Pollock - María Luz Asprella (1)

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El Surrealismo es un movimiento vanguardista que se gesta en 
París, desde la década de 1929 cuyo iniciador es el escritor 
francés Andrés Bretón. Busca su inspiración en la dimensión 
psíquica más profunda del hombre: su objetivo es liberar los 
impulsos reprimidos en el inconsciente. 
El Surrealismo fue una de las mayores influencias para los 
expresionistas abstractos, adoptaron la noción de liberar la 
energía del inconsciente y pintar de forma automática el estilo 
biomorfismo, (estilo pictórico que se centra en el poder de la 
vida natural y utiliza formas orgánicas) éste movimiento fue 
también una respuesta a la sociedad estadounidense de posguerra 
que movió a los artistas a comunicar sus vivencias y 
sentimientos más íntimos. 
 
 
Surgió en las décadas de 1940 y 1950 en New York. 
Los artistas convierten la obra en reflejo espontáneo de sus 
pulsiones internas, sirviéndose exclusivamente del material 
pictórico. 
El expresionismo abstracto se puede dividir en dos grupos 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
-
En ésta técnica la imagen es un reflejo 
directo de las emociones del artista 
mientras crea. Sus practicantes vertían, 
goteaban y salpicaban la pintura sobre el 
lienzo. Hans Hoffman fue de los primeros 
en hacerlo, pero fue Pollock quien llevó 
ésta técnica hasta su conclusión lógica, 
abandonando las restricciones de los 
pinceles y del caballete para crear 
imágenes que describió como "energía y 
movimiento en forma visible". 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Es una técnica pictórica que consiste en dejar gotear la pintura 
sobre el lienzo, extendido en el suelo, para conseguir formas y 
manchas que el artista irá creando espontáneamente. 
La técnica del dripping forma parte del action painting que 
consiste en convertir la obra en la representación de la propia 
acción de pintar y no en la representación de la realidad. El 
action painting es un movimiento dentro de la pintura abstracta, 
surgido en el siglo XX, mediante el cual se hace uso del color y 
la materia para expresar sensaciones como el movimiento, la 
velocidad y la energía. Para ello no sólo se emplean materiales 
estrictamente pictóricos, sino que se experimenta con otros 
elementos tan diversos como por ejemplo la arena o el alambre. 
Jackson Pollock es considerado el máximo exponente de la técnica 
del dripping. A finales de la década de los 40 pintó una gran 
cantidad de obras con esta técnica y la comparó con el ejercicio 
de la escritura automática surrealista, dado su elevado grado de 
espontaneidad que obliga al artista a plasmar una parte de su 
interior en cada cuadro. 
Posteriormente, en las décadas de los 50 y los 60, el dripping 
fue utilizado por una gran cantidad de artistas informalistas, 
no sólo estadounidenses sino también europeos, aunque ninguno de 
ellos consiguió la misma excelencia que Jackson Pollock. 
 
Mientras que la esencia del actions painting era 
audaz y enérgica, la Color field painting era 
contemplativa y esmerada. Sus composiciones 
presentan amplias áreas de color, a menudo sin 
grandes contrastes tonales, ni un punto focal claro. 
muchas obras de éste estilo buscaban inspirar a 
quien las contemplara, sentimientos trascendentes y 
sobrecogedores. El enorme tamaño de muchos de los 
cuadros abruma al espectador que induce a un 
sentimiento de aislamiento en un mundo ilimitado. 
Consiste en rellenar áreas de color que parecen 
expandirse más allá de los límites del cuadro, 
produciendo cierto efecto de similitud. 
Si la actions painting era el resultado de un agudo 
estado de consciencia del pintor, lo que buscaba el 
color field painting era inducir dicho estado del 
espectador. 
 
En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor Charles 
Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió junto con su hermano 
y bajo la tutela del pintor Thomas Hart Benton en el Art 
Students League of New York. 
Tratando de lidiar con su problema de alcoholismo, Pollock se 
sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson 
entre 1938 y 1941 y posteriormente con la Dra. Violet Staub de 
Laszlo en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su arte, 
alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos 
junguianos quedaron expresados en sus pinturas. 
 
