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ARTE 
 VISUAL
 EN LA 
 INDUSTRIA
DISCOGRÁFICA
TRABAJO FIN DE GRADO
Ana Belén Pedemonte García
Grado en Bellas Artes
Universidad de Sevilla
Curso 2019-2020
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TRABAJO FIN DE GRADO
GRADO EN BELLLAS ARTES
UNIVERSIDAD DE SEVILLA
CURSO 2019-2020
AUTORA: VANA BELÉN PEDEMONTE GARCÍA
TUTOR: GUILLERMO MARTÍNEZ SALAZAR
ARTE VISUAL EN LA 
INDUSTRIA
DISCOGRÁFICA
1.INTRODUCCIÓN 
2.OBJETIVOS 
3.EVOLUCIÓN DEL DISEÑO DISCOGRÁFICO 
3.1. Portadas de discos 
3.1.1. Nacimiento de las primeras portadas 
3.1.2. Auge durante los años 60 y 70 
3.1.3. Desarrollo en los 80 y 90 
3.1.4. De los 2000 a la Actualidad 
3.2. Otros medios de difusión musical 
3.2.1. Videoclip 
3.2.2. Animación
3.2.3. Merchandising
4.CONCLUSIONES
5. IMPLEMENTACIÓN PROFESIONAL 
5.1 Diseño discográfico para dos bandas locales
5.1.1. Metodología
5.1.2. Freedom in Jails
5.1.3. Track 9
6.BIBLIOGRAFIA
6.1. Referencias
6.2. Webgrafía
6.3. Listado de imágenes
ÍNDICE
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1.INTRODUCCIÓN
El arte plástico y la música son dos áreas que siempre han estado vincula-
das. La relación entre ambas viene influenciada tanto por el contexto histó-
rico en el que se desarrollan como en la evolución de las distintas técnicas 
y el surgimiento de nuevas tendencias. ¿Quién se beneficia de quién? ¿Am-
bas son fuente de inspiración para la otra?
Al mirar la portada de un disco nos muestra el estilo musical que vamos 
a poder escuchar, así como el contenido, las ideas y sensaciones que los 
músicos desean provocar en el público. La imagen sirve de elemento de 
atracción al consumidor. Si bien, la imagen va más allá de ser un mero ele-
mento del que se sirve la música a nivel publicitario, constituyendo en sí una 
representación icónica de la cultura musical.
Este trabajo trata de profundizar en la conexión entre ambas disciplinas y su 
desarrollo dentro de la industria discográfica. Como metodología se ha utili-
zado la investigación documental, realizándose un recorrido histórico, mos-
trando las distintas formas de representar la música. Resalta el papel funda-
mental que la imagen tiene en el mundo musical, concretamente dentro del 
mercado mostrando la complementariedad del fin artístico y el publicitario. 
Palabras claves: diseño discográfico, diseño gráfico, música.
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GENERAL:
Analizar la relación entre arte visual y la música en concreto en la industria 
discográfica, desde los años 50 hasta la actualidad.
ESPECÍFICOS:
Describir la evolución del diseño discográfico.
Identificar a los diseñadores más relevantes en ese período histórico.
Distinguir aquellas obras de mayor impacto en la industria discográfica.
Estudiar la influencia del arte visual en otros medios de difusión musical.
Implementar los conocimientos adquiridos durante los estudios de Bellas 
Artes en esta área de conocimiento.
2.OBJETIVOS
3.EVOLUCIÓN DEL 
DISEÑO 
DISCOGRÁFICO
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Figura 1. Steinweiss, A. (1940). Smash Hits By Rodgers & Hart.
Alex Steinweiss fue el primero en realizar una portada ilustrada para envol-
ver un disco de vinilo, que hasta entonces se comercializaban envueltos 
en fundas de papel de estraza con una perforación en el centro junto con 
la información del músico y su obra. Solían llamarlos tombstone, lápida en 
español, por la sobriedad del envoltorio. 
A. Steinweiss fue contratado en 1939 por Columbia como diseñador. En 
1940 diseña la portada de Smash Song Hits by Richard Rodgers & Imperial 
Orchestra. Era el único empleado en su departamento que se dedicaba a 
las campañas publicitarias. Decidió arriesgarse a probar algo nuevo, por lo 
que le añadió una portada vistosa al nuevo vinilo en venta. Con la ayuda de 
un fotógrafo, fue al Teatro Imperial de Nueva York y convenció al director 
para que le dejara cambiar las letras de la marquesina durante las horas 
muertas. A partir de las fotos, trabajó gráficamente combinando fotomonta-
je, grabado, ilustración y tipografía. Esta nueva unión entre música e imagen 
desencadenó en el disparo de ventas de los nuevos discos ilustrados. Las 
demás compañías siguieron su ejemplo, y así nació un nuevo formato artís-
tico que acompañará hasta nuestros días a la industria discográfica. Alex 
Steinweiss afirmaba:
“Consideraba que aquello no era manera de envolver algo tan her-
moso como la música. Me imaginaba carteles a color que enlazasen 
con el espíritu de cada disco en vez de aquellas bolsas-lápidas de 
papel o cartón” (De Cataldo, S. 2015)
Para Steinweiss, cada álbum era un lienzo donde plasmar una pequeña 
obra de arte, se trataba de oportunidades para experimentar con el color, la 
ilustración y la tipografía.
3.1.Portadas de discos 
 3.1.1. Nacimiento de las primera portadas
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Jim Flora fue otro de los grandes autores de diseño dis-
cográfico de la época. Es conocido por sus portadas de 
música clásica y jazz para Columbia Records a finales 
de los años 40, y para RCA Victor durante los 50s.
