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Historia del Arte (2º Bachillerato) 
 
 
 
2º de Bachillerato (BCN) 
Curso 2015_2016 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
ARTE IES Miguel Servet de Zaragoza Jesús Ignacio Bueno Madurga 
Tema 1: 
Introducción 
 
Índice: 
 
1. ¿Qué es el Arte? 
2. Las Artes Mayores: Arquitectura, Escultura y Pintura 
3. Terminología básica 
4. Guión para el comentario de obras de arte 
 
 
 
¿Qué es
el arte?
Definición
No hay una conclusión
definitiva. Se recurre a
aforismos, sentencias y
juegos de palabras.
Dino de Formaggio: “Arte es todo
lo que el hombre llama arte”.
E. Gombrich: “no existe, realmente,
el Arte. Tan sólo hay artistas”.
T. Adorno: “Ha llegado a ser evidente
que nada en arte es evidente”.
El arte es…
... una manifestación cultural marcada por el contexto
social, político, religioso, personal, etc. en el se creó.
… consustancial al ser humano desde su origen.
… común a todas las culturas y sociedades,
vivas o desaparecidas.
… inmortal: no desaparecerá de la sociedad, aunque
transforme (diseño gráfico por ordenador).
… un hecho social: es un medio de socialización del individuo.
Objeto del arte
Transmitir un
significado que
alcance...
... al espectador de su época (ideas,
fantasías, emociones, etc).
... a espectadores de otras
épocas, para los que la obra
sigue vigente por su:
Calidad técnica o simbólica.
Medios (museos, Patrimonio,
instituciones, formación y
educación social).
Función del arte
Decorativa (todo tipo de artes).
Utilitaria (arquitectura y artes decorativas).
Didáctica (pintura religiosa).
Ideológica (pensamiento dominante).
Persuasiva (cartelística, cine).
Arte como forma
de comunicación
(pueden darse varios a la vez)
Obra de arte
Tres "mundos"
Mundo real.
Mundo plástico (técnica y lenguaje artístico).
Mundo de los pensamientos y sentimientos del artista.
¿Qué obra se puede
considerar como arte?
Se define a
posteriori.
La sociedad o determinados grupos
marcan qué obras o actividades se
consideran artísticas.
Calidad artística: técnica, grado de
habilidad, valoración estética…
Capacidad de cambiar su época y seguir
influyendo en las posteriores.
Elementos del
análisis artístico
Percepción
Elementos formales.
Se ha abusado de los aspectos formales (psicólogos de la
forma de la "Escuela de la Gelstat", R. Arnheim).
Hay que considerar otros condicionantes: significados,
contextualización, filtro educativo del espectador.
Estructura o
morfología
Componentes de la obra de arte y disposición de los mismos.
Color, luz, formas, composición, planos, perspectiva…
Significado
Interpretación de la obra de arte.
Iconografía (E. Panovski): símbolos y signos.
Estilo
Del latín stilus (punzón para escribir) del griego stilo (columna).
Elementos comunes a algunas obras de arte en un
determinado tiempo y espacio.
Puede hacer
referencia:
Período (neolítico).
Ambiente cultural (renacentista).
Técnica (impresionista).
Las denominaciones de los
estilos surgen desde el s. XVIII.
Clásico, Postclásico, Románico,
Gótico, Renacentista, Manierista,
Barroco, Rococó, Neoclásico, –ISMOS
de la 2ª ½ del s. XIX y los del s. XX.
Es un
concepto
relativo
A veces coinciden en el tiempo obras de distintos estilos
(Gótico y Renacimiento;
Otras veces son obras de estilos afines realizados en
épocas distantes o en lugares alejados (Gótico medieval
y Neogoticismo del s. XIX).
"Saber mirar" el arte
Conocer los aspectos formales y estructurales (color, forma, luz,
materiales, símbolos, composición… )de las disciplinas artísticas.
Saber leer o interpretar el mensaje o intención en las imágenes.
Valorarlo en relación al momento histórico en que se crea.
Tener en cuenta la recepción actual.
Qué es el arte.mmap - 17/09/2008 -
1 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
11.. IINNTTRROODDUUCCCCIIÓÓNN AA LLAA HHIISSTTOORRIIAA DDEELL AARRTTEE.. 
 
1. ¿Qué es el arte? 
 
La obra de arte es una forma de expresión de las necesidades, ideas o emociones del ser humano; por ello, el arte 
refleja la cultura de una sociedad en cada periodo histórico. 
Las obras de arte de una época histórica tienen entre sí rasgos comunes y diferencias lo que ha llevado a 
clasificarlas por estilos, escuelas, países o periodos. 
 La historia del arte es una disciplina que se centra en el estudio de las artes visuales entre las que destacan las 
Artes Mayores (arquitectura, escultura y pintura) y las Artes Menores o aplicadas (cerámica, orfebrería, 
grabado, mosaico, textiles, etc.) 
 
22..--LLAASS AARRTTEESS MMAAYYOORREESS 
 
22..11.. LLAA AARRQQUUIITTEECCTTUURRAA 
 
Desde su aparición en el Neolítico, y sobre todo en las primeras civilizaciones urbanas, la arquitectura pasa a 
ocupar un lugar fundamental ya que, en general, la pintura, la escultura y las artes aplicadas se subordinan a ella. 
En toda obra de arquitectura debemos tener en cuenta distintos elementos: 
 
a) MMAATTEERRIIAALLEESS. Se empezó utilizando la madera y el adobe
1
; después siguieron el ladrillo, la piedra, el 
yeso, la cal, la arena, etc. El entorno geográfico determinaba la elección de unos materiales u otros. 
 
Adobe y madera Ladrillo Piedra Yeso, madera y ladrillo Nuevos materiales 
 
 
 
 
El ladrillo se empleó en la civilización del valle del Tigris y Éufrates (Mesopotamia) y permitió el desarrollo del 
arco y la bóveda. Por el contrario, en Egipto se explotaron las canteras de piedra caliza, granito y diorita para 
levantar edificios monumentales. 
Las civilizaciones posteriores utilizaron estos materiales variados de diferentes formas. 
La sociedad industrial (S.XIX-XX) introdujo nuevos materiales como el hierro, el acero, el aluminio o el 
hormigón armado que transformaron las técnicas de construcción y la estética de los edificios. 
 
 
b) PPLLAANNTTAA YY AALLZZAADDOO. El edificio se puede contemplar desde puntos de vista distintos. 
 
 La planta es un dibujo arquitectónico de una obra representada en sección horizontal con delimitación de 
macizos y vanos. Recoge la forma del edificio vista desde arriba. 
Las plantas son muy variadas. En el caso de las iglesias, pueden ser según su forma: 
 
 
 
1
 El adobe es una pieza hecha de una masa de barro (arcilla o arena) mezclada o no con paja, moldeada en forma 
de ladrillo y secada al sol. Catalhöyük (península de Anatolia, Turquía), la ciudad más antigua conocida hasta 
ahora, tenía sus casas de adobe. El adobe se empleó con frecuencia en el antiguo Egipto en casas, tumbas 
(mastabas), fortalezas y algunos palacios; por el contrario, para edificios monumentales utilizaron la piedra. 
2 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
Basilical De cruz latina 
 
Está formada por un número 
impar de naves
2
 dispuestas 
longitudinalmente. La nave 
central es más ancha que las 
laterales y termina en un 
ábside o cabecera 
semicircular o poligonal. Las 
naves laterales también 
pueden terminar en un 
ábside. 
Su origen está en la basílica 
romana, un edificio civil, que 
fue tomado como modelo 
por el arte paleocristiano 
para construir sus primeras 
iglesias. Fue la planta preferida en la Edad Media y 
se siguió usando en el Renacimiento y épocas 
posteriores. 
Es un tipo de planta basilical en 
forma de cruz. El brazo 
longitudinal es más largo que el 
transversal (transepto). El lugar 
donde se cruzan los dos brazos 
se llama crucero. El brazo 
longitudinal, y a veces también 
el transversal, se suelen dividir 
en naves siendo la nave central 
más ancha que las laterales. El 
ábside puede complicarse con 
absidiolos (pequeñas capillas). 
Las naves laterales pueden 
prolongarse más allá del crucero 
y rodear por detrás al altar 
mayor, en lo que se conoce 
como deambulatorio o girola. 
Es característica de la cristiandad occidental (románico, 
gótico, etc.) 
Centralizada De cruz griegaSe organiza en torno a un espacio central. Es 
característica de la cristiandad oriental (arte 
bizantino). Se recupera en el Renacimiento. 
 
Tiene forma de cruz con los brazos iguales: la nave y el 
transepto tienen el mismo tamaño. Es característica de la 
cristiandad oriental (arte bizantino). 
 
Planta de salón (Hallenkirche) 
 
Es una planta rectangular con un número impar de naves -3 o 5- con poca diferencia de 
altura entre ellas (ad quadratum). El espacio interior es amplio, unitario y diáfano lo que 
permite albergar a gran cantidad de personas. Su aspecto es de “gran salón”. Se desarrolló 
en el gótico europeo. Sobre todo en Alemania. En España se introduce en el S. XIV y tuvo 
gran difusión en el gótico mediterráneo. 
Planta de la catedral de Palma de Mallorca 
 
 
 El alzado es el diseño de un edificio representado en sección vertical o 
vista vertical de un edificio. 
 
 
2
 Nave. Espacio delimitado por muros o por una fila de columnas, que se extiende a lo largo de un edificio. 
3 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
cc)) LLOOSS EELLEEMMEENNTTOOSS SSUUSSTTEENNTTAANNTTEESS:: MMUURROO,, CCOOLLUUMMNNAA YY PPIILLAARR.. 
 
Su misión principal es la de soportar el peso de la cubierta y, también, dar sentido al espacio construido. En 
algunos edificios se utilizan columnas y pilares simultáneamente. 
 
 Los muros 
Los muros están formados por bloques de piedra o de otros materiales (adobe, ladrillo,…) que pueden 
combinarse entre sí. A los bloques se les llama sillares. Una serie horizontal de sillares se llama hilada. 
La forma en la que se disponen los materiales en el muro se llama aparejo. Puede ser regular (piezas labradas) 
o irregular (piezas sin labrar). 
 
SILLAR 
Es un bloque de piedra u otro material que forma parte de un muro y puede estar o no 
labrado. Hay diferentes formas de colocar los sillares. 
 
A soga A tizón A soga y tizón 
Los sillares se colocan de forma 
horizontal (por su lado más largo). 
Ésta es la forma más habitual. 
 
