Las transformaciones de los impresionistas y los post

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Las transformaciones de los impresionistas y los post-impresionistas
Durante las últimas décadas del siglo XIX y hasta la primera mitad del siglo XX se desarrollan las vanguardias históricas. Estos movimientos, por primera vez en la Historia del Arte, cambian poco a poco pero de forma radical la antigua norma, tanto academicista como histórica, la pintura tal y como la conocemos desde el Renacimiento. 
Se camina en la idea de la autonomía del arte. Casi nadie conoce los nombres de los pintores que dominaban los salones oficiales en aquellos años, salones donde los grandes artistas que hoy estudiamos y todos conocen, fueron rechazados, lo que nos habla de la construcción del arte, o si se quiere del arte como construcción cultural e histórica. 
Lo más importante la afirmación del cuadro como objeto autónomo , solo dependiente de sus intereses y no de ningún poder, se empezará a preocupar por sus formas, colores, composición y no tanto de la perspectiva. La imagen se despega de la historia y defenderá su propia autonomía.
Todo empieza con los Impresionistas, dando importancia al aspecto plástico del cuadro y no al mensaje ni a la historia, no buscaban una representación minuciosa sino que se busca la impresión general. Los antecedentes los podremos encontrar en Delacroix y Courbet que plantó su caballete en la realidad social , emprendiendo el camino que seguirá Manet siguiendo una narrativa distinta de la literatura con una pincelada más arriesgada llena de intención , contraste de luz y ambigüedad en el tema del cuadro.
El Impresionismo en la pintura se basa en un efecto óptico capaz de permitir que nuestros sentidos, nuestro cerebro, descodifique una información visual sin estar completa, como si viéramos una estampa real a distancia. Semejante logro lo conseguían con la manipulación de los colores, la luz aplicada con veladas controladas y por supuesto, con estudios científicos de base, como fueron los del químico-óptico EUGÉNE CHEVREL, que realizó unos estudios teóricos sobre la interpretación de la retina humana ante los colores. 
Características del Impresionismo :
· Cronología: pintores nacidos entre 1830 y 1840
· Temática: vida cotidiana y paisajes
· Estilísticas: importancia de la luz, de la pincelada y del abocetamiento (aspecto inacabado del cuadro), el pincel será el protagonista con Manet con formas más anchas y con Monet a base de pequeños toques. La paleta del pintor se aclara , al pintar al aire libre con sus caballetes, los colores más usados son los verdes, rosas y azules. La naturaleza está presente en muchos de sus cuadros y se aprecia la influencia de la fotografía y la xilografía japonesa.
         Monet: “SOL NACIENTE”, 1872-1873, cuadro que da nombre al grupo , un critico de arte lo calificó diciendo “solo existe eso una impresión nada más”. Es el más preocupado por el estudio de la luz, el más paisajista, pintor de figuras femeninas y de escenas de diversión popular, atrapando momentos de la vida con vivacidad y optimismo.
         Manet: se convierte en el jefe de filas del grupo, pincelada muy suelta y aparentemente espontánea, inacabada. Su obra “Olympia” es el, retrato de una prostituta, Olympia, muy “conocida” por la burguesía de París. Imagínense la cara de estos hombres, con su respectiva esposa, observando los ojos de la mujer del cuadro que mira directamente al espectador, insultante, recibiendo los regalos que puede ser perfectamente una burla al mismo espectador. No era típico, por aquel entonces, ni los desnudos fuera del contexto de dioses o de la mitología ni que los personajes del cuadro miraran directamente al observador. Fue un auténtico espectáculo casi “pornográfico” y protestante ante la corrupción de la época. 
El arte ya se va a exponer y a vender como negocio, como beneficio de tipo individual. Los clientes serán la burguesía, los cuadros se hacen más pequeños y más ligeros para poderse transportar con facilidad al pintar al aire libre. Cambia la visión de la naturaleza que pasa a ser un lugar de vacaciones, de momentos nostálgicos y de un mundo mejor. Este grupo de pintores nos enseñan la forma de vida de esos años no sólo impresiones.
Los Postimpresionistas designan al grupo de pintores posteriores a los impresionistas , van desde la ultima exposición de los impresionistas en 1894 hasta los primeros años del S XX donde surgen las primeras vanguardias. 
Cezanne , Van Gogh tendrán gran influencia y efectos decisivos en la posterior evolución de la pintura ofreciendo la base y el discurso estético para la aparición del Cubismo, el expresionismo y la pintura abstracta. Querían buscar un arte que provoque emociones y sentimientos en el espectador. Intentarán pintar lo que creían ver y no lo que veían en la realidad o la naturaleza, a través de las líneas y el color. Primaba el sentimiento así se justifica el trabajo del artista y la liberación del color.
Es un movimiento que supera las fronteras francesas se involucraran artistas de toda Europa.
