Fotografía Cinematográfica Tomo 2

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fotografÍA 
CINEMATOGRÁFICA
CATALINA ACUÑA AVILA 
EDGAR FERNANDO BARRERA
FOTOGRAFÍA 
CINEMATOGRÁFICA
TOMO dos
FOTOGRAFÍA 
CINEMATOGRÁFICA
CATALINA ACUÑA AVILA
EDGAR FERNANDO BARRERA
Derechos subsidiarios Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla 
Año de edición 2013
Fotografía Cinematográfica (tomo uno)
Todos los derechos reservados.
Diseñadores de cubierta: Catalina Acuña Avila y Edgar Fernando Barerrra Bonilla 
Corporación Universitaria Unitec 2006 - Copyright © - Todos lo derechos reservados - Calle 76 No 12 
- 58 - PBX 7434343 - Bogotá - Colombia
Institución Universitaria sujeta a la Inspección y Vigilancia del Ministerio de Educación Nacional 
(Art. 39, Decreto 1295 de 2010).
ISBN 958-04-2334-1
Impreso en Colombia. Printed in Colombia
A quienes han creido en nosotros y nuestras capacidades, 
y a quienes no porque con ello hemos demostrado que 
estaban errados.
“Es imposible hacer una buena película sin una cámara 
que sea como un ojo en el corazón de un poeta.”
Orson Welles (1915-1985) Director de cine estadounidense
Como forma de arte y expresión 
de las películas, la fotografía 
cinematográfica siempre ha es-
tado expuesta principalmente a 
las mayores criticas por parte de 
cineastas, criticos, y en general 
todos los receptores posibles, 
puesto que es la estética de la 
película, lo que se ve y lo que 
deja ver.
sin embargo este tema usual-
mente ha sido nombrado y to-
mado como tema central de mu-
chas conversaciones a lo largo 
del tiempo, pero muy poco se ha 
visto plasmado y expuesto al ojo 
publico de una manera similar 
pero diferente a la vez de lo que 
vemos en la mera proyección de 
la película.
INTRODUCCIÓN
Mediante un gran esfuerzo y 
dedicatoria se ha creado esta 
maravillosa coleecion de dos 
tomos enfocados totalmente a 
la fotografía cinematográfica, 
sus directores mas influyentes y 
sus peliculas mas importantes y 
taquilleras, claro esta, sin dejar 
pasar por desapercibido ningún 
rincón del mundo.
Con todo esto queremos que el 
publico se empape del mundo 
de la fotografía cinematográfica 
y sus secretos, formas y técni-
cas que lo conforman, de tal 
manera que no quede simple-
mente en algo de momento a la 
hora de ver la película. 
A la vez buscamos que que no 
solo quienes pretenden estudiar 
o quenes ya estan enfocados en 
temas similares a este, se inter-
esen es esta coleccion, sino que 
todo el publico posible ya que 
estamos incluyendo pleiculas 
para todos los gustos y de todas 
las clases.
ÍNDICE
CAPITULO TRES
 EUROPA
CAPITULO CUATRO
 ASIA
 12
55
PAG
EUROPA
NESTOR ALMENDROS
Néstor Almendros nació en Bar-
celona el 30 de octubre de 1930, 
y murió en Nueva York el 4 de 
marzo de 1992. 
Fue un director de fotografía es-
pañol, miembro de la ASC.
Hijo de maestros, sufrió directa-
mente las consecuencias de la 
persecución del Magisterio pro-
gresista por parte del aparato 
franquista.
Desde su juventud, Néstor dem-
ostró gran interés por las artes, 
pero sobre todo por el cine. 
En Cuba obtuvo su licenciatura 
en Filosofía y Letras (1955) y 
comenzó su carrera como di-
rector de fotografía y realizador 
de películas aficionadas, junto 
con el fotógrafo cubano Herman 
Puig (1928), entre otros.
En este mismo año marcha a 
Nueva York a estudiar cine al 
New York City College. El curso 
siguiente está en Roma, en el 
Centro Sperimentale di 
Cinematográfica. 
En 1957 vuelve a Estados Uni-
dos, en donde enseña español 
en el Vassar College (estado de 
Nueva York) durante dos años, 
en tanto que dirige piezas tea-
trales de estudiantes hispanos 
en el Middlebury College.
Más tarde, simultaneó sus tra-
bajos en Francia con otros en 
los Estados Unidos con pelícu-
las como Días del cielo, de Ter-
rence Malick, por la que obtuvo 
un premio Oscar de fotografía 
en 1978, Kramer contra Kramer 
(1981), Bajo sospecha (1982) y 
Billy Bathgate (1991), de Robert 
Benton. El último metro (1980), 
de nuevo con Truffaut, La de-
cisión de Sophie (1982), de Alan 
J. Pakula (por cuya fotografía 
fue nominado al premio Oscar 
en 1983) o Paulina en la playa 
(1983), otra vez con Rohmer.
La asociación Film Society del 
Lincoln Center (Nueva York), 
crearon el Nestor Almendros 
Prize.
Personaje principal de “Days of heaven”
Fotografía Cinematográfica
13
DAYS OF HEAVEN (1978)
Bill y Abby, una joven pareja, deciden abandonar 
la pobreza y la dura vida que llevan en el Chicago 
de 1916. 
Los dos y Linda, la hermana de Bill, viajan hacia 
las grandes campos de trigo de Texas, donde en-
cuentran trabajo como braceros en una granja. 
Recogida la cosecha, el joven y apuesto patrón, 
al que hacen creer que los tres son hermanos, les 
pide que se queden porque se ha enamorado de 
Abby. 
Malick, cinco años después, realiza su segunda 
película, de nuevo marcada por un estilo muy 
personal de narrar. Los tres protagonistas que 
se hacen pasar por hermanos, pretenden salir de 
la miseria y para ello no dudarán en engañar al 
patrón de la plantación al finalizar la temporada 
de recogida, cuando éste, profundamente enamo-
rado de la chica, les propone quedarse.
Se terminaron esas agotadoras jornadas para 
malvivir, cuando disponen de tiempo y sin la preo-
Escena de la pelicula “Days of heaven”
Escena de la pelicula “Days of heaven”
cupación de ganarse el pan, saborean la felicidad 
de los ricos. De nuevo la carga visual es una joya, 
belleza en estado puro. 
La fotografía de los campos de trigo mecidos por 
el viento, la naturaleza de la América profunda, 
los atardeceres, la luz de las llamas en la noche. 
Simplemente espectacular. Acompañado de una 
banda sonora también muy relevante.
Capítulo Tres: Europa
14
KRAMER VS KRAMER (1979)
Ted Kramer (Dustin Hoffman) es 
un brillante ejecutivo de publi-
cidad que, tras conseguir un 
importante triunfo profesional, 
llega a su casa dispuesto a cel-
ebrarlo con su esposa y su hijo. 
Meryl Streep como Joanna Dustin Hoffman como “Ted Kramer”
Ante su sopresa, su mujer Joan-
na (Meryl Streep) le comunica 
su intención de marcharse del 
hogar, dejando al niño bajo su 
responsabilidad. 
Repentinamente, la vida de Ted 
cambia de forma radical. A par-
tir de entonces, tiene que con-
quistar el afecto del niño y hacer 
de padre y madre a la vez. 
Unos meses después, sin em-
bargo, Joanna llama a su ex 
marido reclamando la custodia 
del pequeño Billy (Justin Henry). 
Ante la negativa del hombre, se 
inicia la guerra legal y sentimen-
tal para ganarse el cariño y la 
tutoría del chico. 
¨Película ganadora de 
cinco premios Oscar¨
Fotografía Cinematográfica
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THE BLUE LAGOON
(1980)
Dos niños, Emmeline y Richard, y el cocinero de 
un barco, únicos supervivientes de un naufragio, 
son arrastrados por el mar hasta una isla desierta. 
Poco después, el cocinero muere y los niños 
tienen que arreglárselas solos. Con el paso del 
tiempo, Emmeline (Brooke Shields) y Richard 
(Christopher Atkins) crecen y sus cuerpos em-
piezan a experimentar los cambios propios de la 
adolescencia, lo que despierta en ellos una curio-
sidad que los lleva inocentemente a practicar los 
primeros juegos sexuales.
producida y dirigida por Randal Kleiser. El guion 
de Douglas Day Stewart se basó en la novela 
La película fue filmada en Jamaica y Nanuya Levu, una isla privada en Fiji. La 
flora y la fauna que aparecen en la película incluye una gran a de animales de 
varios continentes.
Escena clave de la película
Emmeline (Brooke Shields) 
y Richard (Christopher Atkins)
The Blue Lagoon por Henry De Vere Stacpoole. 
La música original fue compuesta por Basil Pole-
douris y de la cinematografía se encargó Néstor 
Almendros.
VITTORIO STORANO
Nació el 26 de junio de 1940 en 
Roma. Profuso investigador y 
gran amante de la experiment-
ación y las innovaciones técni-
cas, Vittorio Storaro es sin duda 
uno de los directores de foto-
grafía más influyentes y origina-
les del panorama 
cinematográfico. 
Entre sus colaboraciones con 
BernardoBertolucci y más re-
cientemente con Carlos Saura, 
se encuentran algunas de sus 
películas más importantes.
Diplomado por el Centro Speri-
mentale de Roma, trabajó como 
ayudante de Marco Scarpelli y 
Aldo Scavarda. 
Director de fotografía de Giovin-
ezza giovinezza (Franco Ros-
si, 1969), contribuyendo a dar 
una visión elegiaca de los años 
treinta. Su trabajo le consiguió 
un Nastro d’Argento. 
En 1969, comenzó a colaborar 
con Bernardo Bertolucci en La 
estrategia de la araña y desar-
rolló en sus películas (El con-
formista, 1971; El último tango 
en París, 1972, 1900, 1976; La 
luna, 1979) un estilo muy per-
sonal de sinuosos movimientos 
de cámaras y luz natural. 
Trabajó también con Franco 
Rossi (La aventure di Enea, 
1974), Salvatore Samperi (Mali-
cia, 1973), Luca Ronconi (Or-
lando furioso, 1974), Luigi Baz-
zoni (Le orme, 1975), Michael 
Apted (Agatha, 1979) y Warren 
Betty (reds). 
Por su excepcional fotografía 
épica e hiperrealista de Apoca-
lypse Now (Francis Ford Cop-
pola, 1979) recibió un Oscar y 
por Goya en Burdeos de Carlos 
Saura recibió un Goya1. Está 
considerado como uno de los 
maestros de la fotografía y la 
iluminación.
1 Los Premios Goya o Premios Anuales de la 
Academia son unos galardones otorgados de 
forma anual por la Academia de las Artes y las 
Ciencias Cinematográficas de España, con la 
finalidad de premiar a los mejores profesionales 
en cada una de las distintas especialidades del 
sector.
Fotografía Cinematográfica
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REDS (1981)
Reds es una película de 1981 dirigida, producida, 
escrita y protagonizada por Warren Beatty.
Está basada en la vida del periodista y escritor 
John Reed, quien en sus libros México Insurgente 
y Diez días que estremecieron el mundo narró la 
Revolución mexicana y la Revolución Rusa de 
1917, respectivamente.
