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Vanguardias artísticas Siglo XX- Virginia Troncoso 1900 mundo industrializado: ferrocarril- capitalismo- división internacional del trabajo. Avacences: progreso- ciencia: idea del mundo más compleja: geología: Lyell- microbiología: pausteur- genética: mendel- teoría de la evolución de Darwin- psicoanalisis: Feud- teoría de la relatividad: Einstein- teoría electromaganetica: Maxwell. Ciencia y técnica muestran otras realidades que existen, para ver y pensar. Los artistas, viviendo en la bohemia. Poema Apollinaire. Discute con un dios, es sobre los que hacen como un dios perfecto y ordenado, los de la academia. Es una lucha de representaciones. Los artistas, son diferentes, buscan aventuras, territorios nuevos, experimentar, necesitan libertad, piden indulgencia, son los modernos que buscan los que tiene misterio. Rompe con los signos de puntuación y con la métrica, es una búsqueda de experimentación. Vanguardia: combaten- exploran fronteras- idea de enemigo. Idea de guerra. Iglesia: idea de orden. Ellos otro territorio. Romper con las reglas. Vanguardias históricas: Alemania: el puente. Kishner, bodo y su hermano. Fuerte crítica social. bodo: orejas- prostituta. Su hermano: viejo verrde proxeneta, el color tiene contenido simólico la modificación del color tiene base social. muestran la otra cara del progreso. Leen a Netzsche con fuerte crítica a todo. Franncia: fauvismo 1905. Se muestra en el salón de otoño, en el circuito oficial, pudieron exponer, porque Matise estaba en la organización. El año anterior ya habían estado en una galería: Berthe Weill (1904), lo que da cuenta de un circuito de merdo que hacía que los artistas tubieran libertad. Fauvismo es un nombre puesto por la crítica, quería decir que pintaban como animales, porque fauv es bestia. Influencia de Bergson- crose: tiempo- duración. Vosotros con la boca hecha a la imagen de la boca de Dios boca que es el orden mismo sed indulgentes al compararnos con los que fueron la perfección y el orden nosotros que siempre buscamos la aventura no somos enemigos Queremos daros vastos y extraños dominios donde el misterio germina para el que quiera cosecharlo hay fuegos nuevos colores nunca vistos mil fantasmas imponderables para darles realidad y explorar la bondad país enorme y silencioso hay tiempo para desterrar y tiempo para el regreso piedad para nosotros que combatimos siempre en las fronteras de lo ilimitado y lo porvenir piedad para nuestros errores piedad para nuestros pecados. Guillaume Apollinaire La linda pelirroja Salón de otoño de 1905: 18 salas con 1625 obras Grand Pallais, inaugurado en 1900. Muestras en la Galería de Berthe Weill en 1904 y 1905 Matisse: pinta a su mujer con la raya verde. Es compositivo. Expresionismo. Se modifica el color con fines compositivos. Experimentan con el color por contraste y por matices. No hay correspondencia entre la línea y el color, a veces usa la línea del color- hay un uso arvitrario del color. “Matisse es uno de los pintores actuales más sólidamente dotados. Habría podido obtener fáciles aprobaciones, pero prefiere ahondar, errar en búsquedas apasionadas, exigir al divisionismo más vibraciones, más luminosidad.” Vauxcelles . Gil Blas. 17 octubre 1905 Vauxcelles es un critico. Habla de Matisse, el pinta así porque lo elige, cuanto mayor divorcio tienen con el publico es mejor, porque el burgues no entienede nada, no es para el mercado, es muy elitista, muy pocos lo entieneden. Por dominación simbólica reproduce la lógica del mercado, que e sel que le pide novedades. Lo vincula con el puntillismo, cuando en realidad no tenían algo en común. Los fauvistas estaban en contra de todo: puntillismo- art nouvo Pecera sobre la mesa. Tema secundario. Importancia de cómo se pinta, es lenguaje artístico, trabajar con el color. No se busca representar. Se busca componer pensando en el equilibrio de los colores, usa los complementarios, es una composición simétrica, con equilibrio, un juego de tensiones en lo cromático. Hay un rebatimiento del plano de la mesa, pecera al frente, rompe con perspectivas geométricas con varios puntos de vista (= van gotg y cezanne) “Para mí, la expresión no reside tal vez en la pasión que estalla en un rostro o que se revela en un movimiento violento; se encuentra más bien en el ordenamiento total de mi cuadro; el espacio que ocupan los cuerpos, las partes vacías que los rodean, las proporciones: todo ello tiene su parte en la expresión. A menudo, mi interés por el modelo no se echa tanto de ver en la representación de su cuerpo como en las líneas distribuidas por toda la hoja o en los valores particulares que forman su orquestación. Pero no todos lo notan. Se trata quizá de un gozo sensorial refinado, que no está todavía al alcance de todo el mundo.” Henri Matisse Madame Matisse: Arte y naturaleza son cosas distintas. No es una mujer, es una mujer pintada. Busca lograr la armonía desde el punto de vista cromático. Hay un ordenamiento total del cuadro, todo tiene su parte en la expresión. Cada cuadro da su propia regla de juego, genera un nuevo orden, pero no respeta un orden académico. La idea es componer. Ya no se representa. Arte: equilibrio sin tema. Matisse Habitación roja 1908. «Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón». Cuadro sin profundidad, no hay diferencia fondo y mesa. No diferencia figura y fondo. Rojo: fondo activado, no acompaña, trabaja. Vlaminck. Anarquista. Colores estallan. Mentalidad belicista. “En el arte, las teorías prestan la misma utilidad que las recetas en medicina: para creer en ellas es preciso estar enfermo” Maurice de Vlaminck Henri Matisse (1869 – 1954) Retrato de Derain 1905 Maurice Vlaminck (1876- 1958) André Derain 1906 Óleo sobre cartón, 27 x 22,2 cm. “Vlaminck solía decir: ‘la pintura es como la cocina; no se explica, se saborea’. Era un artista que pintaba para sí mismo, no ponía títulos, ni fechas a sus obras. Se ponía a pintar cuando sentía que lo embargaba una gran emoción, un sentimiento o una sensación. Era un hombre libre, anticonformista, así que le importaban muy poco las críticas. Lo que le interesaba era expresar sus sentimientos de la manera más auténtica”, explicó a RFI la historiadora