Las portadas de Flora se caracterizaban por tomarse 
libertades con la anatomía humana, dibujando cuerpos 
deformados exagerando las proporciones de las cabe-
zas y/o añadiendo más extremidades, utilizando colo-
res vibrantes acorde con la música del álbum. De este 
modo, juega con la estética de una manera llamativa 
aportando un carácter dinámico y alegre a sus obras.
Es contratado por Columbia Records en 1942, donde 
se gana una buena reputación gracias a su estilo ex-
céntrico y divertido. En 1950 abandona la empresa y 
se dedica a ser diseñador por cuenta propia. Años más 
tarde, en 1953 regresa al diseño de portadas de discos 
para RCA Victor.
Alex Steinweiss junto a Jim Flora y David Stone Martin, 
fueron los grandes autores del diseño discográfico de 
esta época, creando una base perfecta para la explo-
sión del Rock and Roll.
Figura 2. Flora, J. (1947). Gene Krupa and his orchestra.
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Figura 3. Warhol, A. (1967). The velvet underground & Nico.
3.1.2. Auge durante los años 60 y 70
Después de los años cuarenta y cincuenta, el modernismo fue dando paso 
a la emergente cultura juvenil de los sesenta.
En 1967, el famoso Andy Warhol, aburrido de las artes plásticas, decide 
expandirse en otra área: el incipiente rock and roll. De este modo, creó la 
portada para sus protegidos The velvet underground. Por aquel entonces, 
era su productor y mánager. Warhol, fascinado por su música, la compren-
día este grupo de rock como la expresión musical de su arte. 
Utiliza la fotografía junto con la serigrafía, técnica usual en el artista, para 
crear esta portada. En las primeras copias, el plátano era una pegatina ador-
nada con unas instrucciones para el espectador: Peel slowly and see (pela 
lentamente y mira). Tras despegarla, se revelaba un plátano de color rosa 
haciendo referencia a los genitales masculinos.
Este era el álbum debut de la banda, por lo que creó esta portada tan po-
lémica para llamar la atención del espectador. Sin embargo, no produjo el 
resultado deseado, perjudicando a las ventas. A pesar de ello, hoy en día se 
ha convertido en una de las portadas clave de la historia del diseño gráfico, 
demostrando que el arte más efectivo es el simple, pero también el más 
complicado de alcanzar sin rozar lo caricaturesco o lo burdo. 
A finales de los sesenta y principios de los setenta, surge el arte psicodélico, 
que se manifiesta plásticamente en portadas de álbumes y carteles para los 
conciertos.
Durante esteperiodo, el rock ocupa el lugar principal como motor y fuente 
de inspiración para las demás ramas artísticas. 
La popularidad y el poder de las bandas aumentó de manera muy rápida en 
estas décadas, y con ello su influencia sobre las portadas de disco; ahora 
podían decidir ellos mismos que querían en la portada de sus álbumes. 
La explosión del Rock and Roll también impulsaría los procesos de estan-
darización y comercialización de la industria. Cuando los cantantes comen-
zaron a ver crecer su popularidad hasta explotar el fenómeno de ídolos de 
masas (López, 2014)
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Figura 4. Blake, P., & Haworth, J. (1967). The Beatles sgt pepper’s lonely hearts club band.
Los más destacados fueron los Beatles, que en poco tiempo tuvieron un 
gran recorrido por diferentes estilos, tanto musical como visual. En sus úl-
timos discos, concibieron las creaciones más innovadoras que perduran en 
la retina colectiva de la sociedad. 
 “Todo lo que cualquier persona necesitaba saber sobre diseño gráfi-
co estaba en esas tres portadas”, alega la diseñadora Pentagram Pau-
la Scher sobre Revolver, Sgt. Pepper’s y The White Album. (López, 
2014)
Nos centraremos en desmembrar el álbum que a mi parecer es el más in-
novador en cuanto a estética y contenido, Sgt. Pepper’s lonely hearts club 
band, publicado en 1967. 
A Paul McCartney se le ocurre la idea de grabar el álbum haciéndose pasar 
por un grupo de ficción que les permitiera experimentar con la música libre-
mente. Concepto que mucho más tarde llevarían al extremo otros grupos de 
la actualidad, como Gorillaz, de los que hablaremos más tarde. Así, huían 
de la reciente histeria colectiva, conocida como Beatlemania y de las giras 
mundiales. Eran libres para poder dedicar sus esfuerzos a la composición 
musical y a la investigación de las nuevas posibilidades técnicas del estudio 
sin ser juzgados por sus trabajos anteriores. 
Finalmente la portada es diseñada por Peter Blake y Jann Haworth, bajo la 
dirección de Robert Fraser y a partir de la idea de Paul McCartney. 
Se trata de un collage a tamaño natural, donde se presenta un heterogéneo 
grupo de figuras recortadas y ensambladas sobre siluetas de cartón. Esta 
portada, se compone de 73 personajes junto con 14 artefactos diversos que 
se entremezclan entre sí. (Rodríguez, 2013).
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De este modo, querían escenificar una foto tomada des-
pués de un concierto de una banda local, donde los asis-
tentes posan junto al grupo para la instantánea, solo que 
aquí se encuentran celebridades famosas y polémicas, 
como Aleisteir Crowley, padre del ocultismo entre otras, 
Marlon Brando, Marylin Monroe, etc. Los propios Beatles 
de la época de la Beatlemanía asisten como si fueran los 
originales, mientras que los Beatles reales se reinventan a 
sí mismos como miembros de Sgt. Pepper’s lonely hearts 
club band y confirman su nueva identidad ficticia con este 
el fotomontaje de la portada. 
El título del disco queda enmarcado en un elemento real 
de la parafernalia de artefactos (el parche delantero de un 
bombo de orquesta), que ya no es un añadido tipográfico 
externo, ahora forma parte de la realidad visual de la puesta 
en escena. La portada refleja el halo caleidoscópico y la ex-
travagancia lirico-psicodélica que emana las trece cancio-
nes del LP: apuntes orientales, efectos de sonido, recursos 
electrónicos, reminiscencias barrocas, folclóricas y hasta 
vodevil. (Rodríguez, 2013).