Además de Beatty, los principales protagonistas 
de la película son Diane Keaton, Edward Her-
rmann, Jerzy Kosinski, Jack Nicholson, Paul Sor-
vino, Maureen Stapleton, Ramon Bieri, Nicolas 
Coster y M. Emmet Walsh. En la película también 
aparece Gene Hackman, haciendo una pequeña 
intervención. La obra fue adaptada por Warren 
Beatty, Peter S. Feibleman (no aparece en los 
créditos), Trevor Griffiths, Elaine May (no aparece 
en los créditos) y Jeremy Pikser.
Parte del rodaje fue filmado en las ciudades espa-
ñolas de Sevilla, Granada, Guadix y Madrid.
En la misma época que fue rodada esta cinta, se 
filmaba Campanas Rojas, una co-producción de 
México, URSS e Italia, dirigida por el soviético 
Sergei Bondarchuk, con Franco Nero, Ursula An-
dress, Jorge Luke, Eraclio Zepeda y Blanca Guer-
ra, entre otros. 
Está dividida en dos partes, la primera titulada 
México en llamas y la segunda Rusia 1917.
La película ganó el Premio Oscar en las catego-
rías de:
- Mejor director: Warren Beatty
- Mejor actriz de reparto: Maureen Stapleton
- Mejor fotografía: Vittorio Storaro
Diane Keaton y Warren Beatty en “Reds”
Capítulo Tres: Europa
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DICK TRACY
(1990)
Dick Tracy es una película de 
1990 basada en la serie de his-
torietas de la década de 1930 
homónima creada por Chester 
Gould. 
Protagonizada y dirigida por 
Warren Beatty, contó con Ma-
donna como protagonista fe-
menina (Breathless Mahoney), 
Al Pacino en el personaje de 
Big Boy Capice y diversas apari-
ciones breves (cameo) de varias 
estrellas, como Dick Van Dyke, 
Al Pacino, Kathy Bates y Mandy 
Patinkin. 
Para las labores de adaptación 
al cine, se contrató como con-
sultor a Sheldon Dorf, editor y 
guionista de historieta que había 
contribuido a transmitir el cómic 
de Dick Tracy a las nuevas gen-
eraciones.
El guión en lugar de otro ser 
elaborado por Jim Cash y Jack 
Epps, Jr., ambos de fama Top 
Gun. El proyecto también fue a 
través de los directores Steven 
Spielberg, John Landis, Walter 
Hill y Richard Benjamin antes de 
la llegada de Beatty. El rodaje 
fue sobre todo en los Estudios 
Universal. 
Danny Elfman fue contratado 
para componer la música de la 
película, y la música fue ofrecido 
en tres bandas sonoras difer-
entes.
Dick Tracy fue lanzado en 1990 
con críticas variadas, pero en 
general era un éxito en la taquil-
la y en los premios del tiempo. 
Se recogió siete nominaciones 
al Oscar y ganó en tres de las 
Escena clave de la película
categorías: Mejor Canción Origi-
nal, Mejor Maquillaje y Mejor Di-
rección de Arte. 
Una secuela fue planeada, pero 
una controversia sobre los dere-
chos de la película se produjo 
entre Beatty y Tribune Media 
Services, y la demanda con-
tinúa, por lo que una segunda 
película no se ha producido.
Warren Beatty decidió hacer la 
película con una paleta limitada 
a sólo siete colores, principal-
mente rojo, verde, azul y amaril-
lo para evocar los orígenes de la 
historieta de la película, por otro 
lado cada uno de los colores 
se ser exactamente del mismo 
tono.
Fotografía Cinematográfica
19
the last 
emperor
(1987)
El último emperador es una película de 1987, 
del género película biográfica, dirigida por Ber-
nardo Bertolucci. protagonizada por John Lone, 
Joan Chen, Peter O’Toole, Ruocheng Ying, Victor 
Wong, Dennis Dun, Ryuichi Sakamoto, Maggie 
Han, Ric Young, Vivian Wu y Chen Kaige en los 
papeles principales.
Es una coproducción de China, Italia, Reino Uni-
do y Francia. Ganadora de nueve premios Óscar, 
otros 39 premios, y 12 nominaciones más.
Basada en la autobiografía de Aisin-Gioro Pu Yi 
o Puyi, Yo fui emperador de China. Fue el primer 
filme que obtuvo el permiso de las autoridades 
chinas para ser rodado en el interior de la Ciudad 
Prohibida.
Escena clave de la película
Escena clave de la película
La película ganó nueve Oscar en las categorías 
de mejor película, mejor director, mejor guion 
adaptado, mejor música, mejor fotografía, mejor 
dirección artística, mejor vestuario, mejor sonido 
y mejor montaje.
ROGER DEAKINS
Nació el 24 de mayo de 1949 en 
Inglaterra. 
Es un director de fotografía in-
glés. 
Ganó el premio BAFTA en tres 
ocasiones y ha recibido 8 nomi-
naciones al premio Óscar.
Es mayormente conocido por 
su trabajo junto a los hermanos 
Coen. 
Colaborador fijo de los herma-
nos Cohen y uno de los artífic-
es del reconocible estilo de sus 
películas, Roger Deakins es un 
auténtico peso pesado de la di-
rección de fotografía gracias a 
películas tan veneradas como 
“Barton Fink” (“Barton Fink”, 
1991), 
“Cadena perpetua” (“The Shaw-
shank Redemption”, 1994) o “El 
hombre que nunca estuvo allí” 
(“The Man Who Wasn’t There”, 
2001). 
Aunque resulta difícil escoger 
una sola película de alguien 
que ha cosechado ni más ni 
menos que siete nominaciones 
a los Oscar, su trabajo en “Far-
go” (“Fargo”, 1996) merece un 
puesto especial en su carrera.
En ella, Deakins rompe con los 
recursos habituales del cine ne-
gro y compone una fotografía 
gélida y cristalina en la que el 
blanco de la nieve de Minnesota 
inunda algunas de las secuen-
cias más memorables del film. 
Deakins recibió su primer gran 
premio de la Sociedad America-
na de Directores de Fotografía 
por su destacado logro en la cin-
ematografía de la gran produc-
ción alabada internacionalmente 
movimiento, The Shawshank 
Redemption. 
La ASC continuó Deakins de 
honor con nominaciones logros 
sobresalientes para sus obras 
posteriores, incluyendo Fargo, 
Kundun, O Brother, Where Art 
Thou?, Y El hombre que nunca 
estuvo allí, por la que ganó su 
segundo Premio ASC.
Fotografía Cinematográfica
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SKYFALL (2012)
Daniel Craig como “James Bond”
Daniel Craig como “James Bond”
Skyfall es la vigésimo tercera película de James 
Bond producida por Eon Productions2. Fue distri-
buida por MGM y Sony Pictures Entertainment en 
2012. 
Cuenta con Daniel Craig en su tercera actuación 
como James Bond, y Javier Bardem como Raoul 
Silva, antagonista de la película. 
La película fue dirigida por Sam Mendes y escrito 
por Neal Purvis, Robert Wade y John Logan. 
Roger Deakins firmó como director de fotografía, 
después de haber trabajado anteriormente con 
Mendes en Jarhead y Revolutionary Road.Dennis Gassner devuelve como diseñador de pro-
ducción, la diseñadora de vestuario Jany Temime 
era, Alexander Witt fue director de la segunda 
unidad, el coordinador de especialistas fue Gary 
Powell y Chris Corbould supervisado los efectos 
especiales, mientras que el supervisor de efectos 
visuales fue Steve Begg. 
Todos han trabajado en películas anteriores de 
Bond. Daniel Kleinman volvió a diseñar la secuen-
cia del título de la película después de hacerse 
a un lado para permitir el diseño gráfico estudio 
MK12 para crear el Quantum of Solace secuencia. 
2EON Productions es una compañía productora de cine, conocida por pro-
ducir la serie de películas de James Bond. La compañía opera desde Pi-
newood Estudios en Inglaterra y es subsidiaria de Danjaq, LLC, el holding 
responsable del copyright y marcas registradas de los personajes Bond y 
elementos en pantalla.
Capítulo Tres: Europa
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RANGO (2011)
Rango es una película estadou-
nidense cómica de animación 
por computadora del año 2011 
dirigida por Gore Verbinski. 
Cuenta con las voces de los ac-
tores Johnny Depp, Isla Fisher, 
Bill Nighy y Abigail Breslin. Su 
estreno en los Estados Unidos 
fue el 4 de marzo del 2011.
La animación fue realizada por la 
compañía de efectos especiales 
Industrial Light & Magic, siendo 
la primera vez que la compañía 
realiza la producción completa 
de una película de animación en 
35 años.
Consiguió el premio Óscar 2012 
en la categoría de Mejor Pelícu-
la de Animación.
Rango es un joven lagarto de 
17 años de edad que vive en un 
terrario. Desde hace un tiempo 
cree ser un héroe, pero se en-
cuentra separado de sus com-
pañeros de los alrededores lápi-
das de chicos buenos. 
Pero eso no detiene a Rango en 
su afán por adaptarse con sus 
vecinos, sin importarle las difi-
cultades. En un momento dado 
de la historia Rango se lo cues-
tionará todo.
La animación fue encargada a 
los veteranos en Imagen gen-
erada por computadora (CGI 
según sus siglas en inglés) de 
Industrial Light & Magic (ILM).
“La película 
consiguió el premio 
Óscar 2012 en la 
categoría de Mejor 
Película de 
Animación.”
Johnny Depp en la voz de “Rango”
La post-producción es de la 
compañía de producción de 
Verbinski, Blind Wink. 
Esta es una primicia para la ILM, 
porque ellos se han dedicado 
usualmente a hacer efectos vis-
uales en CGI para la mayoría de 
las producciones fílmicas. Esta 
será la primera vez en 35 años 
que realizarán una película 
animada completa ellos mismos.
Fotografía Cinematográfica
23
JARHEAD
(2005)
Jarhead es una película bi-
ográfica guerra 2005 drama 
basado en las memorias de 
2003 de Marines de EE.UU. 
Anthony Swofford del mismo 
nombre, dirigida por Sam 
Mendes, protagonizada por 
Jake Gyllenhaal como 
Swofford con Jamie Foxx, Peter Sarsgaard y 
Chris Cooper. 
El título proviene del término del argot usado 
para referirse a los Marines de EE.UU. (a veces 
por los marines sí mismos).
Anthony Swofford es un soldado de 20 años de 
edad enviado al desierto de Arabia Saudita, en 
la primera guerra del Golfo, para estar preparado 
a combatir en Kuwait tras su 
ocupación por Irak. Él vivió 
una guerra muy diferente 
a la que se describió en los 
periódicos y en los canales 
de la época. 
La película muestra la es-
pera de los soldados que no han entrado di-
rectamente en el conflicto armado, y como lidian 
éstos con el aburrimiento, describiendo a unos 
soldados aterrorizados por estar en guerra pero 
también emocionados por matar a su primera 
víctima; muestra también a unos jóvenes como 
cualquier otros ávidos de sexo, con continuas tri-
fulcas debido a la convivencia, bromas pesadas, 
y con los problemas derivados de su situación. 
