adaptó el 
guion junto a Coppola y Robert 
Towne sin ser acreditado.
El film narra la vida de Vito Cor-
leone, jefe de una de las cinco 
"familias" que ejercen el mando 
de la Cosa Nostra en la ciudad 
de Nueva York en los años 40. 
Representa la experiencia de 
los inmigrantes (en su caso ita-
lianos) a los Estados Unidos y al 
mismo tiempo expone las con-
tradicciones del "sueño ameri-
cano". 
Contó con un reparto encabe-
zado por Marlon Brando, quien 
interpreta a Don Vito; Al Pacino, 
James Caan y John Cazale en 
el papel de los hijos de Don Vito: 
Michael, Sonny y Fredo, respec-
tivamente; Robert Duvall, como 
Tom Hagen, el hijo adoptivo de 
Corleone y abogado (con la ta-
rea de consigliere) de la fami-
lia; y Diane Keaton, como Kay 
Adams, la novia de Michael.
THE GODFATHER (1972)
“Don Corleone: I'm going to make him an offer he can't refuse.”
Francis Ford Coppola
Marlon Brando como Vito Corleone en “The Godfather”
17 fue un escritor estadounidense de origen italiano conocido como el literato de la mafia, 
especialmente por su obra maestra El padrino (1969).
Fotografía Cinematográfica
55
THE NINTH GATE (1999)
Es una película de 1999, dirigida por Roman Po-
lański y realizada en coproducción por compañías 
de España, Francia y Estados Unidos. Protago-
nizada por Johnny Depp, Frank Langella, Lena 
Olin, Emmanuelle Seigner, Barbara Jefford y Jack 
Taylor. La película está basada en la novela El 
club Dumas de Arturo Pérez-Reverte.
Ganadora del premio Premios del Cine Europeo 
(1999): Roman Polanski al Mejor lanzamiento 
mundial de un film europeo.
Su estreno mundial tuvo lugar en San Sebastián 
(España) el 20 de agosto de 1999, poco antes de 
la inauguración de la 47 edición Festival 
Internacional de Cine de San Sebastián18 1999.
Johnny Depp en “The Ninth Gate” de Roman Polanski
Escena de The Ninth Gate
Marlon Brando como Vito Corleone en “The Godfather”
18 Es un certamen cinematográfico de la máxima categoría (A) 
acreditada por la Federación Internacional de Asociaciones de 
Productores Cinematográficos (FIAPF). Se celebra anualmente a finales 
del mes de septiembre, en la ciudad vasca de San Sebastián (España). 
Su primera edición arrancó el 21 de septiembre de 1953.
En 1978 trabajó en su primera 
película, Norma Rae , como ope-
rador de cámara . Ganó back-to-
back premios de la Academia a la 
Mejor Cinematografía en 1994 y 
1995, por las películas Legends 
of the Fall y Braveheart .
También fue nominado para un 
Premio de la Academia por su 
trabajo en La delgada línea roja 
y ganó una Mención de Honor en 
el 49o Festival Internacional de 
Cine de Berlín .
John toll
También fue nominado para un 
Premio Primetime Emmy para el 
piloto de Breaking Bad .
Él era el director de fotografía en 
1987 por un disparo de televisión 
Ben-Gay béisbol de temática 
comercial nacional en Anaheim 
Stadium en el sur de California, 
escrito y co-dirigido por Peter 
Hoffman, director creativo de la 
agencia de Nueva York publici-
dad Ally & Gargano. 
Fue el primer comercial para uti-
lizar mascota humana un equipo 
de béisbol - en este caso un gi-
gante "pájaro" - como una estre-
lla en un comercial.
Este director de fotografía, o ci-
nematógrafo -traducción literal 
de la palabra inglesa que deno-
mina esta profesión, cinemato-
grapher-, comenzó a trabajar en 
1971 y desde tonces tiene en su 
currículum películas como las 
mencionadas Leyendas de pa-
sión, Braveheart y La delgada 
línea roja, pero también cuenta 
con Casi famosos. 
MelGibson en Braveheart
Fotografía Cinematográfica
57
THE THIN RED LINE 
(1998)
La delgada línea roja (título original en inglés: The 
Thin Red Line) es una película estadounidense 
del género bélico dirigida por Terrence Malick; se 
estrenó en 1998 y fue presentada mundialmente 
en el 49º Festival Internacional de Cine de Berlín19 
(febrero de 1999).