Véronique Alemany, responsable de esta muestra. http://www.rfi.fr/es/cultura/20150422-vlaminck-el-fovista-olvidado “Los colores eran para nosotros cartuchos de dinamita”. André Derain Sentía una gran admiración por Van Gogh y por Cézanne. Pintó una series de obras fauvistas, primero en Collioure, en 1905, y más tarde en Londres en 1906, entre ellas: “Una Esquina de Hyde Park”, «El Puente de Westminster» y “The London Bridge”. La mayor parte de su obra de esta época son paisajes tanto rurales como urbanos, y muestran las características más puras del fauvismo, con pinceladas irregulares, de colores puros y una ausencia de perspectiva realista. A principios de 1908 sin razón ni explicación, destrozó sus obras, y se dedicó a pintar paisajes inspirados en la obra de Cézanne, lo que le hizo pintar con colores más sosegados y con composiciones más realistas. En 1910 se aproximó al cubismo realizando obras geométricas. https://trianarts.com/andre-derain-y-el-fauvismo/#sthash.9rgO3065.dpbs Futurismo 1905. Fouvismo Francia. El Puente Dresde- Imperio Alemán. 1907. cubismo Francia. 1909. futurismo, son italianos pero empieza con manifiesto en Francia. 1911-13 Cubismo arquitectónico en Praga. Checos más cercanos a franceses que a los alemanes. 1911. El Jinete Azul, Múnich. 1912- 1918. Escuela de Ámsterdam, Holanda.Arqutectura, expresionismo. Expresionismo Der Blaue Reiter. El jinete azul. Múnich – 1911 Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) fue el nombre de un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Berlín en 1911 hasta 1913, que transformó el expresionismo alemán. También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo, así como los movimientos coetáneos del fovismo y el cubismo. August Macke y Franz Marc defendían la opinión de que cada persona posee una verdadera vivencia o experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Kandinsky construyó las bases teóricas que cimentaron esta idea. Se perseguía así una "igualdad de derechos" de las distintas manifestaciones artísticas. El nombre del grupo “En marzo de 1902 llegué a Praga. Venía de Dresde. Desde Bodenbach, donde se halla la aduana austríaca, las maneras de los empleados del ferrocarril me demostraron que la rigidez alemana no existe en el imperio de los Habsburgo. […] Para mi asombro, los cinco primeros no conocían una sola palabra de alemán y sólo hablaban el checo. El sexto me escuchó sonriente y me contestó en francés: —Señor, hable usted en francés; detestamos a los alemanes mucho más que los franceses. Odiamos a esa gente que quiere imponernos su idioma y se aprovecha de nuestra industria y de nuestro suelo, cuya fecundidad produce de todo: vino, carbón, piedras finas y metales preciosos, sí, todo, menos la sal. En Praga sólo se habla el checo, pero cuando usted hable en francés los que sepan responderle lo harán con alegría.”[…] Guillaume Apollinaire. El caminante de Praga. 1910 deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1903 de Kandinsky, que sirvió como ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque). Esta obra programática, entregada por Kandinsky y Marc (Editorial Piper, Múnich, 1912) recogía, en palabras de Marc, «Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos hilos de conexión con el gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos de la Europa de nuestro tiempo». Arnold Schönberg, por ejemplo, también aportó textos y cuadros a la composición «Herzgewächse». La primera de las dos exposiciones del Jinete Azul tuvo lugar desde diciembre de 1911 hasta el 1 de enero de 1912 en la Galería Moderna Thannhäuser en Múnich. Se mostraron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Macke y Münter entre otros. Más adelante se convirtió en una exposición itinerante, recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín. La segunda exposición se desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y galería de arte muniquesa Hans Goltz. (Wikipedia) Wassily Kandinsky. 1866-1944. Es un ruso instalado en Alemania. Abogado Fue un pintor ruso, precursor del arte abstracto en pintura y teórico del arte. Se considera que con él comienzan la abstracción lírica y el expresionismo. Pasó su niñez en Odessa, donde se graduó en la Escuela de Arte Grekov Odessa. Se matriculó en la Universidad Estatal de Moscú, donde estudió derecho y economía, tras lo cual empezó a ejercer con éxito su profesión e incluso le ofrecieron un puesto de profesor de derecho romano en la Universidad de Dorpat. Sin embargo, decidió comenzar a estudiar pintura cuando tenía 30 años. En 1896 se estableció en Múnich, Alemania, donde se formó en la escuela privada de Anton Ažbe primero y en la Academia de Bellas Artes de Múnich después. Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra Mundial. Tras la Revolución rusa, se convirtió en un gran conocedor de la administración cultural de Anatoli Lunacharski, el Comisario de Educación de la nueva administración soviética de Rusia,2 y ayudó a fundar el Museo de Cultura de la Pintura.3 Sin embargo, para entonces su «perspectiva espiritual... era ajena al materialismo argumentativo de la sociedad soviética»,4 y las oportunidades le atrajeron de nuevo a Alemania, a donde retornó en 1920. Allí enseñó en la Escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde 1922 hasta que la cerraron los nazis en 1933. Entonces se trasladó a Francia, donde residió el resto de su vida y donde adquirió la ciudadanía francesa en 1939. En este país creó algunas de sus mejores obras. (Wikipedia) Murnau con iglesia. 