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El arte BARROCO 
1.- INTRODUCCIÓN 
La palabra barroco sirve para designar indistintamente una época y las manifestaciones 
artísticas que se desarrollaron desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo 
XVIII aproximadamente; de tal forma que se podrían considerar como barrocas todas 
las manifestaciones de ese periodo (arte, literatura, música, teatro, cultura, etc.). El 
término fue creado a finales del siglo XVIII para denominar al arte que sigue al 
Renacimiento y precede al Neoclasicismo, es decir, entre dos etapas clásicas, y que se 
consideraba como un arte decadente, deforme y corrompido, de ahí la denominación de 
barroco (de "barrueco”, perla deforme en portugués). Ha sido en el siglo XX cuando se 
le ha comenzado a valorar y a ser reivindicado como un movimiento coherente y lúcido. 
Así pues, podemos definir el Arte Barroco como un conjunto de manifestaciones 
artísticas que se desarrollan en Europa y América Latina desde principios del siglo XVII 
hasta mediados del XVIII, que exalta lo subjetivo, el movimiento y el sentimiento. Se 
inició en Italia y presenta una gran variedad, que responde a diferentes circunstancias 
políticas, sociales e ideológicas. Así en Italia se aprecia una gran pervivencia de lo 
clásico; en Francia será aristocrático y clasicista; recargado y religioso en España; laico 
y burgués en los Países Bajos… 
1.1.- Contexto histórico 
El Barroco es la expresión de un siglo, el XVlI, que se caracteriza por los cambios y la 
profunda crisis que afecta a algunos de los países europeos, como son: 
 La consolidación de la división religiosa en Europa en: 
o Países protestantes, en algunos de los cuales se avanza hacia el 
parlamentarismo. 
o Países católicos, en los que triunfa la Contrarreforma; la Iglesia establece 
después del Concilio de Trento una férrea disciplina moral dentro de los 
católicos. Su "verdad" sustituye a la belleza ideal renacentista, y exige un 
arte fácil de interpretar pero, a la vez, deslumbrante, que exprese el 
poder de la iglesia. En estos países la iglesia (el papado, las órdenes 
religiosas, sobre todo los jesuitas) será el gran cliente de las obras de 
arte. 
 La consolidación de las monarquías absolutas, que necesitan una Corte nueva, 
grandes palacios y jardines; y que expresan su poder a través de un arte 
grandioso. 
 Al mismo tiempo el arte es el reflejo de la crisis general del siglo XVII 
(demográfica, económica,....); y ello se manifiesta dos formas: 
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o Reflejando la sociedad de forma realista no exenta de crítica (Murillo, 
Velázquez, la novela picaresca...) 
o Evadiéndose hacia mundos imaginativos, de ensueño, o hacia una 
religiosidad aparatosa, alejadas de la vida real (teatro barroco, 
procesiones...) 
1.2.- Características generales del arte barroco 
 Su carácter subjetivo, que trata de despertar emoción en el espectador, de 
conmoverle, para lo que usa los siguientes recursos: 
o La representación del momento de mayor dramatismo 
o Los efectos escenográficos y teatrales: juega con la luz mediante la 
incorporación de transparentes (en ellos se integran la luz sobrenatural, la 
escultura y la arquitectura) o el tenebrismo e incorpora los trampantojos 
para crear un espacio ilusionista. Esto suponía el abandono de la idea 
renacentista del arte racional basado en la simetría, la proporción, el 
equilibrio y la armonía 
 El dinamismo: es sinónimo de belleza. En arquitectura se consigue con el 
empleo de la línea curva y la alteración de los elementos arquitectónicos; en 
escultura y en pintura emplean las composiciones asimétricas, diagonales e 
inestables y figuras que se giran. 
 Generalmente busca la grandiosidad: son obras de gran formato o edificios a 
gran escala, con exuberancia decorativa que, en algunos casos, crea un arte 
recargado (aunque no tanto como se tiende a decir). Por ejemplo, en España, la 
pobreza de los materiales se enmascara con los excesos decorativos. 
 Tiene un carácter propagandístico, ensalzando los valores de sus clientes (la 
iglesia en los países católicos y contrarreformistas; la burguesía, en los países 
protestantes del Norte de Europa; la aristocracia y la monarquía en los países 
absolutistas). Pero en todos los casos, los clientes demandaron que las obras de 
arte mostrasen y ensalzasen sus ideas y su poder. El arte barroco pretendió que 
el espectador no se quedase jamás impasible ante lo que contemplaba 
 El realismo exagerado: la escultura y la pintura captan la expresividad en los 
rostros y las texturas y calidades de los objetos. 
 La integración de las artes: arquitectura, escultura y pintura vuelven a ir unidas 
con el objetivo de crear ese espacio ilusionista y teatral, el arte del artificio Su 
origen estuvo en Roma vinculado a la transmisión de los ideales espirituales y 
temporales de la corte papal pero su difusión fue rápida por toda Europa, aunque 
con variantes según el país del que hablemos. 
2.- LA ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA 
2.1.- Características generales 
Para el arquitecto barroco la belleza ya no se encuentra, como en el Renacimiento, en la 
forma reposada, en el ordenamiento armónico, calculado y tranquilo del edificio; lo que 
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se busca ante todo es la idea de conjunto cuya belleza radica en el movimiento, por lo 
que las formas parecen modificarse a cada instante. Esta nueva concepción barroca 
determina las características de la arquitectura: 
 Búsqueda del movimiento que se puede lograr mediante los elementos 
arquitectónicos empleados para conseguir verticalidad, especialmente las 
columnas: elimina los órdenes superpuestos que son sustituidos por el orden 
gigante, las estípites y el orden salomónico en los interiores. Las fachadas dejan 
de ser frontales: 
o Los entablamentos, las cornisas, los frontones,...se rompen 
o Los arcos se hacen ovales mixtilíneos, elípticos.... 
o Los vanos pierden su forma geométrica y regular para lo cual las 
molduras que los rodean se quiebran en los ángulos formando las 
"orejetas" y los óculos adoptan formas ovaladas 
o Es frecuente el uso de aletas y volutas que unen mediante líneas curvas 
puntos del edificio situados a distinta altura. 
Las plantas son dinámicas y buscan el dirigir la vista del espectador hacia 
puntos concretos. Para ello deforman los planes centrales y buscan las 
plantas alabeadas (formadas por líneas curvas cóncavas y convexas) y las 
elípticas. Otras veces se sigue el modelo jesuítico creado por Vignola en el 
Gesú. 
 Se crea desequilibrio: los frisos se hacen anchos y parecen someter el edificio a 
intensas presiones debido a su gran peso. Las plantas parecen deformadas, como 
si fueran plásticas y se adaptaran a fuerzas exteriores. 
 Se crea un espacio ilusionista que trata de engañar al espectador, en el que todo 
es un juego, al igual que en el teatro (por eso se dice que es un espacio teatral). 
Se logra de varias maneras: 
o Con la decoración: cada vez es más complicada, aunque no tan 
abundante como se ha dicho; la excesiva decoración sólo se empleó en el 
Barroco tardío alemán y español (Churrigueresco). Trata de dar 
sensación de lujo y de situar al espectador en un mundo en el que parece 
que lo sobrenatural ha bajado a la tierra. Intentan hacer una síntesis de 
distintas artes con un carácter escenográfico: los techos se pintan 
buscando efectos de trampantojo, las esculturas vuelan por encima de las 
cornisas,..... Abunda la decoración vegetal y naturalista en altorrelieve 
que parece de bulto redondo adosada al muro; de los muros cuelgan 
elementos vegetales y cortinajes simulados. 
o La luz será la gran protagonista de los edificios. En el Renacimiento 
entraba nítida y con gran intensidad, como la luz la razón, pero en el 
Barroco se concentra en lugares concretos mientras que el resto queda en 
la oscuridad; es una luz persuasiva que produce dramatismo mediante losefectos de claroscuros muy acentuados. Se difunden los transparentes 
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que consiste en perforar el muro pero ocultando la fuente de luz mediante 
la decoración con lo cual se crea el efecto de una luz sobrenatural. 
o Se destruye la pared como muro divisorio entre el interior y el exterior. 
Las fachadas son independientes del interior y se adaptan al tejido 
urbano. 
 Se busca el efecto de grandiosidad. 
 El edificio se integra dentro del entorno urbano, moviendo las fachadas y las 
plantas para adaptarse a él y se crean grandes conjuntos. La ciudad se adorna 
con fuentes, jardines, estatuas… 
2.2.- Los tipos de iglesia en el barroco italiano 
Plantas: hay una cierta variedad de plantas: 
o Jesuítica (longitudinal): se adaptaba a las nuevas necesidades de acoger 
un gran número de fieles. Son templos de una nave y con capillas entre 
contrafuertes. Sobre el crucero se levanta una gran cúpula muy llamativa 
por la decoración. En el interior el juego de luces es fundamental y la 
mirada se dirige al altar (espacio-tensión). 
o Plantas ovales, alabeadas, elípticas, circulares,.... (son las más 
innovadoras) 
Cúpulas: es la parte más destacada y simboliza el cielo. Se adaptan a la planta con 
soluciones muy ingeniosas y se llenan de pinturas alegóricas que simulan falsos cielos y 
perspectivas, y de esculturas qué se confunden con la pintura. 
Los altares se acompañan de grandes retablos y baldaquinos con sus características 
columnas salomónicas. 
La fachada concentra la atención, con un pórtico y un frontón, generalmente. En un 
primer momento son planas y siguen el modelo del Gesú pero, poco a poco, van 
adoptando formas cóncavas y convexas, aumenta la decoración y los elementos que la 
componen se quiebran. 
2.3.- Principales arquitectos 
CARLO MADERNO (1556-1629) 
Es el primer arquitecto barroco y sus principales obras se encuentran en el Vaticano: 
 Termina la basílica de Miguel Ángel pero transforma el plan central de 
Bramante y Miguel Ángel, en uno basilical, introduciendo el espacio-tensión que 
había desaparecido en el Renacimiento. Se cree que él no era partidario de este 
cambio pero que el modelo a seguir fue una imposición del Papa. 
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 Construye la fachada: repite 
el sistema ideado por 
Miguel Ángel empleando el 
orden gigante que unifica 
los dos pisos y sobre el que 
descansa un pesado ático o 
mezzianino (elemento 
manierista que el barroco 
lleva a sus últimas 
consecuencias). 
Este esquema creaba una 
sensación de horizontalidad 
pero, además ocultaba la 
cúpula de Miguel Ángel, que éste concibió como elemento esencial de la basílica 
(esto se agravaba más todavía con la introducción del plan basilical que alejaba 
la cúpula de la portada). Elementos barrocos son los frontones rotos y apoyados 
sobre ménsulas, el dinamismo del entablamento, las orejetas de los cercos de los 
vanos... 
GIANLORENZO BERNINI (1598-1680) 
Es el arquitecto más representativo de la Roma barroca, siendo el artífice del 
aspecto monumental que aún hoy conserva. Destacó no solo en su faceta de arquitecto, 
sino también en la de escultor, pintor y poeta. Era hijo de un escultor. La mayor parte de 
su vida artística transcurrió en Roma, una ciudad que él supo ensalzar y embellecer 
como nadie. Era un católico convencido y afín a las ideas del papado y de la 
Contrarreforma. En 1629 fue nombrado arquitecto de San Pedro Vaticano. 
Sus alzados son poco complicados y mantiene los órdenes clásicos que superpone, 
a la vez que hace fachadas geométricas y retícula (modelo renacentista) y sobre el 
pórtico coloca un frontón inspirándose directamente en el Panteón de Roma. Sin 
embargo, sus plantas son muy complejas y buscan los efectos ilusionistas. Emplea el 
plan central oval, circular, de cruz griega, elíptico... A pesar de todo, sus fachadas se 
distinguen de las clásicas en que los muros son curvos, generalmente cóncavos, 
buscando efectos con juegos de líneas y de luces y sombras. 
 