La película narra la historia de las tropas militares 
estadounidenses en la Batalla de Guadalcanal en 
la Segunda Guerra Mundial.
Su guion es una adaptación de la novela del mis-
mo nombre de James Jones, previamente adap-
tada en el guion de la película de 1964. 
El reparto coral lo forman un considerable número 
de reconocidos actores: Sean Penn, Adrien Brody, 
James Caviezel20, Ben Chaplin, George Clooney, 
John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, 
Jared Leto, Dash Mihok, Tim Blake Nelson, Nick 
Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, John Travolta, 
Randall Duk Kim y John Savage.
Mel Gibson en Braveheart
James Caviezel en “The Thin Red Line”
20Jim Caviezel aparete de haber protagonizado esta pelicula es mundial-
mente reconocido por haber interpretado a Jesus en la polemica pelicula 
de Mel Gibson “ The Passion Of Christ 
19Es un prestigioso festival de cine internacional que se celebra en la 
ciudad de Berlín, Alemania. 
‘Crudas realidades de guerras sin sentido’
Cápitulo Uno: América
58
almost famous 
(2000)
Es una película del año 2000 
escrita y dirigida por Cameron 
Crowe, mostrando la historia fic-
ticia de William (Patrick Fugit), 
un reportero adolescente que 
se empeña en escribir sobre el 
mundo de la música desde 
dentro. 
Gracias a un encargo de la re-
vista Rolling Stone podrá seguir 
la gira del grupo Stillwater, lo 
que le dará también la ocasión 
de enamorarse de una precio-
sa groupie de la banda, Penny 
Lane (Kate Hudson).
El film es semi-autobiográfico, 
ya que Crowe sí escribió para 
la revista Rolling Stone siendo 
adolescente. 
La película se basa en las expe-
riencias de viajar con bandas de 
rock como The Allman Brothers 
Band, Led Zeppelin, The Eagles. 
En un artículo de “Rolling Stone”, 
él habla acerca de como perdió 
su virginidad, se enamoró y co-
noció a sus héroes, experiencias 
que reflejó en William, el perso-
naje principal de la película.
Aunque los personajes son fic-
ticios, el parecido físico entre el 
actor Billy Crudup y el guitarrista 
de The Allman Brothers Band, 
Dickey Betts es asombroso 
(basta con ver cualquier graba-
ción de la banda de esa época), 
lo que confirma el hecho de que 
en la banda de rock sureño fue 
en la que más se insipiró Came-
ron Crowe a la hora de escribir 
el guion. A pesar de ello, las re-
ferencias a Led Zeppelin21 son 
numerosísimas (incluyendo la 
escena en la que el protagonista 
se tira del tejado de la casa a la 
piscina, que popularmente se le 
atribuye a Robert Plant).
“Casi Famosos” es una de esas 
raras películas con personajes 
precisos y creíbles, que tiene el 
beneficio de haber encontrado a 
los actores perfectos para repre-
sentarlos.
Kate Hudson como Penny Lane en ‘Almost Famous’
21 Led Zeppelin fue un grupo británico de rock, 
considerado uno de los más importantes de ese 
género y uno de los más populares durante la 
década de los setenta.
Fotografía Cinematográfica
59
Kate Hudson como Penny Lane en ‘Almost Famous’
Tropic Thunder (también conocida como Tropic 
Thunder, una guerra muy perra o Una guerra de 
película) es una película de comedia que parodia 
el Cine bélico. Es una producción de Hollywood 
filmada en 2008, dirigida por Ben Stiller y escrita 
por Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen.
La película es protagonizada por Ben Stiller, Jack 
Black y Robert Downey Jr., quienes encarnan a 
un grupo de actores en declive que filman una 
película sobre la Guerra de Vietnam. 
Tropic 
Thunder 
(2008)
El director muere al pisar una mina y el escritor 
de la película decide abandonarlos en la mitad de 
la selva, obligándolos a escapar de ahí por sus 
propios medios.
Elenco de Tropic Thunder
Robert Downey Junior como Kirk Lazarus
(Hyannis, 27 de agosto de 1955) 
es un director de fotografía es-
tadounidense, colaborador habi-
tual de Quentin Tarantino, Oliver 
Stone y Martin Scorsese. Ob-
tuvo tres premios Óscar por su 
trabajo en JFK (1992), de Stone, 
El aviador (2004), de Scorsese, 
y Hugo (2011), también de Scor-
sese.
Richardson nació en Hyannis, 
Massachusetts. Se graduó de la 
Escuela de Diseño de Rhode Is-
land en Cine, Animación y Video. 