1910 Tiene parecidos con el fauvismo. Luego elimina el tema pero no el contenido. Composición 1911. Asimilaba colores con música y emociones. Prefería la acuarela. Elimina el tema, pero no el contenido que es emocional. El cuadro se completa cuando el espectador recupera la emoción. Se inscribe dentro del expresionismo, pero se diferencia del movimiento anterior, el puente, en que ese deformaba como crítica social, mientras que El jinete azul lo hacía para trasmitir emociones. Experimentaba. A veces era absolutamente abstracto, a veces ponía una referencia, buscaba jugar con líneas y colores. Composición a partir de ritmos, simetría o asimetría, fuerzas antagónicas dentro de la obra, juego de tensión en líneas, puntos y planos. Teoriza sobre eso. Abstracción: fenómeno que por su amplitud es uno de los movimientos más profundos del siglo XX. Es un fenómeno más que una tendencia. Análisis de la obra formal. Color manchas o líneas por contraste, dan direcciones de adentro hacia afuera, dan sensación de que el espacio puede continuar. Bourdieu: espacio como campo, como fragmento de algo que puede continuar. Recorte con su propia lógica de funcionamiento. Líneas rojas cierran. Ritmos naranjas, verdes, azules. Equilibrio por tensiones. Son campos de fuerzas, que los direccionan para un lado o para el otro. Expresionismo arquitectónico. Escuela de Ámsterdam. 1912-1916. se desarrolla en la etapa previa a la guerra y durante. “un edificio de ladrillo no excesivamente sobrio” Construcción con ladrillo, lo decoran para, lo recargan para que aparezca lo subjetivo. La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en Europa durante las primeras décadas del siglo XX, en paralelo al Expresionismo. El término se comenzó a usar englobando una serie de creaciones vanguardistas en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca entre 1910 y 1924. Posteriormente, se aceptó que la arquitectura expresionista también abarcaba obras desde el año 1905, y no solamente de esos países, sino también del resto de Europa. Hoy en día, el sentido del término se considera válido para la arquitectura que, independientemente del lugar de procedencia y la época de construcción, cumple con una serie de características como la distorsión, la fragmentación, o la manifestación de una emoción violenta. A pesar de que la arquitectura expresionista fue individualista y, generalmente, carente de dogmas, se pueden establecer una serie de criterios objetivos que la definen. Dentro de las múltiples obras expresionistas que hoy se conocen, e independientemente de las grandes diferencias que entre ellas hay, también se pueden ver aspectos comunes: 1. Distorsión de las formas para suscitar la emoción. 2. Subordinación del realismo de las expresiones simbólicas y estilísticas, frente a la experiencia interior. 3. Búsqueda implícita de la novedad, la originalidad y el visionismo. 4. Profusión de los esquemas y trabajos en papel o maquetas, con una exploración y representacióndel concepto más profunda que la construcción misma. 5. Soluciones híbridas, no necesariamente simplificables a un único concepto. 6. Temática romántica de los fenómenos naturales, como las grutas, las montañas, los rayos, el cristal o las rocas, dotando a la arquitectura expresionista de un carácter más mineral que vegetal o animal, característica presente también en el modernismo. 7. Uso del potencial creativo del artesano. 8. Cercanía del estilo gótico, románico y rococó frente al clasicismo. 9. Simbiosis entre el carácter de las culturas occidental y oriental, visible en el empleo de influencias de culturas tan variadas como el islámico, Egipto, la India, o las arquitecturas romana o griega. 10. Concepción artística de la arquitectura. (Wikipedia) Al mismo tiempo se da el 1° barrio obrero. Colonia de trabajo “el Amanecer”. Es de ladrillos, son todos los modulos diferentes, la uniformidad la da el ladrillo y la ventana banca. Se da luego de la 1°GM, en 1918. De Klerk – Kramer Colonia de trabajadores de “El amanecer” Ámsterdam. 1918 Vorticismo. Movimiento vanguardista inglés fundado por Percy Wyndham Lewis en 1914. Relacionado con el cubismo y con el futurismo italiano, se denomina así justamente por una observación del futurista Boccioni, quien sostiene que todo arte emana de un vórtice (una especie de remolino) emocional. Según su fundador, el vorticismo busca combinar la vitalidad y movimiento de la pintura futurista con las propuestas estructurales del cubismo, cuya pintura carece de esa vitalidad. Una diferencia que marca Lewis con el futurismo es que los italianos buscan imitar el movimiento de la máquina. Los vorticistas, en cambio, desean transmitir la brutalidad de la vida mecánica. Si cuando hablamos de vorticismo nombramos en todo momento a Wyndham Lewis, se debe a que es la figura más notoria del movimiento al punto que, muchos años después, él afirma en catálogo de una muestra retrospectiva: “El vorticismo, de hecho, fue lo que yo, personalmente, hice, y dije, en una época determinada”. Aunque desaparece muy pronto (durante la Primera Guerra Mundial), este movimiento es considerado de vital importancia como primera tendencia hacia la abstracción en el arte inglés. Suprematismo. Se inició con las ideas del pintor Kazimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Surgió en forma paralela al constructivismo. Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de los champiñones de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1915.2 La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el Cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kazimir Malévich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto. Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo.3 La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo. Para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus. (Wikipedia) Durante la guerra en 1914- 1918 se dan 2 movimientos, con posiciones sobre la guerra: Holanda Neoplastisismo 1917, plantea lo irracional. Arquitectura sigue escuela de amsterdam Suiza Dadaismo 1916, lo absurdo. Vanguardias rusas 1917. Frente al arte momificado de la academia, numerosos artistas que se habían identificado con las nuevas corrientes europeas (futurismo, cubismo, dadaísmo, expresionismo) abrazaron sus ideales como una posibilidad liberadora al calor de la revolución. Estos artistas constituyeron la vanguardia rusa, cuyas figuras más destacadas fueron el poeta Vladimir Maiakovsky, los artistas plásticos Kazimir Malevich y Vasili Kandisky, los constructivistas El Lisitski, Vladimir Tatlin, Aleksandr Rodchenko, Liubov Popova, Natalia Goncharova, los hermanos Naum y Antoni Pevsner, Vsévolod Meyerhold con su biomecánica teatral y los cineastas Sergéi Eisenstein, Dziga Vértov y Vsévolod Pudovkin. Fueron parte de una dinámica que servía a la sociedad que se estaba construyendo, actores principales de la génesis de un arte nuevo para