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LA EXPRESION DRAMATICA DEL ACTOR EN EL CINE COMO POTENCIA 
COMUNICATIVA 
 
 
 
SANDY PAMELA SUÁREZ CARVAJAL 
 
 
 
TRABAJO PARA OPTAR POR EL TITULO DE COMUNICADORA SOCIAL CON 
ENFASIS AUDIOVISUAL 
 
 
 
CAMPO AUDIOVISUAL 
 
 
 
 
 
ASESOR DANIEL CAMARGO 
 
 
 
 
 
PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA 
 
 
 
FACULTAD DE COMUNICACIÓN Y LENGUAJE 
 
 
 
 
BOGOTA 
 
 
 
2010 
 
 
 
 
 
 
 
INDICE
I. INTRODUCCIÓN ……………………………………………………………… 3
II. JUSTIFICACIÓN ………………………………………………………………. 4
III. OBJETIVOS …………………………………………………………………… 5
IV. EL TEATRO ………………………………………………………………….. 6
V. DRAMATURGIA …………………………………………………………….. 16
VI. Emociones tras la pantalla grande EL JUEGO DRAMATICO DEL CINE
Análisis de escenas clímax en la cinematografía …………………………………… 23
-Ladrón de Bicicletas ……………………………………………………………….. 23
-12 Hombres en Pugna ……………………………………………………………… 28
-Mar Adentro-De Todos Los Demonios Del Hombre ……………………………… 32
-Fresas silvestres-Persona...…………………………………………………………. 36
VII. TECNICAS ACTORALES 
-Konstantin Stanislavski ……………………………………………………………. 39
- Jerzy Grotowsky ………………………………………………………………….. 41
-Bertolt Brecht ……………………………………………………………………… 43
VIII Entrevistas Para Directores Que Emplean EL Método
-Rodrigo Triana ………………………………………………………………….... 46
-pepe sanchez ……………………………………………………………………… 47
-Alessandro Basile ………………………………………………………………… 48
IX Entrevistas Para Actores que Reconocen el Método Actoral
-Marcela Benjumea ………………………………………………………………… 49
-Carlos Manuel Vesga ……………………………………………………………… 50
1
-Fabio Velásquez …………………………………………………………………… 51
X. PRODUCTO 3¨45 ………………………………………………………………...52
XI. CONCLUSIONES………………………………………………………………54
XII. BIBLIOGRAFÍA……………………………………………………………….55
XIII. CORRECCIONES................................................................................................58
XIV.ANEXO OBLIGATORIO.....................................................................................62
2
CAPITULO I
INTRODUCCIÓN
Este trabajo de grado pretende investigar los factores escénicos con los que trabaja el 
actor, los cuales emplea en el campo cinematográfico para trasmitir con su cuerpo 
diferentes emociones, narraciones con las cuales desea persuadir al Espectador, 
generando en este diferentes formas de sensibilización expresados en risa, lagrimas, 
sorpresa, terror; Reafirmando la idea de cine como elemento audiovisual para trasmitir 
mensajes por medio de ficción o realidad.
Con la lectura del siguiente escrito el anhelo que deseo transmitir es el reconocimiento 
del arte de la actuación y como esta trasciende a modo de emisor de mensajes en la vida 
del ser humano, dando momentos de imaginación y entretenimiento en los cuales la 
experiencia misma del ser humano se verá reflejada en la propuesta del actor, Director 
y Guionista. Una vez establecido tal recuento se realizará una visión crítica frente a 
diferentes Métodos actorales, presentándose el teatro en un acompañamiento desde sus 
orígenes hasta su invención dentro del cine, esta propuesta de análisis genera una 
interesante percepción de la comunicación a través del cuerpo artístico del actor como 
instrumento comunicador en el mundo. Por lo cual el objetivo central será reconocer 
tales elementos en los que el espectador logra entrar en el juego dramático que le 
presenta la pieza audiovisual. 
3
CAPITULO II
JUSTIFICACIÓN
 
