TEMA V- LOS NOMBRES EN LA HISTORIA DEL ARTE

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HISTORIA DEL ARTE. ACCESO 
TEMA V- LOS NOMBRES DE LA HISTORIA DEL ARTE 
 
 
 
2020 
 
1. Las aportaciones de los grandes nombres del Renacimiento: 
Leonardo, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel 
 
 
2016 
1. Caravaggio y el nuevo lenguaje naturalista de la pintura 
 
 
2012 
 
1. Miguel Ángel pintor, escultor y arquitecto 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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2020 
 
1. Las aportaciones de los grandes nombres del Renacimiento: 
Leonardo, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel 
 
 
El período llamado Alto Renacimiento abarca cuatro décadas y se extiende 
aproximadamente desde 1490 hasta el saqueo de Roma en 1527. Se refiere al arte de 
la Roma papal, Florencia y la República de Venecia. Representa la cúspide del arte 
renacentista y sus ideales fundamentales son: claridad, sensibilidad, sencillez y 
nobleza de la forma acompañado de una rica gama de colores, un uso espléndido y 
poético de las sombras y las luces, una gran belleza de los cuerpos y una técnica 
brillante – período en que se pusieron en práctica los ideales del humanismo clásico, 
tanto en pintura como en escultura. Mientras que el arte del Renacimiento temprano o 
(Quattrocento) estuvo centrado en Florencia y financiado en gran parte por los 
Médicis, el Alto Renacimiento, hacia 1500 se centró principalmente en Roma 
financiado por los papas, y en Venecia. Es la época de Leonardo da Vinci, maestro de 
la pintura al óleo y del sfumato; Miguel Ángel, sobresalía como pintor, arquitecto y 
escultor, reflejando su profundo conocimiento de la anatomía humana; Rafael, y su 
perfecto dominio de las reglas de perspectiva y armonía entre la línea y el color. Tras 
marcharse de Florencia Leonardo y Miguel Ángel, otros pintores del Alto Renacimiento 
florentino. Mientras tanto, en Venecia, Giovanni Bellini (1430-1516) desarrolló una 
escuela basada en la primacía del colorito sobre el disegno. Entre sus alumnos se 
encuentra el enigmático y efímero Giorgione (1477-1510), Sebastiano del Piombo 
y Tiziano (c. 1477-1576) probablemente el principal colorista del Renacimiento italiano. 
 
Raffaello Sanzio es alumno indirecto de Leonardo y Miguel Ángel. Logró incorporar 
con éxito todas las técnicas que sus maestros estaban utilizando. Su arte es lírico y 
dramático. Fue el pintor más representativo del Renacimiento, que incorporó a su arte 
todos los conocimientos y experiencias anteriores. Rafael tenía un estilo de vida 
"nómada". Trabajó en varios centros del norte de Italia, aunque pasó gran parte de su 
tiempo en Florencia, quizás alrededor de 1504. Sin embargo, aunque tuvo su "período 
florentino" alrededor de 1504-08, nunca fue un residente permanente de Florencia. 
Quizás, primero, visitó la ciudad para proveer materiales para un taller en Perugia, 
aprovechando la oportunidad para asimilar la influencia del arte florentino, mientras 
construía al mismo tiempo su estilo original. En la Galería Palatina del Palacio Pitti se 
exponen los impresionantes retratos de Agnolo Doni y Maddalena Doni y el Retrato de 
Tommaso Inghirami. 
 
Miguel Ángel fue escultor, pintor, arquitecto y poeta renacentista italiano, uno de los 
artistas más famosos e influyentes en la historia del arte europeo. Durante su vida fue 
considerado el mejor artista de su tiempo, y desde entonces se dice que es uno de los 
mejores artistas de todos los tiempos. "El David de Miguel Ángel" es su obra maestra 
del Renacimiento entre 1501 y 1504. Esta escultura de mármol, con una altura de 5,17 
m, representa la figura bíblica de David en el momento de pensar. La escultura fue 
colocada originalmente frente al actual Palazzo Vecchio (el antiguo palacio), sede de 
las autoridades florentinas. Hoy en día, hay una réplica colocada desde 1910, mientras 
que el original de 1873 se encuentra en la Galleria dell'Accademia en Florencia, donde 
toda la preciosa obra de arte está protegida de daños. 
 
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Leonardo fue un arquitecto, inventor, ingeniero, escultor y pintor del Renacimiento 
italiano. Fue descrito como el "hombre ideal del Renacimiento" y como un genio 
universal. Es conocido por sus obras maestras, como La última Cena y la Mona Lisa. 
Sus inventos se utilizan hoy en día en la tecnología moderna, aunque no fueron 
aplicados en su tiempo. Ayudó en el desarrollo y evolución de la anatomía, astronomía 
y construcción. Algunas de sus pinturas están disponibles para ser vistas en Uffizi. En 
Florencia se puede visitar el museo dedicado a este artista icónico. 
 