Los sillares se colocan de forma 
vertical (por su lado más corto). 
 
Los sillares se van alternando: unos se 
coloca a soga y otros a tizón. 
MURO DE SILLERÍA O APAREJO REGULAR 
 
Los sillares son regulares y están bien labrados. Es el modo de construir 
más común, sobre todo en periodos de más calidad constructiva. En el 
Renacimiento y periodos posteriores se usó mucho para palacios, iglesias u 
otros monumentos. El muro de sillería presenta diversas formas. 
 
 
Isódomo Seudo-isódomo Opus reticulatum Opus spicatum 
Las hiladas de sillares 
tienen la misma altura 
Las hiladas de sillares no 
tienen la misma altura 
Los sillares aparecen 
dispuestos en forma de rombo 
Los sillares aparecen 
dispuestos en forma de espiga. 
 
APAREJO ALMOHADILLADO SILLARES RÚSTICOS 
Aparejo regular en el 
que las líneas de unión 
entre los sillares 
aparecen biseladas o 
hundidas para dar 
sensación de relieve. 
Es típico de la 
arquitectura del Renacimiento. Ej: Palacio de 
Carlos V en la Alhambra de Granada. 
Sillares labrados en los 
que una de sus caras se 
deja rugosa, abultada, y 
la apariencia es más 
tosca produciéndose 
normalmente un 
contraste con diferentes 
partes del muro que 
están con sillería. 
4 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
APAREJO IRREGULAR 
MAMPOSTERIA (opus incertum) 
El muro está compuesto por piedras 
irregulares de 
pequeño tamaño 
sin labrar o poco 
labradas (o de 
otros materiales), 
unidas por 
argamasa (mezcla 
de cal, arena y 
agua). Se colocan 
a mano y sin orden. 
 
HORMIGÓN 
Especie de mampostería donde se mezclan piedras menudas, 
barro o cemento. Si sólo contiene barro y escasas piedras se 
llama tapial. 
El hormigón fue utilizado 
por los romanos en muchas 
de sus grandes obras 
arquitectónicas como en la 
cúpula de el Panteón 
La arquitectura moderna 
utiliza habitualmente el 
hormigón armado (hormigón con barras de acero en su 
interior). 
SILLAREJO 
 
 
 
 
 
 
 
 
Sillares irregulares, sin labrar, que resultan del 
poco interés por la construcción o de la mala 
factura. La pared queda a modo de “huecos” al 
estar cada arista de forma diferente. 
Se usaba en las construcciones del arte 
prerrománico y primer románico, en castillos, 
murallas, etc. 
MURO CICLÓPEO 
 
Está formado por sillares sin 
labrar de gran tamaño, colocados 
generalmente sin argamasa (muro 
seco) gracias a una pequeña 
incisión en una de las esquinas 
para que encajen con las otras. 
Un ejemplo son las construcciones 
de Micenas. 
 
 
 La columna es un elemento sustentante vertical, generalmente de forma cilíndrica o de base circular. Su 
diseño varía según las culturas. Se compone generalmente de: 
- Basa. Parte inferior de la columna sobre la que se apoya el fuste. 
- Fuste. Parte de la columna entre la basa y el capitel. Es el elemento principal, de tal forma que muchas 
columnas sólo tienen fuste. 
- Capitel. Parte de la columna situada sobre el fuste, generalmente ornamentado, que recibe 
directamente el peso de los elementos que sustenta. 
 La columna suele tener también función decorativa, sobre todo en el caso de las columnas adosadas al 
muro. 
 
 El pilar está a medio camino entre el muro y la columna. Es un elemento sustentante vertical de sección 
cuadrada o poligonal. Suele tener basa, fuste y capitel. Si aparece adosada al muro recibe el nombre de 
pilastra. 
Partes de la columna Pilar Pilastra 
 
 
5 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
d) ELEMENTOS SUSTENTADOS 
 
Son los que forman la techumbre del edificio o cubierta. La cubierta puede ser adintelada (también llamada 
arquitrabada) o abovedada. 
CUBIERTA ADINTELADA O ARQUITRABADA 
La cubierta es recta o formada por dinteles. 
Un dintel es todo elemento 
constructivo horizontal que salva 
un espacio entre dos apoyos. 
 
En el caso de que el dintel forme parte de un vano (un espacio vacío 
dejado en un muro como puertas o ventanas) se apoya en las jambas. 
Las jambas son los dos apoyos verticales situados en los extremos del 
vano. 
CUBIERTA ABOVEDADA 
La cubierta es curva. Está formada por arcos, bóvedas y cúpulas. 
EL ARCO 
Elemento constructivo curvo. Está formado por piezas 
llamadas dovelas. Su función es trasladar los empujes que le 
llegan verticalmente hacia los laterales. 
La pieza o dovela central se llama clave. La dovela de la que 
arranca un arco o dovela basal se llama salmer. 
Impostas es el saledizo o moldura sobre la que se asienta un 
arco o bóveda. 
Intradós es la parte interior de un arco. 
Extradós. Es la parte exterior de un arco. 
La luz es la anchura de un arco o de un vano. 
La flecha es la altura de un arco o bóveda (desde la clave hasta 
la línea de arranque). 
 
Si el arco cubre un vano se apoya en las jambas. 
 
TIPOS DE ARCOS 
De medio punto 
 
 
 
Arco compuesto por 
media circunferencia 
con un solo centro. La 
flecha es igual a la 
mitad de su luz. 
Utilizado en el arte 
romano, románico, 
renacentista, etc. 
 
Peraltado 
 
 
 
Arco que posee una 
prolongación rectilínea que 
baja la línea de arranque de 
las dovelas. La flecha es 
mayor que la mitad de su 
luz. Utilizado en el 
prerrománico asturiano; y 
en el románico e islámico 
español en algunos casos. 
Apuntado u ojival 
 
 
Arco formado por 
dos segmentos de 
circunferencia que 
se cortan en la 
clave. El intradós es 
cóncavo. Utilizado 
en el arte gótico. 
Arco conopial o flamígero 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Arco apuntado con forma de 
quilla invertida. Lo forman dos 
tipos de curvas: cóncava la 
inferior y convexa la superior. 
Muy utilizado en el gótico 
final. 
6 1.- Introduccióna la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
Escarzano o rebajado 
Arco cuya curva es 
inferior a media 
circunferencia. 
La flecha es menor que 
la mitad de su luz. 
 
Carpanel 
Arco rebajado cuya curva es 
inferior a media 
circunferencia. Se obtiene a 
partir de tres segmentos de 
circunferencia. Se empezó a 
utilizar en el gótico final. 
Rampante 
Arco que tiene sus 
arranques o 
salmeres a distinta 
altura. 
Los arbotantes –
utilizados en el 
gótico- son una 
forma de arcos de 
esta naturaleza 
Angrelado o cairelado 
 
 
 
 
 
 
 
 
Arco que tiene el intradós 
decorado con pequeños lóbulos 
que forman picos. 
De herradura 
Arco cuya curva es mayor de media circunferencia 
En el árabe, el intradós y el trasdós son paralelos; una 
de las dovelas hace de clave. En el visigodo, el trasdós 
es vertical en la zona peraltada; no suelen tener clave. 
Túmido 
Arco de herradura 
apuntado 
Lobulado 
 
 
 
 
 
 
 
Arco formado por entrantes 
circulares llamados lóbulos. Es 
característico de la arquitectura 
musulmana. 
Mixtilíneo 
Arco formado por líneas 
rectas y curvas. 
Característico del arte 
hispano-musulmán 
Ciego 
 
Arco tapiado por un 
muro. 
 
Arco lombardo 
Arcos ciegos con 
función decorativa 
que se prolongan en 
una banda saliente 
del muro. Se usan 
en las torres y 
fachadas del 
románico lombardo 
cuya influencia se extendió por la zona pirenaica. 
Fajón o perpiaño 
 
Arco situado en la bóveda, transversalmente al eje de 
la nave. Divide la bóveda en tramos y soporta en parte 
el peso de la bóveda. El arco fajón descarga el peso en 
los pilares o columnas interiores y en los 
contrafuertes exteriores. 
 
Formero 
 
 
Es un arco que 
discurre 
paralelamente al 
eje longitudinal de 
la nave y separa la 
nave central de las 
laterales. 
Su función es 
sostener los 
muros superiores 
de separación 
entre las naves. 
 
7 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
LA BÓVEDA 
Es una cubierta arqueada, engendrada por una sucesión de arcos, que cubre el espacio comprendido entre 
muros, pilares o columnas. 
Bóveda de cañón 
Surge de la sucesión de arcos de 
medio punto a lo largo de un eje 
longitudinal. Se utiliza en el arte 
románico y otros muchos. 
Bóveda de arista 
 
 
Se forma por el cruce 
perpendicular de dos bóvedas de 
cañón. Se divide en cuatro cuartos 
y las aristas son la intersección. Se 
utiliza en el arte románico. 
Bóveda de horno 
 
 
 
 
Tiene forma de cuarto de esfera y 
suele cubrir el espacio semicircular 
del ábside. 
 
Bóveda de crucería 
 
Bóveda que se forma por el 
cruce de dos bóvedas formadas a 
partir de arcos apuntados. Cuenta 
con cuatro nervios que van desde 
la clave a los arranques. Es 
característica del arte gótico. 
Bóveda sexpartita 
 
 
 
Bóveda de crucería que posee un 
nervio transversal que pasa por la 
clave dividiéndola en seis partes 
Bóveda estrellada 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Bóveda de crucería en la que además 
de los nervios diagonales hay otros en 
diferentes direcciones que forman 
estrellas. Es característica del gótico 
final. 
De abanico 
Bóveda de crucería cuyos 
nervios parten unidos del 
arranque y se separan a medida 
que se alejan de éste. Los nervios 
tienen forma de abanico o ramas 
de una palmera. Es característica 
del gótico final. 
De crucería califal 
 
 
Bóveda formada por arcos 
cruzados que dejan en el centro un 
cuadrado o polígono. 
Baída 
 
 
 
Bóveda esférica cortada por cuatro 
planos verticales, cada dos de ellos 
paralelos entre sí. Se utilizó en el 
Renacimiento. 
8 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
Cúpula 
Cubierta con forma semiesférica 
o similar generada por la 
rotación de un arco. Suelen 
recibir el nombre del arco que la 
describe, excepto cuando es de 
medio punto que se llama 
semiesférica o de media 
naranja. Para conseguir mayor 
altura puede apoyarse en un 
tambor (estructura en forma de 
anillo o polígono sobre la que se 
apoya la cúpula) y estar 
coronada por una linterna 
(construcción con ventanas que se dispone sobre una cúpula para 
dejar que entre la luz). La cúpula puede apoyarse directamente en el 
muro (caso del Panteón romano) o sobre pechinas y trompas, que 
permiten pasar de un espacio circular a otro cuadrado o rectangular. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
La pechina es un triángulo esférico que 
sustenta una cúpula, permitiendo pasar 
del cuadrado al círculo. Es una herencia 
de la arquitectura bizantina. 
 