Esta obra cambió la manera de entender la creación de un 
álbum, considerándolo como obra artística completa desde 
la música hasta el diseño de la portada y el empaquetado. 
Fue el primer álbum en añadir las letras en la contraporta-
da, y en su interior había un recortable para formar parte 
de la banda ficticia, haciendo participe al consumidor de la 
obra de manera más activa, cambiando así lo que se había 
hecho hasta entonces.
Ha sido imitada en numerosas ocasiones, la más conocida 
es la de Frank Zappa and the mothers of invention: we’re 
only in it for the money.
A finales de los sesenta y durante la mayor parte de los setenta, con la llega-
da del verano del amor en 1969, Woodstock y el movimiento hippie, se ex-
plora una gran variedad de estilos. La experimentación es lo que caracteriza 
esta época, dando lugar a imágenes psicodélicas y oníricas, muy acordes 
con la música de las grandes bandas como Led Zeppelin o Pink Floyd, que 
incluyeron muchas innovaciones en sus discos.
Surge el concepto de álbum como obra artística. Los diseñadores británicos 
Storm Thorgerson y Aubrey Powell se convirtieron en la vanguardia con su 
agencia Hipgnosis.
Hipgnosis usaba principalmente la fotografía de manera surrealista. Sus 
obras se ajustaban a una época en la que los músicos de rock eran entu-
siastas de las portadas de los álbumes exageradas y fantásticas. Hipgnosis 
se convirtió en una inspiración artística clave en la época. Se hicieron espe-
cialmente conocidos por su asociación con Pink Floyd, con los que colabo-
raron en repetidas ocasiones. El propio Dave Gilmour, vocalista y guitarrista 
de la banda, los llamó sus “asesores artísticos”.
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 Figura 5. Hipgnosis. (1973). Led Zeppelin House of the holy.
En 1973, Led Zeppelin era la banda más grande 
de rock. Lanzaban su quinto álbum y para ello que-
rían un diseño impactante, por lo que contrataron 
a Hipgnosis.
La idea de la portada surgió a partir de un libro 
de ciencia ficción de Arthur C. Clarke, Los hijos 
de Icaro, de 1953, cuyo final aparece una escena 
donde todos los niños del mundo se juntan en una 
torre de fuego para deja la tierra. 
“Una imagen de niños que invocan un lugar es-
pecial del que despegar en masa como energía 
espiritual o mental. Aquello era bastante factible y 
muy sugerente, así que parecía apropiado: la civi-
lización escalando hacia un nuevo amanecer, un 
concepto tan mítico como la propia banda”. (Vali-
ño, 2013)
Robert Plant, cantante de Led Zeppelin, propuso 
el lugar idóneo Las formaciones rocosas de la Isla 
de Staffa, en Escocia. Pero debido a su difícil ac-
ceso, optaron por una zona similar denominada la 
Calzada del Gigante, situada en Irlanda del Norte. 
Este paisaje estaba formado por 40.00 columnas 
de basalto, creadas por el enfriamiento rápido de 
la lava de un volcán, por lo que era el lugar per-
fecto para crear dicha portada, ya que reflejaba el 
misticismo que siempre había interesado al grupo. 
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Para la realización de la fotografía, tuvieron muchos contratiempos: las in-
clemencias del tiempo, los desacuerdos del equipo, la pintura, etc. Los ni-
ños eran rociados de pintura dorada, y la foto era realizada al alba para 
capturar el color naranja. De vuelta al estudio, prepararon un collage con 30 
fotografías. Finalmente, la imagen se imprimió en sepia, sobre la que se fue 
aplicando capas sutiles de tintes mediante pinceles y aerógrafos. El color le 
da una atmosfera onírica, irreal, donde la piel de los niños tiene un tono vio-
leta provocado accidentalmente por el artista, que lo pintó pero que al final 
resultó un punto a favor del surrealismo que iban buscando, ya que junto 
con el resto de la composición, hacía que pareciera más de otro mundo.
“ Esto está muy asociado a la técnica de automatismo de los surrealistas, en 
la que aquello que sucedía sin intervención de la razón y casi por accidente 
podía servir al objetivo de combinar dos instancias tan opuestas como el 
sueño y la realidad, creando una realidad superior que es la surrealista.” 
(Figuerero, 2010)
Es un hecho que hoy en día sería impensable realizar esta imagen, no sería 
políticamente correcto y causaría grandes polémicas. Es producto de su 
época tal como explica Powell, autor de la imagen, en la siguiente cita:
Powel reconoce algo muy similar: “hay que situarla en el contexto de la épo-
ca: estábamos saliendo de un mundo definido por el movimiento del amor y 
paz en el que todos bailaban consumiendo ácido y corriendo desnudos por 
ahí. Ahora no se podría hacer una portada así”. (Valiño, 2013)
También, enesta década surge el fenómeno Punk donde el diseño de estas 
portadas retrocede a estilos más sencillos, representando una lucha contra 
lo establecido, donde el mensaje era más importante que la estética. La fo-
tografía y el collage se convierte en el método más usado por este género.
Basándose en la portada del álbum debut de Elvis Presley, donde la fotogra-
fía reflejaba el espíritu desatado de los primeros años rock n roll, en 1979, 
The Clash imitaría el mismo diseño, proyectando la energía de la música 
punk del momento, y superando a la portada original de Elvis apenas cono-
cida hoy en día.
La foto fue capturada por la fotógrafa Pennie Smith, responsable de la ma-
yoría de sus portadas, durante un concierto en el Palladium de Nueva York. 