El deseo de trabajar el Método del actor en el cine para transmitir mensajes al 
espectador bajo la interpretación, es una tarea como comunicadora, estudiante de 
actuación y Productora audiovisual, proponiendo hallar la naturaleza de las técnicas o 
métodos y su uso en la puesta en escena cinematográfica. La información que encontré 
de trabajos de grado solo presentan de manera corta la idea, por ello quiero dedicar esta 
parte de mi carrera al estudio e investigación del tema, para lograr contribuir en la 
propuesta de comunicación audiovisual que se presenta en el cine por medio del actor y 
del personaje, interviniendo entonces en el conocimiento de los elementos actorales y 
cinematográficos que logran en el espectador una gama de sensaciones imprescindibles, 
perdurables, efímeras, pasionales dentro de esta comunicación corporal y sensitiva.
Lo primordial en este trabajo de grado es compartir el oficio que ejerce el actor y que 
por medio del cine llega a la vida del espectador y la conmueve, generando cambios 
dentro de sus emociones, por ello saber ¿qué elementos se emplean?, ¿que trabaja el 
actor? ¿Que existe de similar con nosotros como espectadores?, ¿que nos arraiga a la 
pantalla y nos captura por instantes dándonos cambios para toda la vida?. El desarrollo 
de este proyecto se centra en las fascinantes posibilidades que tiene el ser humano para 
lograr comunicarse, trasmitiendo mensajes desde el cuerpo para lograr sensibilizarse 
frente al universo.
4
CAPITULO III.
OBJETIVOS
• Reconocer el potencial comunicativo que existe en la Actuación a partir de los 
métodos actorales que sensibilizan al espectador por medio de la construcción 
de personajes para cine.
• Analizar las características actorales en diversas obras cinematográficas que 
trascienden en la historia audiovisual por el trabajo actoral empleado. 
5
CAPITULO IV
El TEATRO
El teatro como elemento vital dentro de las funciones universales del hombre, pues es 
quien se manifiesta a la razón artística del ser, superando la realidad cotidiana, creando 
un espacio mental y corporal posible en el que ha de existir un escenario que sirve 
como estructura para lograr generar acciones instauradas por un cuerpo (actor), 
estableciendo nuevas expectativas dirigidas estrictamente a una audiencia quien se 
pretende sensibilizar. El teatro es una mágica herramienta conocida dentro de la 
sociedad en la cual se expresa de manera visual, auditiva y espacial diversas propuestas 
de realidad o ficción, el teatro precede la representación, garantiza un juego de una 
imitación con rasgos simbólicos que pueden narrar diversos y muy divergentes temas 
en los cuales la realidad y ficción no presentan fronteras al momento de crear la obra de 
Teatro. 
Para ahondar en el tema es preciso retomar la historia en la que se presenta a Grecia en 
el siglo IX a.C. La tragedia griega en la cual un narrador, o “rapsoda”(empleaba 
mascaras), contaban historias que sucedían muchas de estas en periodos de tiempo no 
mayores a 24 horas, se conoce por la historia al poeta ciego Homero quien por medio 
de este método narra y presenta la creación de obras impecables como la odisea y la 
Ilíada, pues eran de vital importancia en este medio oral y en la sociedad griega. otro 
punto fundamental fue el desarrollo de un auge festivo pues las raíces dionisiacas y el 
festejo entre hombres y mujeres para alabar al dios del vino de las bacanales y el arte, de 
las cuales se acredita la creación de “komos o dionisiacas campestres”1 la sátira, había 
mucho desborde de alegría, canciones, bullicio en las que formaban además ciertos 
bailes que influían contacto entre todos para seguir un ritmo seguir un ritmo, tales 
danzas se llevaban a cabo con ciertos aditamentos como bastones adornados con hojas 
de parra y hiedra, tanto las mujeres como los hombres solo ofrecían gritos y cantos pero 
no existía entonces diálogos congruentes entre sí, cuando entonces Tepsis un poeta y 
sacerdote griego introdujo un personaje que sobresaliera y pudiera mantener una 
secuencia con el coro por ello este comienzo de diálogos anticipo la apertura al drama . 
1 Aida Andrade Varas, Elementos del teatro, México, Editorial trillas 2007. Pág. 26.
6
Esta iniciativa en la que se emplea la tragedia en el cuerpo del actor y se da uso a un 
monologo refiere a diferencia de la sátira, pues esta replanteaba la narracióny la hacia
cómica y burlona, cada uno de los autores que presentaban tales “obras” debía tener en 
cuenta el número de estas no sobrepasara las cuatro y dentro de estas una sátira debía 
aparecer para aliviar al publico que presenciaba las tres tragedias anteriores.
Las tragedias griegas se consolidaron a través del tiempo en la importancia del 
protagonista como personaje sensato, leal, sano, el “héroe trágico”2 atado a la muerte 
por naturaleza u orden “divina”, lo que sucede en el espacio de la narración debe ser de 
manera presencial de tal forma que no se pierda el mínimo detalle frente al espectador, 
todo el acompañamiento del coro se reconoce en la mediada que en la narración existían 
batallas, heridas, muertes. Como dato importante que se pretende resaltar es: la 
prevalencia de cautivar al espectador al preocuparse por las emociones que este emita a 
tal punto de buscar en ello la compasión como elemento permítase llamar “amarillista” 
y a su ves buscar en este la sensación de espanto todo con el fin de buscar en este una 
Catarsis lo que se reconoce como la “purga”3 en el que un evento en este caso la 
tragedia logra inmiscuirse íntimamente a este espectador de tal forma que le permite 
purificar sus propias pasiones. 
Los autores griegos como lo fueron Esquilo( 525-456 a.C.), quien encabeza la lista de 
los tres mas importantes dramaturgos griegos en la historia, traba sobre el prologo para 
conocer la tragedia , sus personajes tienen la oportunidad de vivir bajo sus decisiones y 
bajo estas descubrirán si son las correctas o no muestra de ello además representa en 
sus obras a los dioses no como figuras perfectas sino con una ambivalencia entre lo 
sagrado y lo profano Prometeo Encadenado al cual Zeus condena por haber ayudado a 
los hombres en búsqueda superación entregándoles el fuego y traicionando a los demás 
Dioses, lo que pagara por la eternidad en una cima de una montaña en la cual los buitres 
le devoraran el hígado, renovándose en la noche para esperar por el castigo todos los 
días.
Otra de sus obras que ejemplifica su predilección hacia lo tradicional es Las Suplicantes 
quienes piden a su rey la oportunidad de decidir por sus posibilidades sexuales frente a 
2 Ibid. Pag 26
3 Nerio Tello, Alejandro Ravassi, Historia del teatro, Buenos Aires Argentina, Era naciente 2006, pag 18
7
los hombre, el rey pide una votación parea saber que opina su pueblo, gesto democrático 
frente a estas mujeres llamadas las suplicantes, Esquilo trabajo dentro con una serie de 
obras en las que la muerte, traición juegan también un papel importante, se encontraron 
de este dramaturgo alrededor de siete.
Sófocles (496-406, a.C.) es conocido por ser el trágico griego mas importante quien 
tiene como objetivo primordial destacar la voluntad humana para descubrir los 
designios del destino a partir de ella, obras como Edipo rey narran las peripecias de 
Edipo a quien busca el asesino de su padre sin saber que fue el quien lo hizo , en la 
búsqueda se casa con su madre Yocasta, ambos al saber la verdad por el adivino 
Tiresias, deciden lo peor, ella se suicida y el se arranca los ojos , esta pieza como aporte 
incluye al tercer actor llamado “tritagonista”4 pues el segundo ya lo había establecido 
Esquilo llamado “deuteragonista”5. De Sófocles conservaron también siete tragedias, 
dentro de estas las tragedias mas reconocidas es Antígona es quien evoca los derechos 
ante un hermano muerto en batalla haciéndole los honores, pues ella dictamina la 
necesidad de obrar bien por amor hacia la familia no por venganza como se ve en la 
mayoría de las tragedias sin embargo no es bien recibida por su ideal, su suegro decide 
dejarla presa en una cueva antes de enterrarla viva , ella decide suicidarse lo que 
conlleva a una cadena de suicidios de su prometido hijo de quien la encarcela y su 
madre esposa de el tirano Creonte también, esta obra represente la revelación ante el 
poder, Creonte reflexiona demasiado tarde ya que a perdido su hijo y a su esposa. 
Por último Eurípides(480-406 a.C.), es quien en sus obras además del despliegue 
técnico que continua luego de Sófocles, crea frente a una realidad popular, lo que sucede 
ante el destino no es dictaminado ante los ojos de los oráculos dado que estos pierden 
sus poderes, Eurípides se centra en la continuidad del mundo social en Grecia, en lo 
sencillo que puede deteriorarse la democracia, se considera a este como uno de los 
dramaturgos que no cumple a cabalidad la tragedia , por lo que este tiene el coro aparte 
de la acción, algunos episodios son incongruentes y no solucionan el desarrollo 
dramático. Las Bacantes es una tragedia en la que la propia madre mata al rey Penteo 
su hijo pues esta seducida por Dionisio, este llega a tal evento pues no cree en la 
importancia de Dionisio lo encarcela y luego las bacantes lo liberan Agave junto con las 
4 Ibid Pag 13
5 Ibid Pag 11
8
bacantes acuden a un rito, Penteo anhelando saber que van a hacer se disfraza de mujer 
y cae ante las manos de las bacantes ya seducidas por el Dios , Penteo pide a la madre 
que no lo mate pero ella esta enceguecida cuando descubre que es su hijo es demasiado 
tarde pues ya ha sido descuartizado. Orestes es una tragedia que como la mayoría narra 
la furia que queda tras el asesinato de su padre a manos de el amante de su madre, el 
quiere vengar su muerte y regresa asesinando al amante de su madre, además junto con 
Electra su hermana juran vengarse, pues siempre estuvieron separados Orestes no esta 
muy seguro pero es finalmente lo hace, cuando es capturado Orestes no es condenado 
el asume y habla de porque lo ha hecho siente que ha cumplido y descanso pues están 
muertos lo que mataron a su padre.
Las tragedias griegas llevaron consigo un montaje teatral entre mascaras, vestuarios, 
maquillaje que se perfecciono con el tiempo y en cada uno de los dramaturgos, al inicio 
con Esquilo las puestas en escena siempre respetando la noción de coro corifeo hasta 
Eurípides quien lo transforma pues usa plataformas por medio de poleas para enaltecer a 
los personajes. Otro de los puntos significativos que se consolido y se uso fielmente en 
la dramaturgia fueron las tres unidades que también son reconocidas anteriormente por 
Aristóteles. Una de ellas la unidad de acción: solo existe y se narra un relato dramático. 
Unidad de lugar: se debe referir al el mismo lugar narrado en la historia de lo contrario 
debe ser reconocido y en distancia considerable. Unidad de tiempo: la narración 
dramática es en un tiempo no mayor a veinticuatro horas. 
Los griegos hacen un aporte fundamental al teatro mundial tanto en oriente como en 
occidente la oportunidad de promover , exaltar y crear nuevas formas de expresión hasta 
la actualidad a variado notablemente explicare mediante teatros los diversos 
conglomerados sociales que han nacido a través de esto.
Por lo tanto muchos acontecimientos históricos se fortalecieron con la evolución 
teatral , El teatro clásico del cual se ha expresado por medio de los comportamientos 
humanos en los que la resolución de conflictos, con el mundo , lo social, relaciones 
familiares hasta aspectos íntimos no se han apartan mucho de la realidad de todos los 
tiempos pasados y hasta ahora venideros, por lo cual el teatro clásico aprecia los 