La trompa es una bovedilla cónica que 
permite la transición de un espacio 
cuadrado al circular y poder cubrirlo con 
cúpula. 
Cúpula gallonada 
 
 
Cúpula compuesta por segmentos o 
gallones similares a los gajos de 
una naranja. 
Cúpula nervada 
Cúpula que aparecen con nervios 
 
ee)) LLOOSS SSIISSTTEEMMAASS CCOONNSSTTRRUUCCTTIIVVOOSS 
 
Los más habituales son: 
 
 Arquitectura adintelada o arquitrabada. Este tipo de arquitectura se basa en el uso de columnas y pila-
res que sujetan cubiertas rectas (dinteles). Un ejemplo son los templos egipcios y griegos. 
 
 Arquitectura abovedada. La cubierta es curva y utiliza el arco, la bóveda y la cúpula como forma de 
cubrir los edificios. Un ejemplo es la arquitectura románica y gótica. 
 
 Arquitectura basada en el uso de nuevos materiales. A partir del siglo XIX, el uso de nuevos materiales 
de construcción, como el acero, el hierro o el hormigón armado, dio lugar a un sistema constructivo distinto 
en el que la estructura del edificio se sustenta en un «esqueleto» interno. De esta manera, los muros dejan 
de tener su función de sujeción y pueden ser sustituidos por materiales frágiles, como el cristal, e incluso 
desaparecer. 
 
 
 
9 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
 GUIÓN PARA COMENTAR UNA OBRA DE ARQUITECTURA 
 
1.-Identificación de la obra 
 
- Identificación del autor y la obra. Localización en el tiempo y en el espacio. Estilo. ¿Qué tenemos delante?: 
exterior ó interior; fachada, planta, alzado etc. 
- Tipología del edificio (funerario, civil, religioso,....) 
 
2.-Descripción del edificio (análisis formal) 
 
- Materiales: piedra, ladrillo, madera, hormigón, cristal, etc. y sus cualidades. 
- Elementos sustentantes. Son los soportes. El soporte puede ser: 
o Continuo: el muro (en él se analizar: cómo está aparejado, es decir la forma en que se disponen los 
materiales (sillar, sillarejo, mampostería, ciclópeo...); si tiene vanos y las características de tales 
vanos: puertas, ventanas, rosetones, óculos...; si predomina el vano o el macizo. 
o Discontinuo, (hay que señalar: tipo: columna, pilar, pilastra, contrafuerte,...; partes y características 
- Elementos sostenidos. La cubierta, que puede ser: adintelada o arquitrabada, abovedada (en tal caso, analiza: 
 forma, características y función de los arcos, tipo de bóveda, forma y disposición del tejado), artesonado 
(estilo mudéjar y edificios españoles de otras épocas de influencia mudéjar) 
- Elementos decorativos. Debes especificar: tipos de elementos decorativos (escultura, relieve, pintura, 
yeserías...; elementos arquitectónicos usados para decorar: arcos ciegos, columnas adosadas...; molduras); 
lugar en que se ubica la decoración; escasez o predomino de lo decorativo sobre lo constructivo; integración 
de la decoración en las formas arquitectónicas (resalta las formas, las enmascara...) o empleo de lo decorativo 
como mero adorno 
- Características de la planta, indicando su tipo (longitudinal, central...), sus componentes y sus proporciones. 
- Alzado del edificio (cuando se trate de un interior y muestre peculiaridades en altura) 
-El espacio interior. Puedes analizar: cómo está organizado: compartimentado o unitario; cerrado o abierto 
(integrado con el exterior); si tiene direccionalidad (espacio-camino); si es dinámico (nos invita a recorrerlo) o 
estático; sus proporciones: si es equilibrado o predomina la horizontalidad o la verticalidad, si es monumental 
o intimista...; la luz como elemento espacial (distribución de los vanos, zonas más iluminadas y zonas en 
penumbra, luz natural o coloreada) 
 
3.-Análisis estilístico. Relación de la obra con la época histórica y cómo se refleja ésta en el edificio (análisis 
iconográfico y sociológico) 
- Clasificación de la obra en su estilo, identificando los rasgos que refleja del mismo. Identificación de la obra y 
de su autor en el marco de dicho estilo. 
- Función de la obra (religiosa, conmemorativa, militar...) explicando por qué y para qué se hizo, y si la obra es 
adecuada a su función. Circunstancias económico-sociales y políticas del momento en relación a la obra y 
circunstancias concretas de su realización. 
 
EJEMPLO DE COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARQUITECTURA. EL PANTEÓN DE AGRIPA 
1.- Identificación de la obra. 
Es el edificio de la época romana mejor conservado de Roma. (S. II). 
- Historia del edificio. La construcción se inició en la época de Augusto por 
mandato de su yerno y ministro Agripa como homenaje al emperador –tal como 
indica la inscripción en el friso del pórtico en la que también aparece la fecha de 
ejecución (27 a.C.). Después de varios incendios fue reconstruido totalmente en 
la época de Adriano en el S. II (115-127). El emperador, hombre culto y amante 
de la arquitectura, participó en su diseño. A pesar del saqueo de los bárbaros 
(410), se salvó de la destrucción gracias a que el emperador bizantino Focas que 
en el año 608 lo donó al papa Bonifacio VI que lo convirtió en la iglesia 
cristiana de Santa Mª de los Mártires. Es el primer caso de templo pagano 
convertido en cristiano. 
En el S. XV se enriquece con frescos y en el S. XVI sirvió de sepulcro para 
grandes artistas como Rafael y Vignola. En el S. XIX fueron enterrados los reyes Víctor Manuel II y Humberto I. Hoy día, 
sigue siendo una iglesia y panteón de hombres ilustres. A pesar de las reformas y añadidos, se casi íntegro: la estructura 
del edificio, los mármoles del suelo y de la parte inferior del muro y las puertas de bronce son originales. 
10 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
- Autor: El autor se desconoce, aunque se ha atribuido al famoso Apolodoro de Damasco, un gran ingeniero y arquitecto 
que trabajo en Roma para Trajano, pero no es tan seguro que lo hiciera para Adriano. 
- Tipología. Es un templo con un pórtico de entrada octástilo (8 columnas) de inspiración griega. La cella o sala interior es 
redonda y cubierta por una cúpula lo que es una novedad en la arquitectura religiosa (se había utilizado ya en salas de las 
termas). 
2.-Descripción del edificio (Aspectos formales) 
- Materiales. Hormigón en el muro, piedra pómez en la cúpula, ladrillo en los arcos, granito y mármol 
en la fachada y mármol de diversos colores en el recubrimiento interior. 
- La planta consta de dos partes: 
o Pronaos o pórtico de acceso asentado sobre un crepidoma de 5 escalones. Está dividido en 
tres naves: la central conduce a la cella y las laterales son dos cuerpos alargados que termina 
en grandes nichos. 
o Cella de planta circular y gruesos muros con retranqueamientos (entrantes) semicirculares o 
rectangulares. 
- El alzado. El pórtico con columnas está rematado por un frontón liso. El cuerpo circular es un 
cilindro con 43,20 m. de diámetro coronado por una cúpula. 
- Utiliza dos sistemas constructivos: el arquitrabado de inspiración griega en la fachada dando solemnidad al edificio y el 
abovedado que utiliza experiencias constructivas de la arquitectura civil (termas). La mezcla de los dos sistemas es una 
creación romana y, en este caso, produce un efecto sorpresa. 
o Los soportes o elementos sustentantes son: en el pórtico, las columnas y pilastras corintias; en la rotonda, el 
muro –muy grueso pero no continuo- sin vanos (excepto en la puerta de entrada) y ocho grandes pilares –en 
parte huecos- disimulados en el espesor del muro por lo que parece que son las finas columnas las que hacen la 
función sustentantes cuando en realidad éstas tienen una función más decorativa que estructural. 
o La cubierta o elementos sostenidos son: en el pórtico: una armadura de madera a dos aguas (la original de 
bronce fue expoliada por el papa Urbano VII para hacer los cañones del castillo de Sant´Ángelo); en el pequeña 
tramo de entrada, una bóveda de cañón; en el interior, una cúpula semiesférica. 
La cúpula se apoya sobre un tambor cilíndrico con macizos y vanos alternados, arranca 
de una cornisa situada en la mitad de la altura total del edificio y acaba en un óculo redondo 
de iluminación; al elevarse se adelgaza y aligera gracias al material que se usa (piedra pómez) 
y a los casetones decorativos (huecos geométricos). Ha resistido hasta ahora gracias a un 
complejo sistema de reparto de peso con un esqueleto interno de arcos de descarga que 
trasladan el peso de la cúpula a los pilares. Los arcos 
de descarga se pueden observar en la parte posterior 
del edificio al haber desaparecido el revestimiento 
original. La compleja estructura queda oculta dando 
un aspecto de ligereza al aparentar que la cúpula se apoya en finas columnas. 
- Elementos decorativos. En el exterior son escasos porque se proyectó en un 
entorno urbano que apenas permitía apreciarlo. En la fachada: el friso tiene una 
inscripción de Agrippa en letras de bronce, el arquitrabe otra inscripción 
posterior, el frontón debió estar decorado con estatuas de bronce que se han 
perdido. El resto del muro se decora con unas simples cornisas. 
 Por el contrario, el interior es de gran riqueza decorativa, refinamiento y 
colorido. El muro está adornado con elementos arquitectónicos (columnas, 
entablamentos, frontones, etc.) realizados en mármol de distintos colores. La cúpula está decorada con casetones que 
acentúan su forma esférica ya que en cada círculo son de menor tamaño. En la parte superior, el casquete se ha dejado 
libre y el óculo se enmarca con un anillo. El pavimento está decorado con figuras geométricas. 
- El espacio interior es estático y grandioso, con predominio de la línea curva. Las proporciones son colosales pero es 
un ejemplo de armonía y equilibrio porque la cúpula es una esfera perfecta, por la simetría axial (simetría en torno a 
un eje) y por la alternancia rítmica: sucesión de macizo-hueco y de columnas y pilares en la parte baja del muro; en el 
tambor se suceden macizos cuadrados y vanos rectangulares con frontón triangular frente al circular del piso inferior. 
- La iluminación, cambiante a lo largo del día, es difusa produciendo una sensación de tranquilidad. 
 