En esta imagen, se observa al bajista Paul Simonon en un ataque de ira se 
dispone a partir su instrumento, capturando en si la esencia pura del punk, 
la rebeldía y el inconformismo en contra de lo establecido.
Figura 6. Smith, P. (1979). The Clash London Calling.
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3.1.3. Desarrollo en los 80 y 90
En 1981, surge la MTV en la televisión con sus videoclips musi-
cales y aparece un nuevo formato de grabación y reproducción 
el disco compacto, el CD, creado por Sony y Phillips. Este nuevo 
vehículo más barato y portátil, facilita su producción en masa e in-
cremento inicialmente las ventas. Sin embargo, era más fácil hacer 
copias y tener acceso de manera ilegal. Ambos descubrimientos 
supusieron un gran cambio dentro de la industria discográfica que 
marcaron un antes y un después.
Casi en paralelo con el Punk, y como herencia del Rock Progresivo 
y del Rock Duro, surgió el Heavy Metal. El heavy metal se carac-
teriza por su sonido denso, pesado y duro, con fuerza y un ritmo 
reiterativo. El diseño gráfico de este tipo de grupos apareció en los 
70, pero no es hasta los 80 cuando surge un gran número de gru-
pos y la estética más definida, caracterizada por colores oscuros, 
referencias a la sangre, la violencia, monstruos, destrucción, etc.
Dando lugar a portadas con un arte oscuro y recargado, entre los cuales 
destacan las de Iron Maiden cuyo protagonista indiscutible, Eddie, la mas-
cota de la banda, es el más representativo de este género.
Iron Maiden sentó las bases del metal de los 80 y ha influido en varias gene-
raciones de aspirantes a músicos en este género. Sus ambiciosos compo-
sitores, sus voces poderosas, sus guitarras salvajes y su distintiva mascota, 
“Eddie The Head”, los colocaron por encima de la competencia.
La imagen de Eddie es una figura macabra, zombi, obra del diseñador grá-
fico Derek Riggs, autor de todas las portadas y sencillos de Iron Maiden 
desde su inicio hasta 1992.
Aparece por primera vez como una máscara puesta de papel maché, colo-
cada junto al letrero de la banda, obra del técnico de luces del grupo, Dave 
Beasley, le colocó ojos luminosos y una bomba de aire de la cual salía san-
gre por la boca de la máscara y llenaba al batería. Causó una gran impre-
sión y los espectadores esperaban ese momento del concierto.
“Eddie nació del hecho de que los miembros de la banda eran muy 
tímidos, así que tuvimos que inventarnos una criatura que diera la 
cara por ellos”. - Rod Smallwood, mánager de Iron Maiden. (Bargue-
ño, 2018).
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Contrataron a Derek Riggs para la portada del 
primer álbum de la banda, donde plasmó a la 
mascota Eddie tal como se conoce actualmente. 
Eddie tiene una apariencia diferente en relación 
con cada álbum. 
En las primeras portadas de los distintos discos 
incluso tiene una propia historia. Eddie pierde un 
ojo en la guerra (Aces High) y un ojo biónico le es 
implantado (Somewhere In Time), lucha con el 
demonio y lo mata (Run To The Hill y The Number 
Of The Beast), es encerrado en un manicomio 
sin su cerebro (Piece Of Mind), luego es enterra-
do en una gran pirámide (Powerslave) y resucita 
(Live After Death). (Martin, 2014)
Lo que empezó como un entretenimiento en los 
conciertos, ha acabado convirtiéndose en la ima-
gen principal de la banda, superando incluso en 
cuanto a reconocimiento a los propios integran-
tes de la misma. 
Figura 7. Riggs, D. (1981).Iron Maiden Killers
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En los 90 surge un nuevo estilo, el Grunge. Se trata de 
un subgénero del rock alternativo influido por otras ten-
dencias como son el punk, el hardcore punk, el noise 
rock, el heavy metal y con una configuración cercana al 
rock clásico, cuyo máximo exponente es Nirvana junto 
con Pearl Jam. 
Nos enfocaremos en la portada del álbum que lanzó a la 
fama a Nirvana, Nevermind.
La idea original era poner como tapa la imagen de un 
parto debajo del agua, pero dadas las circunstancias de 
la época era imposible encontrar una fotografía decente 
y que no fuera demasiado explicita. 
Así, que el diseñador al cargo, Robert Fisher, decide 
cambiar la idea por la de un bebe nadando. El autor era 
un fanático de las portadas de Led Zeppelin, Yes y Pink 
Floyd, habiéndola estudiado a fondo. Decide hacer las 
fotos él mismo en la piscina de la escuela de natación 
Rose Bowl Aquatic Center de Pasadena. Para ello, con-
trataron a varias parejas y sus bebes, toma las foto de 
los bebes mientras sus padres les enseñan a nadar. 
Tras muchas fotos da con la idónea pero la imagen aún 
no está completa, hasta que añaden un anzuelo con un 
billete. Siendo su lectura más común una alegoría a la 
corrupción y el poder del estado incluso antes de poder 
tener conciencia, representando una persona corrompi-
da por el capitalismo y la sociedad desde su nacimiento. 
Algo muy criticado por este género musical.
Figura 8. Fisher, R. (1991). Nirvana Nevermind.
34 35
3.1.4. De los 2000 a la Actualidad
Green Day, grupo de punk rock, lanza su séptimo álbum, American idiot en 
2004. 
Esta sencilla portada muestra reminiscencias a la propaganda política co-
munista del pasado, utilizando formas geométricas y colores planos para 
una rápida lectura provocando un impacto en el receptor.
El título del disco es una parodia al reality American Idol. El álbum está diri-
gido al gobierno de Bush, una crítica a la depresión económica, la guerra de 
Irak, la manipulación de los medios bajo su gobierno.
Chris Bilheimer fue el encargado de diseñar la carátula del disco, diseñador 
que ha acompañado a la banda desde sus inicios.
