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Historia del Arte (2º Bachillerato) 
ARTE GÓTICO 
 
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Arte Gótico 
Durante el siglo XII tuvo lugar un crecimiento notable de la población gracias al desarrollo 
de la agricultura y del comercio. Este proceso posibilitó el auge de los burgos, ciudades, así 
como la aparición de una nueva clase social, la burguesía. Este nuevo grupo social favoreció 
que el predominio cultural ejercido por la Iglesia y los monasterios en los siglos anteriores, 
pasara a manos de las universidades. Estas se convirtieron en centros de enseñanza y 
sobre todo de actividad intelectual, artística y cultural. 
 
La expansión económica de las centurias anteriores se vio bruscamente interrumpida, a 
mediados de siglo XIV, por lo que se conoce con el nombre de crisis de la Baja Edad 
Media. El hambre, las guerras y las epidemias (Peste negra de 1348) marcaron el 
descalabro demográfico y económico de las ciudades europeas. Paralelamente, se inició una 
nueva corriente de pensamiento: el Humanismo, que dio lugar a una visión del mundo 
basada en la experiencia del ser humano y en la reflexión crítica, antecedentes de la 
floreciente época renacentista.
 
1. Arquitectura gótica. 
 
1.1 Localización y evolución artística. 
Teniendo como génesis la Isla de 
Francia (París y sus alrededores), el 
arte gótico se extendió 
fundamentalmente por Europa 
occidental, desarrollando sus 
variables en cada país. 
 
El término gótico —de la palabra 
“godo”— se utilizó por primera vez 
en el Renacimiento para referirse 
peyorativamente al arte de la baja 
Edad Media, considerado bárbaro e 
inferior en comparación con el de la 
antigüedad clásica (Grecia y Roma). 
El nuevo estilo no supuso una 
ruptura con el románico, sino un 
estilo que evoluciona e incorpora nuevas formas en 
arquitectura, escultura y pintura. 
 
Aunque en líneas generales el arte gótico queda 
fijado entre mediados del siglo XII y las primeras 
décadas del siglo XVI, es preciso señalar que en 
cada país tendrá una duración diferente (Italia, 
hasta ½ siglo XV; Inglaterra, España y 
Portugal, hasta principios siglo XVI). 
Generalmente se divide el gótico en tres grandes 
periodos: 
 Gótico inicial (siglo XII y XIII), partiendo 
del románico, se configuran las nuevas 
formas góticas. 
 Gótico clásico (siglos XIII y XIV), 
considerado una etapa clásica y de 
expansión de las formas góticas. 
 Gótico flamígero (siglo XV e inicios del 
XVI), periodo caracterizado por la exuberancia ornamental que impregna todas las 
manifestaciones artísticas. 
 
1.2 Características y tipologías. Las portadas: decoración escultórica. 
La catedral se convirtió en el edificio paradigmático de la arquitectura gótica y el modelo 
francés fue su expresión más típica. 
 
Catedral de Burgos 
Escenas de la Anunciación y visitación, 
catedral de Reims, siglo XIII. 
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La nueva espiritualidad religiosa de la época, las 
innovaciones técnicas y constructivas, permitieron 
levantar edificios más altos y luminosos. El muro 
pierde su función de soporte y se convierte en mero 
cerramiento translúcido gracias a la apertura de 
grandes ventanales (vitrales o vidrieras). 
 
Entre los elementos fundamentales de la arquitectura 
gótica destacamos el arco apuntado (ojival) y la 
bóveda de crucería. El primero tiene la ventaja 
técnica de ejercer empujes laterales menores que el 
de medio punto, a la vez que resulta más ligero. Fue 
evolucionando en su forma hasta derivar en los arcos 
conopiales y carpaneles. 
 