3.- Análisis estilístico 
- Se trata de un edificio típico de la arquitectura romana por el dominio de las técnicas arquitectónicas, la solidez, la 
monumentalidad y la variedad de materiales que reflejan un espíritu utilitario y la importancia del espacio interior. Es 
propio del Alto Imperio (S. II), el periodo de madurez del arte romano. 
- La función del edificio es religiosa. Se trata de un templo dedicado a diversas divinidades celestes de la 
mitología romana cuyas estatuas estarían colocadas en los siete nichos. El edificio parece simbolizar la tierra y la esfera 
celeste donde el óculo parece el sol y parece estar concebido para unir al hombre con la divinidad, pero también con el 
emperador que era considerado un dios. Por tanto, une la finalidad religiosa y política como es habitual en la arquitectura 
romana. Ha tenido gran influencia en la arquitectura occidental siendo el punto de partida de las cúpulas posteriores. En 
ella se inspiró el arte bizantinoy Brunelleschi para hacer la de la catedral de Florencia, el Barroco y hasta el S. XIX. La 
influencia llegó hasta los EEUU. 
11 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
2.2. LA ESCULTURA 
 
La escultura es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia, 
representando en volumen figuras de personas, animales u otros objetos de la naturaleza o asuntos de la 
imaginación del escultor. Dentro de la escultura hay que diferenciar entre dos fórmulas: 
 Exenta o de bulto redondo: es la que permite contemplar una figura desde cualquier punto de vista a su 
alrededor. Si sólo representa la cabeza y la parte superior del tórax se llama busto -generalmente retratos-. 
Si representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas se llama torso. 
 Relieve: es una escultura no exenta. Se llama altorrelieve si sobresale del fondo más de la mitad del 
volumen de las figuras y bajorrelieve si las figuras sobresalen menos de la mitad del fondo. 
Exenta o bulto redondo 
 
Alto relieve 
 
 
Bajorrelieve 
 
En el análisis de una escultura hay que tener en cuenta: 
a) Técnicas artísticas 
 El modelado: Usa materiales blandos (barro, cera, etc.) y se trata de ir añadiéndolos. 
 La talla: Supone la eliminación del material hasta dar forma y volumen a la figura. 
 La fundición: Se inyecta en un molde material líquido fundido al fuego (bronce, hierro…) o licuado con 
agua (cemento...). 
 Soldadura. Se unen distintas partes metálicas. Es propia de la época industrial. 
 Policromía: Consiste en aplicar color a la pieza, lo que ha sido habitual en todas las culturas. En el caso de 
la madera se utilizan técnicas como el estofado (se utilizan panes de oro debajo y color encima para 
después raspar o bruñir y que la policromía resalte) 
b) Materiales. La utilización de distintos materiales para la realización de una escultura es determinante, ya que 
cada uno proporciona una calidad táctil diferente, transmitiendo sensaciones distintas. La calidad depende del 
material y el tratamiento (superficies finas, pulidas, aristadas, rugosas…). Los empleados habitualmente son: 
madera, bronce, mármol, hierro, terracota, marfil, hueso, etc. 
c) Volumen: espacio ocupado por la masa escultórica. Toda escultura implica un volumen pero cuando la 
escultura ha estado muy ligada a la arquitectura (ej. románico) creaba poco espacio a su alrededor (frontalidad). 
Por el contrario, en otros periodos (época clásica, gótico) adquieren volumetría, lo que permite observarlas 
desde distintos puntos de vista. 
d) Movimiento: las figuras se pueden disponer de forma estática, rígida e inmóvil (crean sensación de 
inaccesibilidad y alejan al espectador) o en forma de movimiento en potencia (figuras quietas, pero con fuerza 
contenida) o de movimiento en acto (conseguido por multiplicación de líneas, ritmos ondulados, posiciones 
inestables, etc.) 
e) Composición: está determinada por el deseo o no de movimiento. Puede adoptar distintas estructuras: 
diagonal, piramidal, geométrica, etc. que se pueden resumir en dos tendencias. Cerrada: la escultura se recoge 
sobre si misma limitando su movimiento -se suele encuadrar en una figura geométrica simple (ej. pirámide)-. 
Abierta: la escultura se abre al exterior (miembros que se estiran o agitan). 
f) Proporción: en unas épocas se ha entendido que la belleza había de ajustarse a unos cánones que establecían 
un equilibrio entre las partes y una semejanza con la realidad; pero en otras épocas se han buscado la 
desproporción o la deformación de las figuras con fines expresivos. 
g) Masa: Se refiere a la sensación de peso que provoca la visión de una escultura. Es una apreciación intelectual 
por la que nos parece que una figura puede ser pesada, rotunda, compacta o por el contrario, liviana, ingrávida. 
h) Luz: luminosidad homogénea o contrastada (juego de luces aprovechando la textura y la forma de la obra 
(pliegues, trépano en el cabello,...); posible función de la luz en la obra: aumento de la expresividad, el 
dramatismo. 
12 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
GUIÓN PARA COMENTAR UNA ESCULTURA 
 
1.-Identificación de la obra: 
 
- Identificación del escultor y su obra. Localización en el tiempo y en el espacio. 
 
- Tipología de la obra: bulto redondo o relieve (alto, medio bajo), su posición (sedente, orante, yacente), si es de 
cuerpo entero, busto o cabeza. 
 
- Tema: descripción del asunto. 
 
2.- Análisis de los elementos formales: 
 
- Materiales: piedra, barro, madera, marfil, bronce, etc. 
 
- Técnica: tallado, fundido, modelado, etc. (No es imprescindible) 
 
- Modelado y textura (lisa o rugosa, blando o duro, inacabado, etc.). 
 
- Forma de expresión: antinaturalismo, naturalismo, naturalismo idealizado, expresividad, ausencia de 
expresividad. 
 
- Volumen: frontalidad o volumetría. 
 
- Movimiento: estatismo y rigidez, movimiento en potencia o dinamismo. 
 
- Composición: Cerrada y abierta. Estructuras: diagonal, piramidal, geométrica, etc. 
 
- Proporción: equilibrio o desequilibrio. 
 
- Masa: pesada o compacta y ligeras o ingrávidas. 
 
- Luz: luminosidad homogénea o contrastada (juego de luces aprovechando la textura y la forma de la obra 
(pliegues, trépano en el cabello,...); posible función de la luz en la obra: aumento de la expresividad, el 
dramatismo. 
 
- Color: policromía o no, tipo (estofado), función del color 
 
3.-Analísis estilístico 
 
- Clasificación la obra en el estilo a que pertenece, identificando los rasgos que refleja del mismo. Identifica 
la obra y su autor. Explica qué rasgos estilísticos propios del artista encuentras en esta escultura. 
 
- Función de la obra (decorativa, religiosa, mágica, propagandística...). 
 
- La obra, reflejo de la época. Circunstancias históricas en que se realizó. Circunstancias concretas de su 
realización (papel de los mecenas). 
 
- Aportación de la obra al arte de su tiempo o al arte universal. 
13 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
EJEMPLO DE COMENTARIO DE UNA ESCULTURA. Apolo y Dafne de Bernini 
 
1. Identificación de la obra 
- Autor: Gian Lorenzo Bernini (1598-1690), gran escultor y arquitecto del 
barroco italiano que realizó gran parte de su obra al servicio de los Papas. Esta 
obra fue encargada por el cardenal Borghese, realizada en el S. XVII (1621-
1623) y se expone en la Galería Borghese en Roma. 
- Tipología. Es un grupo escultórico bulto redondo, de cuerpo completo y de 
tamaño real. 
- Tema. Se trata de un tema mitológico griego, recogido de las Metamorfosis de 
Ovidio: el mito de Apolo y Dafne. 
Eros (Cupido), dios del amor, muy ofendido con Apolo porque éste se había 
burlado de sus cualidades como arquero, decidió vengarse lanzando dos flechas: 
una, que provocaba el amor a primera vista, hacia Apolo; y la otra, que 
provocaba rechazo, hacia la ninfa Dafne, hija Peneo, dios del río. Apolo persigue 
a la ninfa y ésta huye despavorida pero, viéndose a punto de caer en manos del 
dios, pide ayuda a su padre y éste la convierte en laurel. Apolo decidió convertir 
el laurel (Dafne significa laurel en griego) en su planta sagrada con la que se 
coronaba a los vencedores en los juegos griegos. 
La obra capta el instante de máxima tensión al elegir el momento justo en que 
comienza la metamorfosis. De los dedos y cabellos brotan ramas y hojas, de sus 
pies nacen raíces mientras su cuerpo se va cubriendo de la corteza del tronco. 
Según el lugar desde donde se observe a la ninfa aparece como humana o como 
arbusto. 
2. Análisis de los elementos formales 
- Materiales y técnica. Es una obra tallada en mármol. 
- La forma de expresión es el naturalismo idealizado clásico pero, frente al 
estatismo y la serenidad renacentista, se busca sobre todola expresividad y el 
movimiento. 
La obra es de gran dramatismo y teatralidad: Dafne expresa terror y Apolo 
perplejidad ante lo que ocurre ante sus ojos 
El movimiento es una característica fundamental de la obra que se manifiesta en 
forma de dos movimientos contrapuestos: el impulso hacia delante del dios, 
acentuado por los movimientos opuestos de piernas, brazos y túnica –hacia delante 
y hacia atrás-; frente al movimiento ascendente en "serpentinata" de la joven 
Dafne. 
- La composición tiene como fin acentuar el dinamismo. Se organiza en torno a dos 
curvas, formadas por los cuerpos que se unen en el suelo, y una diagonal en forma 
de aspa (diagonal barroca) formada por los dos brazos. Con esta composición se consigue un espacio abierto –
el espectador ha de dar la vuelta en torno a la figura si quiere contemplar la metamorfosis en su totalidad- y 
dinámico – las curvas y diagonales acentúan el dinamismo de los paños y cabellos. 
- El modelado del mármol aumenta la expresividad de la obra: el cuerpo de la joven tienen una textura pulida y 
brillante frente a la textura rugosa de las raíces y la corteza que empieza a cubrir la superficie del cuerpo de la 
joven es pulida y brillante. 
- La masa también presenta contrastes: la figura de Dafne es más ingrávida y la de Apolo algo más pesada. 
- La proporción de las figuras sigue el canon clásico siete cabezas y media creado por Lisipo cuyo resultado es 
un cuerpo proporcionado pero esbelto. 
- La luz se utiliza para acentuar el dramatismo de la escena mediante los contrastes violentos de luces y 
sombras en los pliegues del manto de Apolo o en la hojarasca del pelo de la joven y suaves en la superficie de 
la piel de los cuerpos de ambos. 
3. Análisis estilístico. 
Es una escultura típica del Barroco por el dinamismo y expresividad; por la captación de un momento fugaz y por 
los múltiples contrastes. Su finalidad es estética. 
 El arte barroco es la expresión de una época de crisis e inseguridad en la que se ha abandonado la confianza en la 
razón y la obra de arte se dirige a conmover a los sentidos. En este sentido, Bernini se muestra como un genio de la 
escultura por su capacidad para representar las emociones y el movimiento y por su maestría en el tratamiento del 
mármol 
 