Pollock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. 
Recibió el encargo de crear la obra Mural (1943), que mide 2.43 
x 6.04 m,[10] para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. 
Como sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock 
pintó esta obra en un lienzo en lugar de la pared para que la 
obra fuera portátil. 
En octubre de 1945, Pollock se casó con la pintora 
estadounidense Lee Krasner y en noviembre se mudaron a las 
afueras de la ciudad a Springs (Nueva York) en el área de East 
Hampton en la costa sur de Long Island. Pollock convirtió el 
granero en su estudio y en ese espacio perfeccionó su técnica de 
pintura de grandes "salpicaduras", con la que se sentiría 
permanentemente identificado. Comenzó a pintar con los lienzos 
recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de 
salpicar pintura. Comenzó a utilizar pinturas con base en una 
novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock 
describía estas pinturas como más que una simple herramienta de 
trabajo, "un resultado natural salido de una necesidad". 
Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar 
la pintura. 
Con el Action painting con esta técnica, Pollock logró un medio 
inmediato para crear arte: la pintura fluía literalmente desde 
la herramienta de su elección hacia el lienzo. Al desafiar las 
convenciones de pintura en una superficie vertical, él añadió 
una nueva dimensión al ser capaz de ver y aplicar pintura a sus 
lienzos desde todas direcciones. 
 
 
 
 
Las pinturas más famosas de Pollock fueron hechas durante el 
"Periodo de goteo" entre 1947 y 1952. Escaló rápidamente a la 
fama después de un artículo de cuatro páginas en 1949 en la 
revista Life, en la que se hizo la pregunta "¿Acaso es él el 
pintor vivo más grande de los Estados Unidos?". En el pico de su 
fama Pollock abandonó abruptamente su estilo de goteo. 
Después de 1951, el trabajo de Pollock fue de colores más 
oscuros, como su colección pintada con negro sobre lienzos 
crudos. Posteriormente, volvió a utilizar color y re-introdujo 
elementos figurativos. Durante este periodo, Pollock se cambió a 
una galería más comercial debido a que había mucha demanda de su 
trabajo por parte de coleccionistas. En respuesta a esta 
presión, unido a frustraciones personales, su problema de 
alcoholismo se hizo más profundo. 
En 1955, Pollock realizó sus últimas dos pinturas, Aroma y 
Búsqueda. El artista no pintó nada en 1956, pero estaba 
realizando esculturas de alambre, gasa y escayola en la casa del 
escultor Tony Smith Formadas con el método de molde de arena, 
tenían superficies con mucha textura, similares a lo que Pollock 
creaba en sus pinturas. 
El 11 de agosto de 1956, a las 22:15 horas, Pollock murió en un 
accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible debido a 
que conducía bajo la influencia del alcohol. Edith Metzger, una 
de las pasajeras, también murió en el accidente. La otra 
pasajera, Ruth Kligman, artista y amante de Pollock, sobrevivió 
al siniestro. 
Por el resto de su vida, la viuda Lee Krasner se encargó de los 
asuntos del artista y se aseguró de que la reputación de Pollock 
se mantuviera fuerte a pesar de las tendencias cambiantes del 
mundo del arte. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Fue un influyente pintor estadounidense y principal artista del 
expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su 
estilo de chorrear pintura (dripping). 
convirtió el granero en su estudio y en ese espacio perfeccionó 
su técnica de pintura de grandes "salpicaduras", con la que se 
sentiría permanentemente identificado. Comenzó a pintar con los 
lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su 
técnica de salpicar pintura.Comenzó a utilizar pinturas con 
base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. 
Pollock describe estas pinturas como más que una simple 
herramienta de trabajo, "un resultado natural salido de una 
necesidad". Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas 
para aplicar la pintura. 
Los colores que utilizaba eran industriales, desde esmaltes 
sintéticos a pinturas metalizadas. Incorporaba a sus cuadros 
objetos extra artísticos arena, cigarrillos, vidrios…En sus 
obras elimina el concepto de composición, y mezcla signos 
caligráficos con trazos pictóricos. 
La Action Painting es un rechazo de todo convencionalismo 
estético, una expresión libre y subjetiva del inconsciente y de 
ejecución espontánea. Interesa más el proceso de pintar que el 
contenido. 
 