cambios y los continua plasmando en sus personajes no solo en la dramaturgia sino 
también en la actualidad, El teatro Medieval luego de la caída del imperio romano es 
9
de los pioneros en occidente en hacerse cargo de las puestas en escena dada la 
posibilidad de narrar hechos religiosos que permitían a los feligreses entender siendo un 
elemento académico de uso frecuente ejemplificar la sagrada familia, las festividades 
religiosas,crucifixión, resurrección o eventos como la navidad, son parte de los eventos 
de técnica teatral que se usaban para tales fines. Los dramas litúrgicos se fueron 
convirtiendo en principio en el que pasaron de estar en un recinto restringido a un 
publico popular ahora mas asequible por la lengua, sin embargo no era una época de 
auge para el teatro el cual lo sostuvieron “los actores ambulantes”6 quienes trabajaban y 
se proponían a mantener el trabajo artístico vigente sin los parámetros muchas veces 
establecidos por la iglesia en la medida que era solo Dios el centro del mundo, el teatro 
no solo en esta época debe atribuírsele el esquema de propagación tan amplio en el que 
se puede llegar a presentar con elementos de recordación para ganancias de índole 
cultural, religiosa ,política. 
Teatro del renacimiento: (XIV-XV Y XVI) se establece con ciertas características 
arquitectónicas dan paso al arte desde luego Ahora bien por la época se reconoce al 
hombre como centro del mundo desplazando la idea religiosa que había sido instaurada 
anteriormente los dramas presentaban ahora apartes de los cuales se sostendría en la 
medida que el tema, el argumento la trama se convierten en piezas de las obras, las 
cuales son presentadas en teatros de zonas limitadas. La tragedia humanista que hacen 
uso de unidades dramáticas las cuales se mantuvieron pero no crearon otro tipo de 
teatro que tuviera trascendencia después del teatro oficial conocido también conocido 
como religioso
El teatro isabelino: (siglos XVI-XVII) Inglaterra se encuentra bajo el reinado de Isabel 
I, quien se quedara en el trono luego de su padre el rey Enrique VIII, ella por 45 años se 
encontrara bajo la corona, el teatro para los ingleses en esta época se ve respaldado 
pues ya no hay tanta invención religiosa, ahora prima la creatividad de los dramaturgos 
y la escogencia del pueblo. Ahora bien para esta época las presentaciones en diversos 
lugares de la sociedad se hacen más numerosas, el teatro se presenta como evento 
festivo. 
6 Ibid Pag 24
10
Esta clase de teatros por lo general tenia palcos para los nobles, estos teatros tenían 
consigo varios pisos en los que continuaba por lo general la obra, el publico era muy 
numeroso también y lograban ver desde todos los ángulos los actores que eran 
profesionales y mas reconocidos para esta época, como Isabel es gran admiradora de 
este arte permite que se construya uno en 1575, el cual ya maneja luces artificiales para 
sus presentaciones. Los mas destacados en esta época fueron Christopher Marlowe 
reconocido como el primer dramaturgo ingles con obras dramáticas como : la matanza 
de parís, que como tema central trabaja la muerto de millares de protestantes por parte 
de la iglesia católica quien no permitía tales comportamientos sociales , quien esta en 
contra no tenia mas posibilidades que morir al ser descubierto . otra de las grandes obras 
es la trágica historia del doctor Fausto, pues es este personaje quien tiene la 
oportunidad de salir de lo bajo y ascender a lo material dando su alma al diablo y quien 
es condenado por el mismo a la eternidad Fausto maldice su final pero tiene la 
posibilidad de hablar con ángeles quien lo intentan guiar pero este finalmente cae y 
corre con la suerte de sus actos, esta clase de obras que tiene la noción de lo humano y 
no lo sagrado es muy bien recibida por el publico quien encuentra en estas 
acontecimientos de sus vidas es decir ideas oscuras, o carnavalescas. 
Sin embargo el dramaturgo ingles mas importante, William Shakespeare quien gracias a 
su cauteloso estilo en cada personajes haciéndolos únicos, impresionantes, pudientes o 
de rangos militares superiores, lo que llama la atención hasta el día de hoy pues su 
legado continua presentándose alrededor del mundo año tras año, el teatro en el que 
trabajo Shakespeare fue el Globo quien hace alusión a su nombre a su arquitectura, algo 
que se destaca de este maestro es el profundo conocimiento del teatro pues no solo era 
dramaturgo, también actor, adaptador, lo que ayudo al trabajo y reconocimiento de cada 
uno des sus personajes dentro de las 37 creaciones conocidas de las cuales se ha hablado 
toda la historia por sus exquisitos diálogos que han permanecido y resonado a través de 
la historia personajes con características particulares como ,Otelo el moro de Venecia 
quien es victima de traición por su esposa quien se ve con el lugarteniente, este 
personaje que se desenvuelve en un espacio cargado de guerras y de desprecios 
iniciados por el padre de esta, reinan en esta obra los celos de Otelo hace su esposa 
Desdémona. 
11
Macbeth, el anhelo de este por gobernar según lo que han dicho las brujas y el 
constante apoyo de su mujer lady Macbeth (quien al final muere, luego de permanecer 
impaciente y con la culpa), para que asesine a Duncan el rey y su marido pase al trono, 
los hijos de rey no creen y hasta el final logran cobrar venganza y matarlo. Es una obra 
que trabaja venganza, impulsos, pasiones y deseos de poder. Hamlet, un personaje que 
distingue los riesgos que no debe tomar, confirma la muerte de su padre a manos su 
tío, quien lo hace para quedarse con la madre de Hamlet y pasar al trono, luego de ello 
confronta la existencia y el devenir humano en sus monólogos, Hamlet logra cobrar la 
promesa que le hace al fantasma de su padre de vengar su muerte, al enterarse de que el 
rey ahora quiere matarlo Hamlet logra herirlo pero ya ha sido herido con una espada 
envenenada ahora este hace que tome el veneno con el que iba a matarlo ambos mueren 
y la reina también pues bebió vino envenenado, Hamlet muere finalmente antes de 
morir designa el trono al príncipe Fortimbrás, Hamlet es enterrado con todos los 
honores.
Romeo y Julieta la obra mas maravillosa llevada a la pantalla grande y recibida muy 
bien no solo en la época sino también hoy por los espectadores, una obra que relata el 
amor prohibido de dos jóvenes cuyas familias son enemigos a muerte, los Capuleto y 
los Montesco, ambos empiezan a tener su amor a escondidas pues seria imperdonable 
que lo supiesen sus padres, pero el odio de las familias se hace notorio cuando el primo 
de Julieta reta a Romeo, pero se niega y el amigo Mercurtio con Teobaldo deciden 
enfrentarse a muerte, de lo que se aprovecha Teobaldo matando al amigo de Romeo 
quien luego se venga de este. pero el amor de ambos es mas fuerte y deciden casarse a 
escondidas pero la posibilidad de que esto sea aceptado es imposible, por ello Julieta 
quiere someterse a beber una droga para que la crean muerta y así poder permanecer 
con Romeo, finalmente Romeo no alcanza a enterarse de la idea de Julieta y cree que 
ella esta muerta al saber esto el se toma un veneno y muere ella al despertar y darse 
cuenta de esto decide suicidarse junto al cadáver de su esposo con una daga. Finalmente 
cuando esto sucede las familias Montesco y Capuleto deciden dejar la rivalidad.
Comedia del arte se conoció en Europa en el renacimiento se da para burlar los 
burgueses entra no solo las posibilidades de tener diversos personajes que emplean 
mascaras sino también para mantenerse ejemplo de ello: el arlequín, polichilena, 
patelán, el dotore, las cuales son grandes, coloridas y de formas grotescas, es una 
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comedia para el pueblo, lleno de personajes con rasgos de estereotipos, por general esta 
comedia del arte tiende con sus historias a incorporar al espectador , dando a 
oportunidad de que este sepa el desenlace. Los temas no son de caballeros, se presentan 
las miserias humanas, esta comedia no dura mucho tiempo como movimiento teatral, es 
mas un pasaje histórico del teatro
Teatro español siglo de oro (siglo XVII) Por Europase ve y se da cuenta de lo popular 
aun mas, en el teatro español los actores ambulantes que llegan a las calles para contar 
lo cotidiano, según este teatro español es posible usar varios personajes que se repiten 
ante los montajes, buscando lugares comunes, en este teatro todos los tramas eran 
empleados y las historias religiosas tenían relevancia, pues era un pueblo creyente.los 
autores mas representativos de la obra española. Miguel de cervantes, novelista, poeta, 
hito de la historia por el Quijote de la mancha, trabajo también la dramaturgia, inicia 
en su época con algo de comedia una de sus primeras obras el retablo de las maravillas, 
con su ilustre pinta sarcástica. Lope de vega, con su corte amplio ante la dramaturgia , al 
crear sus obras pensando en una alegría popular, en la cual el regocijo proclama el 
pueblo, lo muestra su obra Fuenteovejuna, en la que se le da muerte al dictador y gana 
el saber popular que no quieren vivir bajo el poder antagónico de la clase dominante. 
Calderón de la barca este dramaturgo es quien da el final al siglo de oro español, busca 
en sus obras descubrir a loas personajes tras desmantelarlos por apariencias, busca mas 
allá de lo común una de las mas reconocidas la vida es sueño , da la polaridad de la fe y 
la saber, el protagonista leva una carga dramática y además se enfrenta al mundo, vive 
el desengaño, aquel que deja de creer, la metáfora inquietante en pensar la vida como 
sueño, aquel personaje Segismundo que concluye ante las apariencias del actuar es decir 
mantenerse como ”cristiano y obrar bien”.7
Teatro profano (aprox. siglo XVII), este teatro no es muy recibido por la iglesia, dado 
que no apoya la doctrina religiosa, los actores de estas compañías intervenían haciendo 
uso de su elemento corporal gesticulando para lograr por medio de sus farsas contar 
entretenidas piezas, Lope de rueda con sus obras, el Deleitoso, Eufemia.
El teatro Romántico, se presenta ante la historia como un teatro permisivo a la hora de 
crear relatos, uno de los puntos sobresalientes es los personajes quienes están en 
7 Ibid Pag 41
13
muchas de las obras en desacuerdo con su destino, amores no permitidos, personajes 
degradados ante lo social, en este teatro el “secreto” o chisme es de vital importancia 
pues es por ellos se conoce muchas veces la verdad. José zorrilla de Don Juan tenorio, 
una historia que inicia con la apuesta de dos hombre para saber quien “triunfa” mas con 
las mujeres y con el dinero don Juan gana la apuesta, sin embargo el perdedor busca la 
revancha y así propone seducir a una novicia, este tipo de obras trabaja la vida cotidiana 
de personajes tangibles , en esta obra don Juan tiene un amor imposible que es doña 
Inés, pero ella no puede estar sin el y muere de amor, luego de mas apuestas en la obra 
doña Inés hace una con Dios para que su amor se arrepienta a final los dos personajes 
logran llegar al cielo, tras varias complicaciones en vida.
Teatro hispanoamericano, sus orígenes se reconocen en principio por los indígenas 
quienes llevaban a cabo rituales en los que no solo involucraban a los Dioses sino que 
también veían en estos espacios la manera de trascender dentro de su cultura, con sus 
rasgos y tradiciones propias, anteriormente la colonización cambio muchos de estos 
rituales pues la evangelización se presento ante estos con obras teatrales en las que 
muchas veces no se lograba interpretar lo que el colono trasmitía. 
Para hablar de este Teatro del siglo XX, dado que existían nuevas invenciones 