La bóveda de crucería, formada por el cruce 
diagonal de dos arcos apuntados, transmite el empuje 
de la bóveda a cuatro puntos. Está formada por dos 
elementos: el esqueleto y los plementos. El primero 
lo conforman los arcos cruzados 
diagonalmente junto a los formeros 
y fajones; mientras que los 
plementos son los paños que cierran 
los espacios entre los nervios. La 
más sencilla de las bóvedas de 
crucería fue la cuatripartita, de 
cuatro plementos, pero 
progresivamente se enriqueció su 
traza al añadirle nervios; así surgen 
la sexpartita, la de terceletes y la 
estrellada. 
 
Los empujes que ejercen los nervios 
de las nuevas bóvedas son 
recogidos por los pilares cru-
ciformes, a los que se van 
adosando finas columnas llamadas 
baquetones, para proyectarlos 
hacia el exterior, donde se encuentran los 
contrafuertes. Estos soportan el empuje de 
la bóveda; aunque deben ser más altos 
debido a la mayor elevación de las 
construcciones. Por otra parte, y con el fin de 
aumentar su eficacia, los contrafuertes se 
separan del muro a través de los 
arbotantes, arcos que transmiten los 
empujes laterales hacia ellos y que a su vez 
permiten la canalización de las aguas del 
tejado. A su vez, el contrafuerte suele 
rematarse con un pináculo que, además de 
un carácter decorativo, tiene una función 
constructiva: ejercer un empuje vertical 
sobre el contrafuerte para contrarrestar el 
empuje oblicuo que sobre él ejercen los 
arbotantes. 
 
Este entramado de descargas permite la 
sustitución de los muros por grandes 
vidrieras decoradas que inundan de claridad 
los espacios interiores. Con ello se consiguen 
los objetivos de ligereza y luminosidad que sintetizan la nueva arquitectura gótica. 
 
Aunque hay algunas muestras de arquitectura civil: palacios urbanos, hospitales, lonjas… 
la arquitectura gótica es fundamentalmente religiosa, con la catedral como máximo 
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exponente. Su planta suele ser longitudinal, con tres o cinco naves, e incorpora un crucero. 
Las novedades más importantes se presentan en la cabecera, ahora poligonal, donde se 
sitúan el presbiterio, el deambulatorio y las capillas exteriores. En cuanto al alzado, la nave 
central es más alta que las laterales. Además, la tribuna románica termina desapareciendo, 
sustituida por una estrecha galería abierta al interior del templo (y más tarde también al 
exterior) denominada triforio, sobre la que se dispone otra hilera de ventanas llamada 
claristorio para aumentar la claridad. 
 
Por lo que respecta a las fachadas, éstas se desarrollan ampliamente; no sólo la principal, 
sino también las del crucero, sobre aquéllas en que la decoración se extiende con 
generosidad. La fachada principal suele estar flanqueada por torres cubiertas con terrazas 
o con un cuerpo piramidal llamado chapitel. Son también características las molduras 
angulosas que se colocan sobre los arcos de las portadas, denominadas gabletes, así como 
los rosetones o vanos circulares calados y cerrados con vidrieras de gran espectacularidad. 
 
1.3 Arquitectura gótica europea 
 
 Francia: el centro difusor 
En la segunda ½ del siglo XII, en el 
norte de Francia, comienzan a surgir 
las primeras catedrales góticas, en 
las que se creó el modelo llamado 
gótico francés. En este momento 
se levantan las grandes catedrales 
góticas francesas: Notre Dame de 
París, Chartres, Reims y Amiens. En 
ellas se observa la diferencia de 
altura entre la nave central y las 
laterales, la ubicación del crucero 
casi en el centro, el mayor tamaño 
de las cabeceras, el protagonismo 
de las vidrieras (claristorio) y la 
presencia de torres en la fachada. 
 
A mediados de siglo XIII, la obsesión por la altura dio paso a 
una reducción de los muros lo que permitió ampliar las 
superficies acristaladas, potenciándose las vidrieras. Conocido 
como gótico radiante, este estilo tuvo en la Sainte Chapelle de 
París su mejor ejemplo. 
 
