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EL DISEÑO DE MODA 
COMO DISCIPLINA ARTÍSTICA.
UN ENFOQUE HACIA 
LA SOSTENIBILIDAD
MARÍA DEL MAR CARO MORIANA
GRADO EN BELLAS ARTES -UNIVERSIDAD DE SEVILLA-
CURSO 2020/2021
TÍTULO: EL DISEÑO DE MODA COMO DISCIPLINA ARTÍSTICA. 
UN ENFOQUE HACE LA SOSTENIBILIDAD.
AUTORA: MARIA DEL MAR CARO MORIANA
TUTORA: RAQUEL BARRIONUEVO PÉREZ
TRABAJO FIN DE GRADO 
GRADO EN BELLAS ARTES 
-UNIVERSIDAD DE SEVILLA-
CURSO 2020/2021
ÍNDICE
INTRODUCCIÓN
DESARROLLO TEÓRICO
INTERFERENCIAS ENTRE EL ARTE Y EL DISEÑO DE MODA: 
AUTORES Y REFERENTES
LA VINCULACIÓN DEL SER HUMANO CON LA NATURALEZA 
Y SU DESARROLLO EN EL ARTE
VÍNCULO ARMÓNICO Y AFECTIVO
VÍNCULO IRRESPETUOSO Y DESEQUILIBRADO
NUEVOS MATERIALES Y FORMAS DE PRODUCCIÓN EN EL 
DISEÑO DE MODA Y EL ARTE, EN CONSONANCIA CON LA 
SOSTENIBILIDAD
DOSSIER DE OBRAS
ESCULTURA CORPORAL I
ESCULTURA CORPORAL II
PROYECTO DE FOTOGRAFÍA
PROYECTO DE SERIGRAFÍA
PROYECTO DE CERÁMICA
UPCYCLING
INSERCIÓN LABORAL
CONCLUSIONES
BIBLIOGRAFÍA
ÍNDICE DE IMÁGENES
16
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Se resume aquí la derivación conceptual por la que se ha 
trascurrido a lo largo de la realización de este proyecto; y la temática de 
las obras realizadas a lo largo de estos cuatro años. Un paso por ciertas 
fusiones entre el arte y la moda, disciplinas que se han entrelazado 
en algunos momentos de la historia y que siguen haciéndolo hoy día. 
¿No es el arte una forma de hablar al mundo, una forma de causar 
sensaciones, de estremecer a quien lo contempla, de encender una 
chispa reflexiva? Es de esta manera como convergen tan fluidamente 
estas disciplinas, cuerpo y obra, artesanía y arte.
Y de la misma manera que se fusionan estas, la Naturaleza ha sido 
un tema que ha unido al ser humano con el arte. Quizás sea más 
necesario que nunca antes, hablar sobre este asunto, llegando a 
una nueva perspectiva hacia la biodiversidad, incluyéndola, aunque 
desde siempre ha estado presente, como parte del ser humano.
De alguna manera, deriva este interés del entorno en el que me he 
rodeado durante toda mi niñez y adolescencia, y donde me rodeo, 
de vez en cuando, actualmente. Mi hogar, un lugar abrazado por 
naturaleza, un ambiente rural y una constante labor vinculada a la 
costura. Sumergirme en esas telas, esas texturas, esos olores, eso 
tonos de la naturaleza, es lo que me ha impulsado hoy día, casi de 
manera innata, a comunicarme mediante la creatividad y la plasticidad 
de la naturaleza y la moda. Se trata simplemente de pensamientos 
que nacen dentro de mí y que soy incapaz de dejar adentro.
Con el anhelo de desplegar el deseo que ha estado en mí siempre, 
doy uno de los primeros pasos, uniendo esta pasión por el diseño 
de moda y el mundo artístico, con la realización de las obras que 
se desgranan posteriormente. Los procedimientos plásticos se 
entrelazan con el uso reiterativo del tejido como material, o la 
utilización de diversas técnicas que se fundamentan en la artesanía.
Como si de una súplica se tratase, nuestro hogar nos está anunciando a 
gritos que su vida se está acabando. La causa no es otra que las acciones 
del ser humano, que es incapaz de relacionarse en sintonía con el resto 
de seres vives que conviven en el planeta. Simplemente se trata de un 
reconocimiento y una aceptación de que sin la biodiversidad la vida de la 
Madre Tierra se destruye se trata de respetar el lugar donde se desarrolla 
la vida, la vida de cada individuo, y de cada ser vivo. Algo tan fundamental, 
íntimo, y que forma parte de todos nosotros no puede ser negado.
INTRODUCCIÓN
INTRODUCCIÓN
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Interferencias entre el arte y el diseño 
de moda: autores y referentes
El pintor modernista Gustav Klimt que retrató imágenes tan icónicas como El Beso en la 
que una túnica ornamentada cubre los cuerpos de aquella pareja, se inspiraba directamente 
en la diseñadora Emilie Flöge, su compañera.
 
Emilie fue una gran creativa en su tiempo, innovando con nuevas siluetas amplias y fluidas a 
partir de tejidos vaporosos, lo que denominó vestidos reforma. Estas túnicas eran utilizadas 
por el propio Klimt cuando pintaba sus cuadros. El pintor tenía un gran interés en el diseño 
y el estilismo de las mujeres que retrataba, por ello trabajaba mano a mano con Emilie po-
niendo los diseños de la diseñadora a sus modelos. Es el caso del vestido de flores bordadas 
de Mada Primavesi o el traje de Adele Bloch-Bauer en el famoso cuadro La dama de oro.
 
En la misma línea, Picasso trabajó para el Ballet Ruso de Sergei Diaghilev diseñando el 
vestuario. Conoció a una bailarina de esta compañía Olga Khokhlova cuando se desplazó 
a Roma en las últimas etapas de la Primera Guerra Mundial. Participó junto con Khokhlo-
va en el ballet de 1917, creado por el escritor francés Jean Cocteau. Los trajes que diseñó 
se caracterizaban por formas geométricas, c a las formas angulares de su estilo cubista.
Por otro lado, la diseñadora de los años 20 Elsa Schiaparelli es considerada una de las creadoras 
de moda más importantes de la historia. Schiap frecuentaba los cafés parisinos donde se reu-
nían los artistas vanguardistas de la época, influenciada allí por el futurismo italiano, cubismo y 
el fauvismo parisinos. En una época donde la moda se empezó a concebir como una obra de arte 
creó vestidos con estampados surrealistas, tocados con forma de zapato y joyería inspirada en 
elementos totalmente innovadores. Colaboró con Dalí en muchos de sus diseños representando 
algunos de sus dibujos o imaginando nuevos ideas combinando la creatividad de ambos genios.
 
Icónicas fueron algunas de las piezas que surgieron de esta unión como el vestido Tears 
1938 inspirado en la obra Tres mujeres surrealistas llevando en sus manos la piel de una 
orquesta 1936; el Sombrero con forma de zapato 1937-8 cuya referencia fue una foto 
que Gala, la mujer de Dalí, se tomó con un zapato en su cabeza. El vestido Skeleton crea-
do junto a Salvador Dalí en 1938. En 1937 creó el vestuario de la actriz Mae West en 
la película Every Day´s a Holiday. También retratada en el mundo del arte por Dalí.
 
