Detrás de cámara

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Detrás de cámara 
Sección de directores destacados, sus obras, legados y escensia. 
Wong Kar Wai 
Un romántico idealista, ah, pero también director, productor y guionista.
Nació en Shanghái el 17 de julio de 1958, el director insignia de Hong-Kong ha recorrido una largo y estilizado camino hasta el día de hoy, donde según sus propias palabras; “sólo se encuentra en la mitad de su carrera”
Diseñador gráfico de profesión y titulado de la Universidad Politécnica de Hong Kong; llamado al cine por las innumerables horas que pasó de niño viendo cine junto a su madre, mientras aprendía cantones. Kar-Wai comenzó una Capacitación en Producción, organizado por la Televisión Broadcasts Limited (TVB) de Hong Kong y se hizo guionista de televisión a tiempo completo; siendo As tears go by (1988), su primera película y despegando su carrera en 1990 con la película Days of being wild 
Happy together, 2046, Fallen angels, In the Mood for Love, y no olvidar Chunking Express, entre más filmes del director; tienen elementos muy característicos, haciendo posible distinguir la marca de Wai en todas sus producciones, pero ¿qué es esto?, ¿qué hace los filmes del Wong Kar Wai tan oníricos?
Los colores, los colores son de los elementos más característicos, es fácil distinguir entre el verde de Fallen angels y los azules de My Blueberry Nights, esto viene a que los colores son más que un elemento estético. Junto a su director de fotografía, Christopher Doyle; los colores se convierten en un elemento narrativo, dándole ese mal llamado “estilo poético” que trasmiten las emociones, estados de ánimo e incluso el paso del tiempo en sus obras. La mezcla de colores brillantes y opacos, los juegos de sombras y el uso de colores específicos para transmitir emociones, pasión, deseo, ira, etc. 
Junto a los colores, el tiempo y la velocidad son elementos característicos, ¿cuánto tiempo transcurre en In the Mood for Love? ¿Días, semanas, meses? La ensoñación de los filmes de Kar está directamente ligada a la inexistencia del tiempo, los cambios abruptos de perspectiva, la narrativa no lineal. Con las escenas en slowmotion, las tomas desenfocadas y los espacios enmarcados, se da un flujo subjetivo del tiempo. El tiempo no importa, no es relevante; porque todo está dentro de los personajes. Wong Kar Wai desacelera el mundo y acelera la percepción. 
En los filmes del hongkonés también se destacan sus personajes, no hay dos iguales y se caracterizan por su complejidad y vulnerabilidad; todo se mueve en torno a las relaciones humanas, ya sea la culminación, desarrollo u perdida de estas. Los personajes se ven profundamente tocados por temas como el amor, la soledad, la nostalgia, los sueños, libertad, la violencia y la búsqueda de conexión emocional. Son personajes con los cuales es fácil relacionarse e identificarse, sus anhelos, miedos, propósitos y gesticulaciones. ¿A quién no le ha dado cosquilleo ver la mirada de Tony Leugn?
El hongkonés podría clasificarse en esa categoría inexistente entre magos, poetas y genios; seguramente las 3, puesto que toma el absurdo y lo convierte en encanto ¿Una mujer de peluca rubia corriendo por todo un mercado ilegal? ¿Una tensión erótica a raíz de comprar fideos en el mismo lugar? ¿Convertir un minuto en una eternidad? ¡sería más que ridículo y un fracaso con alguien más! Wong kar-wai recoge todo el sinsentido, y lo convierte en encanto, no son sólo películas y escenas blandas, es toda la visión construida, el poder de transmitir la confusión, la incertidumbre, todas las emociones de sus personajes, de una forma que el espectador la acepte y tome como belleza. 
Hayao Mikayazi 
El amado hijo de la naturaleza y la esperanza; convertido en director, animador, ilustrador, empresario, mangaka y productor de carácter pesimista. 
Hayao Miyazaki nació 5 de enero de 1941, en Bunkyō, Tokio. Hijo de una familia acomodada, Miyazaki es el segundo de cuatro hermanos; su padre era el director de la compañía “Miyazaki airplanes” la cual se encargaba de construir timones para los aviones de combate A6M Zero, durante la segunda guerra mundial. Hecho que influyó profundamente en él por el resto de su vida, convirtiéndolo en un apasionado por la aviación, y un hombre antibélico; características que se ven reflejadas en sus obras. 