(“electricidad, nuevas tecnologías”8 se debe hablar también del Realismo, Naturalismo, 
el primero aporto en el teatro moderno lo particular que se compone al expresar entre la 
obra y su espectador la “contemporaneidad” .Ahora el teatro naturista, instaura 
narraciones convencionales en las que el destino y la realidad mantienen esquemas de 
espacios tradicionales, la segunda se refiere a la literatura pues propiamente emerge de 
esta, es fascinante al retratar todos los males sociales lo mordido enmarca al naturalismo 
pues las conductas se exploran siendo vivaces, exageradas y vulgar, se habla también 
del drama naturalista que se incorpora a un ambiente en donde los personajes son mas 
tangibles, con pasiones expresadas. Los autores representativos en esta época iniciando 
con el realismo son, Henrik Ibsen, finales siglo XIX, dramaturgo noruego leva una 
postura frente al estado poco amigable pues cree que ”un individuo libre puede hacer 
mucho por si mismo, mientras que la sociedad puede hacer muy poco por el”9 
demostrando también en su obra la casa de muñecas obra celebre por su mensaje en el 
8 Andrade Varas, Op Cit, Pag 39.
9 Tello Ravassi, Op Cit, Pag 80
14
que la importancia de la mujer por revelarse ante el marido, deja ver a la mujer Nora 
como una muñeca que se queda en casa sin desarrollar un proceso de vida, Nora ante su 
marido decide retractarse, muestra entonces el autor como existe la posibilidad de no 
obedecer ante la voluntad del hombre en su papel del marido. Antón Chejov (1860-
1904) nació en Rusia este dramaturgo quien se interesa por dejar a los personajes en 
una soledad , con pocas emociones , monótonos los cuales representaron la Rusia 
dividida y perdida, los personajes de Chejov narran historias en las que la frustración, el 
poder perdido y la revelación son partes de las comunas vivencias sociales, las tres 
hermanas es una obra que describe la vida absurda de estas quién solo llevan vidas 
inertes en las que desean otro destino pero que finalmente caen a la calle perdiendo lo 
que tenían , esta obra no solo dictamina corrientes humanas sino también del contexto 
ruso. 
En este nuevo siglo replantean la mirada sobre el texto ante la escena, su contenido el 
drama, la prosa ahora son sugeridas por un director de escena que se encarga de llevar a 
cabo una conceptualización de lo que se quiere mostrar en escena , por ello su trabajo de 
estructurar la imagen junto con la obra para darle trascendencia (visualmente), Cabe 
destacar que desde el teatro clásico la idea de manejar sobre la escena lo estrictamente 
necesario como vestuario o mascaras era indiscutible, pues el valor a la palabra del actor 
encarnaba la comunicación entre este y el publico, si en escena se tenia un trapo y el 
actor juraba que era su fortaleza este convenio y aceptación de parte del espectador 
adelantaba el juego dramático dando posibilidades de mantenerlo mas concentrado en la 
obra pues el cuerpo del actor llevaba junto con este todo el protagonismo. Este punto 
convertido en una discusión del punto de conexión interpretado y es reconocido hasta 
hoy como la teatralidad, la representación de los cuerpos en la escena y su contenido 
estético.
CAPITULO V
DRAMATURGIA
Es uno de los conceptos más importantes a la hora de referirnos al teatro pues a partir de 
aquí nace la narración, parte por parte que luego construirá la puesta en escena 
constituida y representada principalmente por actores. La dramaturgia se concentra en 
el texto, por ello se habla del dramaturgo pues es la figura profesional que escribe y 
15
plantea las obras. Una ves se centra el escrito es viable darle características y personajes 
referentes a un género teatral, la descripción de estos se da de la siguiente manera:
Comedia: Es un genero que centra su drama a partir de lo extravagante, pues conquista 
al espectador a través de lo humorístico, la comedia se distingue pues en la mayoría de 
sus finales este es feliz, hecho que contribuye con sus personajes quienes son de corte 
llamativo, fuera de lo común, dentro de una sociedad; se puede hablar de este genero 
como burlesco a las desgracias del otro, el enredo, el secreto son puntos característicos 
dentro de las obras, uno de los autores, que trabajo la comediafue Moliere, este autor 
Francés “ Era un autor de farsas con talento, incluso refinamiento, que hacia reír a 
expensas de los médicos, de los maridos engañados,” 10 con obras como las preciosas 
ridículas, la escuela de los maridos, Don Juan, Tartufo, personajes que se direccionan a 
la hipocresía y que hablan de engaños, líos de amores, profesionales que se han hecho a 
medias, y servidumbre que se burla de los nobles. 
Tragedia: La relevancia de este genero se designa en puntos claros en la medida que el 
destino compone una pieza primordial y a partir de allí, los personajes deben afrontan 
la voluntad de sus actos, las ironías de sus vidas, la fatalidad de su existencia, el 
sinsabor de sus deseos, anhelos, sentimientos, la tragedia indica que el personaje esta en 
constante lucha no solo consigo mismo (psicológico), sino con su destino (social, 
afectivo).
Drama: se interesa por temas diversos en los que no solo se representa lo cómico o lo 
infeliz de un personaje que atraviesa por situaciones trágicas, en el drama hay varias 
posibilidades, de alguna manera estos personajes deben luchar contra sus represiones 
sociales, la mente de estos es inquietante pues sus diálogos dictaminan su 
comportamiento, conviven en situaciones cotidianas y deben desarrollar su vida en los 
episodios que se les presenten. 
Tragicomedia: Emplea elementos trágicos en donde los personajes pueden tener 
peripecias pero se alimenta de estas para que en el desarrollo de la obra los espectadores 
puedan disfrutar de un personaje agobiado, pero de rasgos cómicos El desenlace de la 
tragicomedia no evita situaciones trascendentales para los personajes quienes deben 
10 Moliére, Jean Baptiste, Historia de la literatura, Barcelona, Editorial planeta. s.a. 1994, Pag XIX
16
atravesar por situaciones impredecibles que por lo general tienen tendencia al 
sufrimiento.
Farsa: Es un relato que se desarrolla en poco tiempo e incluye a los personajes en 
momentos en donde la mentira prevalece, la farsa emplea temas cómicos que se 
presentan ante el destino como también angustiantes. Este genera se da a través de la 
historia para polarizar las obras religiosas que para entonces se presentaban , los 
personajes principales por lo general engañan a los demás personajes de su entorno 
social, pero pueden caer ante las trampas que ellos mismos instauran y pueden ver la 
contra cara de la moneda.
Melodrama: Es una pieza en donde prevalece el amor, ya sea prohibido o falso, por lo 
general los melodramas son de corte muy sentimental, emplean diálogos en donde se ve 
el romanticismo, los deseos encarnados en los personajes, se ven a lo largo de la pieza 
pues son reiterativos e incasables.
Esperpento: “Para referirse a una conjunción de géneros en una misma obra; el 
esperpento mayor es la muerte, aparece como síntesis del melodrama y la farsa”11 
Estos géneros teatrales han acompañado la historia de la dramaturgia, hoy en día son 
característica primordial a la hora de escribir un texto dramático, desembocando en la 
relación del texto, lo dramático desde la acción, culminando en la pieza teatral.
EL TEXTO DRAMATICO.
El texto dramático es escrito por el dramaturgo, quien desarrollara una acción en un 
tiempo y lugar, anteriormente habíamos discutido las tres unidades desarrolladas en la 
tragedia, ahora discutiremos los elementos expresados en la poética de Aristóteles, en 
donde este expresa, que el dramaturgo antes de escribir cualquier obra debe apreciar e 
interpretar el contexto en el que vive.
11 Andrade Varas, op cit, Pag 48 
17
“Unidad de tiempo = Acción + Espacio + Catarsis + Peripecia + Anacnórisis + Acción 
Dramática + Personajes”12
Para explicar este proceso se debe recordar que la catarsis debe ser expresada por el 
público; Anacnórisis, está presente luego de la anterior, “es el reconocimiento del 
suceso”13 la peripecia, se presenta en el personaje como respuestas a actos equívocos 
llevados por su voluntad que lo llevan al infortunio; la acción dramática, es la 
reiteración que en el drama existe la acción, la vida y la muerte, siendo esta el punto en 
donde culmina tal acción, pues es una forma de desarrollar el drama. Los personajes se 
desarrollan en una cotidianidad festiva o desgraciada, pues su destino ya esta marcado, 
por ello la escogencia del personaje es casi nula. Las obras de teatro tienen como fin 
trabajar el conflicto, por esto mismo el dramaturgo debe recurrir a este elemento 
siempre en sus piezas teatrales.
Destacar aspectos en los que aparece el tema, es referirnos netamente a las ideas en 
donde no existe un limite pues obra propia de un autor, por supuesto esta no aparece sin 
el argumento, el cual es la estructura, este es iniciado por un conflicto anterior, todos 
estos puntos de vista son predeterminados por el autor, es decir el dramaturgo, quien 
debe desarrollarlos de manera concreta, para lograr expresar su idea.
La dramaturgia como concepto global debe ser entendida como la infraestructura de 
cualquier drama, pues permitirá el alineamiento de un acto creativo para ser 
representado luego por medio de la teatralidad.
12 Ibid, Pag 49
13 Ibid Pag 49
18
19
“PAPEL DEL CINEMATOGRAFO COMO ARTE Y COMO MEDIO DE 
EXPRESIÓN CULTURAL”
El cine es la representación de la realidad invocada por el lente de una cámara y por un 
director que desea narrar la perspectiva de su mundo, el cine nos permite ser un filtro de 
información, ya sea para destacar características sociales o por el contrario para 
representar una idea de ficción frente a las realidades culturales.
La imagen, la musicalización, el guion, el montaje, los efectos especiales son 
herramientas empleadas para destacar diferentes visiones que logran sensibilizar al 
espectador, es allí donde me detengo y resalto estas inimaginables puertas de poder que 
llevan a cambiar la noción de una persona, replantear su existencia y determinar su 
admiración a diversos actores o directores universales. El cine es el camino más 
asombroso en el arte audiovisual pues genera otra realidad, la crea en una plataforma 
subjetiva y de allí logra manejar como un títere las ambiciones del espectador. 
Élie Faure, ensayista e historiador francés a lo largo de su vida expuso la importancia de 
las artes en el desarrollo humanístico del hombre, dio las suficientes herramientas a 
través de sus letras para convertir su visión poeta en una razón de arte y vida, como lo 
escribió en el prefacio de su libro “la función del cine14” su admirador Charles Chaplin: 
“con el don de discernir, en lo que la vida ofrece de mas banal, lo extraordinario y la 
belleza15”
Considero el arte cinematográfico como el abordaje perfecto para exponer al director 
como emisor de un mensaje y al espectador como receptor, que absorbe y se deja 
seducir por lo que ante sus ojos aparece. Sin embargo diferentes puntos de vista son 
14 ELIE FAURE, LA FUNCIÓN DEL CINE,ARGENTINA,EDITORIAL LEVIATAN 1956. PROLOGO 
EDMUNDO E. EICHELBAUM.PAG 15.
15 Ibid pág. 10.PREFACIO CHARLES CHAPLIN.
20
creados para mostrar las diferentes formas de percibir al mundo, según sus creencias o 
culturas en donde se debe adaptar este arte; es decir, el cine en América latina a tenido a 
lo largo de la historia un desarrollo concentrado en países como lo son México o 
argentina, en otros países latinoamericanos ha sido a un paso mas lento y con un 
concepto de practicas sociales mas amplio enfatizando en un producto documental.
 