La yuxtaposición entre el arte y la 
moda se ha ido dando a lo largo de la 
historia. Estas disciplinas artísticas logran 
converger exquisitamente resultando 
magníficas obras que combinan la creatividad 
presente en ambas y la funcionalidad más 
cotidiana que caracteriza a la indumentaria.
Según la revista Vanidad entre el arte y la moda 
siempre ha habido convergencias, “su relación 
llega hasta tal punto, que no podrían convivir 
hoy en día la una sin la otra”. Por ello podemos 
hacer un recorrido por algunas alianzas con 
las que nos han obsequiado el arte y la moda.
Figura 1. La dama de oro. (Gustav Klimt, ca. 1907) Figura 2. Póster de la exhibición del ballet ruso de 
Diaghilev. (Picasso, ca. 1929)
Figura 3. The Skeleton Dress. (Elsa Schicaparelli y 
Salvador Dalí, ca. 1938)
DESARROLLO TEÓRICO
DESARROLLO TEÓRICO
INTERFERENCIAS ENTRE EL ARTE Y EL DISEÑO DE MODA: 
AUTORES Y REFERENTES
12 13
Otro ejemplo a destacar sería Yves Saint Laurent, el cual creó en 1965 el célebre vestido 
inspirado en el cuadro de Mondrian. Para este diseñador el arte era toda una inspiración y fue 
un reflejo en sus creaciones. Confeccionó en un vestido simple, pero con muchos matices, la 
obra Composición II: composición con azul y rojo.
Por otra parte, dentro del mundo de la moda el diseñador es un profesional multidisciplinar que 
como creativo imagina un trabajo de confección y de elaboración de una prenda. Combina la 
estética y cultiva las siluetas y proporciones entrando así al ámbito artístico. Las características 
de esta disciplina se relacionan y aluden a las bellas artes, según Patricia Pardo comenta en su 
libro La Moda. Arte e influencia artística.
La diseñadora holandesa Iris Van Herpen, con la convicción de que la belleza está en la 
unión de varias disciplinas, combina las tecnologías con el proceso artesanal. Desarrolla 
obras espectaculares que se basan en el movimiento de los materiales alinteractuar con 
el cuerpo. A menudo se inspira en “materiales imposibles” como el agua. Ha presentado 
numerosas colaboraciones con artistas, tanto del campo de la arquitectura, como sería 
la compañía Benthem Crouwel Arquitects y Daniel Widrig en la colección Crystallization 
(2010), y Philip Beesley en la colección Voltage Haute Couture (Paris, 2013), como 
también, ha trabajado con otros artistas multidisciplinares, como es el caso de Neri Oxman 
y su equipo, con los que desarrollo un nuevo material para utilizar en la impresión 3D. 
Alexander McQueen, así mismo, fue otro de los hitos en la historia del diseño de moda. Con 
piezas expuestas en museos como el MET, cómo la perteneciente a la colección titulada 
No. 13, en la temporada 1999. Se trata de una pieza en la que analiza la relación entre el 
movimiento Art and Crafts del siglo XIX y su llamado “el filo duro de la tecnología de los 
textiles”. La obra, creada con madera de abedul, cuero y metal, se compone por diversas 
piezas de esta madera troquelada que recubren el cuerpo y se alzan en forma de alas sobre 
la espalda de la persona que lo porta. En esta misma colección, aparecía a su vez la icónica 
pieza del diseñador que, además, fue inspirada en la artista Rebecca Horn, concretamente en 
su obra Luna alta 1991. La pieza se complementaba con la acción, en la que la modelo giraba 
mientras dos máquinas industriales rociaban pintura verde y negra sobre el vestido blanco.
 
Aludiendo a las colaboraciones comentadas anteriormente, McQueen trabajó con el artista 
Damien Hirst en 2013. Celebrando su décimo aniversario el diseñador invitó a Hirts a realizar 
su nueva colección compuesta por 30 pañuelos, con una visión estética común, dónde se 
unen el diseño simétrico y la referencia al mundo natural Los diseños se inspiraron en la serie 
Entomología 2009-2012 de Hirst. En estas obras el artista utiliza insectos para crear imágenes 
con forma de caleidoscopio.
Figura 4. Alexander McQueen & Damien Hirst Scarf 
Collaboration. (Alexander McQueen y Damien Hirst, ca. 2013)
Figura 5. Crystallization. (Iris Van Herpen, ca. 2010)Figura 6. Ballet triádico. (Oskar Schlemmer, ca 1922)
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En esa línea, Nicola Costantino es una artista argentina multidisciplinar que pone el foco de en su 
desarrollo artístico en el cuerpo, haciendo referencias al consumo y a la moda. Una de sus series, 
Human Fuerriery, incorpora prendas realizadas con silicona que son similares a ciertas partes 
erógenas del cuerpo humano. Obras como Male Nipples Hermès Handbags, Kelly (2006), y Zapa-
tos de tacón altos de tetillas masculinas, (2000), pertenecen a esta serie. Quizás, este vínculo con 
la moda tiene su origen en la experiencia de haber trabajado con su madre en una fábrica textil.
 
Cabe mencionar que entre el arte y la moda se revela un conflicto inevitable. Los artistas 
están motivados por el anhelo de crear objetos o imágenes que trasciendan las querencias. 
Los diseñadores por su parte se definen por proyectos estacionales y depende del tráfico 
de la moda. “Cualquier intento de casar el arte con la moda está posiblemente destinado a 
desencadenar tensiones entre el anhelo de permanencia y la necesidad de transitoriedad” 
(Grovier, 2017). Según Grovier el arte contemporáneo que contempla las prioridades cam-
biantes de nuestro tiempo, adaptándose a lo efímero y perecedero hace posible que las 
colaboraciones entre creativos del mundo de la moda y el arte no sean tan polémicas.
Quizás nos encontremos en estos nuevos tiempos en la deriva hacia a la unión, como en 
otro tiempo existía, del arte y la artesanía, cuya brecha se enfatizó con la Revolución In-
dustrial (Larry Shiner, 2001) y que se ha extendido hacia el campo textil de la moda y la 
indumentaria. Es aquí, donde se estableció esta separación entre la moda y el arte, aún 
presente hoy día, siendo un tema disputado, como se ha mencionado anteriormente.
Uno de los movimientos artísticos que incluyó el diseño de vestuario como disciplina artística 
fue el establecido por La Bauhaus (1919-1938). Larry Shiner, en su libro La invención del 
arte, relata que esta escuela de diseño estaba dentro del movimiento de Art and crafts 
desarrollado en Gran Bretaña. La corriente comprendía dos vertientes: las artes decorativas de 
la arquitectura y la industria; y los estudios de artesanía. La escuela Bauhaus de arquitectura, 
arte y oficios creada por Walter Gropius, seguía la célebre frase de Louis Sullivan “La forma 
sigue a la función” 1890. Desarrollando diferentes campos creativos, impartían en sus 
clases talleres de tejidos dirigidos por el pintor Georg Muche, que fue nombrado profesor 
de formas. La técnica del tejido las enseñaba Helene Börner, que procedía de la escuela de 
artes y oficios. Los tejidos creados por Gunta Stölzl lograron un gran éxito en las competencias 
internacionales y se adquirieron para producirse de forma industrial. En el Ballet triádico del 
Oskar Schlemmer se desarrollaron diseños de vestuario basados en formas geométricas 
sencillas como el círculo, el cuadrado y el triángulo. Éstos, estaban confeccionadas con 
materiales con peso y rígidos tales como papel maché, tela acolchada, metal y pintura.
 
Siguiendo con esta línea desdibujada que separa el arte y la moda, muchos artistas en sus 
proyectos incluyen como parte esencial el vestuario. Es el caso de la artista alemana Rebecca 
Horn, conocida por sus performance y sus esculturas corporales con las que trabajó en la década 
de 1970. En 1972 realiza White Body Fan que forma parte de su primera performance y dónde 
explora el equilibrio entre el cuerpo y el espacio. Estas esculturas corporales, diseñadas por la 
artista, se conciben como extensiones de su cuerpo, siendo una parte esencial su carácter dinámico.
Figura 7. White Body. (Rebecca Horn, ca. 1972)
Figura 8. Male Nipples Hermès Handbags, Kelly serie
Human Furriery. (Nicola Costantino, ca. 2006)
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Vínculo armonioso y afectivo
El autor Josef Estermann, en su libro La filosofía andina 2006, llega a la conclusión 
de que “no se puede desintegrar el concepto de ser humano con la naturaleza, ambos 
son uno, de ahí que hacer daño a la naturaleza es hacerse daño a sí mismo” (Ávila 
Santamaría, 2011: 211). En el modelo de representación del pueblo andino se comprende 
a cada ser y a cada hecho como parte de diversas relaciones entre otros seres y coyunturas.
Pero esta filosofía de respeto hacia la naturaleza, casi de veneración, ya se daba en tiempos 
anteriores. Según Dorantes, existen tres tipos de conciencias en relación con la naturaleza 
a lo largo de la historia. Escribiendo, desde una perspectiva de género, contempla la 
conciencia matriarcal en la que no hay distancia entre el ser humano y la naturaleza, donde 
“la Naturaleza es omniabarcante y el ser humano muestra respeto hacia ella”; la conciencia 
patriarcal, en la que lo Masculino se sobrepone a lo Femenino, de modo que el medioambiente 
pasa a un lugar secundario siendo un mero objeto al servicio de los hombres. Por último, la 
conciencia emergente, que representa una nueva posibilidad de relación con la Naturaleza, 
superando “los márgenes delimitados por el orden patriarcal”. (Dorantes, 2016: 11)
 