Jake Gyllenhaal como Swofford
Jamie Foxx como SSgt Sykes
JOHN ALCOTT
Nació en Isleworth,Hounslow, 
Inglaterra en 1931 y murió en 
Cannes, Alpes Marítimos, Fran-
cia el 28 de julio de 1986, pre-
maturamente a los 54 años de 
edad.
La carrera cinematográfica de 
John Alcott será recordada es-
pecialmente por sus cuatro 
fantásticas colaboraciones con 
Stanley Kubrick en “2001: Una 
odisea del espacio” (“2001: A 
Space Odyssey”, 1968), “La 
naranja mecánica” (“A Clock-
work Orange”, 1971), “Barry 
Lyndon” (“Barry Lyndon”, 1975) 
y “El resplandor” (“The Shining”, 
1980). 
De todas ellas destaca por mé-
ritos propios “Barry Lyndon”, un 
indiscutible prodigio técnico y un 
ejemplo paradigmático de la in-
fluencia de la pintura en el cine 
y la fotografía. 
Usando objetivos de satélite con 
aberturas de diafragma imposi-
bles e iluminando buena parte 
de las tomas únicamente con 
velas, Alcott consigue recrear en 
este maravilloso film de época 
auténticos lienzos inspirados en 
las pinturas de Jan Vermeer o 
Rembrandt. 
Alcott ganó un Premio de la Ac-
ademia por su trabajo en “Barry 
Lyndon”, que se considera una 
de las películas más bellas visu-
almente jamás se ha hecho. 
(Tres de las películas de Alcott 
se clasificaron en el top 20 de 
películas de “Best Shot” en el 
período después de 1950 a 
1997 por la Sociedad America-
na de Directores de Fotografía.
La Sociedad Británica de Direc-
tores de Fotografía nombrado 
uno de sus premios el “Premio 
ARRI BSC John Alcott” en su 
honor para conmemorar su pa-
pel como camarógrafo de ilumi-
nación en el desarrollo del cine 
como forma de arte.
Escena de “Barry Lyndon”. Película ganadora de un premio Oscar 
Fotografía Cinematográfica
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2001:A SPACE ODYSSEY
(1968)
Es una película de culto del género Ciencia Fic-
ción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 
1968 que marcó un hito por su estilo de comuni-
cación visual, sus revolucionarios efectos espe-
ciales, su realismo científico y sus proyecciones 
vanguardistas.
Es una película de ciencia ficción transversal, que 
aborda temas como la evolución humana, la tec-
nología, la inteligencia artificial y la vida extrater-
restre. 
Se caracteriza por un notable realismo científico, 
por sus revolucionarios efectos especiales, sus 
ambiguas y surrealistas imágenes, el uso del so-
nido en lugar de las tradicionales técnicas narrati-
vas y el mínimo uso del diálogo. 
La banda sonora incluye música de Richard 
Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), 
Johann Strauss hijo y György Ligeti que acom-
pañan las imágenes del espacio. Alex North com-
puso una obra musical para la película, pero Stan-
ley Kubrick no la incluyó, aunque salió a la luz de 
la mano de Jerry Goldsmith 25 años después. La 
dirección y diseño de los efectos visuales fueron 
obra de Kubrick, siendo supervisados por Wally 
Veevers.
Fue estrenada el 6 de abril de 1968 en el Cin-
erama Theatre Broadway de la ciudad de Nue-
va York. En un inicio recibió críticas polarizadas, 
destacándose sobre todo sus efectos visuales 
y su abstracción de la trama, lo que los críticos 
tomaron como uno de los puntos débiles de la 
película.
En la actualidad es una de las películas más 
aclamadas de la cinematografía norteamericana 
y mundial, sus avanzados efectos especiales lo 
hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha 
categoría. 
Escena clave de la película
Capítulo Tres: Europa
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A CLOCKWORK
ORANGE
(1971)
La naranja mecánica es una pe-
lícula de 1971 escrita, dirigida y 
producida por Stanley Kubrick, 
una adaptación de Anthony Bur-
gess 1962 novela del mismo 
nombre. 
Cuenta con inquietantes imáge-
nes violentas, facilitando su co-
mentario social en psiquiatría, 
las pandillas juveniles, y otros 
temas sociales, políticos y eco-
nómicos en un distópico, el futu-
ro Gran Bretaña.
La naranja mecánica cuenta con 
una banda sonora que incluye 
“Si pierdes la esperanza en momentos de aflicción y de fatiga, 
tus fuerzas se verán debilitadas.”
Escena clave de la película
Escena clave de la película
selecciones de música clásica 
y sobre todo composiciones sin-
tetizador Moog de Wendy Car-
los (entonces conocido como 
“Walter Carlos”). El arte del car-
tel ahora icónica de La naranja 
mecánica fue creada por Felipe 
Castillo con el diseño por el dis-
eñador Billoro. 
Kubrick escribió un guión fiel a 
la novela, diciendo: “Creo que 
lo que Burgess tenía que decir 
acerca de la historia se dice en 
el libro, pero me he inventado 
algunas ideas narrativas útiles y 
remodelar algunas de las 
escenas”
Fotografía Cinematográfica
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THE SHINING (1996)
Es una película estadouniden-
se de terror psicológico del año 
1980 dirigida por Stanley Ku-
brick y protagonizada por Jack 
Nicholson, Shelley Duvall y 
Danny Lloyd. Está basada en 
la novela homónima del escritor 
Stephen King.
La película relata la historia de 
un hombre que empieza a sufrir 
inquietantes trastornos de per-
sonalidad a poco de llegar a un 
solitario hotel al que se había 
trasladado con su familia para 
ocuparse de la vigilancia y el 
mantenimiento durante el invier-
no, en que permanece cerrado 
y aislado por la nieve. Paulati-
namente, debido a la incomuni-
cación, al insomnio, a sus pro-
pios fantasmas interiores y a la 
influencia maléfica del lugar, se 
verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, 
que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrena-
turales producidos por el sitio donde se encuentran.
Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, El re-
splandor ha ido ganando adeptos con el tiempo. Como en otras 
películas del cineasta estadounidense, 
Escena clave de la película
Jack Nicholson como Jack Torrance
SVEN NYKVIST
Nació el 3 de diciembre de 1922 
en Moheda y murió el 20 de sep-
tiembre de 2006 en Estocolmo, 
Suecia.
La carrera de Sven Nykvist está 
estrechamente ligada a la de su 
compatriota y director Ingmar 
Bergman. Junto a él realizó 17 
largometrajes2, entre los que 
se encuentran algunas de las 
películas más aclamadas del 
séptimo arte. 
Famoso por su meticulosidad y 
su predilección por la intuición 
sobre la técnica, Nykvist apostó 
toda su vida por la iluminación 
natural, sobria y liberada de
 artificios. 
En “Persona” (“Persona”, 1966), 
de Ingmar Bergman, desplegó 
todas las constantes de su es-
tilo para rodar los introspectivos 
primeros planos que pueblan 
todo el metraje de esta impre-
scindible obra cinematográfica. 
fue un director de fotografía 
sueco particularmente conocido 
por su trabajo con el director Ing-
mar Bergman. Su trabajo se car-
acterizaba por sus cualidades 
naturalistas y su sencillez. 
Sven pasó la mayor parte del 
tiempo de su vida dedicado a su 
trabajo; aquella dedicación com-
pleta le privó de la posibilidad de 
tener una vida familiar estable 
y a pesar de que fue padre de 
dos hijos, sus relaciones con las 
mujeres fueron siempre muy in-
estables. 
Tal y como él mismo afirmaba, 
esta soledad a la que le conden-
aba el trabajo no era tal puesto 
que allá a donde fuera siempre 
había algo que le hacía com-
pañía, la luz.
3Según la Academia de las Artes y las Ciencias 
Cinematográficas, el American Film Institute, y 
el British Film Institute se denomina largomet-
raje a una película de duración igual o superior a 
sesenta minutos.
Fotografía Cinematográfica
29
CRIES AND WHISPERS
(1972)
Es una película de 1972 de Suecia escrita y di-
rigida por Ingmar Bergman y protagonizada por 
Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin y Liv 
Ullmann. 
La película está ambientada en una mansión a 
finales del siglo 19 y se trata de dos hermanas 
que velan por su tercera hermana en su lecho de 
muerte, se debate entre temiendo que pudiera 
morir y con la esperanza de que lo hará. 
Después de varias películas experimentales sin 
éxito, Gritos y susurros fue un éxito crítico y co-
mercial de Bergman, obteniendo nominaciones a 
cinco premios de la Academia. Estos incluyen una 
nominación a la mejor película. 
Gritos y susurros devueltos a los temas tradicio-
nales Bergman de la psique femenina, o la bús-
queda de la fe y de la redención. Utiliza el color 
saturado, especialmente carmesí. Fue por la 
combinación de colores y la luz que el director de 
fotografía y de largo plazo Bergman colaborador 
Sven Nykvist fue galardonado con el Premio de la 
Academia a la Mejor Fotografía.
Escena de la película
Escena de la película
Capítulo Tres: Europa
30
FANNY AND ALEXANDER
(1982)
Es una película sueco-franco-
alemana de 1982, escrita y di-
rigida por Ingmar Bergman, ga-
nadora de cuatro Oscar como 
Mejor película extranjera, Mejor 
fotografía, Mejor diseño de ves-
tuario y Mejor dirección de arte. 
Ingmar Bergman fue nominado 
como mejor director y mejor au-
tor de guion original. 
El film fue concebido original-
mente como una película de 4 
partes para televisión y editada 
en esa versión, con una dura-
ción de 312 minutos. 
“Hay dos versiones de Fanny y Alexander: un corto de 3 horas 
(188 minutos) versión, y un largo de 5 horas (312 minutos)
 versión.”
Escena de la película
Escena clave de la película
Posteriormente se produjo una 
versión de 188 minutos para 
proyección cinematográfica, y 
fue la que de hecho se estrenó 
primero.
Desde entonces, la versión 
para televisión ha sido proyec-
tada como una película de una 
sola parte; tanto la versión larga 
como la corta han sido presenta-
das en teatros de todo el mundo.
Fotografía Cinematográfica
31
CELEBRITY (1998)
Celebrity es una película de comedia-drama de 
1998 escrita y dirigida por Woody Allen. 
El guión se centra en los caminos divergentes que 
una pareja toma después de su divorcio. 
Lee Simon es un novelista sin éxito, cuyas rela-
ciones con las mujeres son muy poco duraderas. 
Su intento de colocar un guión en Hollywood le 
da entrada al mundo de las celebridades: gente 
acelerada, siempre a la búsqueda de nuevos pla-
ceres y sensaciones. El vértigo que sufre Simon 
en este mundo es descomunal.
Woody Allen sigue con sus temas habituales, 
aunque con un pesimismo más marcado que en 
otros films. El director (que cede el típico papel 
que él suele interpretar a Kenneth Branagh) ana-
liza el desconcierto afectivo de numerosos perso-
najes, con un acidísimo sentido del humor y un 
tratamiento de la sexualidad mucho más oscuro y 
descarnado de lo acostumbrado. 