Ahora bien el cine comercial americano, con la variedad de montajes que presenta lo 
que enmarca son diferentes puntos de vista frente a la ciencia ficción, tergiversada en 
muchos casos a lo que es la literatura y la noción real de esta,en comparación con otros 
géneros y contextos cinematográficos culturales, Dado que enfatiza la ciencia ficción 
considerándola en principio como la búsqueda de una argumentación científica que 
compruebe la existencia de otros seres, por supuesto el cine americano no busca 
convertirse en un argumento de autoridad por lo que se ve o narra, el cine americano 
propone entretener al espectador con un personaje, montaje u efectos que logren seducir 
y convencer a quien va al cine y adquiere una boleta ,Hollywood se ha convertido en la 
industria mas efectiva a la hora de hablar de cine comercial; sin embargo ponentes del 
séptimo arte reprochan el manejo y la comercialización de este cine, por la importancia 
que dejan a las ganancias, a la venta de taquilla, asumiendo la narrativa con una visión 
mas asequible a todo tipo de espectador. ”el film americano es un arte nuevo, lleno de 
perspectivas inmensas, promisorio de un gran porvenir16”
Por otro lado La cultura europea bajo ancestros tan fuertes como los el teatro se 
manifiesta en principio con diversos movimientos, el neorrealismo italiano uno de los 
mas recordados por ejemplo, destaca la posguerra, la desgracia que deja esta, el hambre 
y la perdida de conciencia ante el dolor humano, este proceso marca la historia universal 
y de allí se puede retomar “memorias” de lo que sucedió en la sociedad mediante este 
acontecimiento. “es la fuerza de este tipo de vivencias, sin duda, la que le dio tanta 
firmeza en sus intuiciones, como para permitirle afirmar , con tanta anticipación el cine 
italiano llegaría a rivalizar con la cinematografía norteamericana por su vigor y en la 
medida que se apartara de ciertos preconceptos de su tradición cultural17”
16 Ibid pág. 57
17 Ibid pág. 21 PROLOGO EDMUNDO E. EICHELBAUM
21
La realidad social a través de la historia ha permanecido junto con este arte en diferentes 
periodos, este proceso ha sido acompañado de una manera audiovisual como forma 
artística o política comunicativa para cada postura en determinadas sociedades. Según 
Élie Faure “Todas las artes mueren por la generalización de los talentos que les permite 
mantener, afinar y, a fin de cuentas banalizar ese gusto18”
El cine es el canal más brillante para comunicar las desigualdades en los diferentes 
sectores de la sociedad, además es el medio más eficiente para transmitir los deseos 
surrealistas “el cine incorpora el tiempo al espacio. O mejor: el tiempo gracias a el, se 
transforma realmente en una dimensión del espacio. Podemos ver mil años después de 
que halla saltado del camino bajo el galope de un caballo, una nube de polvo levantarse, 
extenderse disiparse o la humareda de un cigarrillo condenarse y retornar al éter.19” 
Hablar de cine es hablar de un arma visual que puede traer consigo cambios, 
renovaciones. Este ejemplo demuestra lo que se puede hacer con las sociedades y 
culturas tomar parte de ellas y expresar en que condiciones se desarrollan que nos 
distancia o se nos asemeja, como replantear la organización social. 
La solución del cine se encuentra en notificar la realidad social los puntos de quiebre y 
una posible solución, el cine es la herramienta pacifica que con una imagen logra 
ilustrar la realidad, el cine es la posibilidad de contar con imágenes , música, montaje lo 
que pasa y lo que no se debe repetir, el cine mas importante no es el que presupueste 
mas dinero en su producción, si no por el contrario el que se permita contar algo al 
espectador y hacerlo soñar, gracias a la actuación que lleva al espectador a este clímax, 
es el personaje el que conmueve que traduce las líneas de un guion en sentimientos, 
lagrimas, risas, dolor, es el personaje quien crea el cine para trasmitir al espectador, es la 
odisea de persuadir es el arte de transmitir. 
18 Ibid pág. 41
19 Ibid pág. 62
22
EL CINE, LA REALIDAD A TRAVÉS DEL LENTE CAMBIANDO EL 
UNIVERSO, EL LADRÓN DE BICICLETAS.
Cuando se trabaja la interpretación actoral en una obra cinematográfica, se procura 
tener personajes emblemáticos, que logren llegar al espectador conmoviéndolo ante su 
interpretación. A lo largo de los años diversas actuaciones han sido llamadas históricas; 
gracias a su narrativa audiovisual, al desarrollo de los personajes que se presentan en la 
película, que llegan a hacer sentir al espectador de una forma particular en la que al acto 
comunicativo es presente a través de las emociones.
 