Por otra parte, Eisler en sus investigaciones antropológicas, apunta la existencia de la sociedad 
matrilineal en nuestros primeros tiempos como humanidad. Esta primera etapa, representa la 
simbiosis con la madre, con la madre biológica, en el caso del individuo, y con la madre tierra, 
en el caso de las sociedades (Eisler, 1999).
Durante los años 70, y tras un trascurso por diversas décadas en las que la relación del ser 
humano con el resto de seres vivos se tornaba en una situación de sometimiento, se comenzó a 
poner sobre la mesa la cuestión ambiental a nivel internacional. Fue aquí donde se empezaron 
a plantear teorías que proponían que nuestro planeta está formado por una unión compleja. El 
químico James Lovelock, el cuál trabajó en la NASA, planteó la “Hipótesis Gaia”, esta proponeque La Tierra “comprende el suelo, los océanos, la atmósfera y la biosfera terrestre” y que “el 
conjunto constituye un sistema cibernético autoajustado por realimentación que se encarga 
de mantener en el planeta un entorno física y químicamente óptimo para la vida” (Lovelock, 
1985: 15). Por lo tanto, los seres humanos pertenecemos a esta unidad, somos parte de Gaia.
Según Javier Surasky y Guillermina Morosi la “dualidad ajenizante” quedaría disgregada. “El 
antropocentrismo heredado de la ciencia occidental cede ante un biocentrismo integrador 
que reconoce las heterogeneidades existentes entre las especies vivientes y al interior de los 
ecosistemas” (Surasky; Morosi, 2013: 7). Se abre así, el camino en la vía para el redescubrimiento 
de la Pachamama. El vocablo pacha se puede traducir como “cosmos interrelacionado” o 
“relacionalidad cósmica” (Estermann, 2008: 76). En la perspectiva hacía comprender la 
“Hipótesis Gaia” y el término Pachamama sería interesante tomar y tener en cuenta estos 
conocimientos, sin tomarlos con una verdad única, para incluir en nuestro conocimiento otro 
modo de observar la Naturaleza.
En el mundo artístico, muchos creadores utilizan la naturaleza como inspiración. Es una forma 
de venerar el entorno y tomarlo como referencia para crear proyectos artísticos, revelando, en 
ciertos aspectos, ese planteamiento primigenio.
En sus principios, el ser humano se 
relacionaba con el mundo de forma tolerante, 
se sentía parte de la naturaleza y encontraba 
su curso en la conexión con otros seres vivos. 
Así pues, esta relación tenía un carácter casi 
espiritual y de veneración hacia la naturaleza. 
Nuestro entorno era categorizado como sujeto, 
no existía una dominación del uno sobre el otro. 
Se concebía como una responsabilidad innata el 
cuidado de todo lo que rodeaba al ser humano. 
La vinculación del ser humano con la 
naturaleza y su desarrollo en el arte
LA VINCULACIÓN DEL SER HUMANO CON LA NATURALEZA 
Y SU DESARROLLO EN EL ARTE
VÍNCULO ARMÓNICO Y AFECTIVO
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Se abre aquí un debate en el que se plantea el carácter ecologista en movimientos como el 
mencionado anteriormente o el propio arte ecológico. Según el autor Fernando Arribas, en el libro 
Arte y ecología, esta categoría de arte ecológico argumenta que “sus obras son aquellas que, 
con un mínimo impacto ecológico y un reducido consumo de recursos energéticos y materiales, 
logran desvelar una cuestión ecológica o conmovernos de algún modo para transformar 
nuestros hábitos y creencias acerca de nuestra relación con la naturaleza” (Arribas, 2015: 209).
 
Artistas como el estadounidense Robert Smithson, estarían en un punto controversial 
en cuanto a la sensibilidad ecológica de su obra. Muchos de sus proyectos dejaron 
una huella de gran impacto medioambiental, a causa del requerimiento intensivo de 
energía y materiales. Aunque no había una intención de concienciación ecológica en el 
artista, al igual que ocurre con otros creadores que se engloban en esta corriente, según 
Fernando Arribas “su interés por los entornos no escénicos sirven de algún modo para 
generar una preocupación por el impacto de las acciones humanas en la naturaleza”.
 
Es concluyente que la evaluación ética del Land art necesita aislar cada caso y evaluarlo. Sin 
embargo, se puede decir que el arte que tiene un fin ecológico se “aproxima a la apreciación 
estética de la naturaleza”. 
Ana Mendieta, artista de origen cubano y 
exiliada a Estados Unidos, se fusiona en sus 
obras con el mundo natural; comprenden 
el espectáculo performativo, arte corporal, 
y la captura de la obra en una fotografía 
o una película. En su serie Siluetas 1973-
1980 esculpió figuras realizadas con 
elementos de la naturaleza como césped, 
flores, ramas y arcilla, casi como si se 
tratara de un rito. Son incorporados temas 
como la creación, la fe y la feminidad.
 
Por otra parte, artistas como Andy 
Goldsworthy, pertenecientes al Land Art, 
también tenían esta intención de incluir el 
medio natural en su obra, como forma de huir 
del carácter comercial del arte y escaparse 
de las galerías y museos. Sitúan el medio 
natural como lugar de creación y reinterpreta 
estos espacios a partir de la geometría 
natural, integrando materiales autóctonos. 
Sus obras efímeras participan de los propios 
tiempos y sistemas de la naturaleza, a partir 
de su ciclo vital. Éstas, nacen y mueren 
en el propio medio siendo registradas 
solamente a través de la fotografía.
 
Las obras de Goldsworthy se engloban dentro del 
Land art, el cual desde los años 60, 70, se asocia 
con el vínculo ser humano-naturaleza; y a su vez, 
con la filosofía considerada “ecologista”. Sin 
embargo, examinando la denominación de esta 
corriente artística no tiene por qué desarrollar 
esta dimensión ética. De hecho, algunas de las 
obras que se engloban en esta corriente usan 
la naturaleza como un “simple medio para 
lograr un fin artístico sin que el proceso de 
producción o el resultado final guarden relación 
alguna con la ecología”. (Arribas, 2015: 192).
 
Figura 9: Serie Siluetas. (Ana Mendieta, ca. 1982) 
Figura 10: Touching North. (Andy Goldsworthy, ca.1989)
20 21
Vínculo irrespetuoso y desequilibrado
Esta idea se va asentado desde la necesidad del ser humano de sobrevivir como especie, 
para ello transforma el medio natural y lo adapta a sus necesidades. Sin embargo, cada vez 
existen un mayor número de desajustes, abusos y cambios definitivos en nuestro entorno, que 
encienden nuestras alarmas y nos alertan sobre la necesidad de adoptar nuevas formas en 
nuestro estilo de vida para poder preservar el lugar donde vivimos: La Tierra, nuestra fuente de 
vida y energía (Raquejo, 2015: 8). El ser humano requiere de la naturaleza tanto de su función de 
recurso como de la obligación de preservar y cuidar su entorno en fin de su propia supervivencia.
 
Actualmente y en una sociedad basada en la acumulación de bienes y en la producción, la 
relación entre el ser humano y su entorno se reduce a un sometimiento por parte del pri-
mero hacia el segundo, pasando a ser una parte esencial de cualquier régimen económi-
co de nuestro planeta. René Descartes afirmó que los animales eran “máquinas” apro-
piables por el ser humano en tanto que carecían de alma (Zaffaroni, 2012: 32 y ss).
 
Esta necesidad de conocer la naturaleza y utilizarla según nuestras necesidades, hizo que 
se ampliara el conocimiento y hubiera un gran interés científico sobre esta. Según Martínez 
(2011:15), la visión que estudiaba Charles Darwin en su libro El origen de las especies por 
medio de la selección natural (1859), se desfasa bastante actualmente. En él planteó la teo-
ría de la evolución en base a que la selección natural y la evolución de las especies se debe 
a “la perseverancia de las razas preferidas en la lucha por la vida”. Nuestra visión occidental 
posiciona a la naturaleza en un carácter rival pero, hemos podido observar que, solo con la coo-
peración con la Naturaleza, la forma de vida tal y como la conocemos actualmente perdurará.
 