 La arquitectura gótica inglesa 
El gótico inglés es bastante distinto del francés: la cabecera 
es recta, tres naves, con doble crucero, las torres son de gran 
tamaño… El tipo de decoración es muy particular llamada estilo 
perpendicular (preferencia por las líneas verticales). Son 
tambiénpuramente inglesas las bóvedas de abanico o 
palmeadas, cuyos nervios se abren a partir de los soportes. 
Entre las obras más significativas señalamos la capilla de San 
Jorge (castillo de Windsor). 
 
 La arquitectura gótica en Alemania 
El gótico alemán se caracteriza por la gran altura de los edificios, 
determinada por las agujas o flechas de rica tracería calada con que 
se rematan las torres. Entre los mejores ejemplos señalamos la 
catedral de Colonia. 
 
 La arquitectura gótica italiana. 
En Italia nunca se aceptó el modelo gótico francés, por eso en su arquitectura predominan 
las construcciones civiles frente a las religiosas. 
 
Catedral de Notre Dame de París 
Bóveda de abanico 
(capilla San Jorge, castillo de 
Windsor) 
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El palacio toscano se asemeja a una fortaleza, con pocas y pequeñas 
ventanas, almenas y una elevadísima torre de planta cuadrada; los ejemplos 
más significativos son la Signoria de Florencia y el Ayuntamiento de Siena. 
 
Respecto a la arquitectura religiosa, destacan la catedra de Florencia y la 
catedral de Siena. Su característica principal no es la altura, sino el predominio 
de las formas clásicas. 
 
1.4 Arquitectura gótica española. 
 
 Siglo XIII: gótico castellano. 
En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo, León y 
Burgos). Es el siglo de la preponderancia de Castilla bajo los reinados de Fernando III y 
Alfonso X, la reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es 
casi reconquistada (Córdoba, Sevilla, Jaén). 
 
Las obras de este periodo, siguiendo el modelo francés, son plenamente góticas: tres 
naves, profundo presbiterio, girola y capillas. De este periodo son las catedrales de Burgos, 
Toledo, y León. 
 
 
 
 
 
Siglo XIV - XV: gótico levantino. 
En el siglo XIV el impulso constructivo se traslada a la región 
levantina y en especial a Cataluña. En sus edificios se observa 
una tendencia a la horizontalidad y un gusto por la austeridad 
decorativa. De este periodo es la catedral de Barcelona. 
 
En el siglo XV se erigieron la catedral de Palma de Mallorca, esta 
última por su testero plano, así como la iglesia de Santa María del 
Mar erigido por los gremios de Barcelona, y que constituye un 
estilizado ejemplo de gótico mediterráneo. 
 
 Siglo XIV – XV en Castilla (Sevilla, Toledo, Guadalajara, Salamanca). 
Durante todo este periodo se construyeron alguno de los mejores ejemplos de arquitectura 
gótica religiosa en Castilla y Andalucía, por ejemplo la catedral de Sevilla. 
 
A finales de siglo, durante el reinado de los Reyes Católicos, 
comienza una fiebre decorativa que oculta la estructura 
arquitectónica y en la que es habitual la utilización de bóvedas 
estrelladas y arcos conopiales. Es el denominado estilo isabelino o 
flamígero, en el que participan muchos maestros extranjeros. 
 
En Toledo trabaja Juan Guas, autor de la iglesia de San Juan de los 
Reyes, edificación muy sencilla pero rica decoración. Suyo es 
también el palacio del Infantado (Guadalajara), con un patio con arquería decoradas con 
esculturas, escudos y leones. 
 
También en esta época se levantaron numerosas obras civiles, como 
signo del prestigio social y testimonio del incremento de la iniciativa 
privada. Entre ellas destacan las casas de nobles y burgueses como la 
Casa de las Conchas en Salamanca. 
 