Teniendo en cuenta esta afirmación, se buscara como índice primario el cine como arte 
fundamental para la existencia del mundo audiovisual, dado que el hombre percibe el 
mundo, se dice que lo imita a través del lente y de esta manera es más eficaz su 
aprendizaje, una vez el hombre genera razón sobre lo que ve, lo disfruta, asimila, y 
critica decidiendo sobre la moral que le corresponde. El hombre no solo quiere trabajar 
en el arte cinematográfico una idea que le permita ver su entorno con base en una 
imitación, aquellas películas que presentan personajes con los cuales el espectador se 
siente identificado, o piensa en seres queridos que se le asemejan a este. Una idea del 
cine comercial o de bajo presupuesto, en los diversos continentes encaja Cuando se 
sugiere una realidad en la que el mundo explora desventuras, traiciones, sobre aquel 
sueño con el que inicia, este método puede ser llamado por Platón como lo aparente, El 
también formula otra intervención sobre la mimesis que vincula lo que se piensa, se 
narra a lo que se anhela, todo se escribe tal como se quiere, el literal, muchas de las 
narraciones cinematográficas se centran en esta idea platónica en donde el personaje 
tiene un objetivo desea cumplirlo y deberá sobrepasar las penurias que lleguen a su 
destino, este tipo de personaje- común o héroe, por lo general llega al espectador con 
mayor conmoción, pues supera las desventuras del destino.
De esta manera se da lugar a la realidad comandada a partir de la visión del cine, en la 
que se esclarecen las realidades diversas, de lo que es, se ve y se interpreta, por medio 
de una historia, un personaje.
El libro de teorías documentales para el cine documental en chile, pronuncia:
23
Otra de las teorías hace referencia a la retórica abarcadora utilizada por los 
realizadores para poder captar los múltiples estímulos que entregaba la realidad. La 
mutabilidad de las situaciones reclamaba a personas con iniciativa: los realizadores 
actuaron apropiándose se de la realidad y su manera de hacerlo fue mediante el 
registro, ellos capturaban todo y lo reciclaban para que fuera comprensible de otras 
maneras20.Al leer este diagnostico de la retorica abarcadora comprendemos entonces, 
que esa mimesis es también técnica para narraciones no solo de ficción sino por el 
contrario obras de la vida real de donde nace el neorrealismo italiano, expresionismo 
alemán, entre otros movimientos cinematográficos, que no siendo documentales , se 
apropian de la realidad para mostrarla a partir de la narrativa audiovisual. 
Entonces decir que el cine hace hasta el último esfuerzo por develar el misterio de la 
realidad, evitando la mirada subjetiva seria referirse a Andre Bazin, se puede decir que 
si el cine no contempla la realidad no sería este arte, debido a ello las expresiones 
artísticas deberán en todos los ámbitos cinematográficos encargarse de crear situaciones 
–reales-, visibles en las sociedades, existen dobles, así perduran tras los años los 
personajes, las personas pueden sentirse aludidas e identificarse, son anécdotas de la 
vida es decir el cineasta se sienta con su lienzo a pintar la obra maestra es casi una 
fotografía con vida eso genera la exactitud en el cine, no todos los cineastas cuenta la 
vida “real”, a otros más contemporáneos les interesan las historias, quecuentan algo, 
pero con elementos de ciencia ficción, efectos, maquillajes, montajes, etc. muy 
diferentes a la trama clásica de mimesis.
Si pensamos el cine desde la representación de la realidad documentarla produce una 
movilización masiva de sentimientos, estos nacen del espectador y ayudan a estimular 
las pasiones del hombre, el cine no solo a través de la historia ha sido para recrear las 
corrientes universales, la búsqueda de hacer sentir la gente en su propia dimensión, 
husmear en sus ideologías y a modo de propaganda política incentivar protestas 
sociales. En la segunda guerra mundial es visible notarlo. Supongo el concepto de 
Neorrealismo que nace en Italia, como respuesta a la miseria de la postguerra, al 
20 José Román (Santiago, 1940), como guionista, un influyente crítico cinematográfico, función que ha 
ejercido en el diario La Tercera y en las revistas Primer Plano, Enfoque y Apsi. Texto El Cine Alemán y 
la Tendencia Expresionista.
24
fascismo que oscureció y margino la vida de personas entre ellas cineastas que querían 
contar a su patria, al –mundo-, sus historias como autobiografías de sus desconcertantes 
vidas, de la violencia y maltrato que vivieron, por ello los espectadores de esta tipo de 
películas convocan voz a voz, el acompañar las ideologías que registran también como 
suyas. 
Vittorio De Sica,Director cumbre del neorrealismo italiano, con su película “El Ladrón 
de Bicicletas” enmarca este movimiento. Esclarece cualquier duda que se tenga frente a 
las acciones realizadas por los actores naturales o de academia, la historia cuenta con 
tres personajes principales el papá Antonio Ricci interpretado por el actor Lamberto 
Maggiorani, la madre María Lianella Canell y el hijo Bruno Enzo Staiola; la pobreza de 
esta familia que con el único recurso que puede sobrevivir es gracias a una Bicicleta, 
dado que con esta Antonio lograra el sustento para su familia, sin embargo la realidad y 
la pobreza por la que vivía Italia en esa época estaba vigente y desgraciadamente a 
Antonio le roban la bicicleta, su único medio para sobrevivir junto con su familia, de la 
cual debe cuidar de sus hijos, Bruno, su bebe , su esposa, esta sinopsis, que ciertamente 
cuenta la película , y que tiene un varias sorpresas y un final injusto, lleva a este hombre 
quien junto a su hijo emprenderán la búsqueda por la bicicleta , dejando ver la 
desolación de un padre, la desesperación de una madre, la ingenuidad de un pequeño, en 
una de las escenas finales cuando capturan a Antonio quien intenta robar una bicicleta, 
es visto y capturado delante de los ojos de su hijo, es una actuación de estos personajes 
impecable pues logra transmitir al espectador el desespero y la desesperanza, a través 
de miradas, llanto, vacio. Trayendo a colación al maestro del arte teatral Jerzy 
Grotowski, no se necesito de maquillaje, luces y artefactos escénicos para transmitir con 
el cuerpo de estos actores su historia, casi como un teatro pobre, se persuade al 
espectador con una sensatez irrepetible.
Siguiendo la línea de movimientos cinematográficos culturalmente varían dependiendo 
del director, una muestra de ello, el Expresionismo Alemán y una de sus obras 
magistrales Dirigida por: Robert Wiene: justifica un paralelo;
25
 “El Gabinete del Doctor Caligari”, film tomado por el autor como modelo del período 
expresionista. Lo extraño es que durante todo el estudio las referencias teóricas o 
tomas de posición están muy ligadas a cierta corriente “realista”, siendo Kracauer y su 
libro “De Caligari a Hitler” el primer referente, pero también Bazin, con su formula 
comparativa entre el “cine realidad y el cine imagen”, siendo el expresionismo el 
modelo por excelencia de este último tipo de cine. se termina privilegiando un aspecto 
menor (que es algo así como defender la especificidad cinematográfica de “El 
Gabinete…21”
Esta discusión argumenta en una obra varios autores. El expresionismo alemán y su 
interés en el montaje se expresa en la obra cinematográfica “El gabinete del doctor 
caligari”, para muchos espectadores esta obra es muy teatral, varios críticos afirman que 
el director Wiene, inicio su carrea en teatro por ello su obra maestra es tan particular, no 
hablan los personajes, pero sus expresiones son muy dicientes, sus acciones son híper, 
en diferencia al anterior film que mencione, esta historia rebaza las nuevas pretensiones 
del cine para la época.
Pero estas reconocen el valor cultural, con el tiempo diferentes cineastas han decidido 
que corriente abordar, unos el surrealismo, o neorrealismo, realismo, no todos se volcán 
a un solo camino depende de la historia de cada uno de estos, los deseos, ánimos y 
directrices que quieren tomar en sus vidas Como Genero Artístico inconfundible. El 
cine aporta ideas estéticas que corroboran las historias, por supuesto cada tema debe 
acompañarse de entes artísticos que dirigen las escenografías vivas. Sin embargo la 
intención de aprender el arte del cine, no es campo sencillo, a partir de lo que 
experimente cada ser, este debe percibirá la realidad uniforme plasmarla y darle toques 
coyunturales, mágicos, misteriosos, lo importante es contar una historia, narrar una vida, 
crear en el espectador esas ganas de llorar, gritar, reír, motivar a realizar algo con sus 
21 Libro Teorías del cine documental en Chile: 1957-1973: Instituto Fílmico de la Universidad Católica y 
Centro de cine experimental de la Universidad de Chile.
26
propias vidas, por eso el cine es técnica también ,cada director se diferencia por su 
forma de narrar audiovisualmente, ejemplos claros:
David Lynch comenta: “Todo director tiene unos cuantos trucos técnicos particulares. 
Por ejemplo, a mi me gusta jugar con los contrastes; me gusta utilizar objetivos que den 
una mayor profundidad de campo; y me gustan los primerísimos planos”.
Jean Luc Godard: “Encontrar dónde situar la cámara en una escena determinada es 
tarea difícil, en realidad no hay reglas, no hay principios en los que te puedas basar. Sin 
embargo, una cosa de la que me he dado cuenta es que si realmente no sé dónde poner la 
cámara, eso significa que algo va mal: la escena no es buena, la posición de los actores 
no es buena, el diálogo no funciona… Actúa como una especie de alarma, un 
mecanismo de advertencia22”.
Finalmente la expresión más hermosa del actor es aquella que se puede pintar sobre una 
pantalla llegando a ser cuento audiovisual, con pedazos de vida, interpretaciones 
memorables, recuerdos inolvidables, ese es el trabajo del actor, acompañado y orientado 
por un director y un guion.
22 Lecciones de cine: Él cine según http://www.lafuga.cl/libros/lecciones_de_cine/
27
http://www.lafuga.cl/libros/lecciones_de_cine/
12 ANGRY MEN DIRIGIDA POR: SIDNEY LUMET
Iniciar un análisis como resultado de la interpretación de cada uno de los personajes 
que se presentan en esta película, enfatizando el trabajo actoral del estadunidense Henry 
Fonda quien a lo largo de su vida participo en decenas de películas, convirtiéndose así 
en un icono actoral de la historia. La participación en esta película se presenta como 
analogía al método stanislavskiano, dado que cada uno de los personajes lleva consigo 
una memoria emocional que transcurre a lo largo de la película, es un reconocimiento al 
trabajo en escena y a la construcción de un personaje a partir de una psicología. 
La sinopsis, se necesita saber la sentencia de un joven, acerca de si es culpable o no del 
asesinato de su padre, para someterlo a pena de muerte, la narración de esta película 
inicia en un tribunal, luego se dirige a un cuarto (en el que se desarrolla toda la cinta). 
12 Jurados (entre ellos Henry Fonda) deben decidir con lasuerte de un personaje 
(joven) del cual solo se presenta apenas un plano del rostro unos segundos y del que 
se cree es el asesino de su propio padre, tras encontrase el cuerpo de este con una 
puñalada de 10 cm de profundidad en el pecho. A partir de allí la película inicia su 
desarrollo con estos 12 sujetos los cuales personifican diversos rolles dentro de la 
sociedad.
Uno a uno los jurados van mostrando sus rasgos, para este caso que deben sentenciar: 
uno de los primeros encamina la discusión en la que el prejuicio se hace notar desde el 
punto de vista humano hacia un grupo determinado de la sociedad de la que este 
personaje prefiere ”exterminar”; Este primer jurado muestra inicios de su personalidad 
lo que Stanislavski llamaría en su método la idea de unidades y objetivos; gracias a su 
28
afán pues solo esta presente con la necesidad de salir rápido del dictamen dado que lo 
espera un partido al cual no desea faltar y lo hace saber. Luego de unos minutos en los 
que los 12 jurados se organizan dan inicio a la votación de la cual el líder pregunta 
como hacerla y uno de estos comenta que es mejor que sea con votos(levantando la 
mano) si están a favor o en contra, aceptando esto el líder, hacen la votación y de los 12 
jurados 11 aciertan que es culpable y 1 no(quien en la cinta será el único que mantendrá 
su voto Henry Fonda), todos sorprendidos y desconcertados le piden que de sus motivos 
con los cuales este se presenta y aclara como es el caso: En esta escena el personaje de 
Henry fonda controversial, serio inicia su explicación sin estar seguro de si es o no 
culpable el joven, pues el aclara lo siguiente, existen 2 testigos mujer-vecina(asegura 
ver todo), anciano-vecino(escucha gritos: “te voy a matar” ve al supuesto asesino hijo 
correr por las escaleras) estos aseguran saber que el joven es el asesino pues lo vieron, 
otro jurado se enfada y será también miembro del prejuicio del primer jurado, este 
personaje desmerita a casi todos los jurados siendo el mas patán y ruin quien(lleva 
detrás de su arrogante personalidad un dolor por un hijo quien no ve hace 2 años)* otro 
de los rasgos mas importantes del método de stanisvlaski la memoria emocional, 
comportándose bajo las circunstancias dadas, sin embargo se esta desahogando por 
medio de dictar sentencia a este otro joven quien le recuerda a su hijo, Este asegura que 
una de las pruebas mas sobresalientes es la navaja la cual solo la podía tener el joven 
pues era “única” en su clase, lo cual es desmentido por David Henry Fonda, cuando 
muestra una navaja exactamente igual lo que hace que el mayor(edad) de los jurados 
cambie de opinión y decida que su voto es a favor del joven desde esta segunda 
intervención el personaje de David quien lo interpreta fonda maneja una sicología 
enigmática pues se concentra en decirle a los jurados que no es seguro que el joven halla 
asesinado a su propio padre pues las pruebas están llenas de dudas.
La precisión y concentración de este personaje para enfrentarse a los otros 11 hombres 
emocionalmente comprometidos y con una particularidad ligada al comportamiento 
social de estos, guían la película a un punto de incógnita, duda e interés al publico por lo 
que sucederá, cabe recordar que esta película fue rodada casi por completo en un solo 
set el cuarto donde deliberan, lo que confirma el trabajo actoral de los personajes.
 Este jurado pasa de discriminar; recordando este termino como rechazo absoluto frente 
a un grupo social pero sin la noción de exterminarlo, los hombres consternados por el 
29
nuevo resultado se preguntan entre si, pues ninguno sabe quien es el “traidor” que 
cambio de voto. la rabia del juez testarudo hace que explote frente a otro jurado que 
anteriormente había comentado que su juventud fue en un barrio joven y pobre, este 
solo niega que el fue, el juez mayor asegura que fue quien cambio el voto dejando en 
ridículo al juez testarudo quien maneja la memoria afectiva en su personaje, Por tal 
razón el juez que tuvo una infancia en un barrio similar cambia de voto a no culpable, El 
juez mayor anota también la idea de David pues solo tienen evidencia circunstancial, 
¿como pueden estar tan seguros de algo que ninguno vio? , lo que hace tambalear las 
declaraciones de los 2 testigos mencionados anteriormente, dado que el testigo anciano 
es muy viejo y no pudo oir tan claro y caminar tan rápido y que la mujer no usaba lentes 
y vio todo claramente, ambos con el tren pasando en la noche lo que hacia que las 
pruebas fueran menos exactas, esto hace que discutan y se refieran a como puedo ser el 
asesinato, David va probando a cada uno de los jueces al pedir otra votación luego de un 
pequeño descanso queda empatados 6 de los jurados dan su voto por la culpabilidad del 
joven y otros 6 votan por que no es culpable. 
La homogeneidad del grupo se veía muy desdibujada ya que David continuaba 
insistiendo y preguntando a cada uno de los jueces para demostrarles que no había 
ninguna certeza, uno de ellos reiteraba su negativa puesto que el acusado había 
mencionado que estaba en cine y no se acordaba de las películas ni de los actores 
entonces David lo confronta(esta escena genera una aprobación del personaje que Fonda 
interpreta) nuevamente hace que cambie también su voto además por la discusión que 
tiene de los testigos sobre todo de la mujer quien sin usar gafas había reconocido toda 
tan evidentemente , esto es poco creíble. Al convocar una nueva votación que da como 
resultado 9 jueces a favor y 3 en contra los cuales llenos de incógnitas sugieren 
desacreditar las intervenciones de David y ahora de sus seguidores, el juez testarudo con 
su idea etnocentrista insiste en la culpabilidad de joven (desgraciado por su vida e 
infancia), David nuevamente presenta las probabilidades de sentenciar al joven por algo 
que no se “sabe” con plena seguridad lo que hace que cada uno de los jueces se reponga 
a la idea de la no culpabilidad de joven, ahora en la última votación están 11 contra uno 
el juez testarudo es el único que queda con su sentencia de culpabilidad, en una 
discusión con David le dice las mismas palabras que se supone dice el joven a su padre 
“te voy a matar” , lo que crea un malestar en este haciéndolo una vez mas quedar como 
un insolente estúpido, la presión de los demás jueces y la notoria idea de no saber a la 
30
perfección lo que sucede hace que el mas arrogante de los jueces decida votar que es 
inocente generando un profundo llanto pues recuerda a su hijo y por ello mantiene tal 
rabia al joven a quien se culpa, enfatizando la vida interna de los personajes este quien 
se confronta varias veces con David lleva la carga emocional mas fuerte de los jurados , 
David el que más conmoción genera en la mente de todos los presentes en el cuarto 
donde se desarrolla la película maneja el perfil mas tranquilo y misterioso dejando que 
la película tenga sus puntos de giro justificados por su s intervenciones.
Las ideas con las que se inicia la discusión y los roles de cada uno de los hombres los 
cuales se direccionan hacia el desinterés, los recuerdos, la inseguridad, son puntos 
claves en los que se reflexiona tal noción pues solo son percepciones que pueden ser tan 
erradas que solo llegan a crear prejuicios. Finalmente los personajes con rasgos 
sicológicos estereotipos sociales, Dejando 12 jueces que representan los constantes 
roles sociales y dejando una incógnita en la que no se sabe cuando esclarecer y manejar 
las “dudas racionales” pasando de el prejuicio a la discriminación del joven marginado 
en la vida. David presenta rasgos del método constantemente pues emplea en escena y 
su personaje corrobora uno de los puntosmas sobresalientes de este que es la escucha 
de lo que se habla en escena el potencial actoral de este personaje se basa toda la 
película en ello. La concentración como otro punto impecable en le actuación de estos 
personajes en la que sobresale la de Henry Fonda, con su personaje, dentro de un perfil 
natural pero que genera incertidumbre y que a partir de allí lidera a los demás con la 
sencillez, precisión en la construcción del personaje. 
31
DE TODOS LOS DEMONIOS DEL HOMBRE- MAR ADENTRO
Analizar esta obra cinematográfica Dirigida por el maestro Alejandro Amenábar es 
muy interesante cuando se mantiene presente la conducta audiovisual que este maneja. 
Por ello, analizar sus películas es algo que requiere precisión, además de un 
encantamiento para desdoblar la naturaleza y estrategia con la que este pretende hacer 
de sus películas obras enmarcadas de rasgos en los cuales se precise la idea de cine 
clásico, a través de su historia y la actuación de sus personajes tan viscerales y reales.
Lo primordial al desarrollar este análisis es pensar como Amenábar trabaja sus historias, 
qué lo motiva trabajar en un proyecto y hacer de éste una obra reconocida; en la 
mayoría de sus películas logra entre verse sus intenciones sobre el concepto clásico de 
inicio, nudo y desenlace. Amenábar se especializó desde el inicio de su carrera 
trabajando en sus obras cinematográficas, una idea en la cual el desenlace de las 
historias sólo llegase hasta el final para lograr un punto de giro, es decir, que éste se 
especializó en crear historias en las que el inicio es lento presentando así a todos sus 
personajes, por ello no es común ver la acción desde el inicio de sus películas tales 
32
como Tesis (1996),abre los ojos (1997) y cortometrajes como La cabeza (1991), 
Himenóptero (1992). 
 En su primera década como director se dedicó a profundizar sobre la psicología de sus 
personajes y así incremento la expectativa para los espectadores: sólo hasta el desenlace 
de sus historias (antes cada una de sus encarnaciones vivía a partir de sí mismo 
situación que desembocaba, la mayoría de veces, en finales tradicionales). Los 
personajes de su primera década son sometidos de manera tal a la tensión incremental 
que es sólo hasta el desenlace que logra liberarlos. Sin embargo, al realizar el 
largometraje Los Otros (2001) sobrepone todas las percepciones que se tenían frente a 
sus trabajos previos, no solo por el presupuesto de realización de esta película, sino por 
el criterio con que maneja la trama, dejando una incógnita desde el primer minuto de su 
film hasta el último, a diferencia de lo que había hecho anteriormente; en esta película 
dosifica la tensión que antes usaba en el desenlace, y ahora es desde el inicio que se 
aplica la tensión sobre sus personajes. Esta nueva estrategia narrativa pareciera que la 
incluye en cada una de sus penúltimas películas. 
Las características principales de los personajes de la película (Los otros) se 
manifiestan orquestadamente. Amenábar recibe comentarios favorables y desfavorables 
por este film: sus personajes parecieran sacados de una idea “hitchcockiana”, por 
películas como no en vano realzan su pasión por Hitchcock Y kubrick, además muchos 
de ellos son personajes “normales” que de algún modo han vivido eventos 
desconcertantes o sorpresivos en sus vidas.
Pero no solo esta idea de misterio y desequilibrio sobresale en el manejo de sus 
personajes y sus historias: El carácter sentimental complejo que incluye en todas sus 
películas y la muestra de la muerte hacen gala de sus obras, muestra de ello Mar 
Adentro, en donde los temas primordiales ( son notorios por la historia de un hombre 
que en su cama lleva postrado 30 años quien lo interpreta el actor español Javier 
Bardem y donde su decisión final para salir de su depresiva vida, es la eutanasia y su 
única forma de morir dignamente, ya que es una determinación tomada por el mismo, 
pero que finalmente fracasa, requiriendo la ayuda de alguien mas-Rosa-), Amenábar 
recopila en Mar Adentro la historia real, toda la información con los seres queridos y 
realiza esta película que conmovió muchas personas por la magistral actuación de 
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Javier Bardem y la maravillosa historia contada por Amenábar, que por su temática 
logra además de todo premiarse con oscar de la Academia,14 premios Goya entre otros 
reconocidos galardones internacionales.
 A partir de esta obra Amenábar nos muestra como la idea central de su trabajo es 
trasmitir emociones que logren generar sensaciones en el espectador tales como 
compasión, frustración, victoria, amor etc.
 
