História e Evolução do Design Gráfico

Vista previa del material en texto

Fundación Accenture
FUNDAMENTOS DEL DISEÑO GRÁFICO
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
Conoce el origen del diseño gráfico y su evolución a través de las principales corrientes artísticas y 
algunos destacados artistas, hasta llegar al diseño gráfico en la actualidad.
© Accenture. Todos los derechos reservados. Confidencial
TABLA DE CONTENIDOS
FUNDAMENTOS DEL DISEÑO GRÁFICO
1. Historia del diseño gráfico
1.1. Introducción a la historia del diseño
1.2. Arts & Crafts
1.3. Art nouveau
1.4. Bauhaus 
1.5. La Escuela de Nueva York 
1.6. Pop art
1.7. Los años 60 y 70 en Europa
1.8. Los años 60 y 70 en Estados Unidos
1.9. La revolución digital
1.10. Preguntas frecuentes
2. Conceptos básicos del diseño gráfico
2.1. Introducción 
2.2. Las formas básicas
2.3. Características de las formas básicas
2.4. La atención
2.5. La percepción
2.6. Preguntas frecuentes 
3. Teoría y psicología del color 
3.1. Introducción 
3.2. Conociendo los colores 
3.3. Armonía entre colores 
3.4. Psicología del color
3.5. Preguntas frecuentes
TABLA DE CONTENIDOS (continuación)
4. Introducción a la tipografía
4.1. ¿Qué es la tipografía?
4.2. Conceptos básicos de tipografía
4.3. Estilos de una familia tipográfica
4.4. La composición de un texto
4.5. La tipografía digital 
4.6. Preguntas frecuentes
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.1. INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL DISEÑO
LOS CONCEPTOS DE DISEÑO Y DISEÑO GRÁFICO
El diseño abarca desde el proceso de configuración mental en la búsqueda de 
una solución en cualquier área (industria, ingeniería, arquitectura, comunicación 
visual y otras disciplinas que requieren creatividad) hasta el arte de proyectar el 
aspecto, la función y la producción de dicha solución por medio de signos 
gráficos.
Concretando en el diseño gráfico, éste comprende tanto la actividad creativa
como la técnica de transmitir ideas por medio de imágenes. Puede tratarse de un 
objeto bidimensional (cartel, logo, animación, portada, etc.) o tridimensional 
(edificio, maquinaria, mueble, etc.).
¿Sabias que…?
La palabra diseño proviene del italiano disegnare (del latín designare), formado del 
prefijo “de” y del sufijo “signum” (signo, señal o símbolo).En la lengua italiana 
disegnare adquiere el sentido de representar algo por medio de signos visuales.
Logo: es una representación gráfica que identifica visualmente a un producto, proyecto o 
empresa. Tiene por objetivo facilitar el reconocimiento y transmitir las características que 
determinan a la identidad que representa.
4
LOS COMIENZOS
Desde la prehistoria, el ser humano ha buscado formas de expresar visualmente 
ideas y conceptos, de almacenar conocimientos de forma gráfica, así como de 
ordenar y aclarar la información.
Los escribas sumerios que inventaron la escritura, los egipcios que combinaban 
palabras e imágenes en templos y en manuscritos sobre papiro, o los impresores 
del siglo XV que diseñaron los primeros libros impresos europeos, forman parte de 
la historia del diseño gráfico.
5
LA EVOLUCIÓN 
La evolución del diseño gráfico está relacionada muy estrechamente con los 
avances tecnológicos y las necesidades sociales de la época. A finales del siglo 
XIX surgió el diseño gráfico como una profesión distinta en Occidente y en 1922, el 
destacado diseñador de libros William A. Dwiggins, acuñó la expresión diseño 
gráfico para describir sus actividades como individuo que aporta orden estructural 
y forma visual a las comunicaciones impresas.
El punto de partida de este módulo arranca a finales del siglo XIX, con el 
movimiento Arts and Crafts. Podrás conocer y comprender los acontecimientos, 
principales corrientes y algunos destacados artistas, hasta llegar al diseño 
gráfico en la actualidad, marcado por la revolución digital.
6
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.2. ARTS & CRAFTS
EL MOVIMIENTO ARTÍSTICO
El movimiento artístico Arts and Crafts (Artes y Oficios en castellano) ligado al 
diseño y a las artes decorativas, surgió en Reino Unido en las últimas décadas del 
siglo XIX. Nació desde la preocupación por los efectos de la industrialización en 
el diseño, argumentando que la base verdadera del arte reside en la artesanía y 
rechazando la creciente industrialización y producción en serie que se había 
estado desarrollando en Inglaterra. 