La concepción que tenemos actual-
mente de la naturaleza, es la de materia 
prima, concibiéndose simplemente como 
un recurso para abastecer al ser humano. 
Figura 11: Huellas. (Fina Miralles, ca. 1976)
22 23
En la década de los 70 los cambios que se estaban efectuando en el mundo posicionaron la 
cuestión medioambiental a nivel internacional. Artistas como Fina Miralles, plasmaron en su 
obra todas estas transformaciones que se estaban dando en el mundo del arte en relación con 
la reflexión ecológica. Esta artista española, creó obras en las que hablaba de la situación que 
llevamos arrastrando desde que denominamos a la naturaleza como objeto. En Huellas, realiza 
con un conjunto de artistas una acción en las calles de Barcelona. En sus zapatos llevaba su nombre 
y dejaba esta huella en las calles. Habla de la perseverancia que siempre ha tenido el ser humano 
por poseer todo a su alrededor, “Mi mujer, Mi hijo… para reafirmar que son nuestros, la propiedadde…”. Al igual que ha sometido cualquier cosa a su alrededor también lo ha hecho con la naturaleza.
Fina extrajo elementos de ciertos entornos y los puso en otros totalmente diferente 
e inconexos con la naturaleza de cada elemento. Es el caso de sus obras Dunas e Hierba 
flotando en el mar, “cada elemento tiene una relación, una concordancia, con el sitio 
donde está y con todo lo que le rodea, y eso es lo fantástico”. El exceso de consumo de los 
recursos, la globalización y pérdida del ecosistema de las especies altera todo el equilibrio 
que existe en la vida de nuestro planeta “todo tiene que ver con todo, no es casual, nada 
es casual, la vida no deja nada al azar” comentó Fina para Metrópolis en el documental 
de 2021. Es lo que deriva en el desequilibrio actual en relación con nuestro entorno. 
Esta relación que tenemos con nuestro entorno desemboca en terribles consecuencias en el 
cambio climático y la crisis medioambiental. En este sentido, la artista Tania Kovats abarca en 
su exposición individual The Fruitmarket Gallery (Edimburgo, 2014), esculturas y dibujos que 
indagan su preocupación por el mar. Realizó una colección de cien aguas de ríos diferentes de todo 
Reino Unido, alojados en un lugar para albergar especialmente estos botes en Escocia. También, 
en su obra All the Sea, realizada en colaboración con la galería mencionada anteriormente, 
recolecto agua de mar a través de una red global movilizada mediante las redes sociales.
Figura 12: All the Sea. (Tania Kovats, ca. 2012-14)
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Nuevos materiales y formas de produc-
ción en el diseño de moda y el arte, en 
consonancia con la sostenibilidad
Ya en los años 20, Picasso creó obras con materiales y objetos reciclados, denominándolos 
objet trouvé. Ejemplo de ello, es la pieza Petite fille sautant à la corde (1950). Duchamp, 
por su parte, acuño el término readymade para hacer referencia a esta práctica. Una de sus 
obras fue Bottle Rack (1914). El Arte Póvera también lo utilizó con artistas como Pistoletto 
y su Venus of the Rags, de la que realizo varias versiones entre 1967 y 1974. También los 
dadaístas como el artista Kurt Schiwitters con sus collages a los que denominó Merz.
Desde el año 2001, en España, existe el colectivo Basurama, que nace en la Escuela de Arquitectura 
de Madrid, destinado a la investigación, creación y producción cultural y medioambiental. Se 
centra en el estudio y la actuación en los procesos de producción y la generación de desechos, 
además de materializar las posibilidades creativas que nacen de estas circunstancias. Basurama 
ha realizado más de 100 proyectos en cuatro continentes, en los que se han desarrollado tanto las 
artes visuales como todo tipo de talleres, ponencias, conciertos, proyecciones y publicaciones.
 
Por otra parte, en 1995 surge en Barcelona el Drap-Art festival, el cual se ha extendido durante 
años a nivel internacional por países como Argentina, Grecia, EE.UU, Italia, Alema y Japón, 
entre otros. Genera una campaña que nos induce a reducir, reutilizar y reciclar. La edición de 
2015 fue encabezada por artistas como Mariscal, Antúnez o Pichler. La directora del programa 
en Barcelona, Tanja Grass, afirmó en 2015, en una entrevista para Sergio Collado, en El diario: 
“este año destacan artistas que considero pioneros en temas de reciclaje como Ángel Orensanz, 
Marcellí Antúnez –con La Fura dels Baus trabajó mucho con residuos y espacios en desuso– y Javier 
Mariscal, que en los 80 realizó una exposición fantástica en Vinçon con materiales reciclados”.
Provenientes de movimientos anterio-
res, las prácticas de arte sostenible, conce-
bidas actualmente como arte ecológico, co-
menzaron en la década de los años 60 y 70, 
tal y como hemos desarrollado en los puntos 
anteriores, y se sustentan en las definiciones 
científicas de ecología y sostenibilidad. La sos-
tenibilidad se define como la preservación de 
la vida a través de un equilibrio ecológico. Un 
sistema sostenible es aquel que tiene un ciclo 
cerrado en el que los recursos que se extraen 
se vuelven a incorporar de alguna manera, 
así lo define Brown Sass en su libro Eco Fas-
hion en 2010. La ecología, según la define la 
RAE, es la ciencia que estudia los seres vivos 
como habitantes de un medio, y las relaciones 
que mantienen entre sí y con el propio medio.
Figura 13: Bottle Rack. (Marcel Duchamp, ca. 1914) Figura 14: Venus of the Rags. (Michaelangelo Pistoletto,
ca. 1967-74)
NUEVOS MATERIALES Y FORMAS DE PRODUCCIÓN EN EL 
DISEÑO DE MODA Y EL ARTE, EN CONSONANCIA CON LA 
SOSTENIBILIDAD
26 27
Al igual que en la pieza anteriormente comentada, Oxman colaboró con la diseñadora Iris Van 
Herpen, antes mencionada, en la creación de sus propuestas realizadas mediante la impresión 
3D. Cooperando con la arquitecta austriaca Julia Koerner presentó su colección en la Fashion 
Week de 2013 en París. Dos de las piezas, una falda y una capa, fueron realizados con el 
novedoso procedimiento del especialista en impresión Stratasys y la compañía belga Materialise.
Por su parte, Olafur Eliasson, haciendo uso de igual manera de materias orgánicas, combina 
a menudo la naturaleza con sus proyectos creativos. Los elementos de nuestros entornos 
son los ejes centrales de su obra. Con un gran interés por conectar al público con su obra 
creando experiencias, plantea que “generar conciencia colectiva implica hacer a la persona 
partícipe del producto” (Eliasson, 2020). Dos de sus obras más significativas son Green 
river 1998 y Ice Watch 2014. En Green river, vertió desde 1998 hasta 2001 un tinte soluble, 
uranina, en las aguas de ríos que cruzaban entornos urbanos y rurales. Entre las ciudades: 
Bremen (Alemania), Moss (Noruega), La ruta norte de Fjallabak (Islandia), Los Ángeles (EE. 
UU.), Estocolmo (Suecia) y Tokio (Japón). Actuando de diferentes formas en cada lugar, 
esta intervención supuso que los habitantes de las ciudades conectaran con su entorno.
El proyecto Ice Watch fue otra intervención en diversos espacios públicos. Fueron instalados 
doce grandes bloques de hielo que se desprendieron de la capa de hielo de Groenlandia. 
Éstos, se trasladaron a diferentes entornos, en fechas claves, para señalar el Quinto Informe 
de Evaluación del IPCC de la ONU sobre el Cambio Climático. Desde el 26 al 29 de octubre 
de 2014 en a Copenhague, en la Plaza del Ayuntamiento. En París fue instalado en la Place 
du Panthéon desde el 3 al 13 de diciembre de 2015 por la Conferencia de Naciones Unidas 
sobre el clima COP21. Por último desde 11 de diciembre de 2018 al 2 de enero de 2019 la 
obra fue expuesta en la sede de Bloomberg y frente al Tate Modern en Londres. Con esta 
operación Eliasson acerca la problemática del deshielo a nuestro entorno más cotidiano. El 
público podía ver como algo tan importante como los glaciares, se disolvían ante sus ojos.
Asimismo, en las últimas décadas, la sostenibilidad se ha abierto camino en las prácticas que 
utilizan los materiales más punteros a nivel tecnológico y de innovación, combinándose, en 
muchas ocasiones, con proyectos científicos que pretenden incentivar estas causas y, a su vez, 
unirse con el arte.
Neri Oxman, arquitecta israelí profesora en el MIT Media Lab de EE.UU, que dirige el grupo 
Mediated Matter, inauguró en 2020 la exposición Marerial Ecology en el MOMA. En esta 
muestra, se une el trabajo de investigación de casi 20 años, en el cual se cohesionan los 
desarrollos tecnológicos del diseño computacional, la biología sintética y la impresión 3D, a 
través de siete proyectos clave. Trabaja con un gran equipo que comprende tanto científicos e 
ingenieros como especialistas en técnicas artísticas. Uno de sus proyectos más ambiciosos es 
el Silk Pavilion, “el proyecto tiene como objetivo explorar cómo se pueden combinar las técnicas 
de fabricación digital y biológica para producir estructuras arquitectónicas” (Howarth, 2013). 
Teniendo como base una cúpula creada por paneles metálicos poligonales, sobre los que un 
brazo robótico depositó fibra de seda, se distribuyeron6500 gusanos de seda vivos. Los gusanos 
tejían la seda para completar la estructura. Gracias a un análisis previo del comportamiento de 
éstos, se pudo programar al brazo robótico para crear la estructura. Además, los gusanos, se 
convierten en polillas tras pasar todo el proceso de creación, dejando tantos huevos como para 
producir 250 pabellones. Oxman comentó a la reportera Bridget Cogley en la revista Dezeen 
(2020): “Esto es significativo y esperamos que pueda inspirar prácticas de sericultura más 
sostenibles en el futuro asociadas no solo con los gusanos de seda sino con otros organismos 
cuyos ‘bienes’ están siendo explotados por los humanos, como las abejas y su miel”.
La obra Wanderes se compone por cuatro “pieles portátiles” realizadas con impresión 3D. 
Las piezas contienen tubos huecos donde se deposita un líquido luminiscente bacteriano. Está 
diseñada para favorecer procesos biológicos sintéticos que puedan generar energía a partir de 
luz y que se transfiriera al individuo que lleva la prenda. “Esta es la primera vez que se utiliza la 
tecnología de impresión 3D para producir una prenda de vestir fotosintética con canales internos 
huecos diseñados para albergar microorganismos”, afirma la artista en el artículo Neri Oxman 
3D prints “photosynthetic wearable” to host living organisms, de la revista Dezeen en 2015.
Figura 15: Neri Oxman: Material Ecology. (Neri Oxman, ca.2020)
Figura 16: Mercury’s Wanderer. (Neri Oxman, ca. 2014)
Figura 17: Ice Watch. (Olafur Eliasson, ca. 2015)
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Continuando con otros métodos sostenibles, actualmente existen diversas prácticas 
que conllevan la reutilización de desechos, o artículos que ya han sido usados, y que 
se denomina como Upcycling. Una práctica que se ha difundido con este nombre en el 
mundo de la moda y acuñado de diversas maneras en el arte, una de ellas “Upcycled 
art”. Finalmente tienen el mismo objetivo, darles una segunda vida a objetos ya usados.
Con respecto a la moda, la técnica del Up cycling, liderada entre otros, por el diseñador Martin 
Margiela, consiste en la reutilización de materiales, prendas ya existentes para crear un producto 
nuevo. Desde sus inicios en 1988, la Maison Martin Margiela se ha caracterizado por el uso de 
prendas vintage y objetos encontrados, hasta el punto que se ha convertido en la firma de la 
casa. En sus colecciones Artisanal, que en 2012 recibieron el título oficial de Alta Costura por 
la Fédération Française de la Couture, diseñaba piezas con guantes de cuero (2001), una capa 
hecha de gorros de lana (2004), chaquetas con cinturones de cuero reciclado y sandalias (2006), 
entre otras ingeniosas obras. Hoy día, la firma dirigida por John Galliano sigue el mismo cauce 
de estas colecciones. En Recicla desarrolla el concepto ya planteado por Margiela en 1994.
Por otra parte, en este mundo es conocida la británica Vivienne Westwood por su lucha activista 
por la ecología y la sostenibilidad. La diseñadora, ícono del punk, comenzó a crear en 1970 con 
su tienda en el 430 de King’s Road en Londres. Tanto en sus colecciones como en sus desfiles la 
diseñadora aboga por el activismo positivo, pero no solo aquí aplica su discurso revolucionario 
sino que lo ha defendido en multitud de ocasiones a lo largo de los años, trabajando con 
Environmental Justice Foundation , Friends of the Earth , Greenpeace y las Naciones Unidas, 
adoptando una postura en temas como el fracking. En una entrevista con El País (2017), Vivienne 
Westwood comentó: “Uso la moda a favor de mi activismo y el activismo me permite no tener 
que estar hablando de ropa todo el tiempo”. En la página oficial de la firma se recogen un gran 
manifiesto subrayando el compromiso que tienen con el medioambiente mediante la moda, 
certificados de tejidos, la reducción de sus colecciones, la artesanía de su producción, etc.
Igualmente, el artista argentino Tomás Saraceno también profundiza en nuestra comprensión 
de la equidad ambiental y la convivencia entre especies. Se interesa por trabajar con seres 
vivos en sus obras, 7000 arañas han creado en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires 
un proyecto que forma parte de su exposición Cómo atrapar el universo en una telaraña. 
La obra consiste en un “laberinto de hilos de seda”, creado en colaboración con su equipo 
y el Museo Argentino de Ciencias Naturales, construidos por estos arácnidos sobre una 
estructura arquitectónica diseñada por el artista y que jugaba con los contrastes de luz. Las 
telarañas crean formas heterogéneas uniendo diseños circulares, estructuras alargadas, 
incluso hay lugares donde una sola línea, creada por estas arañas, atraviesa la sala.
Figura 18: Como atrapar el universo en una telaraña.
(Tomás Saraceno, ca. 2017)
Figura 19: Baseball Glove Dress. (Maison Martin 
Margiela,ca. 2012)
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DOSSIER DE OBRAS
Completando la información por la que 
hemos navegado en la redacción de este 
escrito, se presentan ahora una serie de obras 
cuyo concepto se ha desarrollado a partir 
de las ideas planteadas a lo largo del marco 
teórico. Cada pieza elaborada con técnicas 
diversas interpreta de manera diferente el 
planteamiento metafórico, con anhelo de una 
simbiosis entre el ser humano y la naturaleza. 
De la misma manera, se conecta con el 
mundo de la moda a través del concepto de 
esculturas corporales. Inspirado por la artista 
visual alemana Rebecca Horn en cuyas obras 
hacía uso de piezas, extensiones de su cuerpo, 
con las que interactuaba con su entorno.
 
