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FRANCIS FORD COPPOLA 
 
 
 
Alumnos: Joaquin Esteban Bruno, Terrones Brandon. 
 
 Primero comenzaremos por conocer ¿qué es el cine de autor?. 
 Nace del seno un grupo de críticos que se llamaba ‘’Cahiers du cinema’’ (críticos 
del cine). Observaban la historia del cine de esos años y criticaban películas. 
Tomaban como referentes a Hitchcock y a Orson Wells. 
 Elaboran un movimiento cultural que se lo llamó ‘’Nouvelle vague’’ que el objetivo 
era poder manifestarse de una manera libre en el arte, no tener limitaciones técnicas 
como lo hacía el cine clásico. Acá aparece el primer origen de lo que después 
conocemos como cine de autor. Un rasgo muy fuerte en las películas, personajes 
complejos, narrativas complejas, etc. 
 
¿Quién es Francis Ford Coppola?. 
 Nació el 7 de abril de 1939, llamado Francis Ford Coppola, Ford de segundo 
nombre en honor a Henry Ford. Hijo de un director de orquesta y una actriz. Debido 
a una enfermedad, en su niñez, pasó mucho tiempo en cama durante el cual su 
única distracción eran sus marionetas y las películas de su familia. 
 Ingreso en la universidad Hofstra a los 18 años (1957) en la carrera de artes 
dramáticas, donde llamó la atención por un montaje que realizó de la obra ̈ Un 
tranvía llamado Deseo ̈. Tras graduarse en la escuela de cine de la Universidad de 
Los Ángeles, colaboró con Roger Corman en varias películas de terror, tarea que 
compatibilizó con sus primeros trabajos como director, los cuales recibieron una tibia 
respuesta del público y la crítica. Fue una figura central en el movimiento 
cinematográfico de New Hollywood de las décadas de 1960 y 1970 junto con 
Scorssese, Woody Allen, Polaski, le dijeron basta al cine clásico e hicieron las cosas 
a su manera, de alguna forma rechazando todo paradigma clásico, quebrar reglas 
que tenían que ver con ese paradigma, no todo. Y es ampliamente considerado 
como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. 
 
 ​Muchos de sus planos son: planos medios, plano general. Cuando había planos 
cortos Coppola se metía en la interpretación de los personajes hasta llegar a un 
p.p.p o plano medio corto, estos son muy constantes en sus películas porque refleja 
la construcción de los personajes. 
 
 Los planos abiertos por lo general son muy prolijos. Las angulaciones casi siempre 
son normales. Las cámaras con las que trabaja son cámaras analogicas, razón por 
la cual hay un juego de enfoque tan marcado pero una profundidad de campo 
todavía semi nítida porque justamente trabaja con el no achatamiento de la 
profundidad de campo. Coppola trabaja desde un travelling osea desde la 
profundidad se mantiene, va graduandose de acuerdo a la distancia pero se 
mantiene bastante nítida. 
 
 En las escenas de sangre no muestra un plano detalle sobre eso, al contrario lo 
disimula bien con los planos abiertos, por ejemplos en la película de El Padrino, 
donde muestran al caballo decapitado, en rumble fish cuando le cortan a Rusty 
James y en La Conversación cuando encuentran al hombre asesinado. Nunca te va 
a mostrar de 
grossomodo un plano detalle de la sangre. Y el uso de planos de larga duración.
 
Coppola usa el montaje paralelo, dándonos información de diferentes sucesos 
desarrollándose al mismo tiempo pero en diferente espacio, por ejemplo: en el 
padrino, tomando la escena del bautismo de la bebe, mientras vemos la ceremonia 
en paralelo vemos la preparacion y realizacion de diferentes asesinatos 
 
 
 
 Utiliza el montaje como un método para contar la historia, con una función 
expresiva, donde confronta las imágenes, porque cada imagen tiene un valor propio, 
como por ejemplo, tenemos rumble fish, en una escena cuando un tipo golpea al 
protagonista con un fierro y este se separa de su cuerpo haciendo énfasis al 
surrealismo, viendo cómo sus seres queridos le lloran antes de volver a su cuerpo, 
en apocalipsis now, durante el asesinato del antagonsta se intercala con la muerte 
ritual de una vaca. 
 