Abogaba por una reactivación de la artesanía tradicional, un retorno a una forma 
de vida más simple y una mejora en el diseño de objetos domésticos.
Imagen extraída de Wikiart1
Artes decorativas : son todas aquellas actividades relacionadas con el arte o la artesanía 
destinadas a producir objetos con una finalidad a la vez utilitaria y ornamental. Son por lo 
general obras realizadas con una elaboración industrial o artesanal, pero persiguiendo una 
cierta finalidad estética.
7
SU FUNDADOR
El máximo ideólogo, fundador y líder indiscutible del movimiento Arts & Crafts fue 
el artista y escritor William Morris.
¿Sabías que…?
En 1891 se fundó la primera empresa dedicada al diseño gráfico. William Morris, 
quien creó su propia compañía llamada Kelmscott, buscaba un diseño basado en la 
artesanía del pasado mientras desarrollaba actitudes de diseño que se proyectaban 
hacia el futuro. Su imprenta se dedicaba a diseñar y maquetar libros, desde 
nuevos trabajos a reimpresiones de los clásicos, tratando de que el libro llegara a 
ser una forma de arte. Utilizó tintes vegetales naturales para la estampación en el 
material imprimiendo papel pintado y textiles con bloques de madera. Le gustaba 
usar muchos métodos diferentes para conseguir la pieza final.
Maquetación : organización y disposición de textos, imágenes y otros elementos en un espacio 
determinado de la página, ya sea impresa o digital.
8
WILLIAM MORRIS (1834 – 1896)
Fue un escritor, poeta, diseñador y activista socialista británico. En 1861 fundó con 
unos amigos la compañía Morris, Marshall, Faulkner and Company que se dedicaría 
a las artes decorativas y a la decoración de interiores. Morris estaba fuertemente 
influenciado por las ideas románticas que rechazaban la rigidez de la razón 
ilustrada y apreciaba las estéticas medievales y el exotismo del lejano oriente.
Imagen extraída 
de rawpixel2
Imagen extraída 
de rawpixel3
Imagen extraída 
de rawpixel4
Imagen extraída 
de rawpixel5
9
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.3. ART NOUVEAU
LA CORRIENTE ARTÍSTICA
Entre finales del siglo XIX y principios del XX, se desarrolló una corriente artística 
que destacó por la multidisciplinariedad: el Art nouveau (llamado así en Bélgica y 
Francia) o Modernismo (en España). Pretende socializar el arte y potencia la idea de 
que hasta los objetos más cotidianos deben tener un valor estético y ser accesibles 
a toda la población. Estéticamente se caracteriza por una fuerte inspiración en la 
naturaleza y la preferencia a las curvas y la asimetría. 
Imagen extraída de WikiArt6
Ten en cuenta que…
Para el Art nouveau, tenía el mismo valor un edificio, un cartel o una joya, ya que 
todos se consideran arte. Planteaba la desaparición de la jerarquía de artes 
mayores (pintura, escultura, arquitectura, etc.) y las artes menores (joyería, 
decoración, industria gráfica, etc.) establecida en movimientos anteriores.
10
EL IMPACTO EN LAS ARTES GRÁFICAS
Los artistas gráficos comenzaron a trabajar con elementos traídos de disciplinas 
más técnicas, como la arquitectura, e incorporaron novedades derivadas de la 
revolución industrial, como el hierro y el cristal. Empiezan a hacerse visibles todo 
tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó 
a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas, papeleras, etc.).
En el año 1881 un ajuste a las leyes francesas referentes a la libertad de prensa 
permitió que los carteles fueran colocados casi en cualquier parte. Esto trajo 
consigo el desarrollo de la industria del cartel. Las calles se convirtieron en 
galerías de arte acercándolo a lapoblación que observaba el medioambiente 
transformado por las imágenes y el color.
11
EL AUGE DEL CARTEL 
A continuación te presentamos algunos de los mejores cartelistas (considerados 
los padres de la publicidad moderna) que convirtieron el cartel en arte: Toulouse-
Lautrec, Jules Chéret y Alfons Mucha.