 Baldaquino de San Pedro. 
Es su primera obra. Se debía situar sobre la tumba de San Pedro, en el crucero de la 
basílica, en el lugar donde Julio II desea colocar el sepulcro que encargó a Miguel 
Ángel. Es un grandioso palio en bronce para cobijar el altar; se levanta sobre cuatro 
columnas salomónicas, que a partir de esta obra se repetirán continuamente en el 
Barroco. Busca un efecto teatral simulando que está realizado con materiales 
perecederos, parecen tapices con borlas colgando como los que se empleaban en los 
actos festivos. Las volutas que lo rematan crean sensación movimiento. El dinamismo 
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de esta obra parecía iniciar un estilo muy movido y fogoso, pero después, sin embargo, 
resultó mucho más contenido. 
 Plaza y columnata de San Pedro del Vaticano 
En realidad hace dos plazas unidas: 
1. Plaza trapezoidal (piazza recta) delante de la fachada en la que los lados 
laterales, rectos, divergen hacia la fachada para intentar contrarrestar la excesiva 
horizontalidad de la fachada. La altura de los laterales también disminuye a 
medida que nos acercamos a la iglesia. 
2. Plaza elíptica (piazza obliqua): simboliza dos brazos extendidos y abiertos que 
abrazan a la cristiandad. Además, es de gran tamaño para poder acoger a las 
masas que se concentraran ante el Papa. Además, la planta con forma de elipse 
transversal acercaba más la Iglesia al espectador que entraba en la plaza. Por 
otro lado, eran formas totalmente barrocas (líneas curvas) y multiplicaban los 
puntos de vista. Los dos brazos están formados por una columnata cuádruple 
que a pesar de parecer cerrada es abierta (juego, efecto teatral). En ella emplea el 
orden dórico, muy austero, pero sobre la balaustrada coloca estatuas totalmente 
barrocas. Proyectó un tercer brazo que debía cerrar la plaza, pero que no se llegó 
a construir. 
 
 
 
 
 
 
 