un hombre nuevo en una nueva sociedad. En el período inicial, la mayoría participó en el trabajo de propaganda, construyendo imágenes y gráfica en apoyo a la Revolución. Buscando una fusión de concepto, forma y contenido, explicando las necesidades y el sentido de la Revolución a una población principalmente analfabeta. Estos artistas y escritores que trataron de separarse de la vieja tradición, se esforzaban por crear una cultura universal que pudiera ser apreciada y comprendida por todos. Fueron los encargados de la misión de crear museos de arte vivo y de organizar escuelas que se adecuaran a las nuevas necesidades. Realizaron demostraciones, decoraron trenes y barcos con composiciones cubo-futuristas y los cubrieron con consignas revolucionarias para llevar la buena noticia a todo el país. A partir de 1919 empezaron a diseñar objetos para la producción industrial y proyectos de arquitectura para modernizar la vieja Rusia zarista. Desde 1917, mientras que los funcionarios académicos huían hacia occidente, los artistas de la vanguardia, reunidos alrededor de la revolución bolchevique se organizaron, colectivizaron sus ideas y asumieron la responsabilidad de dirigir las nuevas instituciones culturales. Esta relación con el Estado no impidió que permanecieran como actores libres de una revolución de la que se sentían arte y parte en la búsqueda de fusionar los postulados socialistas con una formulación artística de ruptura y decididamente modernista. Su objetivo declarado producir “nuevas formas para el nuevo mundo”. https://herramienta.com.ar/articulo.php?id=2750 Arquitectura moderna racionalista 1924. Holanda, Utrecht. Gerry Rietvelt - Casa Schröder Casa moderna, absolutamente racional, más relacionada con el cubismo. Uno de los fundamentos del neoplastisismo, es que es el heredero del cubismo. Gerry Rietvelt Silla roja y azul 1917 Planos, formas geométricas, colores primarios y neutros, blanco- gris. Línea. El diseño prima sobre la comodidad. Se impone el racionalismo, todo calculado, se junta la forma y la función, se impone una forma internacional. Vidrio como elemento predominante, buscan más luz. Mondriant. 1917. Neoplastisismo. Realidad trágica, por el desequilibrio de la guerra. Son utópicos, todo tiene un equilibrio y perfección, buscan vivir con un orden absoluto. Pensaban que nuestra visión subjetiva es lo que nos hace sufrir. Análisis formal: equilibrio logrado por asimetrías. No hay diferencia entre figura y fondo. No hay profundidad, respeta la bidimensionalidad, todo en el mismo plano (eso que empezó Manet con el fondo plano lo logra Mondriant) Trabajo con asimetría. Blanco – negro. Cuadricula. No figuración. Racional. Reducir formas naturales a la pura racionalidad con formas geométrica (como lo planteo cezanne). Busca opuestos, horizontales, verticales, en equilibrio que domina todo. “La realidad nos parece trágica a causa del desequilibrio y confusión de las formas con que se manifiesta. Son nuestra visión subjetiva y nuestraposición limitada las que nos hacen sufrir.” “Detrás de las formas naturales cambiantes se encuentra la pura e invariable realidad. Hay que reducir, pues, las formas naturales a relaciones puras e invariables. Lo universal, detrás de cada aspecto particular de la naturaleza, reside en el equilibrio de opuestos.” De Stijl Gerry Rietvelt Zig Zag1932-33 “Verticales y horizontales son expresión de dos fuerzas opuestas; este equilibrio de opuestos existe en todas partes y lo domina todo” Piet Mondrian “En lo futuro, la realización de la pura expresión plástica en la realidad tangible de nuestro mundo ambiente reemplazará a la obra de arte. Pero, para lograrlo, es preciso que nos orientemos hacia una concepción universal y que nos liberemos de la presión de la naturaleza. Entonces ya no necesitaremos cuadros ni esculturas, por vivir en el arte hecho realidad. El arte desaparecerá en la misma medida en que la vida adquiera equilibrio. Por el momento, empero, el arte sigue siendo más importante, porque por el camino directo de la forma, libre de preconceptos individuales, demuestra las leyes del equilibrio.” Dadá. 1916- 1922.suiza La magia de una palabra —DADA— que ha puesto a los periodistas ante la puerta de un mundo imprevisto, no tiene para nosotros ninguna importancia. Tristán Tzara. Manifiesto Dada. 1917 Yo escribo un manifiesto y no quiero nada y, sin embargo, digo algunas cosas y por principio estoy contra los manifiestos, como, por lo demás, también estoy contra los principios, decilitros para medir el valor moral de cada frase. Demasiado cómodo: la aproximación fue inventada por los impresionistas. Escribo este manifiesto para demostrar cómo se pueden llevar a cabo al mismo tiempo las acciones más contradictorias con un único y fresco aliento; estoy contra la acción y a favor de la contradicción continua, pero también estoy por la afirmación. No estoy ni por el pro ni por el contra y no quiero explicar a nadie por qué odio el sentido común. Jóvenes que en medio de la guerra se reunían en un cabaret, van a llevar el absurdo de la guerra a ultranza. Hans Arp, hace el retrato del jefe del movimiento Tzara (loco de la guerra), no pone nada de representación, usa materiales no convencionales, usados al azar como el absurdo. La cartera de papá 1920. Pedacitos de corteza. Trabajo con el absurdo de manera deliberada, todo lo que sea anti-todo. Dadá es cualquier cosa, es nada, se burlan de todo, extremar la locura para demostrar que esa cultura cristiana- racional había llevado a la guerra que era la mayor locura. Se viven contradiciendo a si mismos. Son un movimiento de nillismo puro. Trabajan con la idea de libertad, que se hace y deshace con el ejercicio de la contradicción. Es hacer lo del momento. Café volter: espectáculos que terminan con la reacción del público, trabajan con lo efímero, lecturas de poema. Recetas para hacer un poema, técnica de construcción por azar. Para hacer un poema dadaísta Tome un periódico. Tome unas tijeras. Escoja en el periódico un artículo de la longitud que quiera darle a su poema. Recorte el artículo. Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en una bolsa. Agítela suavemente. Ahora saque cada recorte uno tras otro. Copie concienzudamente en el orden en que hayan salido de la bolsa. El poema se parecerá a usted. Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo. Tristan TZARA Hans Arp. Azar 1916. Mal gusto, permanentemente provocan. Introducen los ruidos (ya los habían introducido los futuristas, pero con ruidos de la guerra y el progreso) Hugo Ball, auto de navidad, simultáneo y ruidoso 1916. I. Noche de Paz El viento: f f f f f f f f f fff f ffff t t Sonido de la Nochebuena: hmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmm Los pastores: He holah, he holah, he holah. Sirenas. Ocarina.---- crescendo. (Ascensión a una montaña) Chasquidos de látigo, Cascos. El viento: f f f f f f f f f f f ffffffffffffffffffffffffffffff t. III. Aparición del ángel y de la estrella. La estrella: tscke, tscke, tscke, tstsccke, tststststscke, tstststststststecccccccke tscke pch, tscke ptch tscke ptch tscke ptch. El ángel: Ruido de hélice, aumentado suavemente, haciendo trémolos, hasta alcanzar una fuerza enorme, enérgico, demoníaco. Llegada: Silbidos, explosiones, haces de luz estallando. Proyector: Inunda de blanco blanco blanco blanco blanco. Caída de todos los participantes: primero, sobre los codos; después sobre los puños. De modo que se originan dos ruidos relacionados entre sí. Súbito silencio: ------------------------------------------------- Movimiento simultaneo en Nueva York- suiza, se junta en parís. En nueva york 33 amigos: Duchamp, man ray, Gassman Rueda de bicicleta 1913 Ready Made. Objeto encontrado industrializado. La fuente 1917. Migitorio. Cuestionar el concepto de arte, las otras vanguardias anteriores, estaban cuestionando el lenguaje, en Europa el dadaísmo cuestiona todo el sistema. Duchamp se preguntaba por dónde pasa el ser artístico? ¿Qué es lo hace que la obra sea una obra de arte? ¿Quién es el artista? El arte pasa por la idea. Así inicia el arte conceptual. La obra de arte deja de tener la funcionalidad que tiene afuera. Lo descontextualiza al ponerlo en museo se transforma en objeto artístico porque lo carga de sentido. Autoría Artesanía Originalidad: propone el concepto de apropiación, imágen que ya estaba le pone un uso diferente. Le pregunta al sistema ¿qué es el arte? Migitorio: tenía que resultar indiferente a- arte. Juega con la idea de arte como secreto entre cómplices. Rueda de bicicleta: logra movimiento 1913. 1° obra cinética Él firmaba como rose se la vi: la vida es rosa Juega con la ambigüedad sexual. Foto de Man Ray, sale duchamp disfrazado de mujer Mona lisa, símbolo del Louvre. Agrega bigotes y barba, burla total al emblema del arte burgués, desde un juego lingüístico. Obra de duchamp donde aparece clara la idea de apropiación. Con el nombre hace un juego de palabras. Iniciales: en francés ella tiene un culo caliente. Da pie al arte conceptual que juega con la palabra. Hay mucho humor. La palabra tiene sentido en sí misma. Cabanne: Creo que Rrose Sélavy nació en 1920. Duchamp: Efectivamente, quise cambiar de identidad y lo primero que se me ocurrió fue escoger un nombre judío. ¡Yo era católico y pasar de una religión a otra ya suponía un cambio! No di con ningún nombre judío que me gustara o me tentara y de pronto se me ocurrió una idea: ¿por qué no cambiar de sexo? ¡Es mucho más sencillo! Así que de ahí salió el nombre de Rrose Sélavy. Es un nombre que está muy bien ahora [1966], los nombres cambian con las épocas, pero en 1920 Rose era un nombre muy simplón. Las dos erres vienen del cuadro de Francis Picabia, ya sabe a cuál me refiero: El ojo cacodilato que está en el Boeuf sur le toit -no sé si lo habrán vendido-, en el que Francis pidió a todos sus amigos que firmasen. Ya no me acuerdo de cómo firmé: hay fotos o sea que alguien lo sabrá. Creo que puse Pi Qu'habilla Rrose -en el verbo arroser (regar) hay dos erres, así que me atrajo la segunda erre y la añadí-, Pi Qu'habilla Rrose Sélaby (Picabia la rose c'est la vie = Picabia la rosa es la vida). Todo eran juegos de palabras. Cabanne: Y lleva incluso su cambio de sexo a hacerse una foto vestido de mujer. Duchamp: La foto la hizo Man Ray 1° guerra mundial. 1914-1918 Mondriant neoplastisismo. Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, Mondrian se encontraba de visitaen los Países Bajos y se vio obligado a esperar a que terminara la guerra en su país natal. Pero su regreso a casa no ralentizó su espíritu innovador. Se instaló en una colonia de artistas en Holanda del Norte, donde se relacionó con otros librepensadores como Bart van der Leck y Theo van Doesburg. Van der Leck sólo utilizaba colores primarios en su trabajo, y esto tuvo un gran impacto en Mondrian. Junto con van Doesburg, fundó De Stijl (El Estilo), una publicación en la que pudo desarrollar su nueva filosofía artística, a la que llamó neoplasticismo. Mondrian describió su filosofía de la siguiente manera: “Esta nueva idea plástica ignorará los particulares de la apariencia… por el contrario, debería encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en la línea recta y en el color primario claramente definido”. https://mymodernmet.com/es/piet-mondrian/ Dadaísmo Picabia. Parada amorosa. 1917 Miran la máquina diferente al futurismo. El dadaísmo maquiniza al hombre con mirada crítica, pero al mismo tiempo como juego. Crítica social. Francis Picabia Francia, 1879–1953 Dadaísmo La vanguardia francesa no sería lo mismo sin la figura de Francis Picabia. Artista multidisciplinar, su trabajo abarca muchísimos movimientos artísticos en distintas facetas, aunque sin duda la pintura fue la principal. Comenzó a pintar fascinado por el impresionismo, pero con la llegada de las vanguardias se introdujo en el cubismo. Cultivó un arte moderno, pero serio hasta que apareció en su vida el dadaísmo. Con sus nuevos amigos gamberros adoptó ese tono nihilista, frío, irónico y destructor típico de dadá y se convirtió en una de las figuras fundamentales de este movimiento. La obra de Picabia es muy variada, pero abundan en ella (sobre todo antes de 1922) las formas mecanomorfas, máquinas que sin duda deben mucho al dinamismo futurista. También se interesó por la abstracción como forma más eficaz de plasmar sentimientos y emociones. En los años 20, Picabia se interesa por el surrealismo y en su obra empieza a