 
 
 
 define “bello es lo que, sin concepto, place universalmente”, 
así en las obras pictóricas de Pollok observaremos que no hay 
objetos definidos para examinar, sino que en las mismas hay una 
belleza libre; y esta no presupone conceptos del objeto, sino 
que es bella en sí. 
Heidegger: Entre Pollock y Heidegger podemos establecer la 
conexión entre la obra de Pollock y la filosofía de Heidegger. 
La ausencia de racionalidad es un elemento común en ambos, no 
admitían el análisis racional de sus obras e intentaban alcanzar 
una experiencia entre la obra y el receptor, Pollock a través de 
sus pinturas y Heidegger mediante lo poético. 
 
Otra relación en común es la ausencia de nombres. Podemos 
observar que parte de la obra de Pollock están numeradas, con la 
intención de que el espectador, tenga absoluta libertad 
interpretativa, así como creativa. 
 
sostenía que el hecho de poner nombre acotaba la experiencia, 
que el propio espectador tenga mayor libertad al mirar una de 
sus obras. 
El pensamiento poetizado heideggeriano y el expresionismo 
abstracto de la plástica de Pollock buscan alcanzar un sentido, 
de la plenitud de las cosas. 
 
 
 
 
Tanto en la experiencia abstracta que ofrece la obra de Pollock 
como en las reflexiones nietzscheanas encontramos un juego 
lúdico de interpretación y referencias casi inagotable, 
precisamente porque no puede hablarse con propiedad de una 
referencia última, correcta y cognoscible. Ambas, nos enfrentana 
un límite comprensivo,en donde la metáfora cumple un papel de 
aproximación casi infinita. 
 
Jackson Pollock en sus obras nos muestra sus emociones, se 
expresa libremente sin convencionalismos, sus obras son 
complejas, de colores llamativos y los límites los pone el borde 
del lienzo. 
Debido a su peculiaridad y novedad en términos de técnica y 
corriente artística consigue manifestar el individualismo del 
imaginario social. Haciendo inigualable su obra y dejando al 
espectador total libertad de interpretación. 
Una frase que utilizaba él era..."En el piso me siento más 
cómodo, me siento más cerca, me siento parte de la pintura, 
puesto que, de esta manera, puedo caminar a su alrededor, 
trabajar desde los cuatro costados, y estar, literalmente, en la 
pintura” 
En esta frase expresa que el modo de realizar sus obras lo hacía 
parte de la misma, ya que aparte de los diversos elementos que 
utilizaba para aplicar la pintura, también lo hacía con partes 
de su cuerpo y ésta interacción generaba una obra única e 
inigualable. 
 
 
https://www.virtualia.eol.org.ar/ 
http://beta.art21.org/ 
https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page 
https://es.wikipedia.org/wiki/Main_Page 
https://www.moma.org/interactives/exhibitions/2010/williamkentridge/ 
https://www.nytimes.com/ 
Libros: 
-Biblioteca del conocimiento, enciclopedia escolar para toda la familia, tomo 36 
"Historia del arte siglos XIX y XX" 
-"Arte la guía visual definitiva" de diario La Nación. 
 
 
https://www.virtualia.eol.org.ar/
http://beta.art21.org/
https://en.wikipedia.org/wiki/Main_Page
https://es.wikipedia.org/wiki/Main_Page
https://www.moma.org/interactives/exhibitions/2010/williamkentridge/
https://www.nytimes.com/