 
BORROMINI (1599-1667) 
Era hijo de un cantero. A los veinte años va a Roma, donde permaneció el resto de 
su vida. Junto a Bernini es el otro gran arquitecto italiano del siglo XVII. Se había 
formado con Maderno y había trabajado con Bernini en el Baldaquino. Pronto surge el 
odio entre los dos y Borromini se aparta del Papado, trabajando para órdenes religiosas. 
Es introvertido y extravagante como refleja en sus obras. Para él el edificio es un 
espacio que existe a priori y arquitecto tan sólo debe darlo forma. Trabaja sobre todo los 
interiores y sobre ellos compone los exteriores. Al contrario que Bernini, rompe con 
todas las normas e inventa espacios nuevos, concibiendo la arquitectura como si fuera 
una escultura, ondulando los muros, las cornisas, los entablamentos. Es el creador de las 
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plantas alabeadas en las que introduce la curva y contracurva, intentando simular el 
movimiento de la naturaleza. El espacio adopta movimientos contrapuestos. Emplea con 
frecuencia la columna adosada al muro interior para conducir la vista del espectador al 
altar mayor. Es el arquitecto más dinámico de todo el Barroco. A veces se inventa 
nuevas formas de capiteles y realiza bóvedas muy originales que parecen nervadas (San 
Carlino) o con planta mixtilínea que forman gallones (San Ivo). No dispuso de los 
recursos económicos de Bernini y por eso generalmente sus obras son más pequeñas y 
de materiales pobres, pero su inventiva convierte a sus obras más pequeñas en obras 
maestras. 
 San Carlo alle Quattro Fontane (San Carlino) 
El edificio está en una encrucijada de calles y se adapta al 
tejido urbano, achaflanando la esquina para colocar una fuente. 
La planta es alabeada, con juegos de curva y contracurva que 
producen un movimiento continuo marcado por las columnas 
corintias en el interior. En el exterior el muro, la cornisa y el 
entablamento también se ondulan. La cúpula es elíptica, 
decorada con casetones geométricos (octógonos, hexágonos, 
cruces)que van reduciendo su tamaño siguiendo las leyes de la 
perspectiva. La cúpula se ilumina violentamente a través de la 
linterna, con una luz que tiende a desmaterializarla. La 
fachada es muy original, alabeada, sugiriendo así el 
movimiento de la planta. Nos encontramos con una verdadera 
fachada pantalla, ya que su disposición en tres calles no se 
corresponde a la planta oval interna de la que sólo podemos ver la linterna. La luz juega 
un importante papel expresivo. Borromini busca sus efectos por medio de una doble 
articulación del muro: despegando del plano principal de la fachada algunos elementos 
(columnas, templete, balaustrada) sobre los que incide intensamente la luz y 
rehundiendo otras (muros cóncavos, hornacinas), 
creando con ellos un fuerte claroscuro que contrasta con 
las zonas anteriores y acentúa las sensaciones de 
movimiento y tridimensionalidad, como si se tratara de 
una escultura. 
Maneja los elementos arquitectónicos con gran 
libertad: orden gigante, el balcón parece una tienda de 
campaña (efecto teatral barroco)... Mientras el cuerpo 
inferior está formado por dos formas cóncavas y una 
convexa en el centro, en el superior emplea tres 
concavidades. Un elemento dinámico será la 
decoración: los ángeles portan el escudo que rompe la 
cornisa, el entablamento y la balaustrada; incluso el 
remate es totalmente dinámico. 
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Su relación con el entorno es sumamente novedosa pues, además de tener que 
adaptarse a una forma irregular (chaflán que aprovecha para colocar una torre, 
remarcando así su visión lateral), la estrechez de la calle hace aún más espectacular su 
sensación de movimiento y ascensionalidad, convirtiéndose en un verdadero reclamo 
para el paseante, cumpliendo de esta manera con uno de los principales intereses de la 
época barroca, atraer a través de los sentidos al fiel, procurando realizar sobre él una 
fuerte sugestión. 
San Carlino fue construida para la orden de los Trinitarios Descalzos, austera y 
pobre congregación monástica, cuya principal dedicación era la de obtener fondos para 
liberar a los cristianos cautivos de los musulmanes. La iglesia y el claustro fueron la 
primera obra de Borromini en solitario, y la fachada la última de su carrera. 
3.- EL PALACIO 
La arquitectura barroca italiana no ejerció una gran influencia sobre el resto de 
Europa, a pesar de su carácter dinámico. Así, las construcciones inglesas y francesas se 
mantuvieron ligadas a los modelos clásicos difundidos por el Renacimiento (de hecho 
este estilo se conoce como Clasicismo francés). La arquitectura del siglo XVII francés 
es, sobre todo, palaciega y cortesana más que religiosa ya que los principales artistas 
trabajaban para los reyes y éstos preferían obras civiles. Francia se convierte en el siglo 
XVII en la potencia hegemónica de Europa, siendo el reinado de Luis XIV la época de 
mayor esplendor (el rey Sol: 1643-1715). La monarquía utilizó el arte al servicio de la 
propaganda política del estado absolutista. Se construyeron tres tipos de residencias o 
viviendas para las elites enriquecidas y la nobleza: El chateau (castillo de la nobleza en 
el medio rural), el hotel (palacio en la ciudad) y el palacio. 
El palacio fue la construcción más importante ya que mayoritariamente era la 
residencia real, a través de la cual se transmitía la grandeza y el poder centralista de la 
monarquía; de ahí sus enormes dimensiones y el lujo con que se construyeron. Se 
deseaba un arte fastuoso que expresara el esplendor del rey, pero que a la vez sea claro, 
lógico y sin excesos decorativos, es decir, con sentido de mesura y equilibrio. Esto 
permite diferenciar al Barroco francés de los demás barrocos europeos: opone los 
exteriores a los interiores. El exterior mantiene una relativa pureza clásica mientras que 
el interior abruma con su refinamiento y suntuosidad (Por ejemplo, la Galería de los 
Espejos de Versalles). 
3.1.- El Palacio de Versalles 
Fue el más espectacular. Este palacio es una escenografía barroca que se convierte en el 
símbolo del poder del Rey Sol que establece allí su corte. Luis XIV deseaba alejarse de 
los tumultos de París y además el Palacio del Louvre era incómodo y pequeño; por eso 
Versalles, a 21 kilómetros de París, era el lugar ideal para construir un único y enorme 
edificio en el que albergar todas las funciones de gobierno y su corte (y donde pudiese 
vigilarlos a todos), en total unas 20.000 personas debían residir allí. Es el monumento 
más espectacular de la monarquía absoluta que se puede ver en Europa. 
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La arquitectura se complementó con unos impresionantes jardines encargados a Le 
Notre. Arquitectura y paisaje se convertirán en un todo unitario: la arquitectura se abre 
al paisaje, y el jardín se ordena como espacio controlado por el ser humano. 
a) Evolución del proyecto y arquitectos: Inicialmente fue un pabellón de caza 
mandado construir por Luis XIII, con forma de "U" que Luis XIV, en un primer 
momento, decide transformar en palacete de recreo. Para ello, encarga la obra a Le Vau 
que realiza pequeños cambios para hacerlo más cómodo. En 1677 decide ampliarlo para 
albergar la corte y llama a Hardouin-Mansart que le da su forma definitiva, 
trasladándose la corte allí en 1682. Respetó el palacete en forma de "U", organizado en 
torno a un patio de honor cerrado en tres de sus lados, pero transformó la terraza que 
daba a los jardines construyendo en ella la Galería de los Espejos, el salón más 
representativo. Además añadió dos alas perpendiculares al palacio inicial formando 
ángulo recto: la de la izquierda destinada a los príncipes y la de la derecha a despachos 
ministeriales El urbanismo también se somete a la idea de centralismo: tres grandes 
avenidas en forma de tridente confluyen en la fachada principal, son los caminos que 
llegan de toda Francia dominada y sometida al poder omnipresente del rey. 
b) Alzado exterior: Domina la horizontalidad en todo el conjunto. Se divide en 
tres cuerpos: 
 Basamento inferior: con almohadillado y se correspondería con la zona de 
servicios. 
 Planta principal: Se encuentran los salones más importantes. Se ordena 
mediante pilastras y columnas adosadas de orden gigante que proporcionan 
una monotonía al exterior que se rompe mediante la disposición de cuerpos 
con volúmenes entrantes y salientes que rompen el entablamento, siendo 
esto el único elemento barroco. 
 Remate o ático: en él se situaban los aposentos. Se caracteriza por ser el de 
menor altura y con ventanas más pequeñas, reforzando aún más la 
horizontalidad. Todo el exterior es sobrio, con volúmenes definidos y con 
una búsqueda de armonía en los elementos arquitectónicos. Frente a ello 
contrasta la decoración rococó del interior. 
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c) El Salón de los Espejos: Es 
el lugar representativo del carácter 
cortesano de Versalles. Tiene 17 
grandes ventanales que se abren a 
los jardines y en la pared paralela 
otros tantos espejos que refuerzan 
la iluminación y simulan duplicar 
el espacio. Completa su decoración 
con estatuas mitológicas y se cubre 
con una bóveda de cañón con 
frescos alusivos a las grandes 
hazañas de Luis XIV. Todo un programa propagandístico al servicio del poder. 
d) Los jardines de Le Notre: El urbanismo de jardines tiene en el Barroco su mejor 
representante en Le Notre, que llevó a cabo en Versalles sus máximas posibilidades 
creativas. Introdujo un sistema de ejes visuales con una ordenación sencilla. Crea un 
único eje longitudinal que parece perderse en el infinito y a él se subordina el palacio. 
Geometriza la naturaleza (setos, macizos ornamentales…) pero sobre todo busca el 
efecto escenográfico, conseguido con los dos estanques situados a los pies de la Galería 
de los Espejos, en los que 
se refleja todo el palacio y 
desde el que parte una gran 
avenida que enlaza dos 
monumentalesfuentes que 
simbolizaban a Luis XIV 
como Apolo. El conjunto 
también disponía de 
estanque para que el rey 
navegara por él en góndola, 
una gruta (en ella había 
incluso un órgano que 
imitaba el ruido del agua), 
un invernadero y un zoo. 
Podemos concluir que 
arquitectura, decoración, jardinería y obras de arte forman el marco para el ceremonial, 
las recepciones, las fiestas y los desfiles, junto con el teatro, la música y los fuegos 
artificiales. Detrás de todo ello, estaba la idea política que se difunde por toda Europa 
con el estilo de Versalles: la arquitectura al servicio del poder absolutista. 
Su influencia será decisiva en todas las construcciones palaciegas del siglo XVIII 
en Europa y, especialmente, en España (Palacio Real de Madrid, la Granja, Palacio de 
Aranjuez…). 
 