TOULOUSE-LAUTREC (1864 – 1901)
Henri de Toulouse-Lautrec es considerado un pionero en el diseño del cartel 
moderno. Fue un innovador en cuanto a colores, efectos y, sobre todo, las 
tipografías utilizadas en sus obras. En sus carteles se anunciaban algunos de los 
locales nocturnos más conocidos de París, se caracterizan por retratar bailarinas, 
cómicos, cantantes u otros personajes del mundo del espectáculo y la noche 
parisina. Son composiciones en las que destacan la asimetría, las figuras estilizadas 
y una tipografía que consigue fundirse con el resto de los elementos. Toulouse-
Lautrec contribuyó a considerar el cartel como una obra de arte y sentar las bases 
de del cartel publicitario moderno.
Imagen extraída de WikiArt7 Imagen extraída de WikiArt8 Imagen extraída de WikiArt9
12
JULES CHÉRET (1836 – 1932)
Este artista francés hizo suyo el lenguaje visual del arte popular que se usaba en 
los programas de circo. Sus carteles inundaron París combinando la técnica y la 
interpretación tradicionales del arte mural, con el sentido del idioma popular. 
Proyectó las normas artísticas por las que el cartel iba a desarrollarse en el 
futuro: 
• Elaboración rápida y directa por el artista.
• Simplicidad en el discurso que facilita la inmediata percepción.
• Atrevimiento cromático que atrae las miradas.
• Concisión en el texto escrito.
Imagen extraída de WikiArt10 Imagen extraída de WikiArt11 Imagen extraída de WikiArt12
13
ALFONS MUCHA (1860 – 1939)
Este artista checo es considerado el máximo exponente del Art nouveau. Vivió 
muy ligado a la publicidad y al diseño, resaltando en teatro, pintura decorativa, 
murales, litografías y retratos sobre los demás artistas de la época. En enero de 
1895 difundió por las calles de París su cartel publicitario mostrando a la actriz 
Sarah Bernhardt, lo que representó la aceptación popular del Art nouveau en las 
artes plásticas. Las calles se llenaron de sus dibujos y todo el mundo fue 
cambiando hacia ese arte tan moderno y eficaz a la vista. Sus pósteres, avisos e 
ilustraciones, y sus diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados 
teatrales, acabaron por conocerse como Art nouveau. Su arte nunca pasó de 
moda y todas las corrientes modernistas europeas bebieron directamente de su 
estilo con evidente influjo en los carteles hippies de los años 60 y en toda la 
ilustración desde 1900 hasta hoy.
litografías : es el arte de dibujar o grabar en piedra preparada al efecto, para reproducir, 
mediante impresión, lo dibujado o grabado.
Imagen extraída de rawpixel13 Imagen extraída de rawpixel14
14
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.4. BAUHAUS
El MOVIMIENTO
El movimiento Bauhaus fue el fenómeno cultural más importante del siglo XX. La 
escuela Bauhaus nació en la encrucijada de dos guerras mundiales, ya que fue 
fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius (con su primera sede en 
Weimar, Alemania) después de la Primera Guerra Mundial, y tuvo una intensa y 
corta vida al ser clausurada por los nazis en 1933.
Gropius pretendía modernizar y servir a la sociedad a través de dos disciplinas 
como el arte y el diseño. Los integrantes de su escuela promovían una 
arquitectura y diseño funcional, fáciles de producir para abaratar los costes y 
mejorar así la vida de las personas en la posguerra.
Muchos de sus integrantes se exiliaron tras su cierre y se instalaron en Estados 
Unidos para seguir con sus ideales. Figuras del mundo entero se unieron a esta 
escuela (a la que llamaron la nueva Bauhaus), destacando artistas como László
Mholy-Nagy, Paul Klee y Wassily Kandinsky.
15
SU RELACION CON EL DISEÑO
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como 
diseño industrial y gráfico, concibiéndose como profesiones dentro de esta 
escuela.
La escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría 
una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, 
incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida 
cotidiana. Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron 
declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.
En la actualidad, el legado de la escuela Bauhaus tiene una fuerte influencia 
en instituciones educativas de diseño alrededor del mundo.
¿Sabías que…?
El lugar del planeta con mayor número de edificios estilo Bauhaus es Tel Aviv. Tras 
el cierre de la escuela en 1933 y el auge del nazismo, muchos arquitectos de la 
escuela huyeron a Israel, y en concreto en Tel Aviv construyeron más de mil 
quinientos ejemplos de arquitectura racionalista.
16
LA BAUHAUS Y LA NUEVA TIPOGRAFIA
La búsqueda de una nueva tipografía y la ruptura con el tipo gótico o los vestigios 
de la Edad Media era una necesidad a principios del siglo XX. Varios de los artistas 
pertenecientes a la Bauhaus se dedicaron a la creación de un nuevo estilo 
tipográfico, más legible y sencillo.