El interés de Miyazaki en la animación comenzó en su tercer año de preparatoria, con El cuento de la serpiente blanca” Quien diría que un adolescente enamorándose de una protagonista, daría paso a uno de los estudios de animación más importantes. Con el objetivo de dedicarse a las empresas de su padre, Hayao se gradúa en 1963 de la Universidad de Gakushuin con un título en ciencias políticas y economía. Esto no lo alejó de su pasión, y desde sus años universitarios comenzó a sentar las bases de su estilo y con una determinación a convertirse en un artista. 
Con un título en mano, el nipón se enfiló en la explotación laboral (Siendo varias veces líder de sindicatos) en el estudio Toei Animation; pero no todo es malo, hay es aprendizaje, puesto que aquí Miyazaki cultivaría las semillas de su prolijo trabajo, y algunas de sus conexiones más valiosas, primero su esposa, Akemi Ōta y su mentor y cofundador de Studio Ghibli, Isao Takahata. En Toei, Hayao colaboraría con Takahata para la realización de animes como Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes; también dirigió su primera serie, Conan el niño del futuro.
Pero el carácter ambicioso y creativo del director era más grande que sólo dirigir, Miyazaki quería presentar sus historias originales; lográndolo con su manga y posterior película “Nausicaä del Valle del Viento” y es que aquí nace todo. El estilo de Miyakazi, sus ideales, sus pensamientos, sus símbolos. Nausicaä fue un impulso tan grande, que terminan abriendo Studio Ghibli en 1985.
Nausicaä, Nausicaä ¿Qué importancia tiene Nausicaä?, ¿qué hito tiene con todas las películas de Miyazaki?, ¿qué comunica Hayao?
La dirección de Miyazaki se construye desde la narrativa y la intuición (esto de forma literal, construyen los storyboards a la par de la realización), para él la emoción es la clave. Y es que de esto se puede desglosar todo, las narraciones Ghibli son tan mágicas y humanas; por ejemplo, los temas que aborda, los filmes de Hayao Miyazaki siempre tendrán una esencia; ecologista, antibélica y que busca la recuperación de valores; como la compasión, sensibilidad, empatía y responsabilidad. Los “Kami” espíritus y deidades de la naturaleza, son recurrentes en sus obras, tal como en “Mi vecino Totoro” “Princesa Mononoke” “El viaje de Chihiro” estos espíritus cumplen ambas funciones, conectar y reivindicar los valores y tradiciones japonesas, a su vez, devolvernos a loa conexión espiritual con la naturaleza. Para Mikazaki “La naturaleza existe como una fuerza increíble”
Y todo este misticismo y herencia de la naturaleza no vienen solos, se complementan con la imaginación y fantasía de los filmes; mundos extraordinarios, criaturas mágicas, la metamorfosis; todos estos elementos tan bien construidos, y nunca al azar, son los que tienen la capacidad de transportar al espectador y no sentir una fantasía o personajes forzados, sin sobresaturar, sin sobreexplotar. Se hace de la magia un personaje más, no develando demasiado, no haciéndola muy complicada, sólo es; se mantiene la empatía en los humanos y el misterio en las criaturas fantásticas. 
Fantasía, humanidad, ¿qué se puede decir de los personajes de Miyazaki? Hayao está encantado con las personas, quizás no tanto con la vida, pero si alguien puede entender, comprender, sentir a las personas, es él. Siendo la animación característica por tener personajes tan expresivos, llegando a tonos irrealistas y fastidiosos, ¿qué hacen los filmes de Studio ghibli para expresar dicha humanidad? Hayao construye personajes complejos, vulnerables, nada de extremos, son imperfectos, pero evolucionan, aprenden y crecen, poseen una humanidad con detalles, pequeños detalles que los vuelven reales. Todo nace de observar a las personas,así captar la esencia de la humanidad. Personajes como Howl un superficial benevolente, o Mononoke una guerrera brutal, no se trata de reprimir los sentimientos negativos, pero aceptar que dentro de todos hay partes de salvajismo y bondad. 
También la cantidad meticulosa de detalles, en las películas de Miyazaki siempre hay algo más pasando, tal como sucede en la vida real. 
Un hombre tan meticuloso, exigente y en palabras de su hijo, adicto al trabajo, no podía hacer menos que seguir utilizando animación tradicional, se niega a caer en las computadoras, puesto que no transmiten su estilo artístico, ni la calidez u autenticidad de sus películas.
La trayectoria y dedicación de Miyazaki ha pagado frutos, siendo hoy referente de importantes directores, revolucionando la visión y aceptación de la animación; todo su estilo, enfoque y capacidad de contar historias conmovedoras, sólo desde su deseo de hacer buenas películas.
Park ChanWook
¿Qué tan calenturienta, perturbadora y triste puede ser una película de Park ChanWook?