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4.- LA ESCULTURA BARROCA ITALIANA 
4.1.- Características generales 
 Es la escultura del movimiento, frente al equilibrio del Renacimiento que se 
consigue mediante composiciones en aspa, paños flotantes y ademanes 
gesticulantes. 
 Es monumental: con frecuencia va destinada a espacios urbanos como plazas, 
fuentes.... o funerarios. 
 Emplea materiales muy diversos, especialmente el mármol y en menor medida 
el bronce, pero siempre con un perfecto dominio técnico. A veces incluso se 
emplean mármoles de diferentes colores. 
 La temática es muy variada: 
o Religiosa: para exaltar el poder de la Iglesia y el triunfo de la 
Contrarreforma. 
o Mitológica: a veces se emplea para exaltar el poder del Estado. 
o Funeraria: se interpreta la muerte con un carácter dramático y pasional. 
 Es una escultura muy realista y expresiva. 
 Gran preocupación por plasmar las calidades de los objetos: telas madera, 
carne... 
BERNINI 
Es el mejor representante del Barroco dinámico y patético, con una importancia e 
influencia similar a la de Miguel Ángel. Mientras en arquitectura hizo un barroco muy 
moderado y contenido, sin embargo, en escultura es un barroco apasionado, dinámico y 
extrovertido. Es el creador de prototipos tanto religiosos como profanos. 
a) Primera etapa: Domina los recursos técnicos y ya consigue que el mármol 
parezca aquello que representa, es decir, capta las calidades (tela, carne, plantas,..) 
Representa el movimiento en acto, en plena acción y cargado de violencia, a la vez que 
su escultura se llena de expresividad. Sin embargo todo ello está mitigado por la 
influencia manierista. A lo largo de su vida trabajó sobre todo mármol y bronce, 
siguiendo la tradición italiana de gusto por el lujo y la fastuosidad. Asimismo, tuvo un 
gran taller en el que trabajaban sus discípulos según los bocetos del maestro, lo cual 
explica su abundante obra, al igual que ocurrió con Rubens en pintura. 
 Rapto de Proserpina: El grupo escultórico representa a Plutón raptando a 
Proserpina. Trata de mostrar los caracteres contrapuestos: Plutón, hercúleo, de 
canon miguelangelesco y dotado de un gran movimiento tanto en las barbas 
como en la cabeza (representa el mundo de las pasiones) y Proserpina que 
representa la resistencia de la virtud y que simboliza el patetismo y el dolor. 
Emplea la composición abierta, la helicoide, el giro. Destaca el análisis de las 
calidades, la tersura de la piel con un modelado suave en la cual parecen 
hundirse los dedos de Plutón. 
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 David: Se aleja de los modelos serenos del Renacimiento, al representar a un 
hombre adulto con un movimiento en acto, el momento justo de lanzar la piedra. 
La figura gira buscando la estereometría y está cargado de realismo a la vez que 
el rostro huye de la belleza formal. La composición abierta y los músculos en 
tensión potencian el movimiento y la fuerza expresiva. 
La figura, con sus pies ampliamente separados y 
apoyados en el suelo, deja caer el peso del cuerpo en 
su extremidad derecha. De esta forma su figura 
conforma una gran diagonal que crea una 
composición en aspa a través de la posición de sus 
piernas y brazos y la torsión del torso. Los músculos 
de su cuerpo presentan una gran tensión debido a la 
honda, y su rostro, caracterizado por el ceño 
fruncido, los ojos fijos en su enemigo y la boca 
estrechamente cerrada, demuestra un gesto de 
profunda concentración. 
Ataviado únicamente con una bolsa con piedras y un 
paño, este ofrece dinamismo a la composición a 
partir de un juego de pliegues y claroscuros. Su 
desnudez responde a la narración bíblica y en la base 
de la escultura se observa la armadura que el rey Saúl le prestó. Sobre la base 
también se representa la lira, un atributo que identifica a David como rey poeta. 
Ornada con un águila en la parte superior, pretende evocar uno de los emblemas 
heráldicos de la familia Borghese, ya que la obra fue comisionada por el 
cardenal Scipione Borghese para formar parte de la decoración de una de las 
salas de su villa en Roma. 
Se trata de la representación de una alegoría de la virtud heroica que ofrece una 
reflexión cristiana, para demostrar que la fuerza no le proviene de las armas, 
sino de la fe en dios, por la cual el débil puede vencer al fuerte. 
 Apolo y Dafne: Representa un tema de las Metamorfosis de Ovidio: la ninfa 
huye de Apolo y cuando éste va a cogerla, se convierte en laurel. Capta el 
momento preciso en que comienza la metamorfosis 
(movimiento en acto del Barroco). La obra se diseñó 
para ser contemplada desde un único punto de vista. 
El conjunto tiene una composición dinámica, helicoidal 
y abierta. El valor principal de esta pieza reside en la 
habilidad del artista, capaz de transformar un frío y 
estático bloque de mármol en una imagen de gran 
tensión y movimiento. 
Bernini trabajó los mínimos detalles con precisión. Este 
aspecto se traduce en una buena captación de la 
expresividad de los rostros y en la magnífica 
diferenciación de texturas a partir del mismo material: 
ásperas para representar las rocas y el laurel que crece, y 
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suaves y pulimentadas para reforzar la sensualidad de las anatomías de los dos 
personajes. 
Bernini trabajó el potencial dramático de la luz creando numerosas zonas de 
claroscuros mediante estratégicas incisiones, como el ahuecamiento de los ojos. 
También destaca el mayor grado de pulimentación del mármol en la anatomía de 
los personajes. 
Durante la Edad Media, el mito pagano fue interpretado como símbolo de 
castidad. 
b) Segunda etapa: A partir de 1640 su estilo barroco se desborda: busca los juegos 
de luces y sombras, lo misterioso para la cual crea el marco escenográfico para sus 
esculturas y las coloca en capillas oscuras, a veces con transparente. Realiza los 
pliegues que serán característicos de sus obras, a cuchillo, con aristas muy vivas. Estos 
pliegues se arremolinan en torno a los cuerpos. 
 Éxtasis de Santa Teresa: Realizado para la Capilla Cornaro en la Iglesia de 
Santa Mª de la Victoria de Roma. Es de mármol y se colocó en la parte central 
de un altar. Representa a Santa Teresa en pleno arrebato místico, descrito por la 
propia santa: un ángel se le aparece en sueños y le traspasa el corazón con una 
flecha; la santa siente un gozo profundo mezclado con dolor. La representa 
desfallecida y suspendida sobre un banco de nubes mientras el ángel se dispone 
a lanzar el dardo del amor divino. 
Muestra el theatrum sacrum, el espacio adquiere un carácter escenográfico en el 
que se acoge un espectáculo sagrado a medio camino entre lo espiritual y lo 
terrenal. 
La composición es en aspa y es toda una puesta en escena 
que introduce al espectador en una atmósfera ilusionista. 
La luz incide sobre las figuras a través de un transparente 
y hace que parezcan una aparición celestial. Los rostros 
son muy expresivos y muestra el éxtasis a través de los 
ojos semicerrados y vueltos hacia arriba, la boca 
entreabierta, el desvanecimiento del cuerpo... Por su 
parte, el ángel expresauna sonrisa. 
La convulsión interna de la santa se plasma también en 
los pliegues abundantes y expresivos de su hábito, con los 
cuales el autor realiza un juego de volúmenes y 
claroscuros que otorgan dinamismo a la escena. 
La luz cenital situada en el proscenio ilumina de forma 
natural el grupo escultórico, convirtiéndose en una luz 
divina gracias a los rayos de bronce situados encima del 
grupo. 
En las paredes laterales se sitúan relieves marmóreos que 
representan palcos en perspectiva donde se asoman los 
miembros de la familia comitente. 
EL ARTE BARROCO 
 
14 
 
5.- LA PINTURA BARROCA 
Italia es la cuna del Barroco, al igual que lo había sido durante el Renacimiento y 
Manierismo. Allí aparece este estilo que después evolucionará y será interpretado de 
distinto modo en cada país. Este movimiento artístico rápidamente se extendió por 
muchos países europeos, adaptándose a las peculiaridades de cada estado; así, aparecerá 
un barroco católico muy ligado al mundo de la Contrarreforma en España y Flandes o 
un arte burgués propio de países protestantes como Holanda, en el que los temas 
religiosos carecen de importancia. En el campo pictórico, se generalizarán algunas de 
las innovaciones iniciadas en el manierismo como la importancia que adquiere la luz y 
el color, la captación de los efectos atmosféricos, la pintura sobre lienzo, las 
composiciones cada vez más complejas y el alejamiento de la armonía renacentista. 
5.1.- Características generales de la pintura 
 La pintura barroca no se orienta a la búsqueda de la belleza formal sino que está 
al servicio de las ideas autoritarias, exaltando el poder de una élite tanto en el 
aspecto político -a las monarquías absolutistas- como en el religioso, al apoyar a 
la Contrarreforma y a las ideas del papado. Muchas veces une el carácter 
propagandístico al didáctico ya que pretendía enseñar el dogma o las virtudes del 
monarca. Se generalizan las obras grandiosas, de gran formato, tanto en lienzo 
como al fresco formando series iconográficas para decorar palacios, claustros, 
iglesias,… 
 Triunfo del naturalismo realista: se aparta de los tipos idealizados del 
Renacimiento y busca la veracidad. Para ello emplea en las escenas: 
o Personajes populares, tratados con gran realismo (La pintura será un 
espejo del público de la época que se identificaba con la escena y, por 
tanto, se sentía atraído por la idea que se deseaba transmitir). 
o Temas macabros, cruentos, crueles,…con un exacerbado realismo. 
o Objetos secundarios y cotidianos en los que se capta la calidad, los 
brillos,... Son frecuentes los cacharros, recipientes, naturalezas muertas, 
jarrones… 
 La luz: es una de las grandes preocupaciones de los barrocos y la emplean para 
crear sensaciones diversas: 
o Generalmente trata de crear misterio reforzando el aspecto sobrenatural 
del tema que pretende envolver al espectador. Para ello recurren al 
tenebrismo, típico de la pintura europea e italiana a lo largo de la 
primera mitad del siglo XVII. Se utiliza una luz muy intensa que surge 
desde un punto de vista alto y lateral e ilumina violentamente a las 
figuras que están en penumbra y sobre un fondo oscuro. Esto crea un 
fuerte claroscuro. Se acentúa el misterio al colocar muchas de estas obras 
en capillas oscuras. 
o Otras veces se buscan efectos contrarios y tratan de sugerir la idea de 
triunfo, tanto religioso como político. Para ello recurrir a luces brillantes 
e intensas, cuyo origen está en la pintura veneciana y es captada por 
EL ARTE BARROCO 
 
15 
 
primera vez por Rubens y se extiende en la segunda mitad del siglo 
XVII. En este momento la Iglesia se siente triunfante sobre la herejía y 
de ahí que encarguen cielos abiertos en los que se representan glorias 
triunfantes. 
 El movimiento: representan el momento preciso en el que se está realizando 
dicho movimiento, evitando las composiciones estáticas del Renacimiento. Para 
ello recurren a: 
o La asimetría: crea desequilibrio y por tanto movimiento. 
o La diagonal como sistema compositivo. Es la composición predilecta de 
los pintores y escultores barrocos. 
o Se potencia el giro violento creando un movimiento brusco desde el 
primer plano hacia el fondo. 
 El color: en el Renacimiento predominaba el dibujo sobre el color, siempre 
sometido a la línea. Esto se rompe en la pintura de la Escuela Veneciana del 
siglo XVI en donde el color se disuelve sobre la tela directamente y fusiona las 
figuras con el ambiente, con la atmósfera. 
 Perspectiva aérea: a medida que los objetos se alejan se hacen no sólo más 
pequeños sino que pierden nitidez, se hacen más borrosos y el aire disuelve los 
contornos. La pincelada es suelta. Destaca Rubens pero, sobre todo, Velázquez. 
Para aumentar el efecto de profundidad, se suelen colocar escorzos y figuras de 
espaldas en primer término y generalmente agachadas que además introducen al 
espectador en la escena. A veces incluso quedan cortadas por el marco, 
indicando que no caben en el lienzo y que la realidad continúa más allá del 
marco. 
 Temas: 
o Religiosos: exalta el dogma fijado por Trento: la Inmaculada, la 
exaltación de los sacramentos y las vidas de santos. Hay un auge de los 
temas místicos, con efectos teatrales que crean atmósferas 
sobrenaturales, sobre todo en la segunda mitad del siglo XVII. Fue 
característico de los países católicos. 
o Profanos: los temas mitológicos o el desnudo se dan más en Flandes o 
Francia pero también hay ejemplos en Italia. Se emplea la pintura de 
género: banquetes, temas populares, bodegones... 
o Retrato: Son en tres cuartos o de frente, pero nunca de perfil; tratan de 
captar la psicología del representado. 
6.- LA PINTURA BARROCA ITALIANA 
La pintura barroca se inicia en Italia, aunque las corrientes son diversas: 
 La tendencia tenebrista, que realiza una pintura realista que recoge de la 
naturaleza incluso la fealdad. A esta última pertenece Caravaggio. 
 La tendencia clasicista que defiende la vuelta a los modelos clásicos y a la 
pintura al estilo de Rafael. 
EL ARTE BARROCO 
 