aparecer todo tipo de referencias literarias y guiños al lenguaje. https://historia-arte.com/artistas/francis-picabia Objetos: Neoplastisismo diseño y uso de la silla. Dadaísmo. Prota botellas. Duchamp. Ready made. Provocación. Marx Ernst Se junta con los dadaístas en 1921. Había ido a la guerra. Max Ernst El elefante Celebes Óleo sobre lienzo 125,4 x 107,9 cm 1921 Max Ernst Alemania, 1891–1976 Dadaísmo- Surrealismo Max Ernst quiso representar en su obra el mundo de los sueños. Fue un surrealista militante y llevó este movimiento por todo el mundo. Para el, la parálisis ante un lienzo en blanco («complejo de virgen») se solucionaba de una forma muy sencilla: sacando material del subconsciente. Artista impredecible, siempre siguió la línea de la experimentación. Nunca hizo lo que se esperaba de él y huyó de lo que él llamaba «la ceguera de la razón». Hijo de un profesor para sordos con afición a la pintura, Ernst tuvo siempre a mano herramientas para pintar. De 1910 a 1914 estudió filología clásica, filosofía, psiquiatría e historia del arte en la universidad de Bonn. Comenzaría a pintar ahí sus primeras obras en serio. Lucharía en la I Guerra Mundial, donde fue herido y eso le daría problemas también el la II guerra: por un lado los franceses lo consideraban un alemán, mientras que para los nazis era otro de esos artistas degenerados. Así que decidió huir a Estados Unidos y casarse con Peggy Guggenheim. Fue su tercera mujer. A él le debemos el Frottage (frotar sobre un objeto para transferir su textura en el soporte) o el Grattege (raspar pigmentos secos encima de maderas o lienzos). También el Dripping o goteo, que después desarrollaría Jackson Pollock. Fue asimismo un maestro en el collage, realizando varias novela-collage y trabajó con gran pericia la escultura, y también el cine (fue actor en la película de Buñuel «La edad de oro»). A los 15 años quedó profundamente afectado por la muerte de su loro, justo cuando nació su hermana menor. Confuso por el incidente, empezó a relacionar aves y personas y esto se ve en sus cuadros, a menudo con cruces de pájaros y humanos https://historia-arte.com/artistas/max-ernst Se está gestando el surrealismo, dadá pierde el nihilismo y sale luego de la guerra. Al final de la guerra, los que habían hecho muchas locuras se calman. Regreso al orden. De Chirico Autorretrato 1920 El mundo de la obra de Giorgio de Chirico es conocido como “pintura metafísica”. Fue el poeta y crítico Guillaume Apollinaire, al que más tarde le ilustraría sus conocidos Calligrammes, el primero que la denominó así: “pinturas insólitamente metafísicas”[i]. ¿En qué sentido es “pintura metafísica”? El término es equívoco, de manera que conduce a malentendidos. Etimológicamente, “metafísica” significa más allá de lo físico, de lo tangible. La pintura de Chirico es metafísica en el sentido de que apunta a lo que hay más allá de la apariencia sensible de los fenómenos. “Escuchar, atender, aprender a expresar la voz remota de las cosas, ese es el camino y la meta del arte”, escribió en 1938. https://www.descubrirelarte.es/2018/09/17/giorgio-de-chirico-pintor-del-misterio-laico.html Christian SCHAD (1894-1982) La imagen de una mujer 1920 relieve 60x30x10,5 cm Kerry Stokes' Collection, Perth, Australia objeto de madera. Schadografia Nr 2 1919 17x12,8 cm Museum of Modern Art, NY Isabel 1934 óleo, 50x40 cm John Heartfield (1891-1968) Adolf el superhombre 1932 Fotomontaje – 38 x 28 cm Dadaísmo con connotaciones políticas, es la izquierda en Alemania. Kurt Schwitters (1887-1948) Merzbau 1933, las casas. Schwitters hace instalaciones con objetos encontrados. BAUHAUS. 1919-1933 Silla Wassily-1925- Diseñada por Breuer para el pintor Wassily Kandinsky (recién fabricada en los años 50 y 60 cuando se produjo el re descubrimiento de muebles del período BHS) "Creemos un nuevo gremio de artesanos, sin distinciones de clase que alzan una barrera arrogante entre el artesano y el artista. Concibamos, juntos, y creemos el nuevo edificio del futuro, que abarcara arquitectura, escultura, y pintura en una unidad y que un día se alzara hacia el cielo desde la mano de un millón de trabajadores, como el símbolo cristalino de una nueva fe." El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica; la segunda (1923- 1925), mucho más racionalista, y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. Dessau 1925-6 BAUHAUS taller BAUHAUS residencia de estudiantes (izquierda) W. Kandinsky – Composición VIII – 1923 – Óleo sobre lienzo 140 x 201 cm. M.Guggenheim – NY Cartel de exposición de la Bauhause 1923 Walter Gropius Gropius fue el fundadorde la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928. A partir de 1926 Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas en los que aplicó sus ideas. En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects' Collaborative, más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo. Los otros socios eran Norman C. Fletcher (1917-2007), Jean Bodman Fletcher (1915-1965), John C. Harkness (1916- 2016), Sarah P. Harkness (1914-2013), Robert S. McMillan (1916-2001), Louis A. McMillen (1916-1998) y Benjamin C. Thompson (1918-2002). Entre las obras que realizaron en este período se encuentran la Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania), la Universidad de Bagdad (Bagdad) y los Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts) (Wikipedia) Bauhause: 1919- 1933. Alemania necesita reactivar su industria. Escuela de diseño. Dessau, ahí vivían muchos estudiantes, judíos y de izquierda. Le Corbusier. Villa Saboy. 