Herbert Bayer diseñó una tipografía universal en 1926 que redujo el alfabeto a 
formas limpias, simples y construidas de forma racional. Estas tipografías se 
consolidaron, trascendieron el tiempo y hoy día forman un referente gráfico usado 
de forma cotidiana al escribir en un teclado. 
¿Sabías que…?
Durante el verano de 2018, Adobe (empresa de software estadounidense) anunció 
el lanzamiento de “The hidden treasures Bauhaus Dessau”, un proyecto 
extraordinario en el que se trae a la vida las tipografías inacabadas que los 
diseñadores legendarios de la Bauhaus iniciaron. Un nuevo recurso traído del 
pasado, bocetos y fragmentos de letras descubiertos y completados para inspirar a 
una nueva generación de artistas. Puedes consultar más información en la noticia 
“Adobe da vida a tipografías perdidas Bauhaus”.
Software: conjunto de programas, instrucciones y reglas informáticas para ejecutar 
ciertas tareas en una computadora.
17
https://www.fotodng.com/adobe-da-vida-tipografias-perdidas-bauhaus-12748.html
HERBERT BAYER (1900 – 1985)
Este austríaco fue el tipógrafo de mayor talento de los que pasaron por la escuela 
Bauhaus.
Bayer desarrolló un estilo visual nítido y adoptó una fuente sans serif usada 
únicamente en minúsculas para todas las publicaciones que Bauhaus diseñó. En 
1925 diseñó su fuente tipográfica más conocida, la Universal (cuya versión digital 
recibe el nombre de Architype Bayer), que reducía el alfabeto a formas sencillas y 
claras.
Omitió las mayúsculas por considerar que ambos alfabetos (el mayúsculo y el 
minúsculo) tienen diseños incompatibles, por tener dos signos totalmente 
diferentes para expresar el mismo sonido oral.
En 1938, a causa de las continuas presiones del régimen nazi, que ya habían 
provocado el cierre de la Bauhaus en 1933, emigró a Estados Unidos. Llegó con 25 
dólares en el bolsillo, adoptó de inmediato la ciudadanía estadounidense y produjo 
su mayor obra en su país adoptivo para el Museo de Arte Moderno de Nueva York, 
donde montó tres exposiciones: “Bauhaus (1918-1928)”, “La ruta a la victoria” y 
“Rutas aéreas a la paz”.
Imagen extraída de Wikimedia15
18
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.5. LA ESCUELA DE NUEVA YORK 
EL DISEÑO MODERNO DE ESTADOS UNIDOS
Así como París había sido receptiva a ideas e imágenes nuevas a finales del siglo 
XIX y principios del XX, la ciudad de Nueva York se convierte a mediados del siglo 
XX en el centro cultural del mundo, gracias a unos talentosos inmigrantes 
europeos. Llevaron consigo una nueva ola de diseño moderno donde las nuevas 
formas, originales conceptos y novedades técnicas consiguieron reducir la 
complejidad visual y resolver problemas de comunicación.Este diseño estadounidense es intuitivo y más informal en su enfoque, poniendo 
énfasis en la expresión de ideas y en la presentación abierta de la información. 
Se valoraba mucho la novedad en la técnica y la originalidad del concepto.
Herb Lubalin (1918-1981), diseñador gráfico neoyorquino que revolucionó la 
publicidad y el diseño editorial con la creación de tipografías como Avant Garde
Gothic o Serif Gothic, la llamó la Escuela Estadounidense del Expresionismo 
Gráfico.
Imagen extraída de Paul Rand Design16
19
DISEÑADORES DESTACADOS
En esta escuela tan influyente en la historia del diseño gráfico, destacaron los 
diseñadores Paul Rand y Saul Bass.
PAUL RAND (1914 – 1996)
Fue uno de los más innovadores e influyentes diseñadores gráficos en Estados 
Unidos, muy conocido a nivel internacional por sus diseños de logos corporativos, 
además de ser pintor, diseñador industrial y publicitario.
Su simplicidad y fuerza de comunicación perduran a pesar del paso de los años, 
muchos de sus trabajos se siguen utilizando a día de hoy. Contaba con una gran 
agudeza creativa, mucho ingenio y un desarrollado sentido del humor creativo, 
muy presentes estos rasgos en sus diseños. Generó gran cantidad de juegos 
visuales mediante tipografías, formas e imágenes.