En 1984, trabajó como operador 
de cámara y segundo fotógrafo 
en películas como Repo Man, 
Making the grade y Pesadilla en 
Elm Street, de Wes Craven. 
También se desempeñó como 
director de fotografía en docu-
mentales y docudramas de tele-
visión tales como Disney Chan-
nel, BBC y PBS, donde realizó 
La Línea del Frente: El Salvador. 
Su trabajo en El Salvador des-
pertó el interés de Oliver Stone, 
quien lo contrató para rodar Sal-
vador (1986).
 El debut de Oliver Stone como 
director fue también el debut de 
Richarson como director de fo-
tografía. El mismo año, filmaron 
Platoon, ganadora del Óscar a 
la mejor película y nominada al 
Óscar a la mejor fotografía. 
En 1987, Richardson volvió a re-
unirse con Stone en Wall Street. 
En 1989, obtuvo su segunda no-
minación al Oscar mejor fotogra-
fía con Nacido el cuatro de julio.
En 1991, ganó el primero de sus 
Premios de la Academia por Me-
jor Fotografía por JFK de Stone. 
En 1992, trabajó como director 
de fotografía de Rob Reiner en 
Algunos hombres buenos. 
Con Casino (1995), comenzó su 
relación de trabajo con Martin 
Scorsese, con quien filmó, entre 
otras, El aviador y Hugo, con las 
que obtuvo su segundo y tercer 
Oscar.
Muy reconocido es su traba-
jo con Quentin Tarantino, con 
quien filmó Kill Bill e Inglourious 
Basterds. Actualmente, el direc-
tor está nominado por Django 
Unchained al Oscar a la Mejor 
Fotografía, también de 
Tarantino.
Robert Richardson
Fotografía Cinematográfica
61
Inglourious basterds es una 
película de 2009 escrita y di-
rigida por Quentin Tarantino y 
protagonizada por Brad Pitt. 
Titulada Malditos bastardos 
en España y Bastardos sin 
gloria en Latinoamérica, la 
película es una ficción ucró-
nica sobre la Alemania nazi. 
El estilo recuerda al spaghe-
tti western y al cine bélico 
italiano de los años sesenta. 
Christoph Waltz, que interpre-
tó al Standartenführer Hans 
Landa, recibió el premio al 
mejor actor en el Festival de 
Cannes, el premio al Mejor 
actor de reparto del Sindicato 
de Actores, el Globo de oro y 
Oscar en la misma categoría.
Dos historias convergen. Una 
sigue a un grupo de solda-
dos, cuya misión es matar 
nazis con la participación de 
una miembro de la resistencia 
alemana, en cuyo cine va a 
reunirse la cúpula nazi en el 
estreno de una película. La 
otra historia sigue a una joven 
judía que busca venganza por 
la muerte de su familia en ma-
nos de los nazis.
Inglourious 
basterds
(2009)
´Quentin Tarantino afirmo en 
una entrevista que Inglorious 
Basterds era su Obra Maestra´
Brad Pitt Como Lt. Aldo RaineEli Rott Como Sgt. Donowitz
Cápitulo Uno: América
62
A Nightmare on Elm Street (Pe-
sadilla en la calle del infierno en 
Mèxico y Latinoamérica, Pesa-
dilla en Elm Street en España, 
Pesadilla en lo profundo de la 
noche en Argentina y Pesadilla 
sin fin en Colombia) es una pe-
lícula de terror estadounidense 
de 1984 distribuida por New Line 
Cinema, dirigida por Wes 
Craven22 y protagonizada por 
Heather Langenkamp, John Sa-
xon y Johnny Depp, en lo que 
fue el primer papel cinematográ-
fico del entonces novel actor.
Se trata de la primera aparición 
en cine del paradigmático psicó-
pata del cine de terror adoles-
cente de los años 1980, Freddy 
Krueger, interpretado por Robert 
Englund, quien dio vida al perso-
naje en otras siete secuelas más 
y una teleserie. 
La película fue un éxito de críti-
ca, revitalizando el género
 "slasher"23, muy desgastado en 
la época, y uno de los sleeper 
hits de 1984. 
Recaudó casi 26 millonesde 
dólares en taquilla con un coste 
de producción inferior a dos mi-
llones y salvó con ello a su pro-
ductora (New Line) de la quie-
bra. Su enorme rentabilidad se 
tradujo en una larga franquicia 
de secuelas igualmente taquille-
ras, que encumbraron a Freddy 
Krueger como un símbolo de la 
década. 