El álbum tuvo una gran acogida, siendo el más popular de la banda y su-
biendo su fama a nivel internacional. El diseño sencillo pero efectivo se ha 
convertido en toda una insignia del grupo.
“Recibí una llamada de Billie Joe (líder de la banda), que estaba mirando 
viejos carteles de películas de Saul Bass. Basado en ese estilo, hicimos una 
granada de mano con forma de corazón. La saqué, se la envié y en 30 minu-
tos la portada del álbum estaba hecha...” Chris Bilheimer sobre el proceso 
de la ilustración. (Green Day Authority, 2014)
A principios del siglo XXI, surgen los formatos mp3. Esto supone una gran 
pérdida para la industria discográfica, ya que supone un gran descenso de 
venta en el formato físico. Surgen las plataformas digitales para escuchar 
música como ITunes, siendo la manera legal de escuchar la música digital-
mente. Posteriormente surgirán YouTube, Spotify, Amazon music, platafor-
mas para escuchar música o incluso ver los videoclips online.
Figura 9. Bilheimer, C. (2004). Green Day american idiot.
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Actualmente, la música se consume de manera digital, la compra en forma-
to físico ha pasado a ser objetos de coleccionismo por los fans, por lo que se 
le da más importancia al empaquetado y la identidad del producto, siendo 
cada vez más creativos y experimentales debido a la libertad de medios e 
instrumentos para ilustras. Donde se consume más los objetos del merchan-
dising como camisetas, posters, etc. Resurgen las ediciones especiales de 
clásicos que ofrecen un diseño elaborado del empaquetado.
El packaging se convierte ahora en la estrella, junto con el diseño en el 
formato físico. Existe absoluta libertad, como en el álbum de Julian casa-
blancas +Thevoidz, 2014. Donde la música se vende en formato USB, con 
forma de mechero, que a la vez es funcional. Es una forma de cambiar la 
identidad del álbum por un objeto de uso cotidiano, que algunos fans siem-
pre llevan encima, fomentando también la interacción física con el álbum, y 
su promoción a cualquiera que pida fuego.
También encontramos álbumes recopilatorios, cuya estrella principal es el 
diseño del empaquetado como en Jane’s Addiction A Cabinet of Curiosities, 
donde se encuentran todos los discos de la banda, junto con videoclips y 
entrevistas, todo ello configurado como un gabinete de cosas misteriosas. 
Encontramos pequeños muñecos de estilo vudú representando a la banda 
junto a sus correspondientes cartas del Tarot.Es una edición especial donde 
lo más importante es la estética del producto y su configuración para que 
sea atractivas para el consumidor.
Gracias a ciertas tribus urbanas, el vinilo ha vuelto a su consumo, esencial-
mente por los Indies e influencers que han centrado sus gustos musicales 
en música alejada de lo popular, y han puesto de moda volver a escuchar 
música en los tocadiscos.
Hoy en día, todos los grandes sellos relanzan material de viejos y nuevos 
catálogos en diversos formatos, como es el vinilo o CD’S. Ejemplo de ello 
lo encontramos en diferentes artistas de distintos ámbitos: ya sea Lorde o 
Lady Gaga.
Muestra de que el arte de sus portadas ha transcendido a su mero propósito 
hacia la cultura pop y el imaginario colectivo.
Figura 11. Warner Bros Records, & Rhino Records . (2009). Jane’s Addiction A Cabinet of Curiosities
Figura 10. Cult Records. (2014). Julian casablancas + The voidz
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3.2.Otros medios de difusión musical
 3.2.1. Videoclip
OK Go se forma en Chicago, su estilo musical es indie rock y rock alternati-
vo. El vocalista de la banda, Damian Kulash, estudió diseño gráfico, plasma 
sus conocimientos sobre el arte plástico en cada uno de sus videoclips. 
Combinan su música con videos experimentales donde crean obras con 
una gran dificultad técnica, donde ponen a prueba su creatividad. Han cola-
borado con grandes industrias como Nintendo, Barrio Sésamo, Morton Salt, 
y han hecho un anuncio para la empresa China Red Star Macalline.
Sus videos varían desde reacciones en cadena a una escala monumental, 
coreografía grabada con un dron, ilusiones ópticas, grabación en gravedad 
cero, etc. Aunque cada producción sea diferente entre si todas tienen en 
comun el protagonismo de los colores, y la plasticidad de las imágenes. To-
dos los objetos que utilizan son reales, se encuentran físicamente en el sitio, 
no son obra de CGI ni diseños 3D. 
Aquí nos centraremos en el video de The one moment, 2016, se trata de un 
plano secuencia donde los integrantes del grupo Ok Go se presentan inte-
ractuando con un conjunto de objetos que estallan.
Suceden 318 acciones durante el video, donde revientan bolsas de sal co-
loreadas, botes de pintura, globos de agua, guitarras, todo sobre fondos 
blancos, grises o negros, para resaltar los colores. El video transcurre en 
4.2 segundos, pero esta velocidad es ralentizada, en Slow motion, para que 
sea posible que el espectador pueda ver lo que ocurre a lo largo de ese tra-
mo de tiempo. Las tomas necesitaron de una planificación extremadamente 
precisa y con una coreografía descrita en todos los detalles.
Como anteriormente hemos comentado el videoclip como forma de consu-
mo tal y como conocemos surge principalmente en los 80s por la cadena te-
levisiva MTV, aunque anteriormente existía videos de los grandes ídolos de 
masa como Elvis Presley o los Beatles, no es hasta 1980 donde se produce 
un especial auge en este formato. Aquí nos centraremos en su producción 
más artística plásticamente como en el caso de OK GO.
Figura 12. OK Go. (2016, 24 noviembre). OK Go – The One Moment – Official Video.
