Pollock - María Luz Asprella (1)

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SurrealismoTeorías del arte
Prof. Graciela cianfagna 
Alumnas María luz asprella, milagros ciminelli, pilar otero, giuliana ricchino 
2020
El Surrealismo es un movimiento vanguardista que se gesta en París, desde la década de 1929 cuyo iniciador es el escritor francés Andrés Bretón. Busca su inspiración en la dimensión psíquica más profunda del hombre: su objetivo es liberar los impulsos reprimidos en el inconsciente.
El Surrealismo fue una de las mayores influencias para los expresionistas abstractos, adoptaron la noción de liberar la energía del inconsciente y pintar de forma automática el estilo biomorfismo, (estilo pictórico que se centra en el poder de la vida natural y utiliza formas orgánicas) éste movimiento fue también una respuesta a la sociedad estadounidense de posguerra que movió a los artistas a comunicar sus vivencias y sentimientos más íntimos.
Expresionismo abstracto
Surgió en las décadas de 1940 y 1950 en New York.
Los artistas convierten la obra en reflejo espontáneo de sus pulsiones internas, sirviéndose exclusivamente del material pictórico.
El expresionismo abstracto se puede dividir en dos grupos
-Actions painting
En ésta técnica la imagen es un reflejo directo de las emociones del artista mientras crea. Sus practicantes vertían, goteaban y salpicaban la pintura sobre el lienzo. Hans Hoffman fue de los primeros en hacerlo, pero fue Pollock quien llevó ésta técnica hasta su conclusión lógica, abandonando las restricciones de los pinceles y del caballete para crear imágenes que describió como "energía y movimiento en forma visible".
 Color field painting
Mientras que la esencia del actions painting era audaz y enérgica, la Color field painting era contemplativa y esmerada. Sus composiciones presentan amplias áreas de color, a menudo sin grandes contrastes tonales, ni un punto focal claro.
muchas obras de éste estilo buscaban inspirar a quien las contemplara, sentimientos trascendentes y sobrecogedores. El enorme tamaño de muchos de los cuadros abruma al espectador que induce a un sentimiento de aislamiento en un mundo ilimitado.
Consiste en rellenar áreas de color que parecen expandirse más allá de los límites del cuadro, produciendo cierto efecto de similitud.
Si la actions painting era el resultado de un agudo estado de consciencia del pintor, lo que buscaba el color field painting era inducir dicho estado del espectador.
Dripping
Es una técnica pictórica que consiste en dejar gotear la pintura sobre el lienzo, extendido en el suelo, para conseguir formas y manchas que el artista irá creando espontáneamente.
La técnica del dripping forma parte del action painting que consiste en convertir la obra en la representación de la propia acción de pintar y no en la representación de la realidad. El action painting es un movimiento dentro de la pintura abstracta, surgido en el siglo XX, mediante el cual se hace uso del color y la materia para expresar sensaciones como el movimiento, la velocidad y la energía. Para ello no sólo se emplean materiales estrictamente pictóricos, sino que se experimenta con otros elementos tan diversos como por ejemplo la arena o el alambre. Jackson Pollock es considerado el máximo exponente de la técnica del dripping. A finales de la década de los 40 pintó una gran cantidad de obras con esta técnica y la comparó con el ejercicio de la escritura automática surrealista, dado su elevado grado de espontaneidad que obliga al artista a plasmar una parte de su interior en cada cuadro.
Posteriormente, en las décadas de los 50 y los 60, el dripping fue utilizado por una gran cantidad de artistas informalistas, no sólo estadounidenses sino también europeos, aunque ninguno de ellos consiguió la misma excelencia que Jackson Pollock.
Biografía
New York y comienzos artísticos (1930-1940)
En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor Charles Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió junto con su hermano y bajo la tutela del pintor Thomas Hart Benton en el Art Students League of New York.
Tratando de lidiar con su problema de alcoholismo, Pollock se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson entre 1938 y 1941 y posteriormente con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su arte, alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos junguianos quedaron expresados en sus pinturas.
Mural y mudanza a Springs (1940-1947)
Pollock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Recibió el encargo de crear la obra Mural (1943), que mide 2.43 x 6.04 m,[10] para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. Como sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock pintó esta obra en un lienzo en lugar de la pared para que la obra fuera portátil.
En octubre de 1945, Pollock se casó con la pintora estadounidense Lee Krasner y en noviembre se mudaron a las afueras de la ciudad a Springs (Nueva York) en el área de East Hampton en la costa sur de Long Island. Pollock convirtió el granero en su estudio y en ese espacio perfeccionó su técnica de pintura de grandes "salpicaduras", con la que se sentiría permanentemente identificado. Comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura. Comenzó a utilizar pinturas con base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describía estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, "un resultado natural salido de una necesidad". Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura.
Con el Action painting con esta técnica, Pollock logró un medio inmediato para crear arte: la pintura fluía literalmente desde la herramienta de su elección hacia el lienzo. Al desafiar las convenciones de pintura en una superficie vertical, él añadió una nueva dimensión al ser capaz de ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas direcciones.
Últimos años y Muerte (1952-1956)
Las pinturas más famosas de Pollock fueron hechas durante el "Periodo de goteo" entre 1947 y 1952. Escaló rápidamente a la fama después de un artículo de cuatro páginas en 1949 en la revista Life, en la que se hizo la pregunta "¿Acaso es él el pintor vivo más grande de los Estados Unidos?". En el pico de su fama Pollock abandonó abruptamente su estilo de goteo.