 
Santa Mª del Mar 
(Barcelona) 
San Juan de los Reyes 
(Toledo) 
Catedral de Burgos Catedral de Toledo Catedral de León 
Casa de las Conchas 
(Salamanca) 
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2. La pintura gótica 
 
2.1 Características 
La reducción de los muros en la arquitectura gótica determinó la disminución de la pintura 
mural, y allí donde antes había frescos, se realizaron grandes cristaleras policromadas 
(vitrales). Esto obligó a la pintura a buscar nuevos soportes, como las tablas que 
conformaban los retablos, y a continuar el desarrollo de la miniatura iniciada en el románico. 
 
La evolución de la pintura desde el siglo XIII al XV y las 
diferencias entre unos países y otros dificultan la con-
creción de unas características generales. A pesar de 
ello, se pueden apuntar algunas notas comunes: 
 La temática es mayormente religiosa, aunque se 
desarrollan numerosos temas profanos. 
 Las figuras son cada vez más expresivas y naturales. 
 Los fondos neutros y dorados ceden su lugar a 
espacios figurativos y al paisaje. 
 Las técnicas empleadas son muy variadas, según los 
soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el 
fresco en las pinturas murales. 
 Composiciones muy simétricas, con elementos 
situados en el centro teórico del cuadro. 
 Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y 
devocional. 
 
2.2 Pintura gótica italiana: Giotto. 
Lo más destacado de la pintura lo encontramos en el siglo XIV (trecento italiano), donde se 
muestra un mayor interés por la belleza y el volumen de las figuras. 
 
Giotto di Bondone 
Pintor, escultor y arquitecto. Está considerado como el primer artista de los muchos que 
contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las 
limitaciones del arte medieval. 
 
Toda su obra es de temática religiosa. Hizo sobre todo retablos y frescos para diversas 
iglesias. Muy pocos de ellos se conservan en buenas condiciones y la mayor parte han 
desaparecido o han tenido que restaurarse casi en su totalidad. 
 
Sus escenas se alejan de la rígida estilización medieval para presentar la figura humana 
con formas amplias y redondeadas. Se opuso a los colores vivos y brillantes. Los 
escenarios son fondos poco profundos, se aleja de los fondos planos pero no llega todavía 
al desarrollo de la perspectiva que se llevó a cabo durante el Renacimiento. 
 
Pinta al fresco y sus obras más importantes, “La huida a Egipto” y la “Resurrección de 
Lázaro”, destacan por el tratamiento diferenciado de las figuras y los fondos paisajísticos 
 
La huida a Egipto. 
Esta es una de las obras más famosas del artista. 
Representa a José, María y Jesús Niño huyendo a Egipto 
para evitar la persecución de Herodes, que había 
ordenado la matanza de los inocentes. Habían sido 
advertidos en sueños por un ángel, que les marca el 
camino en su huida. 
 
María, montada en un asno conducido por José, lleva al 
Niño sujeto por un pañuelo; del grupo forma también 
parte una figura joven, con la cabeza coronada de hiedra, 
y con una cantimplora al cinto, junto a José y otros tres 
jóvenes por el mismo camino de la caravana. La escena 
aparece descrita conforme se narra en los evangelios 
apócrifos del pseudo Mateo. 
 
 
Adoración de los Magos (GIOTTO) 
Huida a Egipto (GIOTTO) 
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La resurrección de Lázaro. 
La historia narra la Resurrección de Lázaro por orden 
de Jesús, en la pintura aparece Cristo bendiciendo a 
Lázaro, mientras arrodilladas a sus pies se ven a las 
hermanas de Lázaro, Marta y María. A la derecha del 
cuadro se observa la imagen momificada de Lázaro 
sostenida por otros familiares. 
 
El cadáver envuelto en las vendas, entreabre los ojos, 
mientras los presentes manifiestan su estupor. Las 
mujeres tienen el rostro cubierto para evitar el olor de 
Lázaro muerto. El pintor introduce el realismo en su 
obra, representando un tema que muestra su interés, 
por la visualización del dramatismo que quiere explicar 
en la historia, frente al milagro realizado por Cristo. 
 
