04 Martin Scorsese - Menjal regol

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MARTíN 
 SCORSESE
 Martín Toro, Martín Ciapponi,
 Camila Da Dalt, Facundo Montes
CONTEXTO
Martin Scorsese, nació en Queens, Nueva York en 1942. Descendiente de 
inmigrantes sicilianos, creció en el barrio Little Italy de la misma ciudad.
De joven, Scorsese deseó convertirse en cura, llegando a ingresar en el 
seminario de la Cathedral College. Sin embargo, a finales de los años 50 
abandonó su primera idea de dedicarse al sacerdocio y empezó a crear sus 
primeros cortometrajes.
Aunque el cine de la industria Hollywoodense del momento (década del 70’) se 
centraba en producciones por género, sus mayores influencias vinieron por 
parte de corrientes tales como la Nouvelle Vague, Neorrealismo Italiano, así 
como directores previos del cine Norteamericano. 
Influencias:
John Ford, Orson Welles, Luchino Visconti, Roberto Rossellini, Federico Fellini 
y, sobre todo, Michael Powell, entre otros...
ESPACIO FÍLMICO
En sus películas se crea un homogéneo espacio fílmico debido a la estrecha relación 
entre el campo y fuera de campo. Objetos y personajes que entran y salen de cuadro, 
generan un sensación real de espacialidad.
 
La cámara, para Martín Scorsese, es una extensión del personaje. Se encuadra y se 
mueve en relación a ellos para sumergir al espectador en el entorno social y cultural 
de los personajes. En el mismo sentido, el tamaño de los planos los rige la necesidad 
dramática y situación psicológica de los mismos.
Podemos observar, por ejemplo en “Who's that knocking at my door” (1967), planos 
cerrados (influencia de John Cassavetes en “Faces”), cámara en mano (influencias 
italianas y francesas) en la fantasía del protagonista y planos medios en donde se da 
más lugar a la libertad actoral, como en “Taxi Driver” (1976).
Los movimientos de cámara que utiliza son muy variados: dolly zoom, tomas aéreas 
(cenitales), travellings, paneos, entre otros.... Incluso, es muy reconocido por el uso 
reiterado de planos secuencia, en donde brilla la espacialidad del espacio fílmico.
VESTUARIO Y ESCENOGRAFÍA
En sus películas, Scorsese presenta un vestuario del tipo simbólico.
Si tomamos como ejemplo, “Pandillas de Nueva York”, observamos que se trabaja con una vestimenta realista 
perteneciente a un contexto definido: Los Disturbios de Reclutamiento ocurridos en Nueva York del 13 al 17 de julio 
de 1863, en el marco de la guerra civil estadounidense.
Ahora bien, si tomamos el ejemplo de “Taxi Driver”, el vestuario de Travis Bickle, tiene como objetivo ilustrar la 
decadencia de un excombatiente de Vietnam en Nueva York. Y si bien la época de la diégesis se expone (a 
mediados de los años 70’), no es tan estricta como el ejemplo anterior. 
En cuanto a la escenografía, podemos decir que es principalmente de carácter realista y muy alejada de una 
decoración minimalista. En los espacios recreados para sus obras, y sobre todo cuando utiliza planos secuencia, 
la imagen se satura de elementos. Incluso cuando no se trata de un interior, podemos ver una aglomeración de 
objetos que componen el escenario (quizás como reflejo de la gran Nueva York que da sitio a muchas de sus 
tramas).
https://es.wikipedia.org/wiki/13_de_julio
https://es.wikipedia.org/wiki/17_de_julio
https://es.wikipedia.org/wiki/Julio
SONIDO
La música y los efectos sonoros tienen un papel preponderante en la narrativa de Scorsese y es que el director neoyorkino 
hace uso de estos para complementar la narrativa visual. A menudo, el director mezcla sonido diegético con no diegético o 
pasa de la fuente musical en pantalla a la grabación formal en la banda sonora. Esto ayuda a tejer su uso formal de técnicas 
cinematográficas con un enfoque realista de la trama.
Otra cosa que no podemos dejar de mencionar es el énfasis que el director imprime a la música y a los diálogos. Estos dos 
elementos hacen al estilo de Scorsese tan particular y único. La utilización de música popular va de la mano con sus líneas 
de diálogo generalmente compuesta de exabruptos e insultos. De esta forma dota a sus personajes de un carácter 
prepotente y marginal.