Entre sus trabajos más destacados están los realizados para IBM, UPS y 
Westinghouse, entre otros.
Imágenes extraídas de Paul Rand Design17
20
SAUL BASS (1920 – 1996)
Dedicado inicialmente a la publicidad, cambió cuando el cineasta Otto Preminger
le encargó el diseño del cartel de su película Carmen Jones (1954). Otto quedó tan 
impresionado con su trabajo que le encargó también la secuencia de los títulos de 
crédito de la película.
Pronto Saul se especializó, revelándose como un maestro del diseño de títulos de 
crédito y carteles cinematográficos de películas, con una impactante labor 
creativa. Se le conoce como “el diseñador de oro”, ya que al crear sus diseños 
siempre buscaba la forma de resaltar, a través de los colores, formas y motivos, el 
tema de la película, cortometraje, etc. Su nombre irá unido al de Alfred Hitchcock 
con los títulos de crédito de Vértigo, Con la muerte en los talones o Psicosis. 
Además es creador de algunos de los logos más conocidos internacionalmente: 
Kleenex, Warner Music, American Airlines, Minolta, los Juegos Olímpicos de Los 
Ángeles 1984, etc.
21
Imagen extraída de Wikimedia18 Imagen extraída de Wikimedia19
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.6. POP ART
EL RETRATO DE LA SOCIEDAD DEL MOMENTO
El Pop art o Arte pop, es un movimiento artístico que surgió en Londres a finales de 
los años 50 y en Nueva York en los años 60. Se desarrolló en un momento 
histórico caracterizado por el capitalismo y el consumo, donde lo importante 
eran las compras masivas, la imagen exterior, el materialismo o la moda.
Surge como una crítica social retratando la realidad del momento mediante 
imágenes y objetos cotidianos, fáciles de identificar, por ejemplo: una lata de 
conservas o un personaje famoso. Las obras destacan por la utilización de colores 
vibrantes, la repetición de elementos o jugar con la geometría de las 
composiciones. Tiene por objetivo realzar lo cotidiano y la superficialidad de la 
sociedad del momento. Podría considerarse un movimiento sencillo, pero lo cierto 
es que conoce muy bien a una sociedad a la que pretende concienciar a través de 
sus obras de arte.
22
Imagen extraída de WikiArt20
DISEÑADORES CLAVE DEL POP ART
Así como diseñadores de otras corrientes artísticas habían plasmado en sus obras 
el mundo tal y como lo conocían, los diseñadores del Pop art también hicieron lo 
mismo. En este caso, los diseñadores retrataron el mundo utilizando imágenes 
que representaban su tiempo: publicitarias, cinematográficas, políticas o de 
cómics. 
ANDY WARHOL (1928 – 1987)
Sus obras se han convertido en iconos del movimiento Pop art, representando la 
época, sociedad y cultura del momento. En ellas son características las 
variaciones fotográficas de un mismo tema, la utilización de elementos 
cotidianos o anuncios publicitarios creando, por ejemplo, obras tan famosas 
como “Campbell's Soup Can” (en español: Lata de sopa Campbell). Warhol 
también destacó por su pasión por el cine, realizando composiciones célebres a 
estrellas cinematográficas de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor o 
Elvis Presley.
iconos: representación gráfica de un signo o símbolo mediante la cual se comunica cierta idea, 
objeto o acción, en base a una relación de semejanza de lo representado.
23
Imagen extraída de WikiArt21 Imagen extraída de WikiArt22
ROY LICHTENSTEIN (1923 – 1997)
El estilo de Roy Lichtenstein se caracterizó principalmente por representaciones a 
gran tamaño de modelos clásicos de los cómics de la época. En sus creaciones 
utilizaba una técnica de puntos para crear dibujos en los que empleaba con 
frecuencia colores primarios como el rojo, amarillo o azul.
24
Imagen extraída de WikiArt23
Imagen extraída de WikiArt24
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.7. LOS AÑOS 60 Y 70 EN EUROPA 
LA LLEGADA DEL COLLAGE
Esta década, caracterizada por un periodo de fuertes tensiones políticas entre 
los Estados Unidos y la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas) tras la 
Segunda Guerra Mundial, derivará en acontecimientos como la carrera espacial o 
la guerra de Vietnam. Esta inestabilidad política tendrá una gran influencia en los 
artistas y en la historia del diseño gráfico. 
La población no aprueba las decisiones de sus gobiernos provocando importantes 
revoluciones sociales y culturales. En Europa surgió un enfoque poético del 
diseño gráfico, basado en imágenes y en su manipulación mediante el collage, el 
montaje y técnicas tanto fotográficas como fotomecánicas.