14 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
2.3. LA PINTURA 
 
La pintura es una representación sobre una superficie plana mediante la línea y el color. 
- La materia pictórica la forman varios elementos: el soporte (muro, lienzo, madera, papel….); el colorante o 
pigmentos minerales o químicos y el aglutinante o elemento que se añade al colorante para que se pueda 
aplicar. Entre otros, se han utilizado agua, clara de huevo, aceite, etc. 
La pintura contemporánea ha añadido además a la materia pictórica elementos que hasta ahora eran extraños al 
lenguaje de la pintura, tales como arena, trapos, metal… 
Todos estos elementos dan a la pintura una textura (lisa, pastosa, mate, brillante, rugosa) que a veces llega a ser 
tan densa que se habla de pintura matérica. 
 
a) Técnicas pictóricas. Existen técnicas diversas que varían según el soporte, el efecto y los materiales. Las más 
utilizadas son: 
- Fresco. Técnica muy utilizada desde la Antigüedad para pintar sobre muro. Consiste en preparar la pared con 
una capa de yeso (enlucido) y aplicar sobre ella los colores, disueltos en agua, mientras todavía está “fresco” o 
húmedo y tierno. 
- Temple. Técnica de pintura en la que los pigmentos de color se disuelven en un aglutinante viscoso, espeso, 
como puede ser la clara de huevo. Se utiliza sobre tabla o muro. Es característica de la pintura medieval 
europea y de los iconos bizantinos. 
- Óleo. Técnica de pintura que consiste en disolver los colores en un aglutinante oleoso, como el aceite de linaza, 
el de nuez o aceites animales. Se utiliza sobre tabla. La técnica fue desarrollada por Jan Van Eck (escuela de 
los primitivos flamencos) y se convirtió en la técnica más frecuente a partir del S. XVI. Fue una novedad 
respecto al temple ya que permite retocar y corregir. 
- Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca cantidad de aglutinante (goma, baba de caracol, 
glicerina...). 
- Collage. Técnica utilizada en la pintura contemporánea en la que se mezclan materiales de uso cotidiano 
(periódicos, cartones o plásticos) que se combinan en ocasiones con la pintura. 
- Acrílica. Pintura de origen plástico que se seca con facilidad. Se usa en el arte contemporáneo. 
 Adoración de los Pastores. Fresco del 
Panteón de los Reyes de San Isidoro de León 
Duccio. Madonna Rucellai. Temple 
sobre tabla. 
Jan Van Eyck. El matrimonio 
Arnolfini. Óleo sobre tabla. 
 
 
 
Turner. Castillo de Bamborough. 
Acuarela 
Picasso. Naturaleza muerta con silla 
de rejilla. Collage (óleo, hule y pastel) 
Andy Warhol. Marilyn Monroe. 
Pintura acrílica. 
 
 
15 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
b) La línea: Permite la identificación y el reconocimiento de las formas. Tiene un valor esencial en la transmisión 
de un mensaje pictórico. Según su trazo varía la expresión plástica: 
- Continuo y cerrado = descriptivo. 
- Grueso y vehemente = expresivo. 
- Abierto = imaginativo y poético. 
- Curvilíneo = sensualidad. 
Además, el trazo predominante en una obra tiene un significado simbólico: los trazos verticales se suele 
identificar misticismo; los triangulares, equilibrio; si son circular, perfección, etc. 
 
c) El volumen: Es una ficción en la pintura, ya que ésta es siempre bidimensional; pero, si el autor quiere 
transmitir una sensación de tridimensionalidad, lo hace modelando las figuras mediante la luz, el color, la línea, 
etc. 
d) La perspectiva: Trata de simular profundidad (la tercera dimensión) en todo el conjunto del cuadro (el 
volumen solo lo crea en un objeto) ya que la obra se concibe como una ventana a través de la que se enseña la 
realidad. En la Edad Media apenas se tenía en cuenta la perspectiva ya que el arte era simbólico y no pretendía 
ser un reflejo de la realidad; pero en ocasiones se representaba la distancia disminuyendo el tamaño de los 
objetos del segundo plano. En el Renacimiento se ideó la perspectiva lineal gracias a una fórmula matemática 
que simulaba la profundidad trazando líneas que forman una pirámide, cuyo vértice es el punto de fuga de las 
mismas. La perspectiva aérea es una aportación de Leonardo da Vinci y consiste en modificar los contornos de 
los perfiles y objetos en la distancia, difuminar las figuras del fondo, etc. 
 
e) El color: Es la esencia de la pintura. Los artistas usan el color como forma de expresión. Existen colores 
primarios (que no son fruto de ninguna mezcla: amarillo, rojo, azul), los secundarios, surgen cuando los 
primarios se mezclan entre sí (anaranjado: amarillo + rojo, violeta: azul y rojo; verde: amarillo y azul, etc.). 
Los colores se dividen a su vez en cálidos (amarillo, anaranjado y rojo) que expanden luz y avanzan hacia el 
espectador (se utilizan generalmente para provocar emoción); y fríos (violeta, azul y verde) que absorben la luz 
y se alejan del espectador (se utilizan para provocar una reflexión intelectual) 
Los colores tienen un valor simbólico que varía según las culturas o la psicología de los artistas (ej: el blanco y 
el azul han simbolizado la pureza; el negro, la muerte; el rojo, la pasión.) 
 
f) La luz: Es algo irreal o ilusorio que el artista utiliza como elemento de expresión o composición. Así, una luz 
clara y homogénea transmite equilibrio; la contrastada refuerza la expresividad y el movimiento; la oblicua la 
profundidad y el movimiento. 
 
g) La composición: Determina la ordenación de todos los elementos en el conjunto del cuadro. Como en la 
escultura predominan dos tendencias: cerrada y abierta. Se organizan de múltiples formas: piramidal(transmite armonía y equilibrio), diagonal (movimiento), simétrica (orden y claridad), etc. Cada estilo tiene 
preferencia por un tipo de composición. 
 
16 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
 GUIÓN PARA COMENTAR UNA OBRA DE PINTURA 
 
1.-Identificación de la obra: 
- Identificación del pintor y de la obra. Fecha de ejecución. Dimensiones. Lugar de conservación. 
- Tipología: indica si se trata de un cuadro de caballete, de una pintura mural, de pintura sobre tabla, de una 
miniatura, de un relieve pintado... 
- Género: pintura abstracta o figurativa. Y si es ésta última: retrato, naturaleza muerta (bodegón), paisaje, 
escena religiosa o mitológica, histórica, pintura de género (escenas de la vida cotidiana), etc. 
- Tema. Descripción de ambiente, personajes (naturalistas, idealizados,...), objetos representados, etc. 
 
2.-Análisis de los elementos formales: 
- Técnica utilizada: dibujo, acuarela, fresco, óleo, grabado, etc. y si eso se refleja o influye en la obra de 
alguna manera. 
- Forma de expresión: antinaturalismo, naturalismo, naturalismo idealizado, expresividad, ausencia de 
expresividad. 
- La composición: distinguir planos ayudándose de la perspectiva. Luego buscar las grandes líneas 
directrices, señalando la sensación de equilibrio o de movimiento, así como los tipos de figuras 
geométricas que forman las masas (rectángulo, cuadrado, círculo, triángulo, espiral, etc.). 
- El color: caracterizar la paleta empleada, buscando colores dominantes, tonalidad de conjunto (cálida o 
fría) y la pincelada (espesa o ligera). 
- La luz: observar si es natural o artificial, si es homogénea (colores planos, sin gradación) o si se buscan los 
contrastes. Focos de luz. 
- La línea: fijarse en si el dibujo es neto o flojo, si es enérgico o delicado, es decir, si predomina la línea o el 
dibujo (pictórico). Cómo son esas líneas, muy marcadas, poco, etc. 
- El volumen. Los objetos tienen apariencia de corporeidad, de tridimensionalidad. Cómo se consigue: uso 
de la luz y sus contrastes, el color, uso de los escorzos (figura o parte de la misma dispuesta en posición 
oblicua o perpendicular al plano, para conseguir la tercera dimensión). 
 
3. Análisis estilístico: 
- Clasifica la obra en el estilo a que pertenece, identificando los rasgos que refleja del mismo. Identifica la 
obra y su autor. Explica qué rasgos estilísticos propios del artista encuentras en esta pintura. 
- Función de la obra (decorativa, religiosa, mágica, propagandística...). 
- La obra, reflejo de la época. Circunstancias históricas en que se realizó. Circunstancias concretas de su 
realización (papel de los mecenas). Mensaje que se quiere transmitir. 
- Aportación de la obra al arte de su tiempo o al arte universal. Influencias posteriores. 
 
EJEMPLO DE COMENTARIO DE UNA PINTURA: ÁBSIDE DE SAN CLEMENTE DE TAHULL 
 
1.- Identificación de la obra 
 
- Identificación. Se trata de una pintura mural que representa 
al Pantocrátor y otras figuras del Nuevo Testamento. 
Se localiza en iglesia de San Clemente de Tahull en el 
valle pirenaico de Bohí (Lérida) en el ábside o cabecera de 
la iglesia, lugar que cobija el altar mayor y hacia el que 
conducen todas las líneas. Actualmente se encuentran en el 
Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona, 
conservándose una copia en su localización inicial. 
- Autor. Los autores son desconocidos pero se sabe que a 
este pueblo llegaron a principios del S. XII dos pintores 
italianos, que conocían bien las técnicas de los miniaturistas 
hispanos, y se encargaron de la decoración de los dos 
edificios: Santa Mª y San Vicente. El pintor del ábside de 
San Vicente es conocido como maestro de Tahull por su 
calidad. Los absidiolos serían pintados por otro artista de 
calidad inferior a los dos anteriores. La fecha de su 
realización es 1123. 
17 1.- Introducción a la Historia del Arte. Terminología básica. Guiones para comentar obras de arte. 
 