Una forma alegórica de la idea de volver a formar 
parte de la naturaleza, a partir de “portarla”, 
fundirnos con la naturaleza a través de trajes 
que se inspiran en esta y que convierten al 
cuerpo humano en un hibrido entre estos dos 
seres vivos convivientes. Por otra parte, existe 
la influencia de la Naturaleza, como una forma 
de veneración, contemplación e inspiración, 
una forma de conectarnos de nuevo con esta.
DOSSIER DE OBRAS
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Escultura corporal I se inspira en las geometrías de la naturaleza para dar vida 
a una gran diversidad de texturas con diferentes volúmenes, que van desde el relieve 
hasta el cuerpo más tridimensional. Observando las imágenes del libro The Pattern 
book: fractals, art and nature (1995) del autor Clifford A Pickover, y al igual que el artista 
inglés Andy Goldsworthy reinterpretaba en sus obras su entorno, en base a la geometría 
natural, se abstraen patrones que se registran en la naturaleza y que forman parte de 
la composición de la pieza. Es una escultura corporal, comprendiendo esta como una 
prenda contemplativa o una obra portable, cuyo soporte es el propio cuerpo humano.
 
De la misma manera que la artista portuguesa Joana Vasconcelos teje monumentales 
esculturas, como Brancura (2019), con múltiples texturas y acabados, este trabajo está 
realizado mediante la elaboración de minuciosos fragmentos de materiales que van desde 
el papel pinocho, el macramé, y diversas variantes de tejidos. Todos ellos, están elaborados 
a máquina y cosidos a mano a la pieza base, al igual que los volantes que inundan la parte 
delantera de la prenda creando una forma circular. Se puede diferenciar así una composición 
en la que la parte delantera acoge un gran volumen que va disminuyendo en su parte posterior.
 
El cuerpo base y las telas usadas en algunos de los relieves son materiales reutilizados 
pertenecientes a antiguos sobrantes de confección por parte de familiares.
Figura 21: Escultura corporal I. (María del Mar Caro
Moriana, ca. 2021)
Escultura corporal I
Figura 20: Escultura corporal I. (María del Mar Caro
Moriana, ca. 2021)
ESCULTURA CORPORAL I
Escultura Corporal I 
Escultura corporal. Confección con telas y papel
120 cm x 90 cm x 50 cm
2021
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Realizada mediante un proceso artesanal esta obra aúna varías técnicas componiendo 
una pieza multifuncional.
 
Como si formara parte de la colección AW2015 Haute Couture de los diseñadores de alta costura 
Viktor & Rolf, la obra se introduce en una actuación performática en la que sepresenta tanto de 
una manera tradicional, colgada sobre una pared, como se adapta al cuerpo transformándose 
en una prenda.
 
La realización de la obra se ha tomado desde una perspectiva artesanal y lenta. En 
primer lugar, la loneta que actúa como soporte ha sido teñida experimentando con tintes 
naturales, extraídos de diferentes elementos orgánicos como los arándanos, la piel de 
cebolla, la col lombarda o el café. Sobre estas manchas aplicadas con esponja y con la 
técnica japonesa del shibory, que consiste en hacer nudos, se han estampado las propias 
huellas de naturalezas muertas al aplicar acrílico sobre estás y utilizarlas a modo de matriz.
Por último, la pieza ha sido bordada a mano minuciosamente con pequeñas líneas que 
rodean las grandes manchas creadas con la estampación de plantas. Se ha añadido 
al manto, por su parte posterior, unas cintas que hacen de canal para introducir 
siete cuerdas, que dan la posibilidad de fruncir la tela y acomodarla sobre el cuerpo.
Figura 23: Escultura corporal II. (María del Mar Caro
Moriana, ca. 2021)
Escultura corporal II
Figura 22: Escultura corporal II. (María del Mar Caro
Moriana, ca. 2021)
ESCULTURA CORPORAL II
Escultura Corporal II 
Telar multifuncional. Estampación , bordado y 
confección en acrílico sobre tela , hilo y cuerda 
146 cm x 114 cm
2021
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Inspirada por el proceso fotográfico que llevo a cabo Anna Atkins en su libro 
Fotografías de las algas británicas: Impresiones Cianotipos, publicado en 1843, esta 
obra combina el proceso analógico con el digital. Elaborada mediante la técnica 
de la Cianotipia que se realiza a partir de una solución fotosensible; se han creado, 
sobre papel, seis composiciones con plantas recolectadas en entornos cotidianos.
 