El reparto, como siempre, es fantástico: desde los 
jovenzuelos Leonardo DiCaprio, Winona Ryder, 
Famke Janssen y Charlize Theron, hasta los más 
veteranos Judy Davis, Joe Mantegna y Melanie 
Griffith.
La película fue filmada en blanco y negro y su lo-
cación fue la ciudad de Nueva York por el director 
de fotografía Sven Nykvist. 
Celebrity fue la última de las cuatro películas ro-
dadas por Nykvist de Allen. También marca el fin 
de la larga colaboración de Allen con el editor de 
Susan E. Morse, que había editado la anterior 
veintena de películas de Allen que comienzan con 
Manhattan (1979).
La película se estrenó en el Festival de Cine de 
Venecia y se presentó en el Festival de Cine de 
Nueva York antes de ir al estreno general en los 
EE.UU. el 20 de noviembre de 1998.
Winona Ryder como Nola
BENOIT DEBIE
Benoit debie nacion en Belgica.
Excepcionalmente dotado para 
superar los obstáculos técnicos 
y las atmósferas sombrías, en 
cuatro años, belga Benoît Debie 
ha convertido en uno de los más 
codiciados directores de foto-
grafía, después de haber tenido 
una carrera bastante poco con-
vencional. 
Debie no ha dejado que la fama 
le suba a la cabeza y aunque 
sigue siendo modesta. 
Tras sus estudios de fotografía 
en la escuela de cine belga 
IAD (Instituto de las Artes de 
Difusión), Benoît Debie hizo al-
gunas participaciones como 
asistente de cámara. Muy pronto 
el aburrimiento se apoderó de él 
y empezó a trabajar en series de 
televisión, donde en diez años 
iba a experimentar con todo y 
desarrollar su estilo de trabajo: 
rápido, eficiente, concienzudo.
Su curiosidad lo llevó a hacer 
clips, anuncios y cortometrajes, 
por ejemplo, un amor maravil-
loso de Fabrice du Welz, que fue 
un gran éxito. 
Ahora Debie es mejor conocido 
por su trabajo en la controver-
tida película de Gaspar Noé4 
Irreversible, así como en la ino-
cencia de Lucile Hadzihalilovic, 
Dario Argento es la tarjeta de ju-
gador, y Fabrice Du Welz4Es un director de cine argentino radicado ac-
tualmente en Francia, lugar donde ha realizado 
la mayoría de sus largometrajes. Dentro del 
desarrollo cinematográfico ha ejercido cargos 
como camarógrafo, montador y productor.
Fotografía Cinematográfica
33
IRREVERSIBLE
(2002)
Es una película francesa del año 2002, dirigida 
por el argentino Gaspar Noé y protagonizada por 
Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel. 
Es una película contada en orden cronológico in-
verso, que causó polémica por lo explícito de una 
escena de asesinato y otra de una violación. La 
banda sonora de toda la película está montada 
por Thomas Bangalter miembro del dúo francés 
de French house denominado Daft Punk.
Mónica Bellucci como “Alex”
La película narra al inicio la búsqueda empren-
dida por dos hombres, Marcus (Vincent Cassel) y 
Pierre (Albert Dupontel), quienes desean vengar 
la violación de Alex (Mónica Bellucci), novia de 
Marcus y ex novia de Pierre. 
La historia transcurre en París, en el lapso de un 
día, y consta de trece secciones de diferente du-
ración. 
Las primeras escenas se caracterizan por mos-
trar muchas imágenes en rápida sucesión y mov-
imientos caóticos de cámara, pero luego van 
haciéndose cada vez más pausadas.
Capítulo Tres: Europa
34
the runaways (2010)
The Runaways es una película 
estadounidense de 2010 que na-
rra la historia del grupo de punk 
rock de solo chicas en los años 
70 del mismo nombre. Dirigida 
por Floria Sigismondi, el guion 
está basado en el libro Neon An-
gel: A Memoir of a Runaway de 
la cantante original de The Ru-
naways, Cherie Currie. 
Dakota Fanning hace el papel de 
Cherie Currie, Kristen Stewart 
interpreta a la segunda guitarra 
y vocalista, Joan Jett, y Michael 
Shannon al productor del grupo, 
Kim Fowley. 
La película tuvo su estreno mun-
dial en el Festival de Cine de 
Sundance el 24 de enero de 
2010, y tuvo un estreno limita-
do en Estados Unidos el 19 de 
marzo de 2010, seguida por un 
comunicado de la nación el 9 de 
abril de 2010, que es el día en 
que también cumple años Kris-
ten Stewart.
Hasta el momento, la película ha 
recibido críticas en general posi-
tivas. Tiene una calificación de 
68% en la película de 
Rotten Tomatoes5, basado en 24 
comentarios. 
También tiene una puntuación 
de 63 sobre 100 en Metacritic6, 
basado en 12 comentarios. 
“Esto no es acerca 
de los modales de 
las mujeres, sino 
del éxtasis de las 
mujeres.”
Dakota Fanning y Kristen Stewart como protagonistas
Dennis Harvey, de Variety7 dio 
a la película una crítica positiva, 
al comentar que “demuestra ser 
convencionalmente agradable”.
El film repite todos los tópicos 
del cine sobre el rock, la fama, 
y su lado oscuro, los problemas 
con las drogas, etc. 
Su retrato de la juventud rebelde 
es un tanto sórdido y su tratami-
ento de temas como el sexo y 
las drogas se antoja descarnado 
teniendo en cuenta que se trata 
de un film sobre quinceañeras.
5 Rotten Tomatoes es un sitio web dedicado a la 
revisión, información y noticias de películas.
6 Metacritic es un sitio web que recopila reseñas 
de álbumes de música, juegos, películas, progra-
mas de televisión, DVD y libros.
7 Variety es un semanario estadounidense dedi-
cado al mundo del entretenimiento, creado en 
Nueva York en 1905 por Sime Silverman.
Fotografía Cinematográfica
35
ENTER the VOID (2009)
La película se centra en Os-
car, interpretado por Nathan-
iel Brown, un joven traficante 
de drogas en Tokio que muere 
y regresa como un fantasma 
para velar por su hermana 
Linda. Paz de la Huerta co pro-
tagoniza como la hermana. 
La cámara sigue a Oscar por 
detrás de su cabeza durante 
las escenas en las que él está 
vivo. 
Después de su muerte, se 
muestra sobre la vista a Tokio, 
a través de paredes y entre los 
edificios. 
La película se estrenó en el 
Festival de Cannes 2009 y fue 
después de varios recortes 
estrenada en Francia, casi un 
año después. La película 
esta basada en el “Libro ti-
betano de la muerte”.
Las escenas de estudio 
fueron filmadas en Tokio 
en Estudios Toho el equipo 
filmó durante tres meses en 
Tokio, y después de esto, fil-
mo cuatro semanas en Mon-
treal para los flashbacks.
Después de que la fotografía 
principal había terminado el 
equipo regresó a Tokio dos 
veces mas para escenas 
adicionales. La película fue 
rodada en Super 35 y 16 
mm, con una Arricam LT y 
un Aaton XTR prod respec-
tivamente.
Las técnicas de iluminación 
incluian automatizado de il-
uminación y escenas con lu-
ces estoboscopicas, con lo 
cual el director de fotografía 
fue capaz de aumentar el 
tiempo de exposición de la 
película.
Escena clave de la película
Escena clave de la película
JANUSZ KAMINSKI
Zygmund Janusz Kaminski, 
A.S.C. Nació el 27 de junio de 
1959 es un director de cine po-
laco.
Director de fotografía habitual 
colaborador de Steven Spiel-
berg desde 1993, ha trabajado 
en Salvar al soldado Ryan, Mu-
nich, o Minority Report, entre 
otras. 
En Minority Report encontramos 
tonos fríos, tendencia hacia el 
azul y el negro. 
En salvar al soldado Ryan, sin 
embargo, se tiende más hacia 
la crudeza y el realismo.
Ganó el premio de la Academia 
a la Mejor Fotografía por su fo-
tografía de la Lista de Schindler 
y Rescatando al soldado Ryan 
(1999). 
En los últimos años, también 
se ha movido Kamiński en el 
campo de la dirección. Ha sido 
nominado cuatro veces más 
de Amistad, La escafandra y la 
mariposa, War Horse y Lincoln.
En 2010, fue galardonado con la 
Medalla Franklin J. Schaffer An-
tiguos Alumnos del Conservato-
rio AFI8.
Ganó el Premio de la Academ-
ia a la Mejor Fotografía por su 
cinematografía de La lista de 
Schindler y Salvar al soldado 
Ryan (1999). 
En los últimos años, Kamiński 
también se ha movido en el 
campo de la dirección.
8 El American Film Institute es una entidad cin-
ematográfica estadounidense, independiente y 
sin fines de lucro, cuyo cometido es conservar 
el material cinematográfico y rendir homenaje al 
mismo.
Fotografía Cinematográfica
37
schindler's
list
(1993)
Es una película estadoun-
idense biográfica de 1993 di-
rigida por Steven Spielberg. 
La película cuenta la historia 
de Oskar Schindler, un em-
presario alemán que salvó 
la vida de alrededor de 1100 
judíos polacos durante el 
Holocausto. Está basada en 
la novela El arca de Schindler (Schindler’s Ark), 
escrita por Thomas Keneally. 
Fue protagonizada por Liam Neeson (como 
Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las 
SS Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley 
(el contable de Schindler, 
Itzhak Stern). La película 
ganó siete premios Oscar, 
incluido el de mejor película, 
el de mejor director y el de 
mejor banda sonora; también 
ganó 7 Premios BAFTA y 3 
Globos de Oro.
La decisión de rodar la película sobre todo en 
blanco y negro prestado al estilo documental de 
la cinematografía, que el director de fotografía 
Janusz Kaminski en comparación con el expre-
sionismo alemán y el neorrealismo italiano.
Escena clave de la película
Liam Neeson como Schindler
Capítulo Tres: Europa
38
The Lost World: Jurassic Park
(1997)
The Lost World: Jurassic Park 
(conocida en español con los tí-
tulos El mundo perdido: Parque 
Jurásico1 o El mundo perdido: 
Jurassic Park 2 ) es la primera 
secuela de la franquicia cin-
ematográfica de ciencia ficción 
Parque Jurásico.
Basada en la novela del mis-
mo nombre escrita por Michael 
Crichton, fue dirigida en 1997 
por Steven Spielberg como la 
sucesión del anterior filme de 
1993. 
A su vez, la acción se desarrolla 
sobre todo en la Isla Sorna9, sitio 
derivado del lugar original donde 
el Parque Jurásico fue constitui-
do, y donde los dinosaurios tras 
haberse escapado con el paso 
del tiempo de sus instalaciones, 
Escena clave de la película
se encuentran libres viviendo en 
su interior. 
A ese lugar llega un equipo en-
cabezado por el matemático y 
teórico superviviente del desas-
tre ocurrido tras el fracaso del 
parque, Ian Malcolm con tal de 
filmar un documental acerca de 
los dinosauriosen su hábitat.