Después de 1951, el trabajo de Pollock fue de colores más oscuros, como su colección pintada con negro sobre lienzos crudos. Posteriormente, volvió a utilizar color y re-introdujo elementos figurativos. Durante este periodo, Pollock se cambió a una galería más comercial debido a que había mucha demanda de su trabajo por parte de coleccionistas. En respuesta a esta presión, unido a frustraciones personales, su problema de alcoholismo se hizo más profundo.
En 1955, Pollock realizó sus últimas dos pinturas, Aroma y Búsqueda. El artista no pintó nada en 1956, pero estaba realizando esculturas de alambre, gasa y escayola en la casa del escultor Tony Smith Formadas con el método de molde de arena, tenían superficies con mucha textura, similares a lo que Pollock creaba en sus pinturas.
El 11 de agosto de 1956, a las 22:15 horas, Pollock murió en un accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible debido a que conducía bajo la influencia del alcohol. Edith Metzger, una de las pasajeras, también murió en el accidente. La otra pasajera, Ruth Kligman, artista y amante de Pollock, sobrevivió al siniestro.
Por el resto de su vida, la viuda Lee Krasner se encargó de los asuntos del artista y se aseguró de que la reputación de Pollock se mantuviera fuerte a pesar de las tendencias cambiantes del mundo del arte.
Concepto de arte y concepto de estética de Jacson Pollock
Fue un influyente pintor estadounidense y principal artista del expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo de chorrear pintura (dripping).
convirtió el granero en su estudio y en ese espacio perfeccionó su técnica de pintura de grandes "salpicaduras", con la que se sentiría permanentemente identificado. Comenzóa pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura. Comenzó a utilizar pinturas con base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describe estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, "un resultado natural salido de una necesidad". Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura.
Los colores que utilizaba eran industriales, desde esmaltes sintéticos a pinturas metalizadas. Incorporaba a sus cuadros objetos extra artísticos arena, cigarrillos, vidrios…En sus obras elimina el concepto de composición, y mezcla signos caligráficos con trazos pictóricos.
La Action Painting es un rechazo de todo convencionalismo estético, una expresión libre y subjetiva del inconsciente y de ejecución espontánea. Interesa más el proceso de pintar que el contenido.
Jackson Pollock atravesado por los diferentes filósofos:
Kant
 define “bello es lo que, sin concepto, place universalmente”, así en las obras pictóricas de Pollok observaremos que no hay objetos definidos para examinar, sino que en las mismas hay una belleza libre; y esta no presupone conceptos del objeto, sino que es bella en sí.
Heidegger: Entre Pollock y Heidegger podemos establecer la conexión entre la obra de Pollock y la filosofía de Heidegger. La ausencia de racionalidad es un elemento común en ambos, no admitían el análisis racional de sus obras e intentaban alcanzar una experiencia entre la obra y el receptor, Pollock a través de sus pinturas y Heidegger mediante lo poético.
Otra relación en común es la ausencia de nombres. Podemos observar que parte de la obra de Pollock están numeradas, con la intención de que el espectador, tenga absoluta libertad interpretativa, así como creativa.
Heidegger 
sostenía que el hecho de poner nombre acotaba la experiencia, que el propio espectador tenga mayor libertad al mirar una de sus obras.
El pensamiento poetizado heideggeriano y el expresionismo abstracto de la plástica de Pollock buscan alcanzar un sentido, de la plenitud de las cosas.
Nietzsche
Tanto en la experiencia abstracta que ofrece la obra de Pollock como en las reflexiones nietzscheanas encontramos un juego lúdico de interpretación y referencias casi inagotable, precisamente porque no puede hablarse con propiedad de una referencia última, correcta y cognoscible. Ambas, nos enfrentana un límite comprensivo,en donde la metáfora cumple un papel de aproximación casi infinita.
Conclusión
Jackson Pollock en sus obras nos muestra sus emociones, se expresa libremente sin convencionalismos, sus obras son complejas, de colores llamativos y los límites los pone el borde del lienzo.
Debido a su peculiaridad y novedad en términos de técnica y corriente artística consigue manifestar el individualismo del imaginario social. Haciendo inigualable su obra y dejando al espectador total libertad de interpretación.
Una frase que utilizaba él era..."En el piso me siento más cómodo, me siento más cerca, me siento parte de la pintura, puesto que, de esta manera, puedo caminar a su alrededor, trabajar desde los cuatro costados, y estar, literalmente, en la pintura” 
En esta frase expresa que el modo de realizar sus obras lo hacía parte de la misma, ya que aparte de los diversos elementos que utilizaba para aplicar la pintura, también lo hacía con partes de su cuerpo y ésta interacción generaba una obra única e inigualable.
Bibliografías
https://www.virtualia.eol.org.ar/
http://beta.art21.org/
https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page
https://es.wikipedia.org/wiki/Main_Page
https://www.moma.org/interactives/exhibitions/2010/williamkentridge/
https://www.nytimes.com/
Libros:
-Biblioteca del conocimiento, enciclopedia escolar para toda la familia, tomo 36 "Historia del arte siglos XIX y XX"
-"Arte la guía visual definitiva" de diario La Nación.