16 
 
 La tendencia ilusionista, caracterizada por los trampantojos. 
6.1.- La tendencia tenebrista de la primera mitad del s. XVII: Caravaggio (1571-1610) 
La pintura de Caravaggio está asociada a la Contrarreforma. Busca acercar al 
creyente a los preceptos católicos y por eso sus temas religiosos son interpretados como 
cotidianos y las figuras evangélicas como tipos de la calle. Fue un personaje con una 
vida muy azarosa y de naturaleza violenta. Mató a un hombre y esto le obligó a 
abandonar Roma y a pasar los últimos años de su vida huyendo de la justicia. 
Representa la primera ruptura frente a la idealización renacentista y a la fuerte carga 
intelectual de la pintura manierista (que había tenido un contenido simbólico muy 
complejo sólo asequible para unas élites intelectuales). 
a) Características: 
 Tienen un gran realismo: tanto para los cuadros religiosos como para los 
mitológicos emplea tipos populares, callejeros, sin la más mínima 
idealización: Ángeles o Cupidos como golfillos de la calle; héroes o santos 
como mendigos; la Virgen como una mujer cualquiera... La Contrarreforma 
lo aceptó muy bien pues era una pintura muy cercana al pueblo, en la que 
ellos mismos se reconocían. A veces el tratamiento de los temas llega a la 
vulgaridad. Por eso, algunas obras de Caravaggio fueron rechazadas como 
irrespetuosas. 
 El tenebrismo: Es un estilo que introduce Caravaggio (por eso se le conoce 
también como caravaggismo) pero que tendrá una gran fortuna y que se 
perpetuará a lo largo de las primeras décadas del siglo XVII. Consiste en 
crear dentro del cuadro violentos contrastes de luces y sombras. Para ello, la 
escena se representa en medio de la oscuridad, con un fondo negro, y se 
ilumina violentamente con un foco de luz exterior al cuadro y que se dirige 
hacia lospersonajes u objetos más destacados. El foco de luz suele proceder 
del ángulo superior izquierdo del cuadro. Este tipo de iluminación produce 
los violentos contrastes de luces y sombras típicos del tenebrismo. El dibujo 
generalmente está perfectamente definido. Con ello da dramatismo y 
misterio a sus cuadros. 
 Temas de sus cuadros: pintó todo tipo de cuadros: mitológicos, bodegones 
(Canasto de frutas), cotidianos (escenas de taberna, jugadores, músicos....) 
aunque siempre con tipos populares. Sin embargo, el que más trató fue el 
religioso. 
 Preocupación por los objetos cotidianos: dentro de sus cuadros cobra 
importancia el trabajo de las naturalezas muertas, objetos secundarios que 
aparecen en la obra pero que trabaja con gran detallismo. Esta característica 
es común a casi todos los pintores barrocos. 
 Escasa preocupación por la perspectiva: no busca dar a sus cuadros una 
gran profundidad ya que la escena tiene siempre un fondo negro, sino que se 
centra sobre todo en las figuras. Tampoco introduce referencias al paisaje. 
EL ARTE BARROCO 
 
17 
 
b) Trascendencia de su estilo Tuvo un gran éxito entre los artistas jóvenes tanto 
italianos como flamencos, holandeses y franceses que llegaban a Roma. Uno de sus 
seguidores fue el español José de Ribera que se estableció siendo muy joven en Nápoles 
donde conoció y aprendió este estilo que mantendrá a lo largo de toda su vida. Incluso 
Velázquez en sus primeras obras emplea el tenebrismo. 
c) Obras: 
 Vocación de San Mateo: óleo sobre lienzo. El cuadro representa el momento en 
que Cristo, acompañado de San Pedro, entra en la sala en la que San Mateo, 
recaudador de impuestos romano, está contando el dinero y le llama a seguirle. 
En ese instante, sorprendido e incrédulo, 
señala hacia sí mismo. Es, por tanto, un 
cuadro religioso aunque a simple vista el 
espectador capta una escena costumbrista, 
de taberna: una mesa de juego alrededor 
de la cual están sentados una serie de 
personajes vestidos a la usanza de la 
época. Expresa muy bien el gusto de la 
Europa católica por los temas religiosos 
tratados como cuadros de costumbres. El 
pintor no se ajusta al texto bíblico, elimina 
lo sagrado y hace una representación 
vulgar ya que la escena se desarrolla en un 
tugurio y entre jugadores de azar, y 
convierte a los santos en personajes de la 
calle, haciendo fácilmente entendible el 
mensaje religioso a la gente sencilla. Capta el momento exacto de la llamada y la 
conversión, rasgo muy característico del barroco. 
La composición es estática, con predominio de horizontales y verticales. Los 
dos grupos de figuras- sentados y de pie- se enlazan mediante el brazo estirado 
de Cristo y el gesto de San Mateo. A diferencia de otros pintores barrocos (muy 
preocupados por las diagonales y los giros), Caravaggio hace un cuadro sobrio, 
de pocos personajes, pero esenciales. 
Los colores son muy sobrios, ya que lo esencial es la luz, y predomina el dibujo 
preciso y la pincelada lisa y cuidada, el contorno de las figuras queda 
perfectamente definido. La luz es el elemento esencial de la obra. No es una luz 
uniforme, sino fuertemente contrastada, es decir, una luz tenebrista, que 
procede de un foco exterior al cuadro y desde el ángulo derecho, ilumina 
violentamente unas zonas (los rostros de los personajes), dejando otras en 
penumbra (la parte inferior, donde desaparecen prácticamente los pies). Con ello 
consigue resaltar los rostros y los atuendos y relacionar la figura de Cristo con la 
de San Mateo. Esta luz, que atraviesa en diagonal la escena contribuye a atenuar 
EL ARTE BARROCO 
 
18 
 
el estatismo. Los fuertes contrastes de luces y sombras crean sensación de 
volumen. 
La perspectiva carece de importancia, ya que los personajes se sitúan sobre un 
fondo oscuro, prácticamente negro y elimina los planos intermedios. Sin 
embargo, cuando llegue el Barroco Pleno, los cuadros de pintores como Rubens 
destacarán por el trabajo de la perspectiva aérea. 
La obra es naturalista y realista, alejándose de cualquier idealización, 
recurriendo a tipos vulgares, que conocía de los bajos fondos de Roma. Los 
personajes visten a la moda de la época excepto las dos figuras evangélicas (un 
apóstol y Cristo). Muestra la brutalidad de la banca privada y la vulgaridad de 
los personajes. El gusto por el detalle se percibe en las telas de los trajes de los 
pajes, las plumas, el pomo de la espada del personaje que está de espaldas (esto 
es un recurso para introducir al espectador en la obra). 
La iglesia, que en un principio consideraba irreverente este tipo de 
representaciones, acabó por aceptarlas debido al éxito que tenían entre el pueblo 
y tuvo que reconocer su carácter didáctico. 
 Conversión de San Pablo: Su composición es novedosa y evita lo espectacular 
(todos los pintores solían pintar tormentas que asustaban al caballo de San 
Pablo). El caballo destaca por su gran naturalismo y tiene un escorzo violento 
que da profundidad al cuadro e introduce al espectador en la escena). 
 La muerte de la Virgen: óleo sobre lienzo. Utiliza como modelo para la figura 
de la Virgen a una mujer (prostituta) ahogada en el Tíber. Sólo un ligero halo 
sobre la cabeza, casi imperceptible nos indica que es una figura sagrada, 
destacando sobre todo los rasgos del cadáver. Los apóstoles y 
la Magdalena lloran alrededor de la difunta, centrándose en el 
drama de la muerte de un ser querido, sin ningún signo que 
haga referencia a la resurrección de la Virgen. El cuadro no 
gustó nada y no se llegó a colocar en el altar para el que fue 
encargado por la falta de decoro (una prostituta es el modelo de 
la virgen). 
El lienzo se divide en dos partes: la parte superior está ocupada 
por un cortinaje rojo como telón de teatro y función de evitar 
cualquier insinuación de otro espacio que distraiga de la acción 
representada y el resto del cuadro donde se representa el 
drama de la muerte de la Virgen. 
La composición se genera por una gran diagonal que transcurre 
desde la esquina superior izquierda a la inferior derecha 
generada tanto por los personajes como por el rayo de luz que 
atraviesa la estancia. 
Aunque la línea marca claramente los contornos de las figuras, 
recortándolas con nitidez del fondo, el color tiene gran importancia en la obra. 
La abundancia de cálidos saturados (marrones, amarillentos y rojizos) pretenden 
dar una mayor emocionalidad a la escena, saturando los sentidos del espectador, 
rompiendo el equilibrio clásico entre fríos y cálidos 
EL ARTE BARROCO 
 