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 La coreografía para este vídeo ha significado un gran reto matemático para 
calcular el momento exacto de cada evento a partir de una variedad de 
datos que relacionaban los sucesos entre sí y con la escala de tiempo en la 
que estaban siendo disparados.
Destaca el uso de colores muy vivos y contrastados, muy propios de los 
videos del grupo. Estos van acompañados de fondos planos y soportes 
geométricos y minimalistas, cuyos colores son grises, negros y blancos para 
que el color que estalla y el movimiento sean el verdadero protagonista del 
video. El resultado es un caos y confusión total de altas velocidades dando 
lugar a un slowmotion de gran belleza y armonía, que nos regala imágenes 
propias de obras plásticas contemporáneas.
En la canción reside el significado de todo el video. El video pretende hacer 
pensar al espectador sobre los pequeños momentos de la vida que de ver-
dad tienen importancia. Además de hacerte pensar en la vida misma que es 
tan solo un momento.
Damian Kulash , vocalista y director del video declara sobre la canción y el 
video:
“Nunca dejará de ser profundamente hermoso, profundamente con-
fuso, y profundamente triste que nuestras vidas y nuestro mundo 
son tan fugaces. Sólo tenemos estos pocos momentos. Afortunada-
mente, entre ellos hay algunos que realmente importan, y es nuestro 
trabajo encontrarlos” (Panorama Audiovisual, 2016)
El resultado final es una simbiosis perfecta entre el arte y la música, algo a 
lo que siempre pretenden llegar este grupo.
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Otro videoclip que marco en la retina de los espectadores fue el de Losing 
my Religion de R.E.M, dirigido por Tarsem Singh.
Al comienzo del video el director hace un guiño a la película de Tchaikovsky, 
Sacrifice, en la escena donde derraman la leche, copiando los mimos mo-
vimientos tanto de cámara como de los personajes. En cuanto a la estética 
de la habitación se inspira en la película Stalker de Andréi Tarkovski. La ilu-
minación de la mayoría de escenas utiliza el claroscuro tomado de las obras 
de Caravaggio que son las principales protagonistas del video.
A lo largo del video se suceden imágenes aparentemente inconexas como 
si se tratase de un collage que genera la sensación de estar dentro de un 
sueño. 
El relato principal del video es de Gabriel García Marques Un señor muy 
viejo con unas alas enormes, la historia trata de un ángel anciano que cae 
del cielo en un pueblo, donde lo enjaulan y ganan dinero a su costa. Se toma 
como la historia principal del videoclip, pero a la vez suceden otras escenas 
paralelas de otras representaciones y de los propios músicos del grupo. Los 
músicos hacen la función como si fueran los narradores de las historias que 
se suceden con las distintas imágenes, y que al final todas están conecta-
das entre sí.
En estas imágenes apreciamos la similitud, entre la escena donde el guita-
rrista Peter Buck aparece tocando la mandolina y el cuadro de Apolo tocan-
do el Laúd de Caravaggio.
La historia principal, la del ángel, sus personajes llevan ropas de la edad 
moderna o el renacimiento. Estos personajes interpretan la trama principal, 
mediante las pinturas de Caravaggio que representan relatos de la Biblia, El 
santo entierro, Incredulidad de Santo Tomás y la Crucifixión de San Pedro.
Figura 13. remhq. (2011, 2 julio). R.E.M. - Losing My Religion (Official Music Video) Figura 14. Caravaggio, M. M. (1595–1596). Apolo tocando el laúd.
44 45
Dentro del videoclip se representa otra figura del cristianismo a San Sebas-
tián, haciendo referencia a la fotografía de Pierre et Gilles como icono gay, 
como muchos artistas han utilizado actualmente.
Asimismo, se muestran unos obreros trabajando en una maquina haciendo 
referencia a la propaganda comunista. A lo largo del video se muestran 
también dioses del panteón hindú, clara asociación con la cultura del direc-
tor.
Esta obra tuvo grandes polémicas tanto por su título Losing my Religion 
como por las distintas representaciones de las religiones con sus deidades. 
Pero el auténtico mensaje de la canción trata sobre perder la razón, sobre 
perderse a uno mismo y sus motivaciones, llegando a nocreer en nada.
Este videoclip mezcla de manera exquisita la música con el arte que se re-
presenta, mostrando una vez más la conexión entre ambas disciplinas.
Figura 15. remhq. (2011, 2 julio). R.E.M. - Losing My Religion (Official Music Video)
Figura 16. Caravaggio, M. M. (1602–1604). Santo entierro
4746
3.2.2. Animación
Dentro del videoclip convencional surge la animación al principio como un 
efecto especial para decorar los mismos, o resaltarlo con creaciones ar-
tísticas como en Dire Straits, money for nothing, donde se añaden efectos 
especiales con animación dándole una imagen de ciencia ficción para aquel 
tiempo.
La animación en videoclips se fue haciendo más popular en los noventas, 
ya a su menos costo y mayores posibilidades de representación. Como en 
el video de Pearl Jam, “Do the Evolution” donde se muestra la historia de la 
evolución del planeta de manera violenta. La animación es la narrativa per-
fecta para este tipo de historias donde se quiere representar el horror y la 
violencia, pero de forma satírica y con un estilo particular del comic.
En 2001 se da a conocer Gorillaz como la primera banda virtual del mundo. 
Es cierto que en los 60, surgieron bandas animadas como the Archies o Al-
vin y las Ardillas pero era más un producto dentro de la animación que una 
banda en si propiamente dicha. Gorillaz se distingue porque forma parte de 
nuestra realidad, los personajes interactúan con nuestro mundo, intercalan-
do animación y realidad.
La idea de crear una banda digital, surge del cantante de Blur, Damon Al-
barn, junto con Jamie Hewlett, dibujante de comics conocido por Tank Girl. 