El director, guionista, productor y filosofo. Nacio el 23 de agosto de 1963, en Seúl Corea del Sur; estudio Filosofía en la Universidad de Sogang, decepcionado con la filosofía analítica y la realidad violenta en la que vivía corea durante la Quinta Républica, Chan se lanza al séptimo arte, inaugurando un club de cine llamado “Comunidad fílmica de Sogang” Desde su posición como estudiante de filosofía, publicó artículos de cine contemporáneo, y afirmó su deseo de convertirse en cineasta después de ver la película Vértigo de Alfred Hitchcock.
Escalando en el medio, Park comenzó como crítico, pasando a asistente de dirección películas como: Khamdong y A Sketch of a Rainy Day. En 19992 Wook tuvo la primera oportunidad de dirigir una película, siendo Moon is the Sun's Dream y sus siguientes dos trabajos de nulo reconocimiento. Ante esto, Park volvió a escribir críticas; una muestra que a veces sólo se trata de seguir intentando.
Porque en el 2000 dirigió Joint Security Area, y pim pam pum, de tener 3 trabajos sin recepción, a ser el director de la producción surcoreana más vista y taquillera de la historia, hasta ese año. Esto posciciono a ChanWook en una situación de ventaja, permitiéndole tener una libertad creativa enorme en su siguiente película Sympathy for Mr. Vengeance, 
De aquí, todo en subida. ¿Quién era este filosofo y cómo logro una película tan impresionante? ¿Acaso todas sus películas son así? Es momento de desglosar el arte de Park ChanWook; su violencia onírica, sentido de humor shakesperiano, arraigo a la naturaleza humana, en un filme de colores pintorescos 
Las tramas de Park se caracterizan por ser poco convencionales, a su vez tocando deseos profundos de las personas: venganza, culpa, lujuria, etc. de una forma en la que nadie lo haya hecho antes; lleva todas estas emociones y deseos a de forma intensa a sus filmes. Otro hecho a reconocer a sus tramas son los giros inesperados. ¿Traición dentro de traición en La doncella? Definitivamente agarro a más de uno con la guardia baja. Park rompe las reglas del cine, pegarse al protagonista u ceñirse al género; tal como acróbata el hombre tiene la capacidad de hacer metamorfosis en medio de los filmes. 
Junto a la venganza, que es muy reconocible en su trilogía de Sympathy for Mr. Vengeance (2002), Oldboy (2003) y Lady Vengeance (2005) Es, damas y caballeros. La violencia, y es que en todas sus películas hay un poco, es una de las características de su cine; una violencia explicita, bizarra y perturbadora, eso sí con propósito en la trama. Chan no se limita a dividir sus personajes entre buenos y malos, para Wook, la idea de retratar la violencia es mostrarla en ambos sentidos, desde la vulnerabilidad de la víctima hasta la culpa del victimario. Escenas sangrientas, escenas de lucha intensas y situaciones extremas, todo con un propósito de construir en la historia. 
Chanwook cuenta que para él es muy importante realizar una violencia cruda, con finales trágicos, esto como un discurso antiviolencia; puesto que creció siendo testigo de la opresión y violencia de la dictadura Chun Doo-hwan.
Pero entre tanta violencia y profundidad de dilemas morales, ¿cómo se hace más liviana la situación? Shakespeare, y tiene sentido, contando con que en 2004 ChanWook citó a Sófocles, SHAKESPEARE, Kafka, etc. Como las principales influencias en su carrera, y es que es muy placentero encontrar ese humor verbal ingenioso y las gestualidades cómicas de Shakespeare, en Chan. Eso sí, a diferencia de William, quien lo utiliza para darle profundidad y con una intencionalidad más grande, el director lo utiliza para aligerar sus trabajos cuando siente escenas u ambientes muy formales o pesados. 
¿Cómo vas a hacer algo así, Park? Y cito Thirst
- Eramos una familia feliz de tres, hasta que nos infectaste ¡Eres un germen!
- ¡Dijiste que era lindo, perra! 
También tener a los soldados de los dos coreas, escupiéndose a los zapatos, y el ridículo bigote de SookHee. 
Este hombre es increíblemente audaz a la hora de ingresar alivios cómicos.
Para terminar el perfil de Bakridamae, es de suma importancia mencionar su manejo de cámara, puesto que esta construye la historia. Park utiliza movimientos y planos para agregarle valor, emocionalidad e información a las escenas. Zooms outs, los planos frontales y cenitales; son detalles muy característicos del director. 
Park ChanWook se ha convertido en un referente y exponente de cine coreano en el mundo; para aquellos que no creen en la filosofía, este hombre se convirtió en un director de culto,