19 
 
La luz es fundamental en la obra. Bautizada como tenebrismo, se trata de una 
luz expresiva, cálida y dirigida que tiene varias funciones: dirigir la mirada del 
espectador como ya vimos en la composición, eliminar el fondo (y con ello todo 
lo accesorio que rompa el clima emocional de la escena) y dotarla de una mayor 
tragedia e intensidad. 
El espacio se recrea de una forma poco habitual. Al no poderse utilizar la 
tradicional perspectiva, debido al citado tenebrismo, Caravaggio (en vez de 
alejar la escena) la proyecta hacia el espectador con apóstoles cada vez más 
cercanos según avanzamos por el cuadro que avanza al espectador por el doble 
escorzo de María (pies en diagonal y brazo). Por otra parte, y como es típico de 
su obra, el cortinaje y María Magdalena son recursos (casi teatrales) para separar 
al espectador de la Virgen. 
6.2.- La tendencia clasicista: Annibale Carracci 
Es contemporánea al tenebrismo pero el Barroco clasicista se opone al naturalismo 
de Caravaggio. Se parte de la representación de la realidad para luego embellecerla e 
idealizarla. Se usan algunos elementos de artistas renacentistas como Miguel Ángel, 
Giorgione o Rafael. El principal representante del clasicismo es Annibale Carracci que, 
en su época, estuvo considerado al mismo nivel que Rafael o Miguel Ángel. 
Junto con otros miembros desu familia abrió en Bolonia la primera academia de 
arte, en la que se formaron numerosos pintores italianos. Su objetivo fue acabar con el 
Manierismo y buscar la inspiración en la realidad, pero idealizándola hasta alcanzar la 
perfección. Por eso marcaron la transición del último manierismo al primer barroco. 
Consiguieron una enorme fama y acapararon muchísimos encargos por lo que se 
trasladó a Roma para trabajar para el cardenal Farnesio. 
a) Características: 
 El eclecticismo: integró las aportaciones de los grandes maestros. Quería 
reunir lo bueno de cada uno de los artistas del siglo XVI: 
o La terribilitá y la fuerza muscular de las anatomías de Miguel 
Ángel. 
o El dibujo, el equilibrio y las composiciones simétricas de Rafael. 
o El color y el desnudo sensual de Tiziano y de la escuela veneciana. 
 El protagonismo de la línea frente al color. 
 Utilizaba una luz uniforme, rechazando contrastes y estridencias, como 
corresponde a una pintura poco interesada por la expresividad. 
 Grandiosidad incorporando el estudio de la naturaleza y de la Antigüedad 
clásica, pero con un gusto por lo decorativo típico del Barroco. 
 Combinó la pintura de arquitectura ilusionista con sus efectos de 
trampantojos (cariátides, atlantes…) con los que fingía la ampliación del 
espacio, con otra que simulaba cuadros de caballete enmarcados y 
trasladados al techo. 
EL ARTE BARROCO 
 
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b) Obras: 
Las más importantes están en el Palacio Farnesio de Roma. El cardenal Farnesio le 
encargó la decoración de su palacio. Pintó un pequeño estudio y los frescos de las 
paredes y la bóveda de la Gran Galería donde representó El triunfo de Baco y 
Ariadna. 
Es una sala rectangular cuyos muros y bóvedas aparecen divididos en recuadros en 
los que se insertan los temas mitológicos separados por figuras y medallones realizados 
en grisalla, que recuerda a la Capilla Sixtina. En el centro de la bóveda representa el 
tema mitológico del triunfo de Baco quien, sentado en el trono en compañía de Ariadna 
y rodeado de amorcillos, trae la felicidad a la Tierra. El tema mitológico es el pretexto 
para realizar una pintura sensual y voluptuosa, llena de alegría que precedió a lo que 
hará Rubens. Se convirtió en el modelo de decoración palaciega que se generalizó hasta 
el siglo XIX. 
Carracci estructura la composición en dos grupos. En el de la izquierda se 
representa a Baco y Ariadna conduciendo carros de oro y plata tirados por leopardos y 
chivos blancos; mientras que en el lado derecho, precediendo al cortejo, un sileno ebrio 
cabalga sobre su jumento. Ambas partes se unen en el centro de la composición por una 
bacante y un fauno que danzan en posición de contrapposto. Un séquito de sátiros, 
bacantes y puttis transmiten el ritmo dinámico de la escena; y en las esquinas inferiores 
y en primer plano, las figuras de Venus y un sátiro en posición reclinada proporcionan 
la ilusión de profundidad espacial. Las anatomías son rotundas, miguelangelescas. 
Siguiendo la tradición del Renacimiento, Carracci emplea el sistema de quadri 
riportati con un marco de estuco fingido y reactiva la vitalidad de la pintura al fresco 
planteada por Miguel Ángel. 
La presencia del dibujo a la hora de delimitar las figuras, la luz uniforme, el 
colorido vivo (predominan los fríos y, por lo tanto, la sensación de alejamiento del 
espectador) y el interés por el paisaje son características propias de la tendencia 
clasicista del Barroco iniciada por este artista. 
EL ARTE BARROCO 
 
21 
 
6.3.- La tendencia decorativa o ilusionista: Gaulli 
Se trata de pinturas murales al fresco que se realizan para decorar las cubiertas de 
las grandes iglesias y palacios del barroco. Utilizan pinturas que amplían ilusoriamente 
el espacio. 
Es un tipo de decoración que buscaba sorprender e impresionar al espectador 
simulando que los techos y muros se desvanecen para mostrar el mundo celestial, lleno 
de figuras y dinamismo. Así la pintura se convierte en un medio de propaganda para 
ensalzar la ideología de la aristocracia y, sobre todo los dogmas contrarreformistas de la 
Iglesia Católica. Consiguieron los efectos de trampantojo más espectaculares de la 
pintura barroca, llenos de dinamismo, luz y color. El dominio de la perspectiva muestra 
un espacio ficticio, ilusionista y teatral. 
En esta corriente se sitúa la decoración de la bóveda de la Iglesia del Gesú en 
Roma, obra de Gaulli (conocido como Il Baciccio). En la bóveda de cañón representó El 
triunfo del nombre de Jesús. La obra puede ser dividida en tres franjas compositivas. 
La parte superior está formada por un círculo de ángeles que rodean el halo de luz 
proveniente del monograma de Cristo. En la franja central, una curva compositiva 
agrupa las diversas figuras que adoran el nombre de Jesús, extendiéndose desde el lado 
izquierdo, donde se sitúan los Reyes 
Magos, al centro y lado derecho, con 
múltiples santos y vírgenes orantes, 
arrodillados encima de las nubes. En la 
franja inferior el nombre de Jesús expulsa 
las alegorías de los vicios y los pecados 
capitales. El ilusionismo óptico que crea el 
estuco pintado consigue la fusión del 
espacio pictórico con el espacio real, 
rompiendo el marco del techo y 
desbordándose hacia el interior de la 
iglesia a través de las nubes y las figuras 
que se precipitan del cielo. 
La perspectiva di sotto in su, con una 
mirada de abajo arriba, y los movimientos 
de los personajes imprimen gran 
dinamismo y teatralidad a la escena. 
El mensaje bíblico de adoración al símbolo de Cristo se inspira en la Carta de San 
Pablo a los filisteos. La visión de la apertura de los cielos demuestra la glorificación de 
la Iglesia Triunfante la proclamación de la doctrina de la fe frente a la herejía, 
convirtiéndose así en un emblema del espíritu de la Contrarreforma. 
 
EL ARTE BARROCO 
 
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7.- LA PINTURA BARROCA EN LOS PAÍSES BAJOS 
La pintura de los Países Bajos es uno de los ejemplos más claros de la influencia de 
los factores sociales, políticos y religiosos en el arte. Durante la Edad Media y al 
comienzo del Renacimiento, Flandes y Holanda tuvieron una cultura común. Sin 
embargo, a finales del siglo XVI, las provincias del Norte de los Países Bajos se 
independizan de las del Sur y sus derroteros tanto políticos como religiosos serán 
diferentes. Surge así una zona católica, aristocrática y monárquica bajo el dominio 
español: Flandes (en la parte Sur), mientras la otra, Holanda (en la parte Norte), será 
protestante, democrática y burguesa. Todo ello produjo una separación total de los 
ideales artísticos que se refleja en la pintura tanto en los temas elegidos como en la 
forma de tratarlos, e incluso en las dimensiones de los cuadros. 
7.1.- La pintura barroca flamenca 
a) Características generales: 
Bélgica continuó vinculada a la monarquía española, aunque Isabel Clara Eugenia 
(era la hija de Felipe II a la que éste había cedido el gobierno de la zona) y su marido 
gobernaban el territorio con un alto grado de autonomía frente a la corona española. 
Además, el mantenimiento del Catolicismo supuso el desarrollo de un arte religioso, 
inexistente en Holanda. Algunas de sus características son: 
 Se pintan grandes lienzos ya que los mecenas son la Iglesia contrarreformista 
y la Corte. 
 Temas: 
o Vidas de santos y representaciones de los sacramentos, que eran 
rechazados por los protestantes. Muestran a la Iglesia triunfante. 
o La monarquía y la aristocracia reclaman los asuntos mitológicos con 
un contenido naturalista y sensual; en otras ocasiones los populares, 
aunque siempre huyen de cualquier crítica social. Los cortesanos ven 
el aspecto gracioso de dichos temas. 
o Bodegones: flores, caza y banquetes. A veces se unen al tema 
popular. 
o Retratos: son muy solemnes y aparatosos, dando una idea, ante todo, 
de la elevada posición social del retratado. 
 Desde el puntode vista estético, esta pintura es una síntesis peculiar entre 
aspectos flamencos (temas populares, riqueza de detalles...) e italianos 
(sobre todo venecianos: pincelada suelta, color dorado, captación atmosférica, 
sensualidad...) El centro artístico más importante es Amberes aunque también 
son importantes las ciudades de Brujas y Bruselas. Es en Amberes donde se 
asentará uno de los grandes pintores barrocos flamencos: Rubens. 
 