Collage: es una técnica artística que consiste en pegar distintas imágenes sobre un lienzo o papel. El 
término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra 
manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, 
que significa pegar.
Fotomecánicas: técnica de elaboración de negativos y positivos de dibujos, fotografías o textos, 
para su reproducción por diferentes medios de impresión.
25
Imagen extraída de WikiArt25
DISEÑANDO ESTÉTICA PUNK
En Polonia, Francia y Reino Unido, los diseños buscan la reflexión de la población 
y reflejan un sentimiento de ansia de libertad, rechazo caótico y de ruptura 
social. En Reino Unido en concreto, se manifiesta en la estética punk que rompe 
con los elementos del diseño conocidos hasta el momento, creando un lenguaje 
caracterizado por el collage y el uso de colores estridentes.
La estética punk tuvo uno de los más grandes exponentes en el diseñador británico 
Jamie Reid.
¿Sabías que…?
Jamie Reid quiso experimentar y utilizó un estilo tipográfico a partir de recortes 
de letras de periódico y revistas, mezclado con elementos fotocopiados en 
composiciones amenazantes y uniéndolas para fotografiarlas. Al hacer esto, veía el 
resultado de su creación a medida que avanzaba, probando diferentes estilos y 
tamaños, observando los resultados al instante. Puedes consultar más información 
en la noticia “El diseño gráfico punk”.
26
https://www.bohemianculture.net/diseno-grafico-punk/
JAMIE REID (1947)
Artista inglés totalmente ligado al movimiento punk. Se caracteriza por el uso de 
textos a base de recortes y las imágenes provocativas en contra del sistema. 
Colaboró con la mítica banda Sex Pistols en la portada de sus álbumes, teniendo 
entre sus trabajos más conocidos las portada del disco “Never mind the bollocks” y 
de sencillos como “Anarchy in the UK” o “God save the queen”. En la portada de 
este último disco, el artista satirizó la hierática imagen de la monarca Isabel II de 
Reino Unido con los ojos y la boca tapados por un letrero en el que se lee God save
the queen (en español: Diossalve a la reina) y el logo de Sex Pixtols en caracteres 
compuestos en collage. En otra de las versiones, se muestra el labio de la reina 
atravesado por un imperdible
27
Imagen extraída de Gráffica26 Imagen extraída de CulturaColectiva27
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.8. LOS AÑOS 60 Y 70 EN ESTADOS UNIDOS 
LOS CARTELES PSICODÉLICOS
Hasta la década de 1950 la ilustración narrativa había dominado el diseño gráfico 
estadounidense, pero las mejoras en el papel, la impresión y la fotografía hicieron 
que el ilustrador perdiera rápidamente su ventaja con respecto al fotógrafo. Al 
robar la fotografía la función tradicional de la ilustración, esta adquirió un enfoque 
nuevo: la psicodelia, utilizada para carteles de eventos, rock y danza.
Los carteles psicodélicos se apoyaban en la cultura hippie que provocaba la 
movilización y lucha por los derechos civiles, contra la guerra de Vietnam y la 
búsqueda de un nuevo estilo de vida. Su estética resulta impactante y atractiva, 
con formas inspiradas en el Art nouveau, difícil legibilidad, efectos de vibración 
óptica, marcados contrastes de blanco y negro, así como colores intensos y 
eléctricos.
28
Imagen extraída de Milton Glaser28
LOS CARTELES DE MILTON
Entre los representantes destacados de este enfoque más conceptual de la 
ilustración, se encontraba el joven artista gráfico neoyorquino Milton Glaser, al que 
se le unieron otros artistas destacados para formar Push Pin Studio, un estudio de 
diseño e ilustración en Nueva York. 
MILTON GLASER (1929 – 2020)
Glaser nació en Nueva York y pronto descubrió su inquietud por las artes gráficas. 
Decidió llevar a cabo sus estudios en la prestigiosa universidad de Cooper Union de 
Nueva York y ampliar sus conocimientos en la Academia de Bellas Artes de Bolonia.
Creó más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan, un 
símbolo de los años sesenta. Trabajó en diseño editorial para publicaciones como 
Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989). En 1977 
se encargó de la creación del famoso logo de la campaña publicitaria “I love New 
York”, un diseño que continúa siendo símbolo de la ciudad en la actualidad. 