Al igual que Parque Jurásico, El 
mundo perdido tuvo un enorme 
éxito: fue la primera película 
de la historia en ser estrenada 
en más de cuatro mil salas de 
proyección.
Cuatro años después del desas-
tre ocurrido en el Parque Jurási-
co de la isla Nublar, John Ham-
mond revela a Ian Malcolm que 
existe otra isla en la que se cria-
ban los dinosaurios antes de ser 
transportados a la isla Nublar. 
Abandonados a su suerte tras 
el desastre, los dinosaurios han 
evolucionado, y Hammond está 
ansioso por verlos en su hábitat 
natural antes de empezar la ex-
plotación comercial.
9Isla Sorna, alias el sitio B, es una isla del grupo 
de Los Cinco muerto. “Isla Sorna” significa isla 
de sarcasmo en español. La estación de investi-
gación de InGen, donde se crearon los dinosau-
rios, se encuentra en esta isla. Es el lugar donde 
la mayoría de las películas, libros y juegos sobre 
Jurassic Park tienen lugar.
Fotografía Cinematográfica
39
War of the 
worlds (2005)
Es una película dirigida por Steven Spielberg y 
protagonizada por Tom Cruise y Dakota Fanning. 
Estrenada en 2005, el remake de la película de 
1953 está inspirada en la novela homónima que 
H.G. Wells publicó en 1898. Además, la versión 
original está narrada por Morgan Freeman.
Ray Ferrier (Tom Cruise) es un trabajador portua-
rio divorciado de Nueva Jersey que recibe, un fin 
de semana, la visita de sus dos hijos: la pequeña 
Rachel (Dakota Fanning) y el adolescente Robbie 
(Justin Chatwin). Lo que no imagina es que, preci-
samente ese fin de semana, unos extraterrestres 
van a atacar la Tierra y que ahora sus vidas 
corren peligro.
“El hombre no vive ni muere en vano.”
Tom Cruise y Dakota Fanning
Tom Cruise como “Ray ferrier”
Con el fin de mantener el realismo, el uso de vacu-
nas imágenes generadas por ordenador y panta-
lla azul se limitó, con la mayor parte de los efectos 
digitales se mezclan con imágenes en miniatura y 
de acción en vivo.
Capítulo Tres: Europa
40
La Terminal (título original The 
Terminal) es un drama romántico 
con toques de comedia, dirigido 
por Steven Spielberg y protago-
nizada por Tom Hanks, Cath-
erine Zeta-Jones, Chi McBride, 
Stanley Tucci y Diego Luna.
La película está basada en la 
historia real de Mehran Karimi 
Nasseri, un refugiado iraní que 
vivió en el Aeropuerto de París-
Charles de Gaulle entre 1988 
y 2006. Anteriormente a Spiel-
berg, el director francés Philippe 
Lioret ya había adaptado al cine 
su historia en la película En trán-
sito (título original: Tombés du 
ciel) (1993).
Viktor Navorski (Tom Hanks), 
es un ciudadano de Krakozhia 
(país ficticio similar a una típica 
ex República soviética), que at-
erriza en el aeropuerto John F. 
Kennedy de Nueva York para 
poder cumplir la promesa a su 
difunto padre de tener el autó-
grafo de Benny Golson.
the 
terminal (2004)
Tom Hanks como Viktor Navorski
Fotografía Cinematográfica
41
Jerry Maguire es una película estadounidense de 
1996, que mezcla el drama con la comedia y que 
está escrita y dirigida por Cameron Crowe además 
de estar interpretada por Tom Cruise, Cuba Good-
ing Jr. y Renée Zellweger como protagonistas 
principales.
La película fue nominada a 5 Premios Óscar de 
las cuales consiguió una estatuilla, la de mejor ac-
tor secundario para Cuba Gooding Jr. por su papel 
como Rod Tidwell. 
Las otras nominaciones fueron para Tom Cruise 
como mejor actor, para el mejor montaje, el mejor 
guion y mejor película.
Además de los premios Oscar, la película y sus 
componentes ganaron otros premios, el más im-
portante de ellos el Globo de Oro para Tom Cruise, 
además de estar nominado Cuba Gooding Jr. y la 
película, como mejor comedia.
j e r r y 
maguire
(1996)
Tom Cruise como Jerry Maguire
Capítulo Tres: Europa
42
Es una película bélica épica es-
tadounidense estrenada en 1998 
y ambientada en la invasión de 
Normandía durante la Segunda 
Guerra Mundial. Dirigido por Ste-
ven Spielberg y escrito por Rob-
ert Rodat, el filme destaca por su 
recreación gráfica y muy realista 
de la guerra, especialmente en 
sus intensos 27 primeros minu-
tos, que narran el desembarco 
y asalto aliado de la «playa de 
Omaha» el 6 de junio de 1944. 
La historia continúa con Tom 
Hanks como el capitán John H. 
Miller del ejército de los Estados 
Unidos y siete hombres (inter-
pretados por Tom Sizemore, Ed-
ward Burns, Barry Pepper, Vin 
Diesel, Giovanni Ribisi, Adam 
Goldberg y Jeremy Davies) en 
busca de un paracaidista, el 
soldado James Francis Ryan 
(Matt Damon), que ha perdido a 
sus tres hermanos en combate.
Rodat concibió la historia de la 
película en 1994, cuando vio un 
monumento dedicado a ocho 
hermanos que murieron en la 
Guerra de Secesión e imaginó 
un símil narrativo ambientado en 
la Segunda Guerra Mundial. 
Saving Private Ryan
(1998)
Escena de Saving Private Ryan
Fotografía Cinematográfica
43
Inteligencia artificial es una película estadoun-
idense de 2001 dirigida por Steven Spielberg. La 
película está basada en el relato de ciencia ficción 
Los superjuguetes duran todo el verano de Brian 
Aldiss, e incorpora elementos de la obra italiana 
Las aventuras de Pinocho.
La película fue concebida por Stanley Kubrick, 
quien trabajó largo tiempo con un grupo de es-
critores; pero debido al fallecimiento de Kubrick, 
y a que estuvo durante sus últimos años de vida 
envuelto en el proyecto de Eyes Wide Shut —su 
última película—, no llegó a dirigirla.
En los créditos Kubrick figura como uno de los 
productores, y la película fue dedicada a él.
En la película aparecen las Torres Gemelas, pese 
a haber dejado de existir desde los atentados del 
11 de septiembre de 2001, pero al contrario de lo 
que ocurrió con la película de Spiderman, en esta 
se decidió mantenerlas en el film que se proyecta-
ría finalmente en los cines.
Inteligencia 
artificial 
(2001)
Haley Joel Osment como David
Capítulo Tres: Europa
44
Atrápame si puedes (Catch Me 
If You Can en la versión origi-
nal) es una comedia dramática 
de 2002, basada en la vida de 
Frank Abagnale Jr., quien an-
tes de cumplir diecinueve años 
de edad consiguió millones de 
dólares haciéndose pasar por 
piloto de una empresa aérea, 
por médico y por abogado. 
Su principal modus operandi era 
la falsificación de cheques, del-
ito en el que logró tanta habili-
dad y experiencia que el FBI fi-
nalmente lo reclutó como asesor 
en ese tipo de fraudes.
Steven Spielberg dirigió la 
película, cuyos protagonistas 
son Leonardo DiCaprio como 
Abagnale, además de Tom 
Hanks, Christopher Walken, 
Amy Adams, Martin Sheen y 
Nathalie Baye.
La idea de la película comenzó 
a desarrollarse hacia 1980. Con 
el comienzo del siglo XXI, cine-
astas tales como David Fincher, 
Gore Verbinski, Lasse Hallström, 
Miloš Forman y Cameron Crowe 
se vieron en algún momento 
relacionados con Atrápame si 
puedes. 
Spielberg (quien originalmente 
iba a ser productor) decidió con-
vertirse en el director del proyec-
to, descartando otros como Big 
Fish y Memoirs of a Geisha. La 
filmación se llevó a cabo desde 
febrero hasta mayo de 2002. 
Atrápame si puedes fue un éxito 
de crítica y de taquilla, y el ver-
dadero Abagnale la calificó 
positivamente.
catch me if 
you cAN (2002)
Leonardo di Caprio como Frank Abagnale Jr
Fotografía Cinematográfica
45
Múnich es una película estadounidense estrena-
da en 2005 dirigida por Steven Spielberg y escrita 
por Tony Kushner y Eric Roth.
Se trata de un thriller en el que el director se 
plantea cuestiones éticas y prácticas en relación 
con las políticas represivas que adopta el estado 
de Israel ante el terrorismo. Un acontecimiento 
reprobable, como es el asesinato de los atletas 
israelíes en los Juegos Olímpicos, parece en un 
primer momento dar fuerza moral a las medidas 
que decide tomar el estado de Israel, en especial 
a matar a palestinos que no tienen nada que ver 
con el hecho. 
munich 
(2005)
Sin embargo, poco a poco Spielberg nos va 
mostrando que la realidad tiene muchas aristas, 
que para acabar con losterroristas hay que con-
vertirse a su vez en terroristas, recurrir a las mis-
mas fuentes de información que los terroristas, el 
problema es que también se mata a gente ino-
cente. 
La relación de los asesinados por el comando con 
los hechos de Múnich es bastante evidente en al-
gunos casos, presunta en otros y meramente in-
telectual en otros. 
En cualquier caso, el argumento final acaba sien-
do el mismo que utilizan los que asesinan a los 
israelíes por el hecho de serlo: si trabajan, colabo-
ran o simpatizan con la OLP están mejor muertos 
que vivos.
Escena de Munich
BRUNO DELBONNEL
Nacio en 1957. Es un director 
de fotografía francés. Ha colab-
orado dos veces con su colega 
francés Jean-Pierre Jeunet para 
‘Amélie y Largo domingo de no-
viazgo.
Es el director de fotografía de 
la película de 2007 Across the 
Universe y de Harry Potter y el 
Príncipe Mestizo en el 2009. 
También trabajo en la pelicula 
Paris, je t’aime y Trabajó en 
dark shadows de Tim Burton10 
en 2012. 
Su estilo colorista e imagina-
tivo se nos ha quedado a to-
dos grabado, de tal forma que 
más de una vez para describir 
una foto he leido “es muy estilo 
Amélie”. 
También es el responsable de 
la fotografía de Harry Potter11 
y el misterio del príncipe, entre 
otras. 
Ha sido galardonado con el Pre-
mio del Cine Europeo al Mejor 
Primer Operador por Amélie 
(2001); el Premio César a la Me-
jor Fotografía y el Premio de la 
Sociedad de Directores de Fo-
tografía Americanos por Largo 
domingo de noviazgo (2004), y 
el Premio “Rana de Plata” del 
Festival de Lodz por Across the 
Universe (2007). 
Ha sido nominado por la Aca-
demia de Hollywood en tres 
ocasiones por Amélie, Largo do-
mingo de noviazgo y Harry 
Potter y el misterio del príncipe.
10 Es un director, productor, escritor y 
diseñador estadounidense.