 
2.3 La pintura gótica en Flandes: Van Eyck y El Bosco. 
En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante 
escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento.Su mayor 
aportación al arte europeo será su progresiva observación de la realidad, que se inspira en la 
escultura y que se verá favorecida por la nueva clientela: la burguesía. Las características 
de este estilo flamenco son: 
 Minuciosidad. Son obras para ser vistas de cerca. Detalles casi microscópicos, hojas 
de un árbol, ciudades lejanas. Son miniaturas unidas en un cuadro. 
 Naturalismo. Representación veraz de la realidad sin idealizaciones como en Italia. 
Los rostros son de personas con nombres y apellidos, con sus fealdades. La anatomía es 
perfecta, la visión casi fotográfica en matices y texturas. 
 El paisaje. Se convierte en el protagonista. Muchas veces la escena interior se abre al 
paisaje exterior a través de una ventana. En multitud de obras el paisaje se convierte en 
el tema de representación fundamental. 
 Gusto por los objetos, por lo concreto de la vida cotidiana. Son habitaciones pequeñas 
repletas de objetos de uso común, muebles, alfombras, cuadros, objetos que señalan 
también un cierto nivel de vida burguesa y entre los que destaca siempre el tejido. 
 La técnica. Predomina la pintura sobre tabla con la utilización del óleo que permite 
veladuras, trasparencias y minuciosidad. 
 La luz. Es uniforme, natural, sin estudio. 
 La composición. Tiende siempre a ser sencilla, simétrica y jerarquizada. Lo más 
importante en primer término y de mayor tamaño. 
 Temas. Predomina el religioso, aunque también es frecuente el tema cotidiano, con 
familias burguesas donde la moral inunda de puritanismo todas las escenas: el trabajo 
diario, el matrimonio y la fidelidad… 
 
Jean Van Eyck. 
Jean Van Eyck es el precursor y principal miembro de esta escuela. Se estableció en Brujas 
donde desarrollará todo su trabajo. 
 
La adoración del cordero místico. 
Su mejor obra es El Retablo de San Bavón. Abierto tiene 12 tablas, siete superiores y cinco 
inferiores. Las de arriba representan a Cristo, La Virgen y San Juan en el centro; los ángeles 
cantores y músicos en los laterales; y en los extremos a Adán y Eva. En las tablas inferiores 
se representa la Adoración del cordero místico, que es la escena principal de todo el tríptico, 
a la izquierda los caballeros y jueces de Cristo y a la derecha los ermitaños y peregrinos. 
 
El tema representa la idea del catolicismo místico de la zona. El cordero es Cristo que 
derrama su sangre por todos nosotros. Es la idea de paraíso. La obsesión por el realismo se 
transforma en un detallismo extremo. La minuciosidad es microscópica y se puede seguir el 
pincel con una lupa donde el ojo no llega. 
 
La composición es sencilla, todos los rostros vueltos hacia el centro, hacia el altar. Las 
figuras se reparten por grupos dispuestos ordenadamente. El colorido es brillante y hay un 
equilibrio entre los colores fríos del horizonte y los vivos colores del primer plano resaltados 
sobre un fondo verde. 
Resurrección de Lázaro (GIOTTO) 
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La Virgen del Canciller Rolind. 
En esta obra convierte un tema religioso en unos estudiados 
retratos, dentro de una escena cotidiana y en un escenario 
real. El canciller está arrodillado ante la Virgen y sobre ésta 
hay un ángel. Al fondo una ventana por donde se sale a un 
espacio exterior: un jardín y un fondo dividido en dos por un 
río. El detalle es el mismo para el rostro que para la torre 
campanario del fondo. 
 