El uso del silencio en sus películas , como contrapunto, es uno de los recursos más potentes que utiliza. En el universo de la 
estética, la ausencia de sonido se entiende como un sonido en sí mismo, y se utiliza como generador de sensaciones tales 
como suspenso, dramatismo, elegancia o solemnidad al espacio donde se impone. 
Un ejemplo es la escena de Toro Salvaje(1980) en la que Jake La 
Motta, personificado magistralmente por Robert De Niro, está a 
punto de ser víctima de una sangrienta masacre en el ring de box 
y, unos segundos antes del golpe, todo es silencio. Algo muy similar 
a lo que Walter Murch (editor cinematográfico y diseñador de 
sonido) describe como sonido cero. 
ILUMINACIÓN
Para el análisis de la iluminación en las películas de Scorsese, es más provechoso analizar las influencias que lo llevaron a 
adoptar cierta estética más que el tipo de iluminación en sí misma. Como pertenece a la primera generación de estudiosos 
del cine, ha tenido diversas influencias
Él se nutre mucho de la pintura para representar una escena, por lo que fue muy influenciado por Caravaggio (y a su vez el 
expresionismo alemán) en su utilización del claroscuro. Este recurso, se complementa con la herencia de la Nouvelle Vague en 
donde la iluminación representa el estado psicológico del personaje. En el gif presentado en la placa de sonido, podemos a 
Jake La Motta) envuelto en un vapor iluminado que representa su confusión interna. Si tenemos en cuenta que también fue 
un estudioso de Eisenstein y forzamos un poco la observación, podríamos llegar a establecer una relación entre este plano, 
y la vibración lumínico óptica. 
Otro de sus rasgos distintivos es el de marcar claramente el centro de atención y dar a entender algo mediante enfoques 
lumínicos. Uno de los casos más claros es en su película “Casino” (1995).
COLOR
El color en cualquier obra expresa vibraciones, sentimientos y emociones. Y en sus 
obras podemos ver una gran paleta y hasta películas en blanco y negro.
Al rodar 'Toro salvaje' se opto por realizarla en blanco y negro debido al objetivo de 
recrear un combate de la época. Si lo analizamos con detenimiento, el mundo de 
LaMotta, nunca pudo haber sido a color debido a la atmósfera de angustia y 
agotamiento en la que se veía envuelto. 
Cuando decimos Scorsese no podemos dejar de pensar en el color ROJO.
La paleta de tonos escarlatas subraya la angustia emocional, la excitación, el 
peligro, la desesperación o la violencia pura de sus personajes. El color rojo se 
convierte, entonces, en uno de sus principales rasgos distintivos. 
MONTAJE
Scorsese es un apasionado del montaje, con el efecto que puede producir la 
yuxtaposición de dos imágenes. Ya si observamos sus guiones llenos de dibujos 
se puede percibir que tiene un verdadero sentido del montaje. 
Scorsese es considerado como uno de lo pioneros en el uso de planos 
secuencias, también conocidos como ‘oners’. El uso de este recurso -en donde 
el tiempo del relato es igual al de la historia- se pueden ver en sus primeras 
obras como “Malas Calles” (1973), así como en, “Toro Salvaje” (1980). Pero es en 
“Uno de los Nuestros” (1990), Scorsese llega a perfeccionar la técnica al 
ofrecernos uno de los mejores planos secuencias de la historia del cine.
Dentro de los recursos que ofrece el montaje, el director aprovecha la función 
sintáctica del montaje, y genera relación de alternancia. Por ejemplo,“The 
Irishman” (2019), está narrada de forma que se distinguen 3 líneas de tiempo 
(mediante montaje alterno), y que a la vez cuentan con un extenso uso de 
flashbacks.
Una de sus mayores colaboradoras y con la que generó una gran relación 
durante toda su carrera cinematográfica fue Thelma Schoonmaker, que ha 
editado Toro salvaje, Goodfellas, La última tentación de Cristo, El rey de la 
comedia, After Hours, Casino, Gangs of New York, El aviador o The Departed.