Estas imágenes analógicas se han digitalizado y se han proyectado sobre el cuerpo de una 
modelo, aludiendo a la simbiosis entre naturaleza y ser humano.
La exposición de esta pieza se compone tanto de los cianotipos como de diversas imágenes 
extraídas de la sesión realizada con el proyector.
Figura 24: Grabados en la piel. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021)
Figura 25: Infografía Grabados en la piel. (María del Mar 
Caro Moriana, ca. 2021)
Grabados en la piel
PROYECTO DE FOTOGRAFÍA
Proyecto fotográfico
Instalación. Imagen digital, cianotipia y proyección
Dimensiones variables
2021
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Esta obra cuyo diseño está compuesto por un estampado realizado con iconos florales, 
se compone, in situ, durante la propia creación de la pieza. Superponiendo las líneas de los 
elementos e inundando esta tela translúcida se crea una trama, que tras dar forma al soporte 
se deja de reconocer a simple vista.
Finalmente se presenta como una forma orgánica que se suspende en el aire desde el techo. 
Figura 26: Huellas. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021)
Figura 27: Huellas. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021)
Huellas
PROYECTO DE SERIGRAFÍA
Huellas
Pieza multifuncional, escultura y telar. Serigrafía
90 cm x 50 cm x 30 cm
2021
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El proyecto titulado Líneas en la Naturaleza abstrae las formas naturales de nuestro 
entorno, de las aguas más profundas y su biodiversidad.
Basándose en las formas geométricas de la flora marina, se crea una composición que toma 
como referencia directa las líneas de los corales tubulares. Con diversas texturas creadas con 
cristales reciclados, y sus formas orgánicas se intuye la luz y las líneas de un paisaje marino.
Figura 28: Líneas en la Naturaleza. (María del Mar Caro Moriana, ca. 2021)
Líneas en la Naturaleza
PROYECTO DE CERÁMICA
Líneas en la Naturaleza
Conjunto cerámico. Bajo cubierta, esmaltado y cristales
70 cm x 30 cm
2021
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Tela metálica creando pliegues, alambres como estructura y cordones reutilizados 
como acabado, forman esta prenda inspirada en el diseñador Martin Margiela. El 
diseñador belga, con obras como el bolso 5AC, generado con restos de cuero de otras 
fábricas, es pionero en el Upcycling –como hemos desarrollado anteriormente-. Consiste 
en reciclar y mejorar piezas y materiales que ya han sido usados para alargar su vida.
 
Se hace uso de nuevos materiales muy vinculados con la escultura y no tan familiarizados 
con el diseño, para reflexionar sobre la reutilización e incorporación de diferentes recursos en 
ambos campos de la creación. 
Figura 29: Up00 (María del Mar Caro Moriana, ca. 2017)
Up00
Figura 30: Up00 (María del Mar Caro Moriana, ca. 2017)
UPCYCLING
Up00
Construcción. Tela metálica, alambre y lazo
90 cm x 50 cm
2017
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INSERCIÓN LABORAL
M: ¿Cuál es tu formación y tu experiencia laboral con respecto a la moda y el arte?
S: Soy graduada en bellas artes y diplomada en diseño de moda. Aparte, realicé muchos cursos 
de especialización en diseño de calzado, artesanía textil, alta costura, vestuario de cine, televisión 
y teatro, sastrería, planificación y control de producción. Mi experiencia fundamental ha sido en 
el campo del estilismo, la organización de eventos de moda y la docencia en los últimos años.
El estilismo está íntimamente ligado con el arte, dada su creatividad y su vinculación 
intrínseca, tanto en la práctica o ejecución como en fuentes de inspiración y forma de 
sentir. En los años que tuve marca, siempre hubo estampaciones, volúmenes, dibujos 
a ordenador o a mano, complementos, color… Elementos que también existen en los 
estudios de bellas artes, aunque quizás con un enfoque más conceptual. En cuanto a 
mi faceta en contenidos artísticos con eventos de moda y arte, y trabajar siempre con 
diseñadores emergentes, es justo ahí donde se encuentra la búsqueda de la creatividad. 
M: ¿Porque decidiste cursar el grado de bellas artes y enlazarlo con el mundo de la moda?
S: Decidí realizar bellas artes porque cuando estudié moda no existían estudios oficiales sobre 
esta materia, aunque hoy día es un grado al igual que bellas artes. Puesto que ya llevaba varios 
años impartiendo docencia en la universidad y viviendo el cambio a grado, era un buen momento 
y motivo para poner al día la titulación, así como desarrollar una vocación de toda la vida.
M: ¿Qué perspectiva te ha dado esta carrera?
S: La carrera me ha posibilitado tener la titulación en regla, abrirme un mundo al que me 
siento pertenecer, el del arte y una forma más profesional o académica de trasmitir mis ideas. 
También desarrollar la parte que tiene en común con la moda y la que más me gusta. No hay que 
olvidar que la ropa está para llevarse puesta, con toda la parte de ventas, gestión o marketing, 
con un peso enorme dentro de la firma. Sin estos elementos la parte creativa no puede existir. 
El arte me ha hecho poder seguir en el universo de la moda sin la parte comercial de la moda.
M: ¿Qué aprendizajes has adquirido del mundo de la moda que puedan complementar tu 
formación en bellas artes?
S: La escultura, el volumen, la visión espacial, los materiales, etcétera son comunes, de ahí que 
tantos arquitectos se pasen a la moda. Les puede fallar una construcción de prenda hecha para 
el cuerpo y puede que se vayan a algo más para mostrar en una galería que para llevar puesto 
sin que sea su intención. En mi caso, es una intención desde el primer momento. Cuando vuelva 
a hacer ropa me gustaría que fueran piezas únicas, para llevar puestas, recicladas 100%. No 
podemos seguir con este nivel de consumismo. Hacer más ropa comercial sería seguir el juego.
A continuación, y con el objetivo de 
esclarecer las cuestiones que se me plantean de 
cara a finalizar el grado universitario y vislumbrar 
mi siguiente paso en mi futuro profesional, 
presento una entrevista realizada a la ex alumna 
de la facultad de Bellas Artes, Sofía Clari.
 
Su trabajo de fin de grado ha sido una 
gran fuente referencial para mi propia 
investigación, y sus consejos y valoración de 
la situación, de gran ayuda, dado mi interés 
en continuar mi aprendizaje dentro del 
mundo de la moda y ver las posibilidades de 
desarrollo creativo que se ofrecen. Gracias 
a su amplia experiencia trabajando en el 
sectory por la formación que tiene en este 
campo, ha supuesto para mí una orientación 
en la elección de mis próximos estudios.
INSERCIÓN LABORAL
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M: ¿En qué sector de la vida laboral crees que se acogerían interferencias entre el arte y la 
industria textil?
S: La ilustración pertenece tanto al arte como a la industria textil, a mano o con 
programas como illustrator o procreated. Todo el proceso creativo, podría decir. El 
comisariado existe en ambas partes; en una son desfiles o eventos de moda y en 
otras exposiciones, con fórmulas parecidas. Ambas, necesitan movimiento en redes, y 
ambas necesitan una parte técnica-práctica de ejecución, con una serie de materiales. 
Por otro lado, el arte trabaja en gran medida con “telas de lienzo”.
La moda necesita ser fotografiada, función que podría pertenecer a ambas disciplinas, ya que 
hay fotógrafos de moda que estudiaron moda, otros bellas artes, como estudios más comunes 
para esta profesión.
 