A diferencia de las subsecuen-
tes entregas, que potenciaban el 
humor negro del personaje, en 
ésta Krueger sin perder la vena 
humorística.
A Nightmare on Elm Street 
(1984)
22 Wes Craven es uno de los 
exponentes mas destacados del cine de terror.
´Fue una de las 
primeras 
actuaciones del 
reconocido actor 
Johnny Depp´
Robert Englund en A Nightmare On Elm Street
23El cine slasher o simplemente slasher es 
un subgénero del cine de terror y el cine de 
explotación.
 Su principal característica es la presencia de un 
psicópata que asesina brutalmente a 
adolescentes y jóvenes que se encuentran fuera 
de la supervisión de algún adulto.
Fotografía Cinematográfica
63
Platoon (conocida como Pelotón en Hispanoamé-
rica) es una película bélica de 1986, ambientada 
en Vietnam. Fue dirigida por Oliver Stone y prota-
gonizada por Tom Berenger, Willem Dafoe y Char-
lie Sheen. Es la primera de la trilogía de películas 
sobre la guerra de Vietnam de Oliver Stone, se-
guida por Nacido el 4 de julio (1989) y El cielo y la 
tierra (1993).
Oliver Stone participó en la guerra de Vietnam, y 
tras su regreso comenzó a escribir el guion para 
Platoon, quizás para contrastar la visión de la 
guerra de Vietnam retratada en Los boinas verdes 
(The Green Berets) de John Wayne.
Platoon 
(1986)
Charlie Sheen En Platoon
dueño de la mayor parte de su 
propio equipo de envasado en 
una furgoneta grande, conocido 
por Debra Hill como la "película 
van". 
El trabajo de Cundey sobre de 
Halloween ha sido citado por 
muchos fans como uno de sus 
mejores como director de 
fotografía. 
Además de sus capacidades de 
iluminación, sobre todo en la fa-
mosa escena del pasillo donde 
la cara oculta de Michael Myers 
se revela poco a poco a través 
de una luz azul al lado de la 
máscara, fue uno de Los prime-
ros directores de fotografía para 
hacer uso de un invento reciente 
llamado steadicam.
El panaglide permite al operador 
de cámara "desgaste" de la 
cámara y obtener vacunas que 
se consideraban demasiado 
difícil o incluso imposible ante-
riormente. 
En Halloween de la panaglide 
fue utilizado como un punto de 
vista de referencia para Michael 
Myers, lo que permite a la au-
diencia a ver lo que él vio. 
 
Cundey iría a trabajar con Car-
penter y la colina de nuevo en 
las películas The Fog , Rescate 
en Nueva York , La Cosa , Ha-
lloween II y Halloween III: Sea-
son of the Witch . También vol-
vería a trabajar con Carpenter, 
por última vez en el 1986 gran 
presupuesto de ciencia ficción / 
comedia de aventuras Golpe en 
la pequeña China . 
12 de marzo 1946 (67 años) 
Alhambra, California
Ocupación Director de foto-
grafía Dean Raymond Cundey , 
(nacido el 12 de marzo 1946) es 
un cinematógrafo americáno
Cundey nació en Alhambra, Cali-
fornia , Estados Unidos . Cuando 
era niño, solía construir conjun-
tos de modelos, lo que sugiere 
un interés por el cine desde muy 
temprana edad. Cundey ya te-
nía varias películas de bajo pre-
supuesto en su haber cuando 
conoció a Debra Colina , quien 
en 1978 lo contrató para trabajar 
en la de Halloween , una pelícu-
la que co-escribió con el director 
John Carpenter .
Además de su considerable ha-
bilidad como director de foto-
grafía y director de fotografía , 
también tenía la ventaja de ser 
DEAN CUNDEY
Fotografía Cinematográfica
65
Back to the Future (conocida como Regreso al 
futuro en España y como Volver al futuro en His-
panoamérica; también abreviada como BTTF, por 
sus siglas en inglés) es una película de ciencia fic-
ción y comedia de 1985 dirigida y escrita por Ro-
bert Zemeckis —Bob Gale también fungió como 
guionista—, producida por Steven Spielberg y 
protagonizada por Michael J. Fox, Christopher 
Lloyd, Lea Thompson y Crispin Glover. 
La trama relata las aventuras de Marty McFly, un 
adolescente que es enviado accidentalmente de 
vuelta en el tiempo de 1985, su época, a 1955. 