Las películas de Amenábar y su estructura narrativa, nos ofrecen un rasgo mas 
contundente sobre el cine clásico, por ejemplo: el denotar en sus películas las fortalezas 
de sus personajes, que a pesar de las peripecias que profesan durante sus propios 
desarrollos narrativos y además que sus relaciones con otros personajes dentro de la 
historia, sean cotidianas creíbles y narradas.
 La idea de luchar a pesar de todo lo que sucede a su alrededor. Estos Siempre 
encuentran aliados para lograr salirse de sus embrollos, creo que por ello la estructura 
clásica encaja de manara similar en muchas de sus películas, ya que existe siempre una 
motivación un deseo, además de obstáculos y posibles antagonistas que hacen que las 
tramas de este director sean tan interesantes, confirmando así la poca intención de 
presentar en sus películas ideas de ciencia ficción o historias de narraciones no lineales, 
dado que este siempre mantiene un lugar determinado para sus personajes, en muy 
pocas de sus obras usa diferentes espacios, sus herramientas como realizador son por lo 
general flashback, o “ recuerdos” es decir no desdibuja su figura del cine clásico, por 
ello el análisis de Alejandro Amenábar como director, desemboca en una muestra 
excepcional de cómo lo cotidiano puede convertirse en una obra cinematográfica a 
partir de los elementos enseñados por el cine clásico.
“El actor que trata de llegar a un estado de autopenetración, el actor que se revela a si 
mismo, que sacrifica la parte mas intima de su ser, la mas penosa aquella que no debe 
ser exhibida ante los ojos del mundo debe ser capaz de manifestar su impulso. Debe ser 
capaz también de expresar mediante el sonido y el movimiento, aquellos impulsos que 
habita la frontera que existe entre sueño y realidad” la actuación de Alejandro Bardem, 
es magistral conecta al espectador con la realidad visceral de una vida alejada del 
mundo por un accidente, una constante tristeza y un anhelo por morir, dejando todos los 
sueños con los que vive este personaje romántico y conmovedor. 
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Las diversas escenas de esta película muestran al espectador la fragilidad de la vida y 
las ironías de esta .otros personajes aparecen allí, julia o rosa, el hermano, sobrino, 
padre y cuñada de Ramón, todos cargando la penuria de su ser querido. Siendo parte de 
la historia cada uno con su dolor interior que solo se muestra ante el espectador, y que a 
su vez es reconocido por el personaje central Ramón. Una de las escenas mas 
impactantes, la escena en la que rosa su amiga, su amor le ayuda a morir, como ramón 
lo deseo durante tantos años, dignamente, esta una de las mas impactantes que muestra 
la película, pues diversas emociones se sienten, pues se conoce el amor tan profundo 
que tiene rosa por ramón, es tan inmenso que lo ayuda a morir dignamente.
Ramón este personaje que trasmite a partir de sueños y poesías su tristeza y 
desconsuelo, llega al espectador con su trabajo actoral, con su representaciónde un ser 
que fue real esto a su vez hace de este un roll mas exigente, dado que debe transmitir un 
mensaje complejo, en mi opinión como espectador lo logra este actor fielmente, 
llegando al sentimiento mas sensible del espectador, justificando la comunicación entre 
una película, la interpretación de un actor y la percepción del espectador.
En esta película el trabajo del actor logra proponer rasgos del método Grotowski con 
relación al comportamiento humano, dado que tiene trascendencia en su discurso 
político y social frente a la dignidad humana. Existe un distanciamiento como 
analogía al rompimiento de “la cuarta pared” según Grotowski ; el personaje de Ramón 
habla acerca de temas sociales como la eutanasia, reprochando la postura religiosa, y 
jurídica de su país logrando generar en el espectador un cuestionamiento sobre estos 
temas.
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INGMAR BERGMAN FRESAS SILVESTRES ANALISIS
Ingmar Bergman en dos de sus obras maestras Fresas silvestres y Persona, nos expresa el tema 
relacionado a la perdida de la fe religiosa “silencio de Dios” en la película fresas silvestres 
Bergman, retoma nuevamente su lógica creativa de renombrar las situaciones que en la vida se 
presentan como lo son :el pasado, la vejez, la infancia, en esta logra conmover al público a partir 
de un sueño del personaje principal Isak Borg en el que ve su muerte, teniendo tal 
“premonición “en cuenta, para trasladarse a recibir un premio este decide tomar camino y lo 
hace en coche pues le permitirá a su mente recordar lugares y seres con los que transcurrió su 
vida, emprendiendo el camino decide regresar a su hogar el cual tiene como sello el espacio 
lleno de fresas salvajes(estas que se repiten también en el séptimo sello), además es allí donde 
se llevan a cabo varias experiencias amorosas, tal viaje lleva a feliz termino el desenlace de las 
memorias dado que muestra la perspectiva intima del profesor que revive cada paso de su vida 
recordando amores y la relación que mantuvo tanto con sus padres como con su hijo.
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Entra a su pasado para mirar hacia adelante sin miedo. Dentro de sus prejuicios mentales que 
más allá lo llevaran a liberarse de sus temores, Bergman en esta película, creo yo, recurre a la 
insistencia del silencio divino pues cada uno manifiesta en si mismo la opresión de su ser, por lo 
que se puede considerar que la “necesidad absoluta, de adaptarse no solo al mundo real, sino a 
todo mundo posible23” , es la prioridad de quienes permanecen bajo la desprotección religiosa es 
decir se enfrentan a lo que aparezca delante de si sin juzgar su procedencia o resultado. Jugando 
un poco con los recuerdos y por supuesto con la mente del personaje en el que flashbacks 
recurrentes argumentan una vida llena de situaciones y espacios para lo natural: nacer, crecer y 
morir, pero vale la pena recalcar la ultima ¿porque al profesor la muerte le generaba tanta 
incertidumbre?, este punto también permite analizar la carencia de la fe en la película, pues no 
esta la condición de lo cíclico ni lo divino sencillamente ocurrencias que de alguna manera 
tocan los tallos existenciales e los personajes.
 