M: ¿Cómo enfocas tus proyectos para alcanzar esa fusión?
S: Mis proyectos los enfoco desde mi pasión por una imagen de moda, desarrollada durante 
años trabajando como estilista y diseñadora de moda. Más preocupada por la imagen y el 
mensaje que por la parte comercial.
En este sentido, el crear una obra desde la pasión ya lleva una fusión inevitable sencillamente 
porque mi vida está compuesta por ambas disciplinas.
Para mí, la creación de estilismos o de una prenda determinada no es diferente de una 
obra, ni siquiera si fuera hecha para llevarse puesta, porque se trataría de una pieza 
única, realizada con los mismos procedimientos. Otra cosa es el pret-a-porter, prendas 
diseñadas para su comodidad y para ser llevadas sobre el cuerpo como objetivo.
M: ¿Cuál es el transcurso de tu obra desde la parte proyectual a la creación real? ¿En qué te 
inspiras y cuáles son tus referentes?
S: Desde el proyecto hasta la obra hay un proceso de concepción que debe pasar varios 
filtros aunque el primero será la pasión. El proyecto surge con un fin y un sentir personal y 
social. En mi caso, sí utilizo el arte-moda como un fin para expresarme y compartir mis ideas, 
preocupaciones o alegrías. Tales como la salud del planeta o del propio ser humano a través de 
sus emociones, que pueden resultar tan tóxicas como la propia contaminación, el nuevo papel 
de la mujer en nuestros días, el amor, la investigación sostenible de materiales. A partir de este 
entusiasmo y visualización del proyecto hay que darle forma y planificarlo en el tiempo, una vez 
hay un cauce social asignado, un fin o un porqué claro y contundente para esa obra o proyecto.
 Estos temas, es decir, la propia vida y el día a día son mis fuentes de inspiración. Valga decir 
que mi día a día es la búsqueda de diseñadores emergentes o nuevas fórmulas para estimular 
la creatividad donde mis trabajos de talent scount o docente hacen su función. También he de 
estar al día de las propuestas de tendencias y pasarelas internacionales.
M: ¿Qué aprendizajes de la formación en moda crees que son necesarios y complementarios 
para el arte, teniendo en cuenta la perspectiva que mencionamos de enlace entre la industria 
textil y el arte? 
S: Hay muchos diseñadores que han hecho bellas artes, como Anna Locking. Ahora ha hecho 
una exposición en Madrid (Fire talk with me, Espacio Centro Madrid 2021). Anna Locking hacía 
complementos, que si tienen que ver un poco más con escultura y por demanda pasó a hacer ropa.
 
Me parece que es un camino gradual y esto es muy importante, por propia experiencia de 
haberme lanzado a una marca muy grande. ¿Entonces es necesario? No, probablemente tengas 
poco tiempo y deberás delegar, si tienes que hacer ropa lo llevas a un taller. Sin embargo, la 
enseñanza te aporta las herramientas para saber quién lo tiene que hacer y cómo, o cómo 
se llama lo que quieres pedir, cómo corregir o hacer lo que tú quieres. Ese tipo de cosas… 
En el caso de Anna Locking, lo ha ido aprendiendo en el propio trabajo, en la propia vida.
 
Ahora la gente cada vez está más preparada, desde luego para dar clases te va a hacer falta. 
Para trabajar, a mí nunca me han pedido ningún título. Ahora, es cuando sí me han empezado 
a pedir. Pero para trabajar, lo que te va a hacer falta realmente es, y esto sí que lo pongo con 
mayúsculas, un buen portfolio.
 
Esto es vital para todo. El portfolio es la base de todo. Por eso hay diseñadores que no han 
estudiado. Hay otros como puede ser Ignasi Montreal que es artista. ¿En qué punto Montreal 
topa con Gucci? evidentemente en el tema de la ilustración, de plasmar su universo. No le 
ha hecho falta estudiar moda. Le ha hecho falta especializarse en ese tipo de ilustración.
 
Una realidad cercana de Sevilla es Montenegro, participó en la última de AlianzEGO, dónde yo 
estoy. Hace vestidos de novia y pone en EGO la parte de más moda. Este diseñador estudió 
Historia del Arte, luego hizo un Máster de dos años en el Instituto Marangoni, que abre muchas 
puertas. De igual manera, aunque no es fácil, hacer prácticas con grande marcas también te da 
muchas oportunidades. Incluso con el grupo Inditex, ya que son conocidos a nivel internacional.
M: ¿Qué ciudades crees que acogen un buen núcleo de acción y de difusión en esta perspectiva 
artística de la moda? 
S: En general son las grandes ciudades, con una mentalidad más abierta y un mayor número 
de clientes. De España destacaría Barcelona o Madrid, aunque otras en Galicia también 
destacan por su ambiente en moda. A Coruña tiene el micro-mundo de los trabajadores 
de todo el mundo de Zara que confiere a la ciudad un ambiente cuanto menos curioso. 
Fuera de España destacaría Londres, Nueva York, Milán, Berlín, Holanda, Tokyo, Shangay, 
Taiwan y Lisboa. En mi experiencia personal, por los años de estancia allí, Londres 
consigue tener tantas nacionalidades allí que inevitablemente se convierte en un hervidero 
creativo, donde realmente se valora el arte. En menor escala, podría ser Madrid, que al 
fin y al cabo es la capital, aunque, por otro lado, Barcelona estaría más cerca de Europa.
48 49
Hay que buscar destacar por algo, puede ser que aún no lo sepas pero si tú tienes 
familia que, digamos tienes el tema del taller por ahí en tu pueblo (Nicolás, Palomo y Ernesto 
tienen el taller en su pueblo).
Si te gusta coser, te interesa aprender bien, realiza proyectos para tu carrera artística y publi-
carlos en redes o presentarlos a concursos. Estaría bien encontrar un equilibrio entre la parte 
comercial y la artística. Es el caso de Nicolás Montenegro con su colección de vestidos de novia 
y, por otro lado, con sus propuestas para concursos como EgoAlianz. Por otra parte, es impor-
tante el tema de la página web, este año he cogido a gente del sur para llevar a showroom por 
ejemplo y tenían venta en web, es fundamental.
Las escuelas de arte en Sevilla son CEADE, Sevilla de Moda y la de Osuna lleva dos años (to-
das de pago). Estos son grados, equivalentes con grados universitarios. En cuanto a másteres, 
conozco el Loyola de Gestión de la moda; hay otros dos en CEADE y en la facultad de comuni-
cación. Donde doy clase, también mi parte es estilismo y se llama Fotografía, moda y comuni-
cación, este es un poco más creativo (está Ernesto Naranjo), ahí estilismo pero no se construye 
prendas, la mayoría son periodistas.
 El que sí es de moda realmente es el de la ESDEMGA. Han apostado por los másteres oficiales 
y este sí que equivale a estudiar el grado. Es todo confección, patrón, está muy concentrado en 
dos años y sales con un buen portfolio. Es un buen lugar por la relación que tiene la comunidad 
con la moda: Bimba y Lola, Inditex, Purificación García, Adolfo Domínguez… Además tienen 
todos los talleres de bellas artes a su disposición ya que comparten la infraestructura con este 
grado. Tienen acuerdos con la escuela de Londres Sant Martins y con Bruselas.
 
En el tema del módulo tienes la ventaja de que vienes de bellas artes, vas a sobresalir en mu-
chos aspectos (el dedibujar figuras, tema de pintura). Si haces este módulo, yo lo haría con 
una obsesión: el portfolio. 
Voy a opositar para el examen y entrar en los módulos, aunque en la vida me hubiera pensado 
esto. Pero ha surgido así, y llevo muchos años trabajando de esto, igual sí creo que tengo cosas 
que aportar.
Los módulos están bien porque van muy al grano, puedes ver las asignaturas. En Cádiz hay un 
toque muy colonial que mola mucho, tienen un punto de moda muy limpio. 
M: ¿Hasta qué punto crees que se pueden hermanar ambas disciplinas y superar el conflicto 
aún existente?
S: En realidad, el único conflicto que puede haber es llevar el arte a donde no es necesario, es 
decir, pretender imponer piezas incómodas al mundo del día a día. Cada cosa tiene su lugar y 
la parte de la moda que sería lo más parecido a alta costura, donde el arte y la moda se fusio-
nan con más naturalidad.
Pero el arte también está en camisetas de grandes cadenas comerciales, donde hubo alguien 
que diseñó un estampado. 
Si se define claramente la intencionalidad nos daremos cuenta que el conflicto surge con nues-
tro empeño de etiquetar todo. ¿La moda es arte? En mi humilde opinión, a veces es arte y a 
veces es negocio, sin más.
M: ¿Porque piensas que es importante la sostenibilidad en los proyectos creativos?
S: La sostenibilidad es una responsabilidad de todos, por respeto a dónde vivimos y a los que 
vienen detrás. En los años 50 todo era sostenible, sin pretenderlo. Cuando se inventó el plástico 
fue algo genial porque fue un gran invento, pero ahora el dilema es salud o economía. Si los 
gobiernos no priorizan lo primero, la Tierra se encargará de hacerlo. De momento, si cada uno 
aporta su granito de arena para mejorar nuestro pequeño círculo de alrededor podremos hacer 
una montaña.
 