11 es una heptalogía de novelas fantásticas es-
crita por la autora británica J. K. Rowling, en 
la que se describen las aventuras del joven 
aprendiz de mago Harry Potter y sus amigos 
Hermione Granger y Ron Weasley, durante los 
siete años que pasan en el Colegio Hogwarts 
de Magia y Hechicería.
Fotografía Cinematográfica
47
ACROSS THE UNIVERSE
(1996)
Across the Universe es un musical del 2007 dirigi-
do por Julie Taymor y escrito por Dick Clement e 
Ian La Frenais. 
El guion esta basado en una historia original crea-
da por Taymor, Clement y La Frenais la cual in-
corpora 32 covers de canciones originales de la 
banda británica The Beatles.
Dentro del filme hay apariciones especiales ta-
les como Bono como el Dr. Robert (un shaman 
contracultural), Eddie Izzard como el Sr. Kite (un 
presentador de circo), Joe Cocker como tres per-
sonajes de la calle y Salma Hayek que aparece 
(a través de efectos visuales) como cinco enfer-
meras.
es un musical ambientado en los turbulentos años 
‘60 en Estados Unidos, cuando Jude (Jim Stur-
gess), un joven trabajador, deja Liverpool para 
buscar a su siempre ausente padre en Estados 
Unidos y es golpeado por las olas de cambio re-
formando el país. Aquí, Jude se enamora de Lucy 
(Evan Rachel Wood), una niña estadounidense 
rica, pero fuerte y consciente que se une al movi-
miento antibélico en Nueva York. Entonces Jude y 
Lucy intentan encontrar la salida de un psicodélico 
mundo que se vuelve loco.
Evan Rachel Wood como “Lucy” y Jim Sturgess como “Jude”
Jim Sturgess como “Jude”
Capítulo Tres: Europa
48
Harry Potter and the 
Half Blood Prince (2009)
Es el sexto libro de la serie lit-
eraria Harry Potter escrito por la 
autora británica J. K. Rowling y 
publicado por primera vez, en in-
glés, el 16 de julio de 2005.
La novela relata los acontec-
imientos posteriores a Harry 
Potter y la Orden del Fénix, y 
que preceden a Harry Potter y 
las Reliquias de la Muerte. De-
sarrollada en el sexto año de 
Harry Potter en el Colegio Hog-
warts, la obra explora el pasado 
del mago oscuro Lord Volde-
mort, así como los preparativos 
del protagonista junto con su 
“De acuerdo con diversos analistas del tema, el libro sugiere 
un tono más tenebroso a comparación con las demás novelas 
de Harry Potter.”
Daniel Radcliffe como “Harry Potter
Rupert Grint como Ron Weasley
mentor Albus Dumbledore para 
la batalla final detallada en el 
siguiente libro, el último de la 
serie. Dirigido por David Yates 
quien ya había dirigido la entre-
ga anterior y la adaptación del 
guion gracias a Steve Kloves, el 
largometraje fue producido por 
David Heyman y David Barron, 
poseedores de la productora 
encargada de la distribución de 
las películas. De esta manera, 
El misterio del príncipe les valió 
una nominación a los premios 
Óscar en la categoría de «Mejor 
fotografía
Fotografía Cinematográfica
49
amélie (2001)
Amélie (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain en 
francés) es una película francesa de 2001 dirigida 
por Jean-Pierre Jeunet, co-escrita por el director 
y Guillaume Laurant y protagonizada por Audrey 
Tautou. 
Bajo el lema de «Elle va changer ta vie...» (en cas-
tellano, Ella va a cambiar tu vida...), la película fue 
distribuida en Estados Unidos por Miramax y en 
España por Manga Films.
El director de fotografía Bruno Delbonnel hace 
diestro uso de su extraordinario sentido visual, 
presentando las imágenes en una paleta de 
colores muy viva, pero a la vez limitada.
un constante filtro verdoso acentúa los colores 
primarios y deslava todo lo demás, reduciendo la 
percepción del espectador, o mejor dicho, centrán-
dola a lo que Jeunet quiere, pero sin descuidar los 
escenarios y ambientación.
Escena de la película
Audrey Tautou como Amélie Poulain
christian berger
Nacó el 13 de enero de 1945. 
es un director de fotografía aus-
tríaco. 
Es mayormente conocido por 
su trabajo con Michael Haneke, 
y se desempeñó en la película 
The White Ribbon, por la cual 
consiguió numerosos premios 
como el ASC Awards, además 
de una nominación a los Pre-
mios Oscar.
Berger inventó un sistema 
de iluminación llamado “Cine 
Reflect Lighting System” que 
usó en sus últimas películas. 
Además de su trabajo como 
director de fotografía, enseña 
cinematografía en la academia 
“Filmacademy Vienna”. Berger 
está casado con la actriz Marika 
Green, y es tía de Eva Green.
Destaca por su trabajo con 
Haneke, por ejemplo en La Pia-
nista o La Cinta Blanca. 
Es importante su utilización 
de espacios austeros y vacíos 
para lograr expresividad y carga 
dramática, para colaborar en el 
carácter tenso y perturbador de 
los guiones.
En 1973 fundó la productora 
propia TTV Film. Una amplia la-
bor como documentalista. 
En 1977 edificio de estudio de 
video experimental. Ha Traba-
jado con y el apoyo técnico de 
varios cineastas jóvenes que 
trabajan bajo TTV Film. 
entre 1980-1981 el aumento 
de trabajo en las obras de tel-
evisión, adaptaciones de panta-
lla con varios autores, el director 
de fotografía de películas y el 
trabajo como director. 
Ha participado en más de 20 
festivales internacionales y pre-
mios internacionales.
Fotografía Cinematográfica
51
Caché (2005)
Caché es una película de 2005 escrita y dirigida 
por el cineasta austríaco Michael Haneke. Está 
protagonizada por Daniel Auteuil y Juliette Bino-
che, quienes interpretan a Georges y su esposa 
Anne, un matrimonio burgués amenazado por 
unas extrañas cintas de vídeo grabadas justo en-
frente de su casa.
El largometraje, filmado en francés, es una copro-
ducción entre Austria, Francia, Alemania e Italia. 
Se estrenó el 14 de mayo de 2005 en el Festival 
Internacional de Cannes, donde Michael Haneke 
recibió el galardón como mejor director. Posterior-
mente consiguió cinco premios del cine europeo, 
incluyendo mejor película, mejor director y mejor 
actor. 
Fascinante ejercicio de estilo del austríaco Mi-
chael Haneke, que además de su innegable cuali-
dad hipnótica, invita a reflexionar acerca del estilo 
de vida acomodaticio que impera en Occidente. El 
film arranca de un modo audaz y arriesgadísimo. 
Durante varios minutos, observamos un plano fijo 
del exterior de una casa. 
De pronto,vemos retroceder la imagen, como si 
se estuviera rebobinando. Y es que, en efecto, se 
trata del contenido de una misteriosa cinta de ví-
deo, recibida por George Laurent, el popular con-
ductor de un programa televisivo.
Lo extraño de esa filmación es que la casa que 
se ve es la de George. Y no resulta fácil adivinar 
quién la ha grabado y desde dónde. Lo que podría 
parecer una broma pesada, se repite con nuevas 
cintas anónimas, acompañadas de extraños dibu-
jos de carácter infantil, que empiezan a inquietar 
a George y a su mujer Anne. Y el caso es que la 
policía no ayuda demasiado.
Juliette Binoche como Anne Laurent 
Capítulo Tres: Europa
52
71 Fragments of a 
Chronology of Chance
(1994)
Es una película de drama 1994 
dirigida por el austríaco Michael 
Haneke. 
Tiene una historia fragmentada 
como sugiere el título, y narra 
varias historias independientes 
en paralelo. 
Líneas narrativas independien-
tes se cruzan en un incidente en 
la última de la película: un asesi-
nato en masa en un banco aus-
triaco. 
La película está ambientada en 
Viena, octubre-diciembre, 1993.
La película se divide en un 
número de “fragmentos” de lon-
gitud variable dividido por pau-
sas en negro, y aparentemente 
no relacionados entre sí. 
La película se caracteriza por un 
buen montón de fragmentos que 
tienen forma de noticiarios de 
vídeo no relacionados con las 
principales líneas argumentales. 
Noticias filmaciones de hechos 
reales se muestran a través de 
monitores de vídeo. 
Noticieros informan sobre la 
guerra de Bosnia, la Guerra Civil 
de Somalia, el conflicto del sur 
del Libano12.
Escena clave de la película
Conflicto kurdo-turca, y las 
acusaciones de abuso sexual 
contra Michael Jackson.
12El 1978 en el sur del Líbano el conflicto (el nom-
bre clave de Operación Litani por Israel) fue la 
invasión del Líbano hasta el río Litani, llevada a 
cabo por las Fuerzas de Defensa de Israel en 
1978 en respuesta a la masacre Camino de la 
Costa. 
El conflicto dio lugar a las muertes de 1,100-
2,000 libaneses y palestinos, 20 israelíes, el 
desplazamiento interno de 100.000 a 250.000 
personas en el Líbano
Fotografía Cinematográfica
53
The White Ribbon (2009)
The white ribbon es una película en blanco y ne-
gro de drama del 2009 en lengua alemana escrita 
y dirigida por Michael Haneke. 
Das Weisse Band, Eine deutsche Kindergeschi-
chte. Representa oscuramente sociedad y la fami-
lia en un pueblo del norte de Alemania justo antes 
de la Primera Guerra Mundial y, según Haneke, es 
sobre “el origen de todo tipo de terrorismo, ya sea 
de carácter político o religioso”.
Más de 7.000 niños fueron entrevistados durante 
el período de fundición de seis meses de dura-
ción. Para la mayoría de los roles adultos, Haneke 
habia seleccionado actores con los que había tra-
bajado antes, por lo que sabían que eran adecua-
dos para los roles. 
El papel del pastor fue escrito originalmente para 
Ulrich Mühe, un actor que había protagonizado 
varias producciones pasadas de haneke, pero 
que murió en 2007. V
La decisión de hacer la película en blanco y negro 
se basa en parte en el parecido con las fotografías 
de la era, sino también para crear un efecto de 
distanciamiento.
Todas las escenas fueron filmadas originalmente 
en color y luego alterada a blanco y negro. Chris-
tian Berger, director habitual de Haneke de la fo-
tografía, rodó la película en el Super 35 con un 
compacto Moviecam.
Haneke quería que los ambientes fueran muy 
oscuros, por lo que muchas escenas de interior 
utilizan sólo fuentes de luz prácticos tales como 
lámparas de aceite y velas.
“Uno se vuelve sentimental cuando tiene 
dolores”
Personaje importante de la película
Anthony Dod Mantle
Anthony Dod Mantle, BSC naci-
do en 1955. 
Es un cineasta británico destaca 
por su trabajo en la cinemato-
grafía digital. Dod Mantle dirigió 
la fotografía en tres películas 
Dogma 95 y los dos primeros 
episodios de Wallander 13. 
Él utilizó la Red Una cámara 
digital en Wallander, la primera 
producción de la televisión bri-
tánica a hacerlo. 