 
EL ARTE BARROCO 
 
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b) Pedro Pablo Rubens: 1577-1640. 
 BIOGRAFÍA: A los diez años su familia se establece en Amberes y allí realiza 
su formación con pintores manieristas de los que toma el interés por la pintura 
italiana, pero también con Van Noort un pintor que seguía el estilo flamenco 
cuando todos los demás copiaban los modelos italianos. En 1600 marcha a 
Italia donde copia todo lo que ve, pero interesándose sobre todo por Tiziano, 
Miguel Ángel, Leonardo... Allí permaneció durante ocho años. Cuando regresa 
a Amberes alcanza el éxito, dinero y reconocimiento, trabajando para los altos 
cargos del Estado y la Iglesia. Su cultura le convirtió en diplomático de su país, 
lo cual le permitió venir a España (en este viaje conoce a Velázquez, todavía 
joven y al que aconseja que viaje a Italia para conocer a los grandes maestros, 
confiando en que abandonara de esta manera el tenebrismo imperante en la 
pintura española). Muere en 1640 repentinamente pero su obra ejerció una gran 
influencia sobre la pintura europea posterior. Estuvo dotado de una capacidad 
excepcional de trabajo. Realizó lienzos de grandes dimensiones y además muy 
numerosos (unos 3.000 cuadros ya que contó con colaboradores de gran 
calidad. Él dibujaba las composiciones y preparaba los bocetos coloreados que 
después realizaban sus discípulos, pasando la obra por los especialistas en 
arquitecturas, paisajes, animales, flores... Él hace el retoque final). Fue el 
primer pintor en trabajar para sí mismo y por el mero placer de hacerlo, en un 
momento en que todos trabajaban por encargo. Vivió como un gran señor, rico 
y respetado, como reflejó en sus autorretratos. Rubens fue el pintor del área 
católica, pero no sólo en Flandes sino también en toda la Europa de la 
Contrarreforma. 
 Características de su obra: 
 Su pintura está cargada de dinamismo y movimiento, para lo cual 
recurre a los escorzos, giros violentos y a las composiciones en 
diagonal con figuras que parecen enroscarse y retorcerse. 
 Busca efectos teatrales: hay un gusto por la escenografía que lo toma 
de la pintura veneciana. 
 Representa un cuerpo humano muy característico: los cuerpos 
masculinos son musculosos, con una clara influencia de Miguel 
Ángel; sin embargo, los femeninos son cuerpos obesos, de piel 
nacarada y aterciopelada. Son mujeres muy sensuales y este arte 
penetra por los sentidos, en especial cuando los emplea en sus 
cuadros mitológicos: Las Tres Gracias o El Juicio de París. 
 Emplea pinceladas muy sueltas, tomadas del mundo veneciano, así 
como la luz dorada. Con todo ello pretende captar la perspectiva 
atmosférica característica del Barroco, y en la cual destacó Rubens 
junto con Velázquez. 
 La ejecución técnica de su obra es perfecta y plasma hasta los más 
mínimos detalles (no hay que olvidar que ésta es una característica 
de la pintura flamenca del siglo XV). 
EL ARTE BARROCO 
 
24 
 
 Predomina el color sobre el dibujo, lo que la hacía fácil de entender 
ya que entraba por los sentidos 
 Evolución: Sus primeras obras muestran la influencia manierista italiana y 
los efectos atmosféricos venecianos aprendidos en su época de formación en 
Italia y que se percibe en las obras que realiza en Amberes. A partir de 
1628, su época de madurez, se alcanza el mayor barroquismo, que le ha 
convertido en una de las grandes figuras de la Historia del Arte. El 
dinamismo, la agitación e inestabilidad aumentan, así como los efectos 
teatrales (para ello emplea tapices colgados). La pincelada se hace más 
suelta, sobrepasando a la de los venecianos en la captación de la atmósfera. 
Su pintura será triunfal tanto en los temas para la iglesia como para la 
monarquía. 
 OBRAS: 
 La adoración de los Magos: óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1609, 
nada más regresar de Italia. Años después, en 1628, Rubens lo retocó y lo 
amplió. Este lienzo, de grandes dimensiones, fue encargado por el 
Ayuntamiento de Amberes para decorar las estancias en las que se iba a 
firmar la Paz de los Doce Años en las Provincias Unidas. La alegoría de 
los Reyes Magos se refiere a las ventajas 
económicas que se obtendrían gracias a la paz. La 
escena tiene lugar de noche, como se observa en el 
cielo del segundo plano. Sin embargo la 
luminosidad es clara y el foco surge desde la figura 
del niño Jesús, que irradia la luz que incide al resto 
de los personajes. La grandiosidad de la obra se 
observa en la multitud de personajes, cuya posición 
permite trazar una diagonal desde la esquina 
superior derecha que confluye en la figura del niño, 
punto central de la obra. Es una composición llena 
de movimiento y dinamismo, donde cada uno de los personajes se estudia 
de manera individual y en su conjunto, mostrando diferentes posturas y 
planos. La organización general, la composición de las figuras y el 
colorido es de clara influencia de Tiziano, pero matizado por el 
claroscuro barroco. Como detalle curioso, hay que decir que cuando 
Rubens retocó el cuadro, pintó su autorretrato detrás del caballo con una 
espada y una cadena de oro como símbolos de su condición nobiliaria. 
 El jardín del Amor. Óleo sobre lienzo. Esta obra presenta una bucólica 
escena cortesana en la que se reúnen personajes de apariencia real con 
figuras mitológicas para celebrar una fiesta galante en un jardín idílico 
barroco. 
Rubens resuelve la composición a partir de la agrupación de sus 
personajes en diferentes zonas del lienzo. En el extremo izquierdo de la 
obra se prsenta la pareja protagonista empujada por un cupido hacia el 
centro de la escena. El grupo forma una diagonal jerárquica que atraviesa 
EL ARTE BARROCO 
 
25 
 
la obra hasta la fuente de Venus. En el centro la pareja es acompañada 
por un grupo de galantes con delicados gestos, posturas clásicas y ropajes 
de gran riqueza y detallismo. Se resuelve la composición de este grupo a 
través de una elipse que une las cabezas de las damas y que ofrece 
dinamismo a la escena. Dos amorcillos continúan el movimiento espiral 
de la composición hacia otro grupo de enamorados situados entre las 
arcadas y las columnas del templete. 
Rubens recupera elementos renacentistas para representar las esculturas, 
a la vez que sitúa la escena en un pórtico manierista que evoca de manera 
idealizada la casa del pintor en Amberes y que funciona como marco 
arquitectónico de la obra, mientras que el paisaje idílico del fondo y la 
calidez de las tonalidades acentúan el carácter relajado del cuadro. 
La obra exalta el amor y la felicidad 
conyugal, siguiendo una temática de 
tradición medieval, por la que los 
enamorados son representados en un 
jardín que reúne mensajes morales sobre 
su relación marital definidos en la 
literatura cortesana. En este caso, parece 
que el matrimonio del pintor con su 
segunda esposa, Helena Fourment, 
celebrado en 1630, podría ser el motivo 
por el cual pintó la obra. Los amorcillos 
portan símbolos del amor conyugal, como 
coronas de flores, palomas y antorchas 
encendidas. La fuente de las tres Gracias y la de Venus lactante aluden al 
amor fecundo y a la felicidad marital. El pavo real alude a la diosa Juno, 
protectora del matrimonio. 
 Las Tres Gracias: óleo sobre tabla. La pintó después de su matrimonio 
con Helena Fourment, a la que retrató en la figura de la izquierda. Es un 
tema mitológico que representa a las tres hijas de Zeus (Aglae, Eufrosime 
y Talía) que vivían en el Olimpo y destacaban por su bellezay armonía 
espiritual; se las relacionaba con acontecimientos buenos y con las artes. 
Inspirado en los modelos de la Antigüedad clásica, Rubens mantiene una 
composición tradicional y presenta a las tres Gracias formando un 
círculo. Sobre sus cabezas aparece una frondosa guirnalda de flores y un 
putto que vierte agua con un cuerno de la abundancia. Al fondo, un 
paisaje idílico –característico de la pintura flamenca– acentúa la belleza 
del conjunto. 
Las tres mujeres están conectadas físicamente por los brazos y por el fino 
velo que las envuelve, así como están vinculadas a través de la mirada, 
detalle que refuerza la unidad del grupo. 
Otro aspecto relevante es el dinamismo que consigue la escena, gracias a 
la interacción que muestran los personajes entre sí, a su movimiento 
EL ARTE BARROCO 
 