1929-1931. Poissy Sur de Francia. Construye los principios básicos de la arquitectura moderna. Arte moderno conciencia de ser un lenguaje. Mondriant: bidimensión- cotidianeidad. Kandinsky. Modernidad estética, análisis del lengaje. Arquitectura: función articulada con belleza. Le Corbusier incorpora la 5° fachada, por influencia de la aviación, que era cada vez más común. Terraza como lugar habitable. Construcción como si fuera sobre pilotes. Arquitectura racional que se impone. Genera distancia con la blancura. Espacio intermedio, guarda de autor. Espacio circular vidriado, para que entre más luz. Ventana horizontal. Planta alta y solárium, incorpora escalera con rampas. Estatización absoluta. Perfección visual. Racionalidad que se impone. Espacios con entreluces, espacio intermedio. Adentro con rampas. El baño empieza a ser un protagonista. Periodo de entreguerras. Hacia el surrealismo Dadaísmo Marcel Duchamp Aire de París. Ready made, 1919-1964. Centro G. Pompidou – París. Neoplastisismo Piet Mondrian Broadway Boogie Woogie Óleo sobre lienzo 127 x 127 cm. 1942-43. MoMA – Nueva York Cuadro con sus propias reglas. Se ve la influencia del jazz en EEUU. Ve el espacio como campo de fuerzas. W. Kandinsky – Composición VIII – 1923 – Óleo sobre lienzo 140 x 201 cm. M.Guggenheim – NY No figuración. Lirico. Sin tema pero con contenido emocional. Superposición de planos, como en el románico perspectiva caballera. Ritmo de círculos. Trabajo por aproximación cromática. Concepto de campo. Campo de fuerzaespacio. Surrealismo. 1924. En parís se juntan los dadaístas con otros literatos y en 1922 escriben la muerte del dadaísmo, en 1924, escriben el manifiesto surrealista. El dadaísmo tuvo existencia entre 1916 y 1923. Nació en Suiza, Zurich, pero abarcó a muchos países de Europa y de EE.UU. Debe ser considerado como una corriente artística (estética y ética) que refleja lo que significó la Primera Guerra Mundial que vino a destruir finalmente las esperanzas y confianzas que el hombre tenía en la sociedad burguesa. El dadaísmo fue una respuesta artística a los millones de muertos y horrores del enfrentamiento bélico. Así se planteó generalmente desde un ángulo negativo. Fue muy ético, buscando una ética superior a la burguesa; pero también tuvo una fuerte tendencia amoral y nihilista. El poeta Hugo Bell fundó el 5 de febrero de 1916 el Cabaret Voltaire. A través de un aviso en la prensa invitó a los jóvenes artistas de Zurich. Entre los primeros que acudieron se encontraba Tristán Tzara. Este poeta se caracterizaba por su inteligencia demoledora que lo hacía bombardear todo lo que oliera a sociedad burguesa. Lo importante es que "dada" va a significar un espíritu de ruptura con lo establecido, una revolución artística y espiritual. En Julio de 1917 salió el primer número de la revista Dada, órgano de difusión de esta corriente. El dadaísmo fue una corriente artística antiarte que terminaba generando un mensaje nuevo o diluyéndose en la nada. El dadaísmo fue sinónimo de rebelión y de agresividad contra el público. Surgieron serias divergencias entre Breton y Tzara. Con motivo del Congreso internacional por la determinación de las direcciones y la defensa del espíritu moderno se produjo la ruptura de Tzara y Breton. Breton tomaba en serio el congreso, mientras que Tzara opinaba que el tema de discusión tenía que ser si una locomotora era más moderna que un sombrero de copa. Toda esta crisis desembocó en la muerte del dadaísmo y Tzara redactó la oración fúnebre que apareció impresa en el número 7 de la revista MERZ, de 1923. https://www.poesias.cl/dada_dadaismo.htm El Manifiesto del surrealismo (Manifeste du surréalisme), más adelante conocido como Primer manifiesto del surrealismo es un texto publicado el 15 de octubre en 1924 por André Breton. Originalmente redactado como un prefacio para el libro Poisson soluble, cobró vida e importancia propias. Junto a Paul Éluard escribió después un Segundo manifiesto del surrealismo, publicado cinco años más tarde. A partir de la década de 1960, ambos textos y otros afines redactados posteriormente, también con carácter programático, se unieron para conformar un libro que se publicó bajo el título Manifiestos del surrealismo, el que se tradujo a varios idiomas. (Wikipedia) André Breton, Manifeste du surréalisme, 1924. Automatismo. Muy influidos por teoría freudiana. Para los surrealistas todos pueden ser artistas, porque es un movimiento vital, en donde el arte es un medio para dejar el inconsciente afuera. Trabaja con psicoaálisis. Garabato, acato fallido, sueños. El surrealismo es siempre figurativo. Trabaja con 2 variables: automatismo- sueños, lo onírico. Joán Miró. Garabato como punto de partida. Luego componía. Obra figurativa, aunque infantiles. Bimorficas. Busca que no haya control estético ni moral. El surrealismo es una vanguardia en contra de la autonomía estética, el lenguaje es un medio para. Es un movimiento vital. Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893-Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En sus obras reflejó su interés en el subconsciente, en lo «infantil» y en la cultura y tradiciones de Cataluña. Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodosconvencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. (Wikipedia) Los surrealistas tienen una oficina en parís, para búsquedas surrealistas, desde donde hacían panfletos para la gente. Atacan el mito del artista como genio, dicen que todos podemos ser artista, porque todos tenemos sueños. Joan Miró Mujer con tres pelos rodeada con pájaros en la noche 1972- Óleo sobre lienzo 243,5 x 168,9 cm MoMA Dejar fluir el inconsciente Poética de lo insólito. Joan Miró Construcción 1930 – MoMA. Relieve de objetos encontrados. Romper con el mito del artista, lo individual y la imagen de genio. Inventan juegos sociales: si, cuándo, asociaciones locas, preguntas y respuestas. Juego de cadáver esquicito. Verbal- visual. Obra hecha en grupo, colectiva 1926. Yves Tanguy, Man Ray, Max Morise, Joan Miró c. 1926 “El cadáver exquisito beberá el vino nuevo.” Automatismo como punto de partida. “La creación, en especial la poética, debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y en lo posible automática” Retoman el azar del dadaísmo, la diferencia es que no tiene el carácter nihilista que si tenía el dadaísmo. Antecedentes que se consideran. Conde Lautrémont, siglo XIX. “Digo que es necesario ser vidente, hacerse vidente. El poeta se hace vidente por un largo, inmenso y razonado desarreglo de todos los sentidos.” Arthur Rimbaud (1854-1891) Belleza lo sexual- el amor. Poesía retoman a Rimbaud. Uso de drogas, médium, hipnotismo. S.Dalí Bailarina y calavera 1939 Variante más onírica. Aparece la imagen doble. Produce asociaciones insólitas, junta realidades que no tienen nada que ver. Rompe el principio de similitud- mimesis. Aunque representa, cuando quiero ver una cosa, es otra. Es una representación asociada a la bisimilitud. Salvador Dalí - La persistencia e la memoria – 1931. Espacio onírico. Vista de su pueblo natal en caraquea, España. Apropiaciones de diferentes obras que él resignifica. 