29
Imagen extraída de Milton Glaser29 Imagen extraída de Milton Glaser30
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.9. LA REVOLUCIÓN DIGITAL
LA TECNOLOGÍA Y EL DISEÑO
A partir de los años 80, la tecnología transformó el diseño gráfico, afectado de 
forma irrevocable por el hardware y el software informáticos y el crecimiento 
explosivo de internet.
La revolución digital llegó al escritorio de los diseñadores gráficos porque durante 
la década de 1980, tres compañías introdujeron hardware y software muy 
poderosos a precios asequibles:
✓Apple Computer desarrolló el ordenador Macintosh (alias “Mac”) y aplicaciones 
de software para procesar texto, dibujar y pintar.
✓Adobe Systems inventó el lenguaje de programación PostScript, que es la base 
del software de maquetación de páginas y de tipografía generada 
electrónicamente.
✓Aldus creó PageMaker, una de las primeras aplicaciones de software que usaba 
PostScript para diseñar páginas en la pantalla del ordenador.
El diseño digital permite a los diseñadores hacer variaciones de sus trabajos y ver 
su resultado con inmediatez, concentrándose así en el trabajo creativo.
Hardware: conjunto de elementos físicos que constituyen un sistema informático, como, 
por ejemplo: un monitor, el ratón, el teclado o la memoria de almacenamiento.
30
Imagen extraída de Susan Kare31
LA REVOLUCIÓN TECNOLÓGICA EN EL DISEÑO GRÁFICO
Años 80
En 1983 y para demostrar al mundo que Macintosh era un ordenador pensado para 
las artes gráficas, la compañía Apple Computer fichó a la doctora en Bellas Artes 
de la Universidad de Nueva York, Susan Kare, para que diseñase tipografías e 
iconos para el nuevo sistema operativo. Aunque Kare se hizo más famosa por el
diseño de iconos como el de la tecla de comando 
de Apple (⌘), la papelera, etc., también fue 
pionera en la creación de tipografías digitales 
como “Chicago”, “Geneva”, “Mónaco” y muchas 
otras fuentes, formales y desenfadadas, que 
permitieron exhibir las potencialidades del “Mac”.
Años 90
En los años 90 el diseño gráfico ya se encuentra en todos los ámbitos de la vida 
diaria. Su demanda crece con la aparición de los vídeos musicales y con los 
créditos de películas y series, ya que se necesitaban múltiples recursos gráficos. 
La evolución del software se refleja en la aparición de las primeras versiones de 
herramientas de diseño gráfico.
Pero el mayor impacto tecnológico de la época llegó a mediados de los 90 con la 
aparición de las páginas web accesibles a través de Internet. Al inicio, las webs
tenían un diseño sencillo basado en textos, tablas 
y algunos enlaces a otros recursos. Posteriormente 
se incluyeron en las webs iconos, imágenes de 
fondo, piezas publicitarias gráficas, así como 
listados y menús para la organización de textos. A 
finales de esta década se incorporaba la imagen 
animada al diseño web.
31
Años 2000
En el nuevo milenio, y debido al acelerado 
crecimiento de Internet, surge la web 2.0 en la 
que el contenido de los sitios web es creado y 
compartido principalmente por los propios 
usuarios. Es la década del auge de las redes 
sociales, blogs, foros, etc. 
El diseño web, influenciado por el estilo de Apple, se transformó hacia un diseño 
digital minimalista, apostando por la simplicidad y claridad. Las herramientas de 
diseño, como las pantallas, también evolucionaron dando lugar a un aumento de la 
calidad en las imágenes. 
Años 2010
En la segunda década del siglo XXI, con la llegada de nuevos dispositivos como los 
smartphones, tablets, o los relojes inteligentes (smartwatches) se hizo necesario 
adaptar el diseño al tipo de pantalla para visualizarlo correctamente en todos los 
dispositivos. Es la década del responsive design o diseño adaptable. Esto influye en 
el diseño web dando lugar al diseño plano o flat design que mantiene la tendencia 
minimalista, usa colores puros, simplificación icónica y limita el peso de las 
imágenes, permitiendo que la adaptación a diferentes dispositivos sea más rápida y 
agradable para el consumidor.
Después de recorrer estas últimas cuatro décadas se puede observar cómo diseño 
gráfico y tecnología van de la mano. Y en el futuro, ¿qué pasará?
32
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
1.10. PREGUNTAS FRECUENTES 
• ¿Dónde se utiliza el diseño gráfico?