Ganó el Premio de la Academ-
ia Británica de Televisión Craft 
Photography & Lighting (Ficción 
/ Entretenimiento) 
Por su trabajo en la serie y fue 
nominado para un premio RTS 
Artesanía y Diseño en Ilumi-
nación, Fotografía y cámara-
Fotografía-Drama. 
también fue director de foto-
grafía de Slumdog Millionaire 
(Danny Boyle, 2008), por la que 
ganó el Oscar a la mejor foto-
grafía en 2009. 
Dod Mantle está incluido en el 
libro Conversaciones con direc-
tores de fotografía de David A 
Ellis.
Dod Mantle vive con su familia 
en Copenhague, Dinamarca.
13 Wallander es una serie de televisión británica 
adaptado de Kurt Wallander novelas del escri-
tor sueco Henning Mankell y protagonizada de 
Kenneth Branagh como el inspector de policía 
del mismo nombre. 
La primera serie de tres episodios, producida 
por Yellow Bird, Left Bank Pictures y TKBC de 
la BBC de Escocia, fue transmitido por la BBC 
One, de noviembre a diciembre de 2008.
Fotografía Cinematográfica
55
antichrist (2009)
Es una película del año 2009 
escrita y dirigida por Lars von 
Trier. 
La cinta, protagonizada por 
Willem Dafoe y Charlotte 
Gainsbourg, narra la historia 
de una pareja que tras la acci-
dental muerte de su hijo, se re-
tira a una cabaña en el bosque 
donde pasaron las últimas va-
caciones con él.
El largometraje se rodó en Ale-
mania y Suecia. Es una co-
producción entre Dinamarca, 
Alemania, Francia, Polonia, 
Suecia e Italia, aunque funda-
mentalmente danesa.
 Se estrenó el 18 de mayo 
de 2009 en el Festival de 
Cannes.
La película fue filmada en 
video digital, usando princi-
palmente cámaras Red One 
en la resolución 4K. 
Las secuencias de mov-
imientos lentos fueron to-
madas con un Phantom V4 
de 1.000 fotogramas por se-
gundo. 
Técnicas de filmación invo-
lucrados dollys14, de cámara 
manual y programada por 
computadora “Motion Con-
trol”
14 El “Dolly” es una pieza especializada de 
equipos de producción de cine y televisión 
destinado a crear movimientos de cámara 
suaves (técnicas cinematográficas). 
La cámara se monta en el carro y el op-
erador de cámara y botón de enfoque o 
asistente de cámara suele montar en el 
carro para manejar la cámara. El dolly grip 
es el técnico especializado capacitado 
para operar la plataforma .
Charlotte Gainsbourg como “ella”.
Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg
Capítulo Tres: Europa
56
dogville
(2003)
Dogville es una película del año 
2003 dirigida por Lars von Trier 
y protagonizada por Nicole Kid-
man. 
Es la primera película de la 
trilogía Estados Unidos: tierra 
de oportunidades, seguida por 
Manderlay de 2005 y Wasing-
ton, aún por realizar. La cinta 
compitió en la selección oficial 
del Festival de Cannes15 de 
2003.
Es una parábola que utiliza un 
conjunto muy mínimo, similar 
a un escenario para contar la 
historia de Grace Mulligan (Kid-
man), una mujer escondiéndose 
de mafiosos, que llega en la 
pequeña ciudad de montaña de 
Dogville, Colorado, y se propor-
ciona refugio a cambio de tra-
bajo físico.
Su estancia allí finalmente cam-
bia la vida de la gente local y la 
ciudad de muchas maneras.
La película fue filmada en video 
de alta definición con una cá-
mara HDW-F900 de Sony en un 
estudio en Trollhättan, Suecia.
15es un festival de cine categoría “A”, celebrado 
en la ciudad francesa de Cannes acreditado por 
la FIAPF, junto con los festivales de Berlín, San 
Sebastián, Mar del Plata, Karlovy Vary o Venecia 
entre otros.
Nicole Kidman y Paul Bettany
Mapa de Dogville.
Fotografía Cinematográfica
57
127 hours (2010)
127 hours es una película de drama y suspen-
so, protagonizada por James Franco, dirigida por 
Danny Boyle, escrita por Boyle y Simon Beaufoy 
y producida por Christian Colson.
El film está basado en la historia real de Aron 
Ralston, el escalador de montañas estadoun-
idense que se amputó el brazo para liberarse 
después de quedar atrapado bajo una roca en 
Robbers Roost, Utah durante más de 5días en 
abril-mayo del 2003.
La película fue bien recibida por crítica y público y 
fue nominada a seis premios de la Academia, in-
cluyendo Mejor Película y Mejor Actor de Franco.
La “escena de amputación” fue la obra de los 
efectos de maquillaje del artista Tony Gardner y 
su equipo en Alterian, Inc, quienes se esforzaron 
“No hay fuerza más poderosa que la voluntad de vivir”
James Franco como Aron Ralston
James Franco como Aron Ralston
en ser médicamente exactos en cada mínimo de-
talle, pues Danny Boyle rodó la escena entera en 
una toma y cada aspecto de la escena debía ser 
funcional así como realista.
Capítulo Tres: Europa
58
Manderlay es la segunda pelícu-
la de la trilogía Estados Unidos: 
tierra de oportunidades del di-
rector danés Lars von Trier. En 
ella se trata de profundizar so-
bre las raíces del racismo.
Al igual que su predecesora, 
Dogville, Manderlay está ro-
dada con muy poco decorado, 
usando sencillamente aquellos 
objetos imprescindibles para el 
argumento y sustituyendo pare-
des y puertas por marcas en el 
suelo similares a las de tiza en 
una pizarra.
Esta película fue criticada prin-
cipalmente por el hecho de que, 
para una escena, se sacrificó 
realmente a un asno. La escena 
finalmente se eliminó, debido a 
que Von Trier fue muy criticado 
y la gente comenzó a echarse 
encima suyo. 
Von Trier intentó arreglarlo en 
vano, diciendo que importa más 
la libertad de expresión de las 
personas que la vida o muerte 
de un animal, algo que disgustó 
a mucha gente. Es interesante 
señalar que el movimiento Dog-
ma 95, del cual Von Trier es fun-
dador, tiene un mandamiento en 
el que dice que no se puede in-
cluir muertos. La película, no ob-
stante, no se realizó dentro del 
movimiento Dogma95.
Manderlay
(2005)
Bryce Dallas Howard como Grace
Fotografía Cinematográfica
59
28 Days Later (en Español: 28 días después) es 
una película dirigida por Danny Boyle, estrenada 
en Reino Unido el 1 de noviembre de 2002 y en 
Estados Unidos el 27 de junio de 2003. Está pro-
tagonizada por Cillian Murphy, Naomie Harris, 
Brendan Gleeson, Megan Burns y Christopher Ec-
cleston, y ha dado lugar a una secuela (28 Weeks 
Later), y a una novela gráfica del mismo título.
Fue un éxito de taquilla y de la crítica en 
general,[cita requerida] ampliamente impactante 
fueron las imágenes de una Londres totalmente 
desierta y devastada. La película fue totalmente 
filmada en formato digital.
En 2007 se estrenó a nivel mundial la segunda en-
trega de la película, titulada 28 semanas después 
o Exterminio 2, originalmente 28 Weeks Later.
Tiene bastante similitud a la película “The Omega 
Man”, en España “El Último Hombre Vivo” del año 
1971.
Steve Niles junto con Dennis Calero y Dan Nakro-
sis crearon una novela gráfica, 28 Días Después: 
Las consecuencias, que narra la historia antes de 
que Jim despertara en el hospital londinense.
Da mucha credibilidad debido a que las razones 
de la expansión del virus son muy creíbles. Sin 
embargo, las impactantes imágenes de Londres 
sin población fueron buenos puntos de vista para 
la mayoría de críticos latinoamericanos, sobre 
todo por su impresionante caracterización.
28 Days 
Later (2002)
Cillian Murphy como Jim
dariusz wolski
Dariusz Wolski Adán (nacido en 
1956) es un director poláco y 
cineasta de video musical. 
Es mejor conocido por su traba-
jo como director de fotografía de 
piratas del Caribe y en clásicos 
como ‘The Crow y Dark City.
Muchas de sus colaboraciones 
incluyen el trabajo con los direc-
tores de cine como Ridley Scott, 
Tony Scott y Tim Burton. Ha 
trabajo en el músical sweeney 
todd, alice in wonderland y pro-
metehus.
Ha sido miembro de la Socie-
dad Americana de Directores 
de Fotografía16 desde 1996 y 
miembro de la Academia de Ar-
tes y Ciencias Cinematográficas 
desde 2004. 
Natural de Varsovia, Wolski es-
tudió en la Escuela de Cine de 
Lodz, Polonia. 
Tras emigrar a Estados Unidos 
en 1979, trabajó en documen-
tales y películas independientes 
hasta despuntar en el mundo de 
la publicidad y los vídeos musi-
cales. 
Wolski ha rodado más de 100 
videoclips para artistas tan rel-
evantes como Aerosmith, Sting, 
Keith Richards, Van Halen y 
Eminem.
16 La ASC (Asociación Americana de Directores 
de Fotografía) la define como «el proceso crea-
tivo e interpretativo que culmina en la autoría de 
una obra de arte original en lugar de en la simple 
grabación de un evento físico.
La cinematografía no es una subcategoría de la 
fotografía sino que la fotografía es una herrami-
enta que el director de fotografía utiliza junto con 
otras técnicas físicas, organizativas, interpretati-
vas y de manipulación de imagen para llegar a 
un proceso coherente.
Fotografía Cinematográfica
61
Sweeney Todd: The Demon 
Barber of Fleet Street (2007)
Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street 
es una adaptación cinematográfica del musical 
homónimo de Stephen Sondheim y Hugh Wheel-
er (a su vez inspirado en la pieza teatral de Chris-
topher Bond).
El musical fue originalmente dirigido por Harold 
Prince, con Angela Lansbury y Len Cariou. La 
versión cinematográfica está protagonizada por 
Johnny Depp, en su sexta colaboración con el di-
rector Tim Burton.
La película narra la melodramática historia de 
Sweeney Todd, un barbero inglés que asesina a 
sus clientes con una navaja de afeitar en la Era 
victoriana con la ayuda de su cómplice la Sra. 
Lovett, quien convierte sus cadáveres en paste-
les de carne.
Se estrenó el 21 de diciembre de 2007 en Estados 
Unidos. La película ganó un importante número 
de premios, incluyendo el Globo de Oro a la me-
jor película Comedia o musical, el Globo de Oro 
al mejor actor Comedia o musical, y el Óscar a la 
mejor dirección de arte; Johnny Depp también fue 
nominado al Óscar al mejor actor.
Johnny Depp como “Sweeney Todd y Helena Bonham Carter como Mrs. Lovett
“Porque la vida de los 
perversos deben ser 
cortas. Para el resto de 
nosotros, la muerte sería 
un alivio.Todos 
merecemos morir.”
Capítulo Tres: Europa
62
the crow (1994)
The crow es una película esta-
dounidense de 1994 basada en 
la serie de comics homónima del 
año 1989 de James O’Barr. La 
película fue adaptada por David 
J. Schow y John Shirley, y dirigi-
da por Alex Proyas.