La Virgen responde al canon de belleza de la mujer flamenca 
y el donante al canon de hombre de negocios. Detrás del 
donante está la ciudad terrena y detrás de la Virgen la 
Jerusalén celeste, las dos unidas por un puente con siete 
arcos que simbolizan los siete sacramentos. 
 
 
El matrimonio de Arnolfini. 
El cuadro es un certificado de matrimonio por su simbología. 
Es el único retrato doble y de cuerpo entero que conocemos de 
Van Eyck. Corresponde a un rico banquero italiano afincado en 
Brujas y su reciente mujer. En esta obra el pintor recurre a una 
técnica para amplificar el espacio que es revolucionaria: un 
espejo cóncavo en donde aparece reflejado el pintor de frente y 
las espaldas de los dos retratados. El color es brillante, la 
textura de los tejidos es perfecta, la nitidez y minuciosidad de 
todos los objetos es de miniatura. La composición es sencilla y 
simétrica, la luz entra por una ventana a la izquierda pero no 
selecciona y apenas crea sombras, el espacio es interior y el 
estudio de las perspectivas es bueno. Abundan los símbolos. 
Así el perro es el símbolo de la fidelidad, las zapatillas son el 
símbolo de la ocupación del hogar por el varón y la cama es el 
símbolo de lo conyugal. 
 
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 El Bosco. 
Este artista es probablemente una de las figuras más relevantes y extravagantes que 
podamos encontrar en la historia de la pintura europea. Su estilo es anunciador de formas 
manieristas, surrealistas y expresionistas de siglos posteriores, por lo que podemos 
considerarlo como un verdadero precursor del arte de finales del siglo XIX y principios del 
XX. 
 
Pertenece a la segunda generación de pintores flamencos, 
que se extiende a lo largo de la 2ª ½ de siglo XV y principios 
del siglo XVI. Su obra refleja de forma satírica y mordaz la 
sociedad corrompida de su época. Destaca su dibujo preciso 
puesto al servicio de una extraordinaria fantasía, 
antecedente del surrealismo. Entre sus obras destacan: El 
carro de heno, el tríptico El jardín de las delicias. 
 
El carro de heno. 
La escena es una sátira mordaz contra los placeres 
terrenales. Es la alegoría de los placeres que se esfuman 
como el heno. Todos quieren subir al carro a coger heno. El 
carro está tirado por seres increíbles; hay un cura que come 
heno del que le traen las monjas; un abuelo que le dice a su 
nieto que no coma heno; una pareja de enamorados encima 
del carro y Cristo que sale de una nube mirándolo todo con 
agonía y un enorme pesimismo. 
 
El jardín de las delicias. 
El mundo fantástico de sueños imaginarios del 
Bosco alcanza su culmen en esta obra. La 
temática es similar a la del Carro de heno. Es 
un tríptico, una gigantesca alegoría satírica con 
imágenes suprarrealistas. 
 
En el panel de la izquierda aparece una escena 
bíblica, el paraíso terrenal con Adán y Eva. Es 
el principio de la creación, cuando aún no 
existía el pecado. 
 
En el panel del centro está el jardín de las 
delicias, es el centro de la vida sumida en el 
pecado y el placer. 
 
En el panel de la derecha aparece el infierno 
musical, es el final, lo que les espera a los 
hombres en un juicio final. Si se cierra el 
tríptico aparece el mundo en el tercer día de la 
Creación. 
 
El impacto cromático es intenso. Técnicamente El Bosco se manifiesta en este cuadro como 
un pintor muy tradicional, con un carácter miniaturista por el sentido del color y la perfección 
de cada uno de los objetos. El punto de vista está muy alto, como si divisáramos todo desde 
una colina y el horizonte es por ello muy alto. Igualmente descuida el volumen de sus figuras 
porque sólo le interesa la lectura iconográfica. 
 
En cuanto a composición también juega un papel moralista: en el panel de la izquierda, se 
aprecian ciertas simetrías, mientras que en el panel de la derecha, sólo hay un caos 
desordenado y caótico que representa el infierno. 
 
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