Los dos compartían piso y viendo la MTV, criticaban los videoclips de las 
estrellas del momento que parecían todas iguales y sin sustancia por lo que 
decidieron crear una banda animada. Además permitía a Damon Albarn 
experimentar con su música fuera de Blur, sin restricciones, al igual que per-
mitía a Jamie Hawlett como dibujante mezclar distintos tipos de animación y 
desarrollar un estilo muy personal y libre.
Cada personaje de la banda tiene una personalidad propia, y una trama 
complicada protagonizada por un entorno distópico mezclado con nuestra 
realidad, donde abunda la violencia, el abuso de sustancia, y la decadencia 
de la cultura pop. La forma de mostrarnos estos personajes, sus historias, 
idas y venida hace al público olvidarse que detrás existen personas rea-
les, siendo ellos los verdaderos protagonistas, siguiendo la intención de sus 
creadores.
 Figura 17. Hewlett, J. (2020). Gorillaz
4948
Dado a la libertad de medios cada disco representa un estilo diferente tanto 
de diseño, música como animación, donde mezclan 3D, 2D, imagen real, 
collages, etc. Estos personales nacieron a partir de una necesidad de 
mostrarle al mundo que los ídolos no son incorruptibles y que la falsedad de 
un producto no significaba mostrar una mentalidad vacía. Se nos muestran 
personajes ficticios con emociones y formas de actuar más reales que mu-
chos famosos sujetos a estrictas reglas de la industria.
Otra animación destacable dentro del género música es la del videoclip de 
Little talks de Of monsters and men publicado en 2012, creado por Wewe-
remonkeys, donde nos narran un viaje épico protagonizado por los integran-
tes de la banda.
Todo el imaginario del video se inspira en las leyendas fantásticas donde 
aparecen monstruos, dragones, barcos voladores, etc. Aquí juegan mu-
cho con la saturación de los fondos y los personajes, cambiando según su 
importancia. La animación da la sensación de sumergir al espectador en 
un cuento, utilizando el collage de las distintas imágenes en movimiento, 
creando una estética muy moderna y alternativa.
 Figura 18. OfMonstersAndMenVEVO. (2012). Of Monsters And Men - Little Talks
5150
3.2.3. Merchandising
A lo largo del tiempo el merchandising se ha vuelto una de las pie-
dras angulares de la industria discográfica para aumentar sus ven-
tas, y aún más actualmente, donde la música se consume de manera 
digital, el merchandising resulta ser la mayor fuente de ingreso para 
estas empresas junto a los conciertos. Las principales compañías 
discográficas han acabado por comprar las empresas de merchandi-
sing, y la comercialización se convierte en parte de la identidad del 
artista.
“Una marca se define como un nombre, término, diseño, símbolo o 
combinación de aquellos que tiene por objeto identificar y diferenciar 
los bienes y servicios de un determinado vendedor. La marca es una 
forma de diferenciar los bienes de cierto productor de los bienes de 
otros productores. Una marca puede crear conciencia, reputación y 
prominencia; es más que un símbolo o un nombre. “ (Hitsimäki, 2015)
Los logos son la manera más eficaz de hacer perdurar la influencia 
de una banda o artista, como ocurre con el famoso logo de los Rolling 
Stones. El logo ha pasado a ser la marca que los define, una imagen 
simplificada que con solo un vistazo el consumidor sabe a quién se 
refiere.
Figura 19. Pasche, J. (1971). Rolling Stones.
53
La identidad de una marca de música se puede catalogar en cuatro dimen-
siones: su organización, identidad musical, identidad de la marca, la re-
troalimentación con el consumidor. La construcción de una marca musical 
comienza cuando una banda empieza desarrollando su cultura de trabajo y 
su identidad organizativa. Esto lleva a la banda a desarrollar su propia identi-
dad musical. La identidad musical se comunica como una identidad externa 
a los fans por operaciones de marketing. Luego el discurso que se elabora 
en base a ello, donde los fans están usan la imagen de la marca como parte 
del proceso de creación de su propia identidad. La última dimensión es el 
proceso de retroalimentación donde los fans dan un feedback a la marca. 
Los objetos de merchandising más corrientes suelen ser las camisetas de 
los tours, posters, chapas, incluso tazas de recuerdos. Pero dentro de todo 
esto también surgen productos diferentes para los fans más excéntricos.
Como el ataúd de Kiss, el set de costura de los White Stripes, la máquina 
de pinball de ACDC o el monopoly de Queen. Estos productos se identifican 
como ediciones especiales donde solo lanzan al mercado un limitado núme-
ro, enfocado a una minoría consumidora coleccionista.
Figura 20. Kiss. (s. f.). Ataud Kiss.
54
La influencia de la imagen en la cultura musical ha trascendido lo puramente 
comercial, se ha desvelado como la cara, el gesto, la forma de ser de los ar-
tistas, sus ropas, peinados; es decir, muestra tanto la identidad del músico 
como los elementos de toda una cultura musical.
Aunque inicialmente las portadas de disco surgieran como elemento de 
marketing con el fin de aumentar las ventas de los mismos, el carácter ar-
tístico de sus diseños y la identificación de sus elementos con las distintas 
tendencias y grupos urbanos; ha propiciado que se desarrolle un vínculo 
inseparable entre arte visual y música. Donde ambas disciplinas se influen-
cian una a la otra, manteniendo una relación simbiótica hasta la actualidad. 
Tanto es así que el diseño visual se configura como el medio más importante 
para mostrar la identidad del grupo o el solista, jugando un papel fundamen-
tal para atraer al espectador.