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corporal –con un pie retrasado a la espera de iniciar la danza– y al 
predominio de la línea curva en sus siluetas. Este último aspecto ayuda al 
pintor a reforzar la sensualidad de la escena, complementándola con el 
tenue foco lumínico que envuelve a las figuras, con un 
juego armonioso de claroscuros que consigue resaltar la 
blancura de sus cuerpos. 
Emplea la perspectiva aérea, introduciendo el espacio 
pictórico al colocar la escena en un paisaje abierto, lo que 
le permite pintar árboles, ciervos, colinas, … que se 
pierden en el fondo. Éste es borroso ya que el aire disuelve 
los contornos de las figuras a medida que se alejan de 
nuestro ojo. Para ello emplea manchas de color, 
predominando el color frene al dibujo. Emplea una 
pincelada suelta y rápida. El cuadro se llena de luz dorada 
que recuerda la de Tiziano, cuya pintura Rubens conoció 
en la colección real de España. De él toma también la 
sensualidad y el gusto por la vida. 
En la obra plasma su técnica a la perfección y es el 
paradigma de belleza femenina de la época. Los tres 
desnudos están llenos de sensualidad. Esta obra se ha 
interpretado como una alegoría de la beatitud carnal, como una oración 
religiosa de acción de gracias. La obra permaneció en la colección 
privada del artista hasta su muerte, fecha en la que fue subastada y 
adquirida por el representante de Felipe IV. Su sensualidad hizo que 
fuera considerada pecaminosa y que no fuera expuesta públicamente. 
7.2.- La pintura barroca holandesa 
a) Contexto histórico 
Holanda en el siglo XVII se constituye en un estado burgués y protestante que 
experimenta un resurgir económico extraordinario, basado en sus posesiones coloniales 
y el comercio marítimo, y del que es protagonista la burguesía capitalista. Los artistas, 
en vez de trabajar para mecenas o para las órdenes religiosas, como había ocurrido en 
Flandes, abrieron tiendas en las que estaban sujetos a la moda y al gusto popular. Este 
sistema de trabajo permitía una mayor libertad creativa, el artista no estaba 
condicionado a los gustos del cliente pero hacía que su situación financiera fuese 
inestable y explica los problemas económicos que sufrieron artistas de la talla de Hals o 
Rembrandt. Gracias al gran desarrollo económico, la nueva clientela estuvo formada por 
burgueses acomodados, artesanos y comerciantes que demandaban sobre todo cuadros 
de pequeño tamaño y pintura de género doméstico (una creación típicamente 
holandesa). Debido al auge de la vida urbana y de las instituciones políticas y sociales 
dentro de las ciudades, cobraron gran importancia los retratos de instituciones, de gran 
formato, pero tampoco eran suficientes para que los pintores pudieran sobrevivir. 
Además, triunfa el calvinismo que eliminaba las imágenes y los cuadros de sus templos, 
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privando a los artistas de una buena parte de sus ingresos. Por tanto, no hay un arte 
religioso. 
b) Características de la pintura 
 Pintura laica: es una pintura costumbrista que refleja el ideal de vida 
burgués y en la que con frecuencia aparecen retratados. Los temas serán 
variados: el bodegón, el paisaje, el cuadro de costumbres o el retrato tanto 
individual como colectivo. En este sentido destaca el gran desarrollo de los 
retratos de grupo o de corporaciones. 
 Realismo: representan la realidad más inmediata con un gran sentido común 
y eliminan la ostentación de la pintura del barroco católico. 
 El caravaggismo tuvo un gran éxito, al menos en la primera mitad del siglo 
XVII. 
 Son mayoritariamente cuadros de pequeño formato destinados a los 
interiores burgueses, con composiciones sencillas, menos movidas, aunque 
a veces aparecen también las diagonales. 
 Es una pintura de pinceladas sueltas en la que el dibujo pierde 
progresivamente su importancia. 
c) Rembrandt van Rijn 
 BIOGRAFÍA: Siendo joven estudia con pintores muy influidos por el 
tenebrismo en su ciudad natal. Luego se traslada a Amsterdam alcanzando 
un gran prestigio y se enriquece. A diferencia de Rubens, no viajó a Italia ni 
a casi ningún sitio, tampoco le interesó la Antigüedad clásica, pero, sin 
embargo, sí le interesó la utilización de la luz desarrollada por Caravaggio y 
supo admirar su valor. Se casó en dos ocasiones, con Saskia y con una 
sirvienta, Hendrickje, con la que tuvo un hijo. Los tres murieron lo que hace 
que se sumerja, hasta su muerte, en una profunda crisis, a la que se une su 
quiebra económica. 
 CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA: 
o Cultivó todos los géneros: el religioso, el paisaje, el bodegón... Fue 
grabador, retratista y pintó escenas mitológicas y clásicas (En ellas 
se muestra un desprecio irónico hacia estos temas. Se pierde la 
sensualidad de Rubens y se gana en misterio). Como retratista fue 
considerado como uno de los mejores del siglo. Nos ha dejado 
innumerables autorretratos, desde su juventud hasta su vejez. 
También hizo cuadros de grupo, llenos de misterio y dramatismo. 
Algunas de sus obras más conocidas son precisamente retratos de 
grupo. 
o Estilo: parte del tenebrismo pero, aunque le gustan los contrastes de 
luz y de sombra, el límite entre ambas no es nunca tajante como en 
Caravaggio, sino que crea unas penumbras misteriosas y doradas 
EL ARTE BARROCO 
 
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que caracterizan su obra. En general, no sólo las figuras quedan 
iluminadas, sino también el ambiente en que se insertan. 
o Suele emplear una pincelada muy suelta y empastada que a veces 
aplica incluso con espátula. De esta forma, el cuadro adquiere un 
cierto relieve, como la escultura, e incita al espectador a tocar el 
cuadro. Sin embargo, los colores son muy sobrios. 
 OBRAS: 
 La Ronda de Noche. Es un retrato de grupo o corporativo, 
característico de la escuela holandesa del siglo XVII, surgido de la 
costumbre de las distintas corporaciones de retratarse en pinturas 
que quedaban expuestas en sus sedes sociales. Representa a la 
compañía de arcabuceros del capitán Cocq, que inicia su ronda a la 
salida de una callejuela. 
Rembrandt introduce innovaciones en este 
género y no todos los retratados tienen la 
misma importancia en la composición, como 
era habitual, ya que el encargo se pagaba entre 
los representados a partes iguales: mientras el 
capitán y el lugarteniente de la Compañía 
ocupan claramente el centro, los demás 
quedan en un segundo plano y algunos 
desaparecen en la penumbra. Por este motivo 
la obra no gustó a los que hicieron el encargo. 
Además, mezcla el grupo con una escena 
callejera que nada tenían que ver con el 
encargo: un enano, un perro que ladra, la niña 
con un gallo blanco... Este último es el 
símbolo de la Compañía. 
Utiliza como técnica el óleo sobre lienzo, aunque modifica el 
formato habitual de la obra, casi cuadrada, en vez de ser más ancha 
que alta. Aplicará el óleo con pinceladas muy empastadas, densas, y 
sueltas, con un claro predominio del color frente al dibujo, aunque 
emplee una paleta muy reducida de colores (negros y ocres). La 
composición es libre, desordenada, ya que pinta a los personajes en 
el momento en quese están preparando para iniciar la ronda, 
colocando a cada figura en movimiento en un plano diferente, 
captando el instante. Sin embargo, el predominio de las verticales 
produce un cierto estatismo. Pero en realidad la verdadera 
protagonista de la obra es la luz. Hay un fuerte claroscuro, muy 
tenebrista con una clara influencia de Caravaggio, que ilumina 
violentamente unas zonas quedando otras en la penumbra. Sin 
embargo, no es una escena nocturna, a pesar del nombre con el que 
se conoce la obra; en realidad la oscuridad se debe a las sucesivas 
capas de barniz que se fueron aplicando posteriormente y que 
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formaron una pátina oscura que ha acumulado suciedad. La luz en 
este caso le permite resaltar aquellas partes que le interesan y crear 
la atmósfera densa del cuadro (resalta al capitán Cocq y su 
lugarteniente, a la niña, y a figuras en distintos planos que nos 
obligan a completar el conjunto de la obra. Los rostros iluminados 
son un perfecto estudio realista ya que era esencial que los 
protagonistas, que pagaban la obra, se reconocieran. 
La obra se pintó en 1642 y su destino era el hall del gremio de 
arcabuceros pero cuando el edificio se derribó la obra se trasladó al 
ayuntamiento de Amsterdam. Como no cabía por la puerta se cortó 
en los laterales. Esta pintura marcó el final de la etapa de 
reconocimiento social y aceptación del pintor. Su búsqueda de la luz 
como elemento unificador del cuadro no fue entendida y fue 
rechazado por los clientes y el público en general, muriendo en la 
más absoluta miseria. Sus investigaciones en este terreno, sin 
embargo, le convierten en el antecedente de la pintura del siglo XIX. 
La Lección de Anatomía del doctor Tulp: óleo sobre lienzo. Se 
trata de una lección pública que imparte este anatomista, del gremio 
de los cirujanos de Amsterdam, a unos asistentes que no son ni 
médicos ni alumnos pero que prestan una gran atención. El encargo 
tenía la finalidad de dejar constancia de este hecho y se conoce la 
identidad de los asistentes ya que hay uno de ellos que lleva un papel 
con los nombres de los participantes. Además, los retratos son 
individualizados, reforzando el realismo de la escena. Rembrandt 
consigue representar en los rostros expresiones de sorpresa, de 
entusiasmo y de atención. La expresión de 
los rostros se acentúa por el contraste de 
color que introduce el blanco de los cuellos. 
La lección se desarrolla sobre el cadáver de 
un ajusticiado, representado en escorzo, en 
el que se concentra la luz. Este foco ilumina 
el cadáver y deja en penumbra el resto de la 
pintura (claroscuro). Rembrandt presenta a 
las figuras apiñadas en forma piramidal en 
torno al cadáver. El doctor levanta los 
tendones con los fórceps y muestra cómo se 
mueven los dedos.