        CEZANNE: CONSTRUCCIÓN DE LA FORMA- “Naranjas y Manzanas”, 1899, dará volumen a todos los elementos que integran el cuadro, usa tan sólo el color y elimina el dibujo, la línea y cualquier delimitación. El volumen lo obtiene sólo con el color que organiza en superficie lisa, pincelada pastosa y unificada. Es primordial la dirección de la pincelada ya que con ella construye la composición de manera concreta y definida. Es una pintura que se hace en el cerebro y será precursora del cubismo
         VAN GOGH: LA FUERZA DEL COLOR “Noche estrellada”, 1889. Primacía del color, abre el camino de la expresión. Pincelada suelta sin control, pincelada en espiral, atormentada, colores de desequilibrio como el rojo y amarillo. No busca ni la forma ni el simbolismo sino su sentimiento interior a través del pincel.
Ambos pintores son imprescindibles para entender a las primeras vanguardias del SXX en las dos direcciones que se van a desarrollar:
· Preocupación por la manera de plasmar en el plano las relaciones espaciales entre las distintas partes de un objeto y los distintos objetos entre sí . Cubismo- Picasso
· Preocupación por el color y la forma de la superficie que ese color define, bien sea como elemento de organización del cuadro- MATISSE o como estimulo psicológico- KlEE o KANDINSKY.
París, 1906, cubistas y fauvistas. Picasso y el Guernica.
En 1906 muere el gran artista Cezanne, siendo para muchos el “último maestro”. Picasso, gran artista que tocó todas las normas y estilos academicistas, evoluciona hacia el CUBISMO, busca la renovación, la revolución artística, la evolución definitiva e histórica que intentó previamente el movimiento impresionista y se produce también la confirmación del FAUVISMO.
Hasta 1914, siempre en París, se produce una sucesión de Vanguardias , volcadas en una permanente búsqueda en la innovación y experimentación. El Arte de Vanguardia es una ruptura con todo lo que supusiese relación con la tradición artística. Rechazan la tradición clásica y academicista y descubren y valoran el arte prehistórico, arte negro. Las primeras vanguardias son diversas, se sustentan en la experiencia del color , de la expresión, de la velocidad, su común denominador es la adscripción a la figuración.
En 1907 Picasso termina el gran lienzo de “Las señoritas de Avignon”, auténtica manifestación de la nueva vanguardia: EL CUBISMO supuso una ruptura con el sistema de representación tradicional. 
Las innovaciones de “Las señoritas de Avignon” son el tratamiento de las figuras, despersonalizadas, en vez de caras son máscaras, no se observa ningún canon clásico , no hay distinción entre lo bello y lo feo. Las figuras se acercan a la superficie del lienzo.
Las características del cubismo ; destrucción del sistema de representación tradicional. Rompe con la visión de la representación de carácter monofocal. Rompe con la visión del cuadro como una ventana abierta que muestra una realidad en 3 dimensiones contemplada desde un punto de vista inmóvil, el ojo del pintor. Descomposiciónde los planos. Rechaza el movimiento, simultaneidad de puntos de vistas. Usa colores grises, azules, marrones, colores que no distraigan al espectador.
Una de las grandes obras de Picasso es el “GUERNICA” guarda un valor especial con la historia de España. Expuesto por deseo de la II República en plena Guerra Civil Española en la EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE PARÍS (1937), en el pabellón de España. Es un grito connotativo y expresivo del dolor que el país estaba sufriendo en aquellos momentos. Picasso representa, a través del Cubismo, el bombardeo que sufrió el pueblo vasco de Guernica el 26 de abril de aquel mismo año, durante la fase de guerra del Frente Norte y donde la Legión Cóndor alemana causó estragos. 
Su obra sigue una composición de tres grandes triángulos siendo el central que posa su vértice sobre la antorcha que a su vez ilumina los otros triángulos de distintas tonalidades grises pero todo en blanco y negro. Gris de recuerdo triste, viendo incendios, muertos, dolor y desgracia. Auténtico terror manifestado ante los ojos de todo el sistema internacional. 
La modernidad marca un punto en el arte, hasta este momento los pintores representaban el mundo, pintaban personajes, paisajes, historias, tal y como se veían por el ojo. Con la modernidad el arte se convierte en su propia tema. Se cambia de la pintura mimética a no mimética. Ahora el tema pasara a ser secundario.
 El FAUVISMO nace con el apodo francés de FAUVES (fieras), pintores que destacan por su violencia cromática. Se caracteriza por el culto y exaltación del color. Es la renovación de la pintura a través del color.
Las características del fauvismo: colores que chocan con el gusto común, el color es el principal ingrediente de la pintura, el color se aplica de forma irreal , tiene vida propia, se prescinde de la luz y la profundidad, sensualidad, dinamismo y libertad.
Su máximo representante es MATISSE, con obras como “La ventana abierta” de 1905 o “Gran Interior Rojo” . Estas obras comienzan a distorsionar la realidad representada con el manejo maestro de los colores y distorsión notable de formas. Libertad en el empleo del color, exaltado y violento que se aparta de su fidelidad con la naturaleza,  desaparece la profundidad al aplicarse el color en manchas planas y anchas, hay un escaso tratamiento de la luz, temas similares a los impresionistas; paisajes, personajes en habitaciones, naturalezas muertas
 En estos movimientos hay mucha investigación y teoría detrás, como también reflexión intelectual e histórico-artística a través de sus manifiestos fundacionales, una práctica muy extendida que les agrupaba en su objetivos fundacionales