Los diseñadores como Alex Steinweiss, Jim Flora, David Stone Martin, Andy 
Warhol , Peter Blake y Jann Haworth, Storm Thorgerson y Aubrey Powell, 
Pennie Smith (fotografía), Derek Riggs, Robert Fisher, Chris Bilheimer, Da-
mian Kulash, Jamie Hawlett, y muchos más, han sabido plasmar la identi-
dad de los grupos a los que diseñaban las portadas de sus obras musicales. 
Hasta tal punto que han dado pie a la evolución de la industria discográfica 
dando lugar a la creación de todo un mercado de objetos icónicos (mer-
chandising) con los que el público puede identificar a sus grupos favoritos a 
través de los diseños plasmados en esos elementos. Constituyéndose una 
importante fuentede ingresos.
Los videoclips y la animación se han conformado como nuevos medios de 
difusión musical, con una relevante influencia en el consumidor. El diseño 
estético de los mismos, las coreografías en el caso de los videoclips, seña-
lan los distintos estilos musicales así como diferencian y ratifican las identi-
dades de los grupos musicales y solistas que las protagonizan.
En conclusión, la evolución de la relación entre arte visual y música ha trans-
currido a través del tiempo ha sido determinante para el desarrollo de am-
bas disciplinas.
4. CONCLUSIONES
5IMPLEMENTACIÓN 
PROFESIONAL 
59
5.1.Diseño discográfico 
para dos bandas locales
Para crear la identidad visual de un grupo como hemos visto anteriormente, 
es necesario investigar sobre el estilo de música que produce la banda, la 
historia y los integrantes de la misma, el significado global del disco que pre-
tende lanzar, así como las sensaciones y emociones que desean transmitir 
al público. 
En el proyecto se presentan dos casos, de dos encargos de bandas locales 
de mi ciudad, cada una tiene un estilo musical diferente. El diseño es crucial 
pues se tratan de los álbumes debut de ambos, por lo que tienen que llamar 
la atención para incrementar el interés del público al que va dirigido y por 
tanto propiciar sus ventas.
A continuación describo los pasos del proceso que seguí para la realización 
de las dos portadas:
1º Paso: Búsqueda de información.
 Escuché la música de cada banda, para saber que estilo gráfico sería 
 más efectivo y con el que cada banda se pudiera identificar mejor. 
 Seguidamente, me entrevisté con cada grupo para saber entre otros 
 detalles, que emociones querían transmitir, a qué tipo de público 
 quieren llegar, así como la imagen que quieren que los definan.
 Búsqueda de referentes de bandas con estilo de música similares de 
 donde buscar inspiración.
2º Paso: Elección del estilo artístico, del formato y de la técnica.
3º Paso: Ejecución del trabajo.
5º. Paso: Presentación del trabajo a cada banda para obtener el visto bueno 
de los integrantes.
6º. Paso: Lanzamiento
5.1.1. Metodología
60 61
5.1.2. Freedom in Jails
 Figura 21. Pedemonte, A. B. (2019) Portada Freedom in jails, Anhedonia.Figura 22. Pedemonte, A. B. (2019) Logo Freedom in jails.
El primer grupo, “Freedom in Jails”, se dedica a hacer música Grunge, su 
música es muy similar a la de grupos muy conocidos de los 90 como Alice in 
Chains, Soundgarden o Pearl Jam. Por lo que hice una búsqueda sobre las 
portadas de discos de estos grupos para saber cómo enfocar mi propio tra-
bajo. Las ilustraciones de estos discos tienen un tono amargo y deprimente.
Dado a estos detalles, el estilo de la portada tiene que llevar tonalidades gri-
ses y oscuras, que provoquen hastío y desgana, con un elemento que llame 
la atención.
En la portada se muestra un pájaro aparentemente muerto en un fondo con 
texturas como si se tratara de un suelo de cemento, representado de una 
manera más libremente, con toque artísticos. En cuanto al estado del pájaro 
se deja libre interpretación del espectador si sigue vivo o no.
También realizo el logo del grupo, para su posterior promoción en camisetas 
y pegatinas, formando el elemento esencial para el merchandising. Se trata 
de la silueta del pájaro, el protagonista del disco, con el nombre del grupo en 
su interior. Un diseño sencillo para que la gente pueda conectar fácilmente 
a que banda se refiere el logo. 
6362
5.1.3. Track 9
Esta banda, Track 9, encarga el diseño completo del packa-
ging del disco.
Su música se define como Alternativa-punk con toque psi-
codélicos. Además unas de sus características principales es 
que se trata de un grupo que se define por ser muy gamberro 
en el escenario. 
Tras analizar varios de sus videos en directo, decido plasmar 
un momento en escena, utilizando la ilustración digital con un 
estilo donde los integrantes parecen sacados de una anima-
ción.
Los colores muy vivos destacan sobre el fondo negro para 
llamar la atención del publico, reflejando la energía y el carác-
ter divertido del grupo.
Como referentes estuve observando las portadas de discos 
como la de The Now Now de Gorillaz, Currents de Tame Im-
pala, y el video de The Hunter de Slaves, cuyo estilo de músi-
ca es bastante similar al de este grupo. Han sido referencias 
esenciales para la manera de utilizar el color en mi trabajo.
En la primera imagen encontramos el packaging completo 
que se eligió y posteriormente ha sido comercializado. La se-
gunda imagen se muestra una versión alternativa del mismo.
Figura 23. Pedemonte, A. B. (2020) Portada Tack 9, Solo somos cinco.
6564
Figura 24. Pedemonte, A. B. (2020) Packaging Tack 9, Solo somos cinco 
Figura 25. Pedemonte, A. B. (2020) Packaging alternativo Tack 9, Solo somos cinco
6BIBLIOGRAFÍA 
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tración].
Figura 24. Pedemonte,A. B. (2020) Packaging Tack 9, Solo somos cinco 
[Ilustración].
Figura 25. Pedemonte, A. B. (2020) Packaging alternativo Tack 9, Solo so-
mos cinco [Ilustración].
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