Persona otra obra reina de este cineasta sueco narra la historia de una actriz de teatro, quien 
interpretaba el personaje de Electra, un día decide dejar de hablar sin motivo alguno, ella es 
internada en un hospital en el cual conoce a una doctora, la cual le asigna a una enfermera para 
que se lleve a esta paciente a su casa de verano, allí encontrara en Alma, la enfermera, una 
mujer extrovertida quien además le compartirá los secretos mas íntimos. Elizabeth quien decide 
mantener su silencio empieza a cambiar de actitud hacia su acompañante, Dando ciertas 
características gestuales en las que atiende a cada una de las historias que le narra Alma, ambas 
logran crear un espacio dentro del film en el que los deseos se convierten en presas tangibles de 
la imaginación, ejemplo de ello cuando Alma siente que Elizabeth entra a su habitación y la 
acaricia, ella entre dormida no logra reconocer la presencia, preguntando a Elizabeth si estuvo 
allí, sin embargo ella lo niega (gestos). 
Un punto de giro esencial en el guión es cuando Elizabeth entrega una carta a Alma, para que se 
la lleve a la doctora, para comentarle como continua con su estado de salud, en el camino Alma 
no aguanta la tentación y decide abrirla, leyendo la misma se da cuenta que Elizabeth a escrito 
cada uno de sus secretos sintiéndose entonces traicionada y enfadada, decide regresar y 
confrontar a Elizabeth, quien sigue sin responder ni una palabra a las ofensas de Alma. Lo 
interesante de estos dos personajes es la disociación de caracteres, en los que una representa lo 
23 LA CULTURA DE LOS 900 A CARGO DE REMO BODEI GIOVANNI JERVIS PAG; 215.
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enigmático, lo pasivo; mientras que Alma represente la ingenuidad; tales rasgos se verán aun 
mas notorios luego de las múltiples discusiones en las que Alma retara una y otra vez a 
Elizabeth, pero a cambio solo tendrá silencio, pero solo un grito ahuyentará el silencio, Alma 
reprochara toda la vida de Elizabeth en momentos de furia incontrolables, no obstante recurrirá 
a abalanzarse sobre ella y a pedirle perdón por cada uno de sus insultos. “Si pequé, no fue por 
orgullo sino por ligereza; no fue de malicioso sino de ingenuo24” esta cita seria una excelente 
frase para resumir el comportamiento de Alma frente a Elizabeth, pues la figura de ella se 
mantiene en un patrón superior. Induciendo casi que por inercia a Alma, la cual accederá 
también a comportarse casi como Elizabeth, en presencia del esposo de esta, llevando a un acto 
sexual su papel.
Al indagar por el comportamiento de los personajes es posible mirar La Enfermedad como un 
punto de vista dado las conductas de estos, podríamos intervenir este significado en “ Un 
evento morboso extraño a la vida del hombre que no explica el origen del desorden psíquico 
como condición interna a la naturaleza humana; mientras por otro lado este mismo desorden 
podía ser visto como vinculado con la creatividad, con el arrojo vital o con un necesario 
anticonformismo25”, entonces estaríamos hablando de personajes “normales” pero con una salud 
mental valorable desde mi punto de vista, una vez mas en esta obra Berman hace alusión al 
pasado a la infancia, Elizabeth tiene un hijo que no quiere ver , no quiere ser madre, por lo tanto 
la practica religiosa no existe dentro de este personaje desdibujado fraternalmente.
Recurriré entonces a pensar la existencia de Dios en la actualidad, como un sectarismo 
provisional en el cual cada individuo decide lo que anhela, las tradiciones y costumbres perdidas 
por la carencia de persistencia y la nueva idea de dioses tangibles hacen de la conducta humana 
y la fe practica totalmente quebrantada por lo moderno, dejando lo rustico como transito de la 
historia por lo tanto un “Hecho social es toda manera de ser, fijada o no, susceptible de ejercer 
una coacción exterior sobre el individuo o bien, que es general en la extensión de una sociedad 
dada conservando una existencia propia independiente de sus manifestaciones individuales26”, la 
existencia de Dios se configura dentro de lo irracional y se direcciona a la espiritualidad dejando 
24 EL CRISTO DE ESPALDAS, EL CABALLERO CALDERON, PAG; 165.
25 LA CULTURA DE LOS 900 A CARGO DE REMO BODEI GIOVANNI JERVIS PAG; 266
26DURKHEIM LAS REGLAS DEL METODO SOCIOLOGICO, PAG; 29.
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claro que quien interviene en la tierra es el hombre mas no la divinidad, lo que lleva a 
reflexionar las posibilidades de invalidar la noción personal para convertirse entonces en 
miembro de un colectivo efímero como lo es hoy la sociedad.
TECNICAS ACTORALES.
KONSTANTIN STANISLAVSKY