 
(https://www.youtube.com/watch?v=UX2IlG8OcNU) 
 ​El montaje paralelo como en el ejemplo anterior del padrino, las múltiples escenas 
de asesinatos durante el bautizo, simbolizando el ascenso de uno de los personajes. 
En el ritmo temporal Coppola tiende a alargar el ritmo, rara vez cambia de plano 
rápidamente. Coppola trabajaba dentro de lo estipulado, casi de lo manual. 
 ​Tenemos que tener en cuenta que el sonido también lo tiene en cuenta a la hora de 
realizar sus films. 
 En Apocalipsis now al principio de la película donde las hélices del helicóptero se 
relacionan con el ventilador, la música está unificando, el ventilador con las hélices 
del helicóptero es puntuado, esta haciendo hincapié en una determinada situación 
mental del personaje y esto se ayuda también con la sincresis de la música de ‘’The 
Doors’’ haciendo hincapié a la construcción del personaje. 
(https://www.youtube.com/watch?v=CIrvSJwwJUE). 
 
 En el padrino usan la música que sale en varias partes de la película con distintos 
instrumentos pero la melodía es la misma, ayuda para caracterizar distintas 
cuestiones, como cuando aparece el padrino, cuando matan a alguien, etc. Cuando 
Corleone va a matar al policía y a Sollozzo se escucha un sonido extradiegético con 
una escucha reducida que es el tren, queriendo expresar el quiebre del personaje 
de su vida anterior a entrar a la familia Corleone. 
(https://www.youtube.com/watch?v=UmNc27sG9z0). 
 
 ​Lo importante que es para Coppola la construcción de sus personajes, tanto así 
que en Rumble fish el color es algo fundamental ya que en la película cuando 
aparecen los peces en la pecera, lo que se construye es la identificación de ese 
personaje con esos peces, lo único que tiene color en toda la película está atrapado 
en una pecera, igual que el personaje, ya que el chico de la moto es daltonico y se 
genera un simbolismo entre esas cosas, hay una analogía a través del color. 
 
 Otro ejemplo es en El Padrino, al principio de la película cuando aparece Bonasera, 
la iluminación es tan marcada como en el expresionismo alemán y ayuda al 
espectador la sensación de que tipo de película se está viendo. 
 
 Una más es en La Conversación, la construcción del personaje se ayuda con la 
iluminación para el protagonista, dejando que sea emocionalmente solitario. En la 
parte cuando sube al autobús y se corta la luz y vuelve, nos quiere decir que no va 
poder olvidar lo que escucho, marcando un antes y después del personaje. 
 
 
 Coppola tiende a utilizar vestuarios simbólicos, aun cumpliendo la función de 
marcar época y lugar, pero sin tener que ver con la historia y darle más importancia 
al personaje, sus actitudes, sentimientos y personalidad. 
 
 
 
 
 Por otro lado, Coppola utiliza los escenarios de forma impresionista, como una 
forma de generar un ambiente o dar a entender una ideas. 
 
 
 Como por ejemplo para mostrar al personaje en un estado mental destruido, en la 
conversación podemos ver como el protagonista destrozó su casa para buscar un 
micrófono, mostrando cómo se siente vulnerable ahora. En rumble fish cuando 
Rosty James llega al mar, el aspecto de las olas, las aves y la lejanía del cielo 
mostrando soledad, angustia y libertad 
 
 La metáfora y simbolismo es algo que siempre está en sus películas. En la 
conversación nos cuenta que el protagonista se siente como un dios que todo lo ve 
y todo lo escucha, cuando hablan de dios sin ningún motivo el se exalta, pero 
cuando descubren que el esta metido en un problema sobre un asesinato, se 
conviete del observador a ser observado. Coppola se animó a hablar de la guerra de 
Vietnam y se animó a hablar de la mafia Italiana en Estados Unidos y su relación 
con la iglesia. En Rumble Fish utiliza las nubes como símbolo de que el tiempo para 
ellos pasa muy rápido. Es así como Coppola es un genio de las metáforas y lo 
simbólico en sus películas, siendo así también un precursor de vanguardias en sus 
películas.