- Tema: La pintura se encuentra dividida en dos franjas horizontales de distinto tamaño, separadas por una banda 
con textos. 
- La franja superior, que ocupa la bóveda de horno (cuarto de esfera)- representa el cielo y al Pantocrátor 
rodeado por el Tetramorfos, iconografía característica de los ábsides y tímpanos románicos. 
El Pantocrátor o Cristo en Majestad aparece sentado, sentado, apoyado sobre una franja curvada 
decorada con motivos vegetales que se asemeja al trono. Está rodeado de una almendra o mandorla 
(símbolo de que se encuentra en los dos mundos) en cuya parte superior apoya su cabeza rodeada por un 
nimbo de color blanco (aureola de divinidad). Sus pies se apoyan sobre media esfera que simboliza el 
mundo. Es un Cristo Juez, de mirada penetrante, que alza su mano derecha en actitud de bendecir, con tres 
dedos levantados (se relaciona con el dogma de la santísima trinidad); en la mano izquierda lleva un libro 
con las palabras “Yo soy la luz del mundo” en latín, (símbolo de la divinidad). A un lado y al otro del 
Pantocrátor aparecen las letras griega alfa y omega que indican que Jesucristo es el principio y el fin. 
El Tetramorfo (símbolos de los cuatro evangelistas) rodea al Pantocrátor. En este caso son cuatro ángeles 
los que portan los símbolos: un ángel lleva un libro porque el símbolo de San Mateo es un ángel; y los 
demás llevan: un león (San Marcos), un toro alado (San Lucas) y un águila (San Juan). 
- En la franja inferior –parte cilíndrica del ábside- se representa la iglesia en forma de seis figuras: la 
Virgen con un grial o copa de luz (la Iglesia) y cinco apóstoles que llevan un libro cuyos nombres 
aparecen en la parte superior. Estas figuras aparecen estáticas, colocadas como en un friso y enmarcadas 
por arquillos. 
 
1. Análisis de los elementos formales 
- La técnica es la pintura al fresco, la habitual en la pintura mural. 
- La composición. Las figuras se colocan simétricamente de forma aislada –sin formar escenas- dentro de 
figuras geométricas y en franjas horizontales y verticales según criterios de jerarquía. La composición se 
utiliza para expresar de forma clara el orden divino y a dar un carácter solemne y grandioso a las figuras 
alejándolas del mundo terrenal. 
- La forma de expresión es antinaturalista pero muy expresiva. Se emplea el tamaño jerárquico para 
resaltar la importancia de Cristo; se deforman las partes más expresivas del cuerpo como Las figuras son 
anti naturalistas y muy expresivas: se emplea el tamaño jerárquico para resaltar la importancia de 
Jesucristo, se resaltan las partes más expresivas del cuerpo especialmente los ojos, grandes y de mirada fija, 
y las manos y pies muy alargadas para sugerir espiritualidad. 
- Es una pintura lineal en la que predomina el dibujo. Las figuras están delimitadas por líneas gruesas de 
color negro. Con ellas se representan los rasgos del rostro y se quiere también sugerir una mínima noción 
de bulto en los ropajes. 
- Los colores son puros y vivos, con predominio de las gamas de azules y rojizas, y se extienden llenando 
de forma uniforme las superficies delimitadas por líneas. 
- Es una pintura plana, bidimensional, en la que no hay profundidad ni volumen: no hay paisaje y se 
sugiere el espacio mediante una serie de franjas paralelas de diversos colores que se colocan como fondo. 
Las figuras no tienen volumen ya que los trazados lineales no logran darles corporeidad. El modelado de 
los rostros es muy simple: un punto en el mentón y círculos rojos en las mejillas. 
- La iluminación es clara y se extiende por toda la obra, sin aparecer contrastes de luz y sombra. 
- Se resaltan las partes más expresivas del cuerpo especialmente los ojos, grandes y de mirada fija, y las 
manos muy alargadas. 
 
2. Análisis estilístico 
La obra es uno de los mejores ejemplos de la pintura románica catalana. Su temática, su finalidad, sus 
características formales son típicas del arterománico. La iconografía (Maiestad Domini o Cristo en Majestad) es de 
influencia bizantina, influencia que llega a Cataluña desde Italia. Su contenido es simbólico y su finalidad es 
didáctica: enseñar impresionando y atemorizando a un pueblo analfabeto. 
El arte románico es la expresión de la sociedad feudal medieval, en la que Iglesia y nobleza son las clases 
dominantes, y en la que la Iglesia juega un importante papel cultural y el sentimiento religioso domina la moral y la 
vida en Europa occidental. El arte románico se desarrolla en el S. XI y S. XII en Europa Occidental. Se difunde a 
través de la orden del Cluny y de las peregrinaciones. En España se desarrolla en los reinos cristianos del norte 
(condado de Aragón, en este caso) que empiezan a experimentar una recuperación económica y demográfica que 
les permite iniciar la reconquista, cobrar parias a los musulmanes y con ello financiar el renacimiento artístico que 
supuso el románico. 
Tema 2: 
El Arte Griego 
 
Índice: 
 
 
Temas: 
 
a) Arquitectura: los órdenes clásicos y principales tipologías. 
b) Características y evolución de la escultura griega. 
 
Ilustraciones: 
 
1 Órdenes arquitectónicos 
2 Partenón (planta, exterior, interior, Acrópolis) 
3 Teatro de Epidauro 
4 Friso de las Panateneas de Fidias 
5 Doríforo de Policleto 
6 Laocoonte y sus hijos 
 
 
 
 
INTRODUCCIÓN AL ARTE GRIEGO 
Marco histórico‐geográfico 
 Grecia = nombre romano de la Hélade (s). 
 Mediterráneo  oriental:  Grecia,  costa  Jonia  (Éfeso, Mileto,  Halicarnaso…),  Creta,  Islas  Egeo, Magna 
Grecia (Siracusa, Agrigento…). 
 Colonias en otras zonas del Mediterráneo (Hispania). 
 Orografía  
 Importancia del mar y de la navegación. 
 Territorio  montañosos    aislamiento  de  los  valles    estructura  de  polis  (ciudades‐estado 
independientes). 
¿Quiénes son los helenos o griegos?  
 Tribus indoeuropeas que invaden la Península Balcánica h. s. XII a.C. 
 Emigran a Magna Grecia, Mar Negro, Marsella, Rosas, etc. hacia el s. VIII a.C. 
 No llegaron a formar una unidad política (polis independientes). 
 Estructura social‐económica similar:  
 Ciudadanos y no ciudadanos. 
 Gran desigualdad económica. 
 Exclusión de esclavos, mujeres y extranjeros (metecos). 
 Evolucionan de  los regímenes aristocráticos (s. VIII a.C.), a  las tiranías (s VI a.C.) y algunas al sistema 
democrático (s. V a.C.). 
 Unidad cultural: 
 Comparten una lengua, unos dioses, el amor por la belleza, el racionalismo, el interés por el hombre… 
 Cultura antropocéntrica: los dioses actúan como humanos. 
 Desarrollo de la ciencia y la filosofía. 
 Interés en pocas tipologías (el templo, la figura humana, ante todo). 
Cronología 
 Invasiones  indoeuropeas  del  s.  XII  a.C.  (dorios,  eolios,  beocios,  tesalios…)  que  destruyeron  la  cultura 
micénica. 
 Importante para la cultura griega: 
 Sustrato prehelénico. 
 Influencias orientales (hititas y egipcias): geométrico  naturalismo.  
 Etapas:  
 Protogeométrico (s. X‐VIII a.C.). 
 Arcaico (s. VIII‐VI a.C.). 
 Clásico (499 a.C., Guerras Médicas‐323 a.C., muerte de Alejandro Magno). 
 Helenístico (323 a.C. –123/30 a.C.). 
Claves para la comprensión del arte griego 
 Se sitúa dentro del llamado arte clásico (arte griego y romano) frente a la tradición oriental de los grandes 
imperios agrarios de la Antigüedad. 
 Nacimiento de la formulación plástica de Occidente. 
 Un arte autónomo que pretende la belleza: con finalidades distintas a las propiamente artísticas pero 
que pretende provocar placer en quien lo contempla. 
 Su lenguaje ha pervivido sin variaciones significativas hasta el s. XX. 
 
Tradición oriental  
(Egipto, Mesopotamia…) 
Tradición griega 
(en algunos apartados, también romana) 
Centralización política  Polis autónomas y autárquicas (arte urbano). 
Castas sacerdotales  Cualquier ciudadano puede desempeñar cargos religiosos. 
Concepción teocrática  Antropocentrismo y racionalismo. 
Megalomanía y colosalismo  Búsqueda  de  lo  racional,  inteligible  y  armónico  o  kosmos  (medida, 
proporción,  simetría,  número, módulo,  correcciones  ópticas…)  dentro 
de las múltiples impresiones sensoriales (caos). 
Representaciones animales y vegetales, 
y  antinaturalismo    (abstracción  y 
repetición geométrica). 
Humanista,  tanto  en  el  tema  como  en  la  filosofía  (“el  hombre  es  la 
medida de todas las cosas”) ≠ “realismo”: arte como expresión universal 
de la armonía y la esencia de la naturaleza. 
Arte al servicio de la monarquía o clero  Arte como expresión colectiva de la polis 
Artistas  sometidos  a  poderes 
centralizadores, sin fama ni prestigio. 
Artistas  que  alcanzan  fama  y  prestigio  (cambiará  en  el  periodo 
helenístico), aunque continúa su consideración de artesano. 
 ¿Qué es bello para el arte griego? 
 Es el reflejo de las apariencias visibles (mimesis). 
 Pero los objetos de la naturaleza no son sino un reflejo imperfecto de las Ideas (platonismo). 
 Para que lo “bello” y lo “bueno” se identifiquen es necesario corregir esa naturaleza imperfecta. 
 La mimesis debe sujetarse a la razón para lograr armonía. 
 La armonía se consigue mediante números, proporciones y módulos. 
 Por ello, la arquitectura y la escultura se apoyan en un sistema de números entre las partes y el todo. 
 Importancia de la religión y el mito 
 Religión apolínea o aristocrática (belleza, claridad, armonía) y religión dionisíaca o popular (culto a  la 
naturaleza, mistérica). 
PANTEÓN HELÉNICO (entre paréntesis, el equivalente romano) 
ZEUS (Júpiter)  Padre de los dioses y los hombres APOLO (Febo) Dios de la luz 
HERA (Juno)  Señora del Olimpo  DEMÉTER (Ceres) Protectora De la agricultura
AFRODITA (Venus)  Diosa de la belleza y el amor HEFESTO (Vulcano) Dios de la metalurgia
ARTEMISA (Diana)  Diosa de la caza  HESTIA (Vesta) Protectora de la vida familiar
HERMES (Mercurio)  Mensajero de los dioses ARES (Marte) Dios de la guerra 
POSEIDÓN (Neptuno)  Señor de los mares  ATENEA (Minerva) Diosa de la sabiduría 
 