M: ¿Qué materiales utilizas y que prácticas llevas a cabo teniendo en cuenta esta filosofía?
S: Mis materiales son reciclados y con la menor carga de toxicidad posible. Si pudiera utilizaría 
hasta lápices de madera ecológica pero los cambios llevan un tiempo y desde luego no pode-
mos controlar todo el planeta pero si nuestro alrededor más cercano.
M: Por último, ¿Qué consejo darías a una persona que ha comenzado su trayectoria académica 
en el arte y que está interesada en formarse en moda?
 
S: Lo primero que preguntaría en que puesto te ves trabajando y te ves feliz. ¿Diseñadora? ¿Pa-
tronista? ¿Costurera? ¿Relaciones públicas y redes, eventos? ¿Fotógrafa de moda? ¿Artista 
con un tema de moda? ¿Trabajarías para Zara? Si es que sí, mira los anuncios y lo que piden. 
Lo primero será un portfolio bien construido, moderno y que aporte algo.
Para este portfolio, hay varias fórmulas: hacerlo de forma autodidacta, cosa algo difícil si no 
se trabaja ya en el mundillo y se ve muchos portfolios. O bien, hacer un buen master de moda, 
como el que tiene la ESDEMGA en Galicia, con la ventaja de todas las marcas de moda que allí 
hay y la facilidad de salir con trabajo ya.
Otra opción es hacer el grado de moda, en alguna escuela de arte como Cádiz, de forma gra-
tuita, o Sevilla, aunque son escuelas privadas.
Quien pueda optar a ello y tenga un buen dominio del inglés, es ideal estudiar en una buena es-
cuela internacional como la Royal College of London, una de las mejores a nivel internacional 
(Palomo Spain, Roberto Diz), Central Saint Martins, Wetmister…
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CONCLUSIONES
Durante estos meses en los que he profundizado en esta 
investigación, que une a la moda, el arte y la biodiversidad, 
que ya venía dando algunas pinceladas desde años atrás, se 
ha esclarecido, dentro de mis intereses por expresarme al 
mundo. En este momento es lo que me impulsa, lo que inci-
ta a crear, a disfrutar y a trasmitir las ideas que están en mí, 
las que he aprendido, he adquirido, he reflexionado y el am-
plio espectro de conocimiento que me queda por adquirir.
De la misma manera, tras varios años moviéndome en esta 
línea entre el arte y la moda, dónde he jugado, he experi-
mentado con proyectos en los florecía este interés, los pri-
meros pasos de este camino, que no ha hecho más que 
comenzar. Un recuerdo de esto es la obra Up00 realizada 
en el curso 2017-2018, en ese momento ya se podían ob-
servar estas inclinaciones “innatas”. Al fin y al cabo es sim-
plemente mi forma de, quizás, avivar ese pequeño cambio 
hacía un vínculo más armoniosos con nuestro hogar. Un 
hogar que resulta ser el único donde hasta ahora la vida 
se puede desarrollar. Recordar que somos parte de la natu-
raleza, de todos los seres vivos que convivimos en nuestro 
planeta; y desarrollar nuestra vida siendo más respetuosos.
Habiéndome lanzado casi sin pensarlo a este mar inmenso, 
que es el mundo del arte, soy consciente ahora de la necesi-
dad que hay en mí de crear, de transmitir mediante el arte; de 
la vitalidad que me aporta formando parte de mí día a día. Se 
plantó esta semilla en mí en el pasado, ahora se encuentra 
floreciendo, creciendo y, de la misma manera, lo hará en el 
futuro. Es la forma que tengo de ver la vida, de relacionarme 
con mi entorno tanto personalmente en mis relaciones; como 
crezco en este lugar, mi hogar, nuestro hogar, la Madre tierra.
CONCLUSIONES
54 55
Figura 14. Michaelangelo Pistoletto, 1967-1974. Venus of the Rags (instalación escultura de mármol y 
textiles). 212 cm x 340 cm x 110 cm. (Consulta: 14 de junio de 2021). Disponible en: https://www.tate.
org.uk/art/artworks/pistoletto-venus-of-the-rags-t12200 
Figura 15. Neri Oxman, 2020. Neri Oxman: Material Ecology (exposición de Neri Oxman). MOMA, Nueva 
York. (Consulta: 14 de junio de 2021). Disponible en: https://www.re-thinkingthefuture.com/know-your-
architects/a643-neri-oxman-pioneering-material-ecology/ 
Figura 16. Neri Oxman, 2014. Mercury’s Wanderer (escultura en impresión 3D). (Consulta: 14 de junio 
de 2021) Disponible en: https://mediatedmattergroup.com/wanderers 
Figura 17. Olafur Eliasson, 2015. Ice Watch (instalación con bloques de hielo). (Consulta: 14 de junio de 
2021). Disponible en: https://olafureliasson.net/archive/artwork/WEK109190/ice-watch#slideshow 
Figura 18. Tomás Saraceno, 2017. Como atrapar el universo en una telaraña (instalación con telarañas). 
(Consulta: 14 de junio de 2021). Disponible en: https://universes.art/es/magazine/articles/2017/
tomas-saraceno/
 
Figura 19. Maison Marin Margiela, 2012. Baseball Glove Dress (vestido upcycling con guantes de 
béisbol). (Consulta: 14 de junio de 2021). Disponible en: https://www.minniemuse.com/articles/art-
of/upcycling 
Figura 20. María del Mar Caro Moriana, 2021. Escultua corporal I (escultura corporal, textiles y papel). 
cm x cm. Fotografía de la autora.
Figura 21. María del Mar Caro Moriana, 2021. Escultua corporal I (escultura corporal, textiles y papel). 
cm x cm. Fotografía de la autora.
Figura 22. María del Mar Caro Moriana, 2021. Escultura corporal II (acrílico sobre tela y bordados). 146 
cm x 114 cm. Fotografía de Miguel Mendoza Malpartida.
Figura 23. María del Mar Caro Moriana, 2021. Escultura corporal II (acrílico sobre tela y bordados). 146 
cm x 114 cm. Fotografía de Miguel Mendoza Malpartida.
Figura 24. María del Mar Caro Moriana, 2021. Grabados en la piel (fotografía). cm x cm. Fotografía de 
la autora.
Figura 25. María del Mar Caro Moriana, 2021. Grabados en la piel (infografía). cm x cm. Fotografía de 
la autora.
Figura 26. María del Mar Caro Moriana, 2021. Líneas en La Naturaleza (cerámica). cm x cm. Fotografía 
de la autora.
Figura 27. María del Mar Caro Moriana, 2021. Huellas (serigrafía en tela). cm x cm. Fotografía de la 
autora.
Figura 28. María del Mar Caro Moriana, 2021. Huellas (serigrafía en tela). cm x cm. Fotografía de la 
autora.
Figura 29. María del Mar Caro Moriana, 2017. Up00 (construcción upcycling). cm x cm. Fotografía de 
Jorge Martínez Hurtado.
Figura 30. María del Mar Caro Moriana, 2017. Up00 (construcción upcycling). cm x cm. Fotografía de 
Jorge Martínez Hurtado.
Figura 1. Gustav Klimt, 1907. Retrato de Adele Bloch-Bauer I (óleo yoro sobre tela). 138 
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picasso-sergei-diaghilev-serge-lifar/exposition-ballets-russes-de-diaghilev-organisee-par-serge-lifar-
musee-des-arts-decoratifs 
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Collaboration (pañuelo de seda) (Consulta: 14 de junio de 2021). Disponible en: https://www.
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Figura 8. Nicola Costantino, 2006. Male Nipples Hermès Handbags, Kelly, serie Human Furriery (silicona 
y cuero). 36.8 cm x 30.5 cm x 16.8 cm. (Consulta: 14 de junio de 2021). Disponible en: https://
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Figura 9. Ana Mendieta, 1982. Serie Siluetas (grabado en barro, medio natural). Disponible en: https://
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Figura 10. Andy Goldsworthy, 1989. Touching North (escultura con nieve). 246 cm x 310 cm. (Consulta: 
14 de junio de 2021). Disponible en: https://publicdelivery.org/andy-goldsworthy-touching-north/
Figura 11. Fina Miralles, 1976. Huellas (acción y película super8). Disponible en: https://lab.
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Figura 12. Tania Kovats, 2012-14. All the Sea (instalación con botellas de agua de mar en estantería). 
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Figura 13. Marcel Duchamp, 1914. Bottle Rack (escultura ready-made). 64 cm x 42 cm. (Consulta: 14 
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Índice de imágenes
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Desde la alta costura en el vestir hasta nuestros días (en línea). Directora del trabajo, dir. Ana 
Julia Gómez Gómez. Universidad de Málaga, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Málaga 
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TRABAJO FIN DE GRADO 
GRADO EN BELLAS ARTES 
-UNIVERSIDAD DE SEVILLA-
CURSO 2020/2021
UNIVERSIDAD DE SEVILLA
AUTORA: MARIA DEL MAR CARO MORIANA