2 imágenes: tiene que ver con la condensación en el psicoanálisis. Banderillas acompañadas por la dirección del Bureau de Recherches Surreálistes con las horas de funcionamiento. Dalí es el único que no era comunista. Fuerte alusión a lo sexual. Gran capacidad de técnica. La mona lisa: manos con dinero. La belleza como una unión de realidades insólitas. El Cristo de San Juan de la Cruz - 1951 - Salvador Dali. Pinta a cristo mirándolo desde arriba, como Dios. El mismo Salvador Dali explica su cuadro: "La posición de Cristo ha provocado una de las primeras objeciones respecto a esta pintura. Desde el punto de vista religioso, esa objeción no está fundada, pues mi cuadro fue inspirado por los dibujos en los que el mismo San Juan de la Cruz representó la Crucifixión. En mi opinión ese cuadro debió ser ejecutado como consecuencia de un estado de éxtasis. La primera vez que vi ese dibujo me impresionó de tal manera que más tarde, en California, vi en sueños al Cristo en la misma posición pero en paisaje de Port Lligat y oí voces que me de decían: "¡Dalí tienes que pintar ese Cristo!". Y comencé a pintarlo al día siguiente. Hasta el momento en que comencé con la composición, tenía la intención de incluir todos los atributos de la crucifixión –clavos, corona de espinas, etc.- y de transformar la sangre en claveles rojos sujetos en las manos y los pies, con tres flores de jazmín sobresaliendo de la herida del costado. Las flores hubieran sido realizadas a la manera ascética de Zurbarán. Pero justo antes de finalizar mi cuadro, un segundo sueño modificó todo esto, tal vez a causa de un proverbio español que dice: A mal Cristo, demasiada sangre. En ese segundo sueño, vi el cuadro sin los atributos anecdóticos: sólo la belleza metafísica del Cristo-Dios. También había tenido al principio la intención de tomar como modelos para el fondo a los pescadores de Port Lligat, pero en ese sueño, en lugar de ellos, aparecía en un bote un campesino francés pintado por Le Nain, del cual sólo el rostro había modificado a semejanza de un pescador de Port Lligat. Sin embargo, visto de espadas, el pescador tenía una silueta velazqueña. Mi ambición estética en ese cuadro era la contraria a la de todos los Cristos pintados por la mayoría de los pintores modernos, que lo interpretaron en el sentido expresionista y contorsionista, provocando la emoción por medio de la fealdad. Mi principal preocupación era pintar a un Cristo bello como el mismo Dios que él encarna" https://unapizcadecmha.blogspot.com/2013/11/el-cristo-de-san-juan-de-la-cruz-1951.html SALVADOR DALI AVIDADOLLARS SALVADOR DALI AVIDADOLLARS Max Ernst Bosque y paloma 1927 Frottage. Ernts empezó siendo dadaísta, terminó siendo surrealista en la experimentación, inventó muchas técnicas. La textura es el punto de partida. Ésta técnica fue ideada por Max Ernst sobre 1925 y consiste ena algo tan aparentemente sencillo como frotar un lápiz o similar sobre una hoja apoyada sobre un relieve. ¿Se animaría a hablarme de Dios? Si Usted fuera un periodista de talento debería pedirle a Dios que le hable de Dalí. “Yo soy un místico. Los místicos fueron siempre alquimistas que transformaron en oro todo lo que tocaban. Es mi caso.” Grattage. Max Ernst - La ciudad entera – 1934 Grattage ("raspado" en lengua francesa) es una técnica de la pintura surrealista en la que la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones (por lo general una vez seca), creando una especial textura con efecto de relieve o tercera dimensión. Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró, y más tarde por el informalismo1, especialmente por Antoni Tàpies. (Wikipedia) 1 El informalismo es un movimiento artístico que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que se desarrollaron en Francia, España e Italia durante la segunda posguerra mundial, en paralelo con el expresionismo abstracto estadounidense. El movimiento fue bautizado por Juan Eduardo Cirlot, quien fue su principal ideólogo. Búsqueda de valores de la modernidad, lo nuevo, lo original. Libertad del artista como lo original. Es posible por el sistema de producción de mercado. Guerra civil española 1936- 1939. 2° Guerra Mundial, 1939- 1942 Pablo Picasso Guernica Encargo del Gobierno de la República para el pabellón español de la Exposición Internacional de París 1937 350 x 782 cm El Guernica no representa a un movimiento en particular, pero simboliza el siglo XX con 2 guerras grandes y permanentes guerras menores. El bombardeo de Guernica, en el país Vasco, el primer ataque, queda en pie un árbol. En 1931, cae la monarquía española, surge la república, el gobierno le pide a Picasso que haga una obra para que los represente. Picasso se entera por el diario del bombardeo a la población civil que estaba en una feria en la plaza. En un mes termina la obra. lunes 26 abril 1937 Blanco y negro. Aparecen texturas visuales. Mano con espada rota, tiene una flor, frente a tanto dolor, queda una flor. La madre y el hijo muerto, gritando. Toro es un bramido. Incendio. Soldado muerto. El sol ilumina. Bombilla no ilumina, no hay progreso. Lengua puntiaguda, lastima. Figura. Cubismo sintético con fuerte expresionismo, es el dolor. Al analizar su iconografía, uno de los estudiosos de la obra, Anthony Blunt, divide a los actores de esta composición piramidal en dos grupos, el primero de los cuales está integrado por tres animales: el toro, el caballoherido y el pájaro alado que se aprecia tenuemente al fondo, a la izquierda. Los seres humanos componen un segundo grupo, en el que figuran un soldado muerto y varias mujeres: la situada en la zona superior derecha, que se asoma por una ventana y sostiene hacia fuera una lámpara; la madre que, a la izquierda del lienzo, grita llevando al hijo muerto; la que entra precipitadamente por la derecha; y finalmente, la que clama al cielo, con los brazos alzados, ante una casa en llamas. https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/guernica
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