 1 
Arquitectura griega. Los órdenes clásicos y principales 
tipologías arquitectónicas 
 Los griegos, partiendo de que la naturaleza se rige por unas leyes, consideraron que el hombre debía 
adecuarse en todos los aspectos a ellas, incluido en la arquitectura. De ahí que crearan una arquitectura 
ajustada a dos principios: 
 Uso del sistema de construcción arquitrabado. 
 Idea de “orden arquitectónico”: cada edificio se compone de una serie de partes que tienen una 
función y unas formas determinadas y que además están en perfecta armonía entre ellas. 
Características de la arquitectura griega 
 Origen y desarrollo 
 Etapa minóica y micénica, que, a su vez, se vieron influenciadas por culturas y civilizaciones 
mediterráneas anteriores. 
 Es a partir del s. VII a.C. cuando los griegos eligieron un universo arquitectónico propio. 
 Carácter comunitario 
 La arquitectura griega es expresión de una comunidad. 
 Carácter oficial. 
 Construcción para los ciudadanos. 
 Este espíritu se rompe con el helenismo: la arquitectura será expresión del poder absoluto de los 
gobernantes. 
 Tendencia hacia el espacio exterior 
 Derivada de su carácter cívico y urbanístico. 
 Importancia de los volúmenes en sí mismos y con relación al medio. 
 Arquitectura arquitrabada 
 Aunque conocían el sistema abovedado, prefirieron el arquitrabado (conocido como trilito, 
combinación de una losa de piedra horizontal con otros bloques de piedra verticales para su apoyo). 
 Columnas, muros, entablamentos, cubiertas a doble vertiente. 
 Edificio emblemático: el templo (arquitectura religiosa). 
 Se desarrolla más adelante. 
 Materiales de construcción 
 Desde el s. VI a.C. se usa preferentemente la piedra caliza y el mármol. 
 Es cierto que los griegos conocieron y utilizaron ampliamente el ladrillo, pero en edificios privados. 
 Perfección técnica de las obras 
 Ejecución Aparejo isodomo de los muros, unidos a juntas vivas (piedra cortada en bloques perfectos 
unidos sin argamasa). 
 Sillares asegurados con grapas metálicas. 
 Proporción y armonía constructiva 
 Son los ideales que se intentan alcanzar (como el equilibrio o la simetría). 
 Módulo: media común que proviene del tamaño del radio de la columna. 
 Efectos ópticos: para alcanzar un encuadramiento de la obra en su conjunto igualmente perfecto. 
 Ligero arqueamiento hacia abajo tanto los arquitrabes como el estilóbato, ya que el ojo humano 
tiende a combar ligeramente las líneas horizontales hacia arriba. 
 Diferencia de tamaño de los intercolumnios. 
 Elementos decorativos 
 Relieve y pintura, sin enmascarar la estructura. 
 2 
Los órdenes griegos 
 Cada edificio se compone de partes fijas (basamento, columnas, entablamento y cubierta), cada una 
con una función y formas determinadas, que se combinan según unas reglas previas y fijas, con el fin de 
lograr la perfecta armonía del conjunto. 
Orden Dórico Jónico Corintio 
Origen 
Surge hacia el s. VII a.C., 
reminiscencia del templo 
micénico, y los primeros 
modelos arquitectónicos eran 
de madera. 
Surge hacia mediados del s. VI a.C. en 
el territorio de Jonia (Asia Menor). 
Aparece en la 1ª ½ del s. IV 
a.C. 
Su inventor fue el escultor 
Kalímaco, tras un viaje a 
Corinto (fines del s. V a.C.). 
Carácter El más sobrio y riguroso 
Más esbelto, decorado y con 
dimensiones más notables 
Se usa sobre todo en época 
helenística y romana. 
Desarrollo 
Como orden completo lo hará 
hacia el 600 a.C. en templos, ya 
de piedra, como el de Hera en 
Olimpia y Artemís en Corfú. 
Nace como una construcción en 
piedra que contiene valores 
simbólicos vinculados a tradiciones 
orientales: templo = bosque de la 
divinidad; columnas con capiteles de 
volutas = plantas que florecen en 
dicho bosque al contacto con Dios. 
Parte del orden jónico, pero 
sus diferencias se concentran 
en el capitel, formado por 
hojas de acanto dispuestas en 
dos o más filas. 
Basamento 
Estereóbato (sobresale del nivel 
del suelo) y estilóbato 
Estereóbato y estilóbato 
Plinto paralelepípedo, bajo la 
columna. 
Igual que el jónico 
Columna 
Fuste estriado en arista viva. 
Éntasis (ensanchamiento 
central) 
Capitel: 
- Collarino (que lo separa del 
fuste). 
- Equino (moldura de forma 
semicircular convexa). 
- Ábaco (pieza rectangular 
sobre la que se apea el 
entablamento). 
Basa con dos toros (molduras 
convexas) y una o dos escocias 
(moldura cóncava). 
Fuste acanalado, sin éntasis. 
Capitel: 
- Collarino con astrágalos 
(decoración en forma de cuentas 
imitando el aspecto de 
huesecillos en relieve). 
- Equino con volutas o 
enrollamientos característicos 
- Ábaco de forma rectangular. 
Igual que el jónico salvo el 
capitel: 
Hojas de acanto, dispuestas en 
dos o más filas. 
Las inferiores se encuentran 
curvadas hacia fuera y las 
superiores enroscadas 
(caulículos). 
Entablamen-
to 
Arquitrabe (viga principal) liso. 
Friso con triglifos (molduras 
verticales) y metopas (partes 
lisas), en proporción 1:2 que 
recuerdan la arquitectura en 
madera original. 
Cornisa que sobresale del friso. 
Arquitrabe con tres bandas lisas 
(platabandas). 
Friso liso o con decoración 
escultórica. 
Cornisa normalmente en saledizo, 
con dentículos y decoración de 
flechas y ovas. 
Igual que el jónico 
Cubierta 
Remate con un frontón, 
normalmente decorado con 
esculturas en su tímpano. 
Frontón característico. Igual que el jónico 
Obras más 
importantes 
El templo de Zeus en Olimpia (s. 
VI a.C.), el de Poseidón en 
Paestum (460 a.C.), y, sobre 
todo, el Partenón de Atenas 
(448-432 a.C.). 
El templo de Atenea Niké (427 a.C.), 
los Propileos (437 a.C.) y el Erecteión 
(406 a.C.), considerado el máximo 
exponente de este estilo. 
El Olimpeión de Atenas (s. IV 
a. C.), el templete de 
Lisícrates. 
Muy usado en épocas 
posteriores: Imperio Romano 
(orden compuesto); arte 
renacentista y neoclásico 
 Estos órdenes se respetaron y mantuvieron durante siglos, aunque también se usaron con libertad y 
llegaron a combinarse. 
 3 
 
 
 4 
Evolución arquitectónica 
PERÍODO DATACIÓN CARACTERÍSTICAS EDIFICIOS 
Prearcaico o 
geométrico 
s. XII-VIII a.C. 
En madera; hacia el final del periodo en 
piedra. 
Influencia oriental (Egipto, Mesopotamia), 
cretense o micénica. 
Megarón como modelo. 
Poquísimos restos 
Arcaico 
s. VII/VI – 
480 a.C. 
Santuarios: conjunto amurallado de 
edificios civiles (pritaneo) y religiosos 
(templos y tesoros) construidos y 
mantenidos por las polis. 
Templos dóricos en Magna Grecia y Grecia 
continental. 
Santuarios panhelénicos de 
Delfos y Olimpia 
Templos dóricos de 
Poseidon en Paestum, Zeus 
en Agrigento y Olimpia, 
Afaia en Egina. 
Templo jónico de Artemisa 
en Éfeso 
Clásico 480 – 323 a.C. 
Grecia continental vuelve a recobrar la 
hegemonía artística. 
Tras las Guerras del Peloponeso, a partir 
del s. IV decae la actividad 
Acrópolis de Atenas: 
Partenón, templo de Atenea 
Niké, Odeón, Teseón, 
Erecteión 
Linterna de Lisícrates y 
conjunto de Epidauro. 
Helenismo 
323 a.C.- 31 
a.C. 
Florecimiento artístico de Asia Menor 
Altares y basílicas (auge en época 
romana). 
Urbanismo (Mileto, Éfeso, Pérgamo…). 
Altar de Pérgamo 
Mausoleo de Halicarnaso 
(350 a.C.), templo y tumba 
del rey Mausolo. 
 
Tipologías de edificios 
El templo 
 Origen 
 Dos versiones: 
 Témenos (terreno delimitado y consagrado a un dios), donde se hallaba un árbol o una fuene 
sagrada y un ara de sacrificio. A veces suele coincidir con la acrópolis. 
 Otros autores lo hacen derivar del megarón micénico o minoico. 
 El templo griego característico deberá contar al menos con: 
 Pórtico columnado (Heraion de Samos, s.VIII a.C.). 
 Una estatua del dios como objeto de culto (desde el s. VII a.C.). 
 Los primeros templos eran de ladrillo, madera o adobe, más tarde se generalizó el mármol blanco. 
 Localización 
 Lugar aislado y sagrado (témenos), que puede ser una acrópolis, al que se accede por unas puertas 
monumentales (Propíleos). 
 Solían construirse donde antes se encontraba un templo más antiguo. 
 Función 
 Símbolo de la religión del Estado (polis). 
 Morada de la imagen del dios y del tesoro público. 
 Dedicados a una sola divinidad. 
 5 
 Concepción espacial exterior 
 * Si arquitectura = articulación del espacio interior de los edificios, entonces la arquitectura griega = 
papel secundario en la Hª. 
 El templo griego se concibe para ser visto desde fuera. 
 Sacerdotes eran los únicos que penetraban en el interior (no los fieles). 
 Las ceremonias se realizaban en altares exteriores. 
 Estructura 
 Planta rectangular y uniforme poco evolucionada en el tiempo. 
 Interior dividido en tres salas: 
 Pronaos: primera estancia, a modo de vestíbulo. 
 Naos: sala principal donde se localizaba la estatua de la divinidad. 
 Opistodomos: estancia trasera hace las veces de pórtico o depósito. 
 Excepcionalmente aparece una planta circular, como el Tholos de Apolo en Delfos. 
 