MARCAS DE AUTOR
Martin Scorsese es un directorque, esencialmente, cuenta el mundo que conoce. En sus películas trata temáticas tales como 
la: la familia (hermandad), cuestionamiento de la Fe (culpa), excesos (drogas), ambición, violencia, ilegalidad y miseria. Estos 
temas los lleva al plano de la acción dramática con personajes marginales: mafiosos, pandilleros, boxeadores, 
excombatientes, gangsters, entre otros…
Los personajes son imperfectos y rompen la estructura clásica del camino del héroe mostrando el ascenso y la caída de los 
mismos. La ambición, la avaricia y la moral dudosa de los personajes los hace embarcarse en un secuencia de excesos 
consecuentes hasta el momento del arrepentimiento y la culpa. En este punto la melancolía los envuelve casi por completo. 
El espacio más recurrente en las películas del director es la ciudad de Nueva York (lo que aporta frenetismo a la vida de sus 
personajes).
El color ROJO también se ha convertido en una de las marcas registradas de Martin Scorsese. 
De por sí, los mismos personajes de sus películas, que representan el exceso y la maldad, generan en el espectador un 
rechazo que choca con la noción hasta entonces conocida del sueño americano. Los insultos, los contratos y códigos que 
manejan y las traiciones rompen el idealismo y la claridad construidas por el cine clásico anteriormente.
APÉNDICE
Información extra sobre el vestuario en “Pandillas de Nueva York”
El personaje de Daniel Day Lewis, Bill El Carnicero, era un líder de pandillas, aterrador e intimidante. La idea 
principal era que se viera como un gángster elegantemente vestido en una película de los años treinta. La 
vestimenta cara puede hacer que un personaje parezca bastante aterrador en lugar de alguien rudo. El período 
fue la década de 1860, una época bastante atractiva respecto al vestuario masculino, se utilizaban levitas y 
sombreros de copa; los pantalones de pierna estrecha y los cuadros estaban de moda. Se acentuó la altura y la 
esbeltez de Bill extendiendo su sombrero de copa, haciendo que sus pantalones fueran más delgados y sus 
zapatos más largos. Los otros miembros de la pandilla vestían de la misma forma, pero no tan finamente.
EL ARTE DEL SILENCIO 
.
En el caso del video “El arte del sonido” la exploración 
se basa principalmente en escenas de películas de 
Scorsese en las que el silencio infunde paz, suspenso 
o comicidad a lo que sucede dentro de la narrativa 
cinematográfica. A pesar de que Scorsese es 
conocido por el uso de memorables temas musicales 
en sus películas, existen momentos dentro de éstas en 
los que el silencio es aún más intenso que cualquier 
sonido que pudiera invadir el momento fílmico. 
http://www.youtube.com/watch?v=TRuC4IhEDjw
SCORSESE IN THE RED
Scorsese in the Red es 
un interesante supercut 
editado por Filmscalpel 
que muestra varias de 
las escenas más 
representativas de la 
obra de Scorsese.
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Hacer click en el video 
para ir al enlace.
https://vimeo.com/137573640
BIBLIOGRAFÍA
● www.alohacriticon.com
● www.admagazine.com
● www.correspondenciascine.com
● www.kbnmedia.com
● Martin Scorsese - The Art of Silence
● www.theguardian.com
● www.enfilme.com
● https://www.revistagq.com
● https://threader.app
https://www.alohacriticon.com/cine/actores-y-directores/martin-scorsese/#:~:text=Martin%20Scorsese%2C%20descendiente%20de%20inmigrantes,llamado%20Frank%2C%20mayor%20que%20Martin.
https://www.admagazine.com/cultura/descubre-la-estetica-cinematografica-de-martin-scorsese-20191225-6305-articulos.html
http://correspondenciascine.com/2018/09/martin-scorsese-un-cinefilo-un-autor/
https://kbnmedia.com/estilo-cinematografico-martin-scorsese/
https://www.youtube.com/watch?v=NUrTRjEXjSM&list=PLPST4Xipc1kpjNkkpjU689ktUSvX55RJH&index=40
http://www.theguardian.com/artanddesign/2012/oct/17/sandy-powell-oscar-winning-costumes
https://enfilme.com/notas-del-dia/video-el-uso-del-color-rojo-en-el-cine-de-martin-scorsese-un-supercut#:~:text=En%20el%20caso%20particular%20de,el%20uso%20del%20color%20rojo
https://www.revistagq.com/noticias/cultura/articulos/toro-salvaje-pelicula-boxeo-scorsese-de-niro/31038
https://threader.app/thread/1231208497494315009