La película logró notoriedad aun 
antes de su estreno debido a 
que durante el rodaje, Brandon 
Lee (hijo de Bruce Lee) murió 
tras ser tiroteado en una escena 
de la película. Se pensó aban-
donar el proyecto tras su muer-
te, pero finalmente se decidió 
seguir adelante, utilizando un 
doble, escenas oscuras y reto-
ques por ordenador. La película 
se presentó como un homena-
je a Lee ya que al final puede 
verse una dedicatoria que dice 
“para Brandon y Elisa”.
Brandon Lee como “Eric Draven/El cuervo”
Primerísimo primer plano del cuervo
17 Stone Temple Pilots (a menudo abreviado 
STP) es una banda estadounidense de rock 
de San Diego, California, que actualmente se 
compone de hermanos Robert DeLeo (bajo, 
voz) y Dean DeLeo (guitarra), Eric Kretz (batería 
y percusión) y Chester Bennington (plomo voz). 
En 1995, Graeme Revell ganó 
un premio de la música de cine 
IMC por la música y los Stone 
Temple Pilots17 ganó el MTV 
Movie Award a la Mejor Canción 
por “Big Empty”. También en los 
MTV Movie Awards, la película 
fue nominada a la mejor película 
y Brandon Lee fue nominada a la 
Mejor Interpretación Masculina.
Fotografía Cinematográfica
63
PROMETHEUS
(2012)
Es una película de ciencia ficción y terror dirigida 
por Ridley Scott y escrita por Jon Spaihts y Da-
mon Lindelof. 
La película está protagonizada por Noomi Ra-
pace, Michael Fassbender y Charlize Theron. El 
argumento sigue a la tripulación de la nave espa-
cial Prometheus a finales del siglo XXI, a medida 
que exploran una avanzada civilización alienígena 
en busca de los orígenes de la humanidad.
Según Scott, aunque la película comparte “cade-
nas de ADN de Alien, por así decir”, y se desarrol-
la dentro del mismo universo, Prometheus explora 
supropia mitología e ideas.
La fotografía principal comenzó en marzo de 
2011, con la filmación teniendo lugar en Inglaterra, 
Islandia y España. Prometheus fue estrenado en 
EE.UU. el 8 de junio de 2012 a través de 20th 
Century Fox; en México su estreno fue el fin de 
semana del 15 de junio y en España el 3 de 
agosto. 
Michael Fassbender como David, un androide.
Fotografía de Prometheus
La película recibió una nominacion al premio Os-
car de los Mejores Efectos Visuales.
Capítulo Tres: Europa
64
Es una película neo-noir de 
ciencia ficción de 1998 escrita 
y dirigida por Alex Proyas. Fue 
protagonizada por Rufus Sewell, 
Kiefer Sutherland, Jennifer Con-
nelly y William Hurt. Sewell in-
terpreta a John Murdoch, un 
hombre que sufre de amnesia 
y que se encuentra acusado de 
asesinato; Murdoch intenta des-
cubrir su verdadera identidad 
dark 
city 
(1998)
para limpiar su nombre mientras 
escapa de la policía y un miste-
rioso grupo conocido como "los 
ocultos".
La mayor parte fue filmada en 
Fox Studios Australia y estuvo 
producida en conjunto por las 
compañías New Line Cinema y 
Mystery Clock Cinema. El estu-
dio tenía dudas sobre si el públi-
co entendería la trama, así que 
le solicitó a Proyas que agregara 
una voz en off en la introducción 
que la explicara. 
Se estrenó el 27 de febrero de 
1998 en Estados Unidos, recibi-
endo bajos resultados en taquil-
la y críticas mixtas.
Después de su estreno, la 
película recibió nominaciones a 
los premios Saturn y Hugo. Con 
la ayuda del crítico Roger Ebert 
y las proyecciones domesticas, 
la película se ha transformado 
en un clásico de culto. 
Desde la época de su estreno 
en los cines, algunas reseñas 
de críticos y estudiantes han re-
considerado el significado de la 
película. 
Una versión del director, lanzada 
en 2008, preserva la visión artís-
tica original de Proyas.
Rufus Sewell como John Murdoch
Fotografía Cinematográfica
65
Michelle Monaghan como Rachel
Shia LeBeouf como Jerry Shaw
es una película de género thriller de acción es-
tadounidense dirigida por D.J. Caruso y protago-
nizada por Shia LaBeouf y Michelle Monaghan. 
Tiene como temática básica la inteligencia artifi-
cial diabólica de una computadora.
La idea para Eagle Eye nació hace varios años en 
la mente del productor ejecutivo Steven Spielberg. 
“El concepto inicial de Steven se concentraba en 
la idea que la tecnología está en todas partes,” 
dice el co-productor Pete Chiarelli. 
“Nos rodea totalmente. ¿Qué sucedería si se 
pusiera en nuestra contra? ¿Qué pasaría si la 
tecnología que nos rodea, que apreciamos y de 
la que dependemos, súbitamente fuera utilizada 
para hacernos daño y estuviera totalmente fuera 
de nuestro control?”
“Steven siempre quiso que los espectadores sali-
eran del cine y asustados apagaran sus celulares 
y BlackBerrys,” recuerda el productor/guionista 
Alex Kurtzman, de la misma manera que los es-
pectadores temieron nadar en el océano después 
que vieron la realización de Spielberg Tiburón en 
1975. 
El argumento evolucionó pausadamente durante 
varios años porque cuando Spielberg tuvo inicial-
mente la idea, “pensó que parecería demasiado 
como la ciencia ficción,” agrega Kurtzman. “No 
hubiera sido muy creíble porque la tecnología to-
davía no estaba tan integrada en nuestra socie-
dad como hoy en día.”
Eagle Eye 
(2008)
asia
La pasión por la fotografía rica 
en contrastes que se utilizaba 
en las películas mudas produci-
das en Alemania es la responsa-
ble de que el futuro director de 
fotografía Kazuo Miyagawa se 
interese por el cine. 
Esta influencia puede apreci-
arse claramente en Rashomon 
(1950). Antes de entrar a tra-
bajar en un estudio, Miyagawa 
estudió una técnica de pintura 
tradicional japonesa o sumi-e. 
Ya involucrado en la industria 
cinematográfica, fue técnico de 
laboratorio y asistente del direc-
tor de fotografía antes de de-
sempeñar él mismo esta última 
función. 
Kazuo Miyagawa
Su carrera se inicia y culmina 
con sendas colaboraciones con 
Akira Kurosawa. 
Al igual que al realizador, Ra-
shomon le hizo famoso en todo 
el mundo. Treinta años después, 
tuvo que abandonar el rodaje 
de Kagemusha. La sombra del 
guerrero (1980) debido a una 
afección ocular.
Entre ambas películas se ex-
tiende una trayectoria extraordi-
naria. Empezó pronto a experi-
mentar con raíles y grúas para 
dotar a la cámara de un mov-
imiento más ágil, algo que puede 
apreciarse en Rashomon. 
En Cuentos de la luna pálida 
(1953), dirigida por Kenji Mizo-
guchi, se inspiró en las pinturas 
tradicionales niponas. Así, en la 
cinta las composiciones alarga-
das sugieren la continuidad de 
los acontecimientos. 
En Conflagración (1958) de Kon 
Ichikawa, utilizó por primera vez 
el Daieiscope, un nuevo forma-
to de pantalla ancha, y volvió a 
buscar la inspiración en las téc-
nicas pictóricas de su país, lo 
que se aprecia en la división de 
las imágenes y en los espacios 
delimitados por elementos como 
puertas. 
Fotografía Cinematográfica
69
ugetsu 
(1956)
Ugetsu o Ugetsu Monogatari es una película 
japonesa de 1953, y un ejemplo de la jidaigeki 
(drama de época) género. Fue dirigida por Kenji 
Mizoguchi y se basa en las historias de Ueda Aki-
nari 's libro del mismo nombre . Situado en Azuchi-
Momoyama período de Japón , está protagoniza-
da por Masayuki Mori y Machiko Kyō . 
Es una de las películas más célebres de Mizo-
guchi, considerado por la crítica como una obra 
maestra del cine japonés y una pieza definitiva 
durante la Edad de Oro del Cine de Japón. Junto 
con Akira Kurosawa 's 1950 la película Rashomon 
, Ugetsu se le atribuye haber popularizado cine 
japonés en Occidente. 
Tras el éxito de su anterior película La vida de 
Oharu , Mizoguchi se ofreció a hacer una película 
en el cine Daiei estudios por su viejo amigo Ma-
saichi Nagata . 
El acuerdo prometió Mizoguchi completo control 
artístico y un gran presupuesto. A pesar de ello, 
Mizoguchi fue finalmente presionó para hacer 
un final menos pesimista para la película. Título 
Ugetsu de la película es una contracción de Uget-
su Monogatari, el título japonés, desde la Akinari 
Ugetsu Monogatari . Mizoguchi basa su película 
en dos historias Del libro, “La casa en la 
espesura” (Asaji ga Yado) y “La lujuria de la Ser-
piente Blanca” (Jasei no In). Otras fuentes de in-
spiración para el guión de la película incluyen Guy 
de Maupassant Déconé ‘s ! (Cómo llegó la Legión 
de Honor). 
Mientras escribía el guión, Mizoguchi dijo a su gui-
onista y viejo colaborador Yoshikata Yoda “Si la 
guerra se origina en motivos personales del gob-
ernante, o de algún interés público, cómo violen-
cia, disfrazada de guerra, oprime y atormenta a 
la población, tanto física como espiritualmente ... 
Quiero destacar esto como el tema principal de la 
película “. 
Machiko Kyō como Lady Wakasa
Capítulo Cuatro: Asia
70
Es un 1959 película de 
Yasujiro Ozu . Se trata de una 
nueva versión del propio Ozu 
negro y blanco del cine 
mudo18Historia de malezas flo-
tantes (1934).
El título Ozu primera intención 
de la película era un actor Ham 
(Daikon yakusha, literalmente 
actor de rábano). Este título se 
dice que ha sido abandonado 
debido a que se consideró un in-
sulto a Ganjiro Nakamura, el ac-
tor que interpreta Komajūrō, que 
era una gran estrella del teatro 
kabuki en el oeste de Japón. 
No es una conversación entre 
Komajūrō y Sumiko en el que 
dice, cuando fue acusado de 
Hamming él para arriba, que ese 
es el estilo de actuación que su 
público paga para ver.
Ukikusa (1959)
Primero vemos la compañía re-
alizar una escena de Kunisada 
Chuji ( Kunisada Chuji ). Kunisa-
da Chuji, un personaje histórico 
que vivió de cerca de 1810 a 
1850, fue idealizado como el 
Robin-Hood-como el héroe de 
una serie de obras de teatro y 
novelas. 
Él era un jugador y ladrón de 
poca monta que, después de 
haber regresado a su pueblo na-
tal en busca de su familia arru-
inada y su hermana enloquecido 
por el magistrado local malva-
dos, causó su venganza antes 
de