El diseño gráfico se puede encontrar en los logos de las empresas, diversos 
impresos como folletos, carteles, señales, tarjetas de felicitación, postales, 
tarjetas de visita, vallas publicitarias, anuncios, etc. Los avances tecnológicos 
han traído el entorno digital, con sitios web, anuncios en línea, folletos y 
presentaciones virtuales, videojuegos, etc.
• ¿Qué utilizan los diseñadores gráficos para crear estos diseños?
Los diseñadores gráficos pueden utilizar tanto diseños ilustrados a mano como 
diseños asistidos por ordenador gracias a una amplia gama de software con 
herramientas de diseño digital casi infinitas. La disponibilidad de programas 
como Adobe Illustrator y Photoshop se han convertido en elementos básicos del 
diseñador gráfico.
• ¿Es importante la creatividad en el diseño gráfico? 
El reto de todo diseñador es ser capaz, de manera constante, de llevar a cabo 
una producción novedosa y original, por lo que sí, la creatividad es importante. 
Y la creatividad es una habilidad que puede entrenarse. Existen métodos para 
despertarla y aplicarla al trabajo de diseño. Además de la creatividad, es muy 
importante la disciplina, un hábito de trabajo que se base en la constancia y la 
motivación repercutirá positivamente en el profesional del diseño gráfico.
33
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
REFERENCIAS
1 https://www.wikiart.org/es/william-morris/strawberry-thief-furnishing-fabric-1883
2 https://www.rawpixel.com/image/2466570/free-illustration-image-william-morris-black-and-white-calligraphy
3 https://www.rawpixel.com/image/2466998/free-illustration-image-william-
morris-vintage-pattern
4 https://www.rawpixel.com/image/2477758/free-illustration-image-pattern-
william-morris-art-nouveau
5 https://www.rawpixel.com/image/2462525/free-illustration-image-william-morris-
floral-flower
6 https://www.wikiart.org/es/theophile-alexandre-steinlen/tour-of-rodolphe-salis-
chat-noir-1896
7 https://uploads5.wikiart.org/images/henri-de-toulouse-lautrec/moulin-rouge-la-
goulue-1891.jpg!PinterestSmall.jpg
8 https://uploads2.wikiart.org/images/henri-de-toulouse-lautrec/jane-avril-
1893.jpg!PinterestSmall.jpg
9 https://uploads2.wikiart.org/images/henri-de-toulouse-lautrec/la-gitane-the-
gypsy-1899.jpg!PinterestSmall.jpg
10 https://www.wikiart.org/es/jules-cheret/pippermint-get-fr-res-1900
11 https://www.wikiart.org/es/jules-cheret/folies-berg-res-fleur-de-lotus-1893
12 https://www.wikiart.org/es/jules-cheret/th-tre-de-l-op-ra-carnaval-1896-grand-
veglione-de-gala-1896
13 https://www.rawpixel.com/image/2694520/free-illustration-image-alphonse-
mucha-art-nouveau-vintage
14 https://www.rawpixel.com/image/2694518/free-illustration-image-vintage-art-
painting
15 https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1656869
16 https://www.paulrand.design/work/Direction-Magazine.html#images-42
17 https://www.paulrand.design/work/Logos.html
18 https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Exodus_poster.jpg
19 https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Vertigomovie.jpg
1. HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO
REFERENCIAS (continuación)
20 https://www.wikiart.org/es/andy-warhol/marilyn
21 https://www.wikiart.org/es/andy-warhol/campbell-s-soup-can-onion
22 https://www.wikiart.org/es/andy-warhol/elvis-presley
23 https://www.wikiart.org/es/roy-lichtenstein/woman-in-bath-1963
24 https://www.wikiart.org/es/roy-lichtenstein/whaam-1963
25 https://www.wikiart.org/es/man-ray/untitled-the-three-graces
26 https://graffica.info/wp-content/uploads/2014/10/00-Jamie-Reid-British-
Design.png
27 https://culturacolectiva-cultura-colectiva-
prod.cdn.arcpublishing.com/resizer/UorvQZ6bVFSrOkW98CfPLnE5knk=/1024x768/f
ilters:format(jpg):quality(70)/cloudfront-us-east-
1.images.arcpublishing.com/culturacolectiva/K3VSFPBDIBFEBHU7NYSN7NXOSU.jpg
28 https://www.miltonglaser.com/
29 https://www.miltonglaser.com/
30 https://www.miltonglaser.com/
31 https://susankareilesdones.hotglue.me/
Fundación Accenture 
© Accenture. Todos los derechos reservados. Confidencial