Tras alterar los sucesos ocurridos en 1955, espe-
cíficamente aquellos en los que sus padres se co-
nocieron y enamoraron, Marty debe intentar reunir 
a sus padres de nuevo para asegurar su propia 
existencia.
Zemeckis y Gale escribieron el guion una vez que 
este último reflexionó sobre la posibilidad de ha-
berse hecho amigo de su padre si ambos hubie-
sen asistido a la misma escuela.Varios estudios 
rechazaron el libreto hasta que la producción Ro-
mancing the Stone (1984), dirigida por Zemeckis, 
alcanzó el éxito en taquilla. 
Tras esto, Universal Pictures dio luz verde al pro-
yecto, fungiendo Spielberg como productor ejecu-
tivo. Al principio, se invitó al cantante canadiense 
Corey Hart para que realizara las audiciones co-
rrespondientes para el rol estelar de McFly, pero 
rechazó la propuesta;de forma similar, Eric Stoltz 
participó en las pruebas de selección para el mis-
mo papel, justo cuando Michael J. Fox se hallaba 
ocupado en la producción de la serie televisiva 
Family Ties. 
Back to the 
Future (1985)
Michael J. Fox y Christopher Lloyd
Cápitulo Uno: América
66
¿Quién engañó a Roger Rabbit? 
es una película estadounidense 
de 1988, dirigida por Robert Ze-
meckis y protagonizada por Bob 
Hoskins. 
Producida por Touchstone Pic-
tures y Amblin Entertainment, la 
película combina a personajes 
reales con dibujos animados y 
para ello se invirtieron 70 millo-
nes de dólares. Es una de las 
más caras de la historia, pero 
sus ingresos fueron 150 millo-
nes de dólares en taquilla. 
Además, fue uno de los últimos 
trabajos de los actores de voz 
Mel Blanc y Mae Questel.
Las secuencias de acción real 
fueron dirigidas por Robert 
Zemeckis y filmadas sobre todo 
en los estudios de cine de 
Borehamwood en Hertfordshire,
 Inglaterra. 
Las secuencias animadas fue-
ron dirigidas por Richard Wi-
lliams y producidas en su estu-
dio de la animación de Londres. 
La película fue interpretada por 
Bob Hoskins, Christopher Llo-
yd, Joanna Cassidy y la voz de 
Charles Fleischer. El guion fue 
adaptado por los guionistas Je-
ffrey Prize y Peter S. Seaman a 
partir de la novela de 1981 Who 
Censored Roger Rabbit? de 
Gary Wolf. 
Who Framed Roger 
Rabbit? (1988)
¨Who Framed Roger Rabbit? 
ha sido una de las peliculas 
mas costosas de la historia 
debido al tamaño de su 
producción¨
Kathleen Turner como Jessica Rabitt
Fotografía Cinematográfica
67
Kathleen Turner como Jessica Rabitt
Garfield: la película es una producción cinemato-
gráfica del año 2004, que presenta una aventura 
de Garfield, un gato que apareció primero en ca-
ricaturas. Todos los personajes son reales menos 
Garfield, que estaba hecho por ordenador. Las 
animaciones de los demás gatos como Nermal, 
un amigo de Garfield, también están hechas por 
ordenador.
La historia trata de que la veterinaria Liz Wilson 
(Jennifer Love Hewitt) le cede a su novio Jon Ar-
buckle (Breckin Meyer) un perro llamado Odie 
(Voz por Gregg Berger) para que lo cuide. Garfield 
(Voz por Bill Murray)no está contento con que un 
perro entre en sus dominios, lo que le causa bas-
tantes celos cuando John muestra más atención 
al perro que a él. 
G a r f i e l d 
(2004)
¨Garfield sorprendió al público con su realismo en materia de animación¨
Más adelante, Odie es secuestrado por el mag-
nate televisivo Happy Chapman (Stephen Tobo-
lowsky) y Garfield se siente mal por lo sucedido 
y decide levantarse del sofá e ir a salvar a Odie y 
junto con Jon y Liz, vencer a Chapman 
Otros actores fueron Evan Arnold, Mark Chris-
topher Lawrence y Daamen J. Krall y la voz de 
Garfield estuvo a cargo de Bill Murray. La película 
principalmente estuvo dirigida al público infantil, 
pero tanto en Estados Unidos como en España 
tuvo unas críticas bastante pobres. En España se 
criticó sobre todo el doblaje del gato, realizado