 Tipos de plantas: 
 Según la presencia de columnas, podemos hablar de un templo… 
 In Antis: presenta dos columnas en la fachada principal flanqueada por muros laterales. 
 Próstilo: sólo presenta columnas en la fachada principal, y los muros laterales no se prolongan. 
 Anfipróstilo: con columnas en los dos frentes. 
 Períptero: cuando la columnata rodea todo el templo. 
 Díptero: cuando la 
columnata rodea todo 
el templo en doble fila 
de columnas. 
 Según el número de 
columnas que contenga la 
fachada del edificio 
podremos hablar de 
templos: 
 Dístilos (2). 
 Tetrástilos (4). 
 Hexástilos (6). 
 Octástilos (8). 
 Decástilos (10). 
 Dodecástilos (12). 
 Ejem: el Partenón es 
períptero y octástilo. 
 6 
El teatro (VER COMENTARIO “TEATRO DE EPIDAURO”) 
Otros edificios 
 Odeón: similar al teatro... para la música... la orquestra irá perdiendola función. 
 Stoas: pórtico cubierto para pasear, descansar… donde se localizaban a veces establecimientos 
comerciales. 
 Palestras, gimnasios, estadios: para ejercicios físicos y escuela de lucha 
 Santuarios: tenían gran importancia por congregar a individuos de distintas polis. 
 Sobresalían los de Zeus en Olimpia y el de Apolo en Delfos. 
 Tenían como centro el templo y además los propileos, los tesoros o templos votivos de diferentes 
ciudades, la stoa, el teatro, a veces el estadio... 
 Altares, basílicas, buleiterio y eclesiasterio (para reuniones políticas). 
 
ANÁLISIS DE OBRAS ARQUITECTÓNICAS 
La Acrópolis de Atenas 
 Introducción 
 Acrópolis = ciudad alta. Abrupta meseta calcárea de 156 m de h., de difícil acceso, superficie alargada 
y suelo irregular. 
 Centro sagrado de la ciudad desde época micénica. 
 Allí se celebraban ceremonias cívicas, representaciones dramáticas, ofrendas y ritos religiosos 
 Conjunto monumental más extraordinario de la arquitectura griega, más en consonancia con el 
simbolismo histórico que Atenas desea representar que con las necesidades de culto. 
 Durante las Guerras Médicas (490-478 a.C.) que enfrentaron a griegos y persas, la Acrópolis fue 
devastada por los persas. 
 Se decidió no reconstruirla para mantener vivo el recuerdo de los horrores de la guerra, pero 
Pericles, en los años 450 y 440 a.C., llevó a cabo un ambicioso programa de reconstrucción con el 
fin de engrandecer la ciudad y mostrar así todo su esplendor. 
 Contó con un grupo de magníficos artistas y utilizó los fondos de la Liga de Delos, creada para 
luchar contra los persas. 
 Edificaciones 
 Propileos 
 Puertas de acceso al recinto sagrado, por el lado oeste, cuya construcción corrió a cargo de 
Menesiklés (437-432 a.C.). 
 El proyecto se adapta a las dificultades del terreno y transforma un paso agreste entre rocas en 
una entrada monumental. 
 Se utilizó en su construcción mármol pentélico. 
 Estructura 
 Dos fachadas con seis columnas dóricas, como si se tratara de un templo dórico clásico, 
aunque el intercolumnio entre la tercera y cuarta columna es mayor ya que corresponde al 
acceso propiamente dicho. 
 Vestíbulo de 48 m de suelo irregular dividido en 2 partes: 
 Oriental: elevada sobre tres gradas. 
 Occidental: más baja, articulada en tres naves por dos filas de columnas jónicas. 
 En este vestíbulo se destila el genio de Menesiklés que fue capaz de unir dos órdenes 
dispares con gran armonía. 
 A ambos lados de este cuerpo central se construyeron dos alas: 
 7 
 La norte, concebida como lugar de descanso, donde se encontraba la célebre 
Pinacoteca. 
 La sur, que daba acceso al templo de Atenea Niké, sobre un saliente de la roca, y donde 
encontramos la gliptoteca (museo de piedras grabadas y esculturas). 
 Atenea Niké 
 Obra de Calícrates, su promotor el general Cimón, uno de los principales rivales de Pericles, 
motivo por el que éste último boicoteó su construcción (h. 449 a.C.) y hubo que esperar hasta su 
muerte para que el templo pudiera construirse (427-421 a.C.). 
 Es un templo realizado en mármol del Pentélico de orden jónico, anfipróstilo y tetrástilo, y de 
pequeñas dimensiones (la naos mide 5 x 5 m). 
 En su decoración destaca el friso que rodea el edificio cuyo fragmento más célebre representa a 
la Victoria atándose las sandalias. 
 Erecteión 
 Última obra realizada en la Acrópolis, por Mnesicles entre los años 421 y 406 a.C. 
 Compleja planta que obedece al hecho de que: 
 El templo se levanta sobre un desnivel, a dos alturas. 
 Se concentraba el culto a los dioses Poseidón y Atenea Polias: cuenta la leyenda que aquí se 
haya el olivo plantado por Atenea, y el tridente y la fuente que hizo brotar Poseidón, en su 
disputa por el dominio del Ática. 
 Las tumbas de los míticos reyes de Atenas Kécrope y Erecteo. 
 En el lado sur se encuentra el célebre pórtico de las Cariátides*: sobre un podio, seis figuras 
femeninas (cuatro en primera fila y dos detrás) de 2,37 m que sostienen el arquitrabe del pórtico 
que custodiaba la tumba de Kécrope. 
 Visten el peplo dórico y se apoyan en la pierna más alejada del eje central y doblan la otra 
según el esquema clásico. 
 La que se encontraba mejor conservada fue trasladada por Lord Elgin a Londres a principios 
del s. XIX y en su lugar se colocó un vaciado. 
 *Cariátides es un término que hace referencia a las mujeres de Caria, región de Asia Menor, 
que fueron reducidas por los griegos a la esclavitud, tras el asesinato de los hombres, que 
habían pactado con los persas. 
 
 8 
 
El Partenón (Atenas). Ictinos y Calícrates. 447-438 a.C. 
 Contexto 
 El más significativo de los edificios de la Acrópolis. 
 Pericles encarga la construcción a Ictinos y Calícrates (447-438 a.C.) y Fidias se encargará de la 
decoración escultórica (terminada h. 432 a.C.). 
 Se mantuvo en relativo buen estado de conservación gracias a que fue iglesia bajo dominio 
bizantino, luego mezquita, para terminar siendo un polvorín turco, que los venecianos volaron en 
1.687. 
 Entre 1.801 y 1.803 el embajador inglés en Turquía, Lord Elgin, compró la mayor parte de las 
esculturas que quedaban para llevársela a Londres, donde se conserva actualmente en el Museo 
Británico. 
 Elementos constructivos 
 Estructura: planta rectangular, octástilo, anfipróstilo, períptero (de 8x17 columnas), orientado de E a 
O (permitía ver todo Atenas). 
 Medidas: estilóbato 69,51 x 30,86 m.; columnas cada 10,43 x 1,90 m. 
 Partes: 
 Pronaos 
 Naos (Hecatompedos, de 30,48 m.) 
 Estatua criselefantina de la diosa Atenea. 
 Tres naves, la central con el doble de anchura. 
 La iluminación se recibía a tras de una enorme puerta (9,75 x 3,96 m). 
 El techo era plano y de vigas de madera. 
 Sala de las Vírgenes o Partenón. Aquí se guardaban los objetos del ritual y el tesoro de la liga 
ateniense y del estado. 
 Opistodomo. 
 Originalidad: 
 El Partenos o Sala de las Vírgenes con cuatro columnas jónicas. 
 Reducción de las naves laterales para ampliar el espacio para la estatua de Atenea Partenos. 
 Orientación hacia el E, con un ligero desplazamiento hacia el S para mejorar su visión. 
 Estilísticos: síntesis de los órdenes dórico (pórticos y naos) y jónico (friso a lo largo del muro que 
delimita las tres estancias del templo y las cuatro columnas del Partenos o Sala de las vírgenes). 
 Materiales: 
 Mármol rosado del Pentélico (el mejor), cincelados sus sillares (una vez colocados, para hacer 
desaparecer cualquier imperfección. 
 Se pintaba los fondos de los frontones y las metopas de negro, rojo y azul; los triglifos de azul 
con estrías negras; los collarinos de rojo y las acroteras de muchos colores. 
 Grapas (colas de milano), para unir los sillares. 
 Madera, para la cubierta 
 Elementos sustentantes: basamento o crepidoma, columna dórica (basa, fuste y capitel). 
 Elementos sustentados: entablamento (arquitrabe, friso y cornisa) y frontón 
 Elementos decorativos (todo ello obra de Fidias): 
 Elementos geométricos. 
 Tímpanos de los frontones: espacio perteneciente a la esfera celestial, por lo que acoge 
representaciones de los dioses. 
 En el Este, el nacimiento de Atenea de la cabeza de Zeus. 
 9 
 En el Oeste, la victoria de Atenea sobre Poseidón. 
 Metopas: espacio dedicado a los héroes y a sus luchas míticas que en el Partenón se representa 
el enfrentamiento del orden contra el caos y la barbarie. 
 Narran escenas de las guerras gigantes contra dioses (gigantomaquia), de centauros contra 
los lapitas (centauromaquia), de la guerra de Troya y de la guerra contra las amazonas 
(amazonomaquia). 
 Friso exterior de la naos: espacio dedicado a batallas, procesiones, asambleas 
 Procesión de las Panateneas, fiestas en honor a la diosa en las que se portaba el manto o 
peplo tejido por las jóvenes atenienses que servían temporalmente a la diosa. 
 Significado de la obra