La pintura colorista alcanzó su clímax en Venecia con las obras de Tiziano, cuyos 
retratos denotan un profundo conocimiento de la naturaleza humana, la luz dorada, la 
riqueza y sensualidad en los personajes representados, el colorido con predominio de 
tonos nacarados y lo recargado de las composiciones, que, además, suelen hacer gala 
de un movimiento muy acusado. Entre sus obras maestras se incluyen también 
representaciones de temas cristianos y mitológicos, así como numerosos desnudos 
femeninos, famosos en su género. 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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2016 
 
1. Caravaggio y el nuevo lenguaje naturalista de la pintura 
 
La pintura italiana en el barroco pone gran atención a los efectos de la luz y el color 
para destacar los personajes en las escenas, así como el mensaje de las mismas. 
Utilizan fondos oscuros para resaltar mediante los efectos de luz enfocada, los 
elementos que querían destacar. A diferencia de la pintura renacentista que se 
preocupan mucho por la geometría y el balance en la composición de las escenas, el 
naturalismo barroco utiliza composiciones en escorzo, que era un termino utilizado 
para indicar un cuerpo o elemento en posición oblicua o perpendicular al nivel visual 
del espectador, para acentuar la profundidad dando la impresión de que esta en 
tercera dimensión. 
Se desarrollaron dos tendencias principales en la pintura barroca en Italia que son en 
esencia contrapuestas una a otra. El Naturalismo y el Clasicismo. De ellas derivará 
el estilo llamado Barroco Decorativo. 
El Naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida 
cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Frente a la luz suave y clara 
del Renacimiento, Caravaggio usa fuertes contrastes de luz y sombra o luces violentas 
que podían verse en los venecianos Bassano y Tintoretto. Partes de la escena se 
iluminan con intensidad, mientras que otras quedan sumidas en la oscuridad, 
predominando la representación de la figura humana, sus gestos y actitudes, y 
despreciando los fondos y paisajes. De esta manera, mediante el uso 
del claroscuro se dota al lienzo de intensidad y viveza. Por otro lado, lo que esa luz 
intensa muestra ya no son figuras de belleza ideal, sino la realidad tal como es, sin 
artificios, de manera viva y dramática. Un ejemplo de esta forma de trabajar es La 
muerte de la Virgen (1606), cuadro del que se dice que Caravaggio tomó como modelo 
a una mujer ahogada en el Tíber, y que se rechazó por su naturalismo, tan alejado de 
los modelos renacentistas como el Tránsito de la Virgen de Mantegna. Caravaggio 
toma, pues, modelos de la realidad, niños de la calle, mujeres vulgares, mendigos, 
encarnan a sus santos y vírgenes. Por un lado, se lograba así una mayor identificación 
del creyente con las historias religiosas que se narraban, pero por otro era inevitable 
que se considerara a veces demasiado vulgar y con ello, poco respetuoso hacia las 
figuras sacras, motivo por el cual en más de una ocasión el comitente rechazó sus 
obras. Caravaggio, despreciando la jerarquía de los géneros imperante en su época, 
afirma que «el mismo grado de elaboración exigía hacer un buen cuadro de flores, que 
hacerlo de figuras». 
 
 
 
 
 
 
 
 
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2012 
 
1. Miguel Ángel pintor, escultor y arquitecto 
 
Miguel Ángel es el máximo exponente de la larga lista de genios individuales que el 
Renacimiento italiano alumbrará. Asimilable en sus inicios a la corriente del 
Cinquecento, en su obra es apreciable, casi desde los comienzosuna potente 
manifestación de los sentimientos que derivará en monumentales y poderosas figuras 
por completo manieristas (se acuñará el gráfico término "terribilitá" para describirlas).	
Vida y obra 	
Nace en 1475, en el seno de una familia noble: los Buonarroti. Desde pequeño su 
vocación queda manifiesta, tomando su padre finalmente la decisión de enviarlo a 
formarse al taller del pintor Ghirlandaio. Sin embargo, será en la escuela creada por 
los Médici en el Jardín de San Marcos donde Miguel Ángel se revele realmente como 
el gran escultor que llegará a ser.	
Es en este ambiente donde va a entrar en contacto con el conocimiento de obras 
legadas por la Antigüedad clásica, factor decisivo en su producción posterior. 
Despuntará entre sus coetáneos, llamando la atención de Lorenzo de Médici, quien 
desde este momento y hasta su muerte se convertirá en mecenas y admirador del 
genio. De esta etapa inicial datan diversos encargos que realizarían al artista.	
Es a la muerte de su protector cuando Miguel Ángel inicia verdaderamente su 
trayectoria profesional, surcada por diversos viajes e importantes encargos. Tras una 
estancia en Bolonia en 1494, dejará esculpido un ángel para Santo Domingo de 
Guzmán y descubrirá el trabajo de Jacobo Della Quercia, regresa nuevamente a 
Florencia por un breve lapso de tiempo antes de iniciar su primer viaje a Roma, donde 
permanece entre 1496 y 1501, realizando su famosísima, Piedad del Vaticano (obra 
de la que el artista, ya en vida, se sentía especialmente orgulloso, como demuestra el 
hecho de que la reconociera con su firma, circunstancia única en su producción).	
De vuelta en Florencia, Miguel Ángel realizará una serie de obras "menores" (caso de 
los tondos ejecutados para Tadeo Taddei y Bartolomeo Pitti o el San Mateo para 
Santa Maria dei Fiore), siendo lo más destacable de entre las piezas que va a llevar a 
cabo en este periodo su monumental estatua del David (1502-1504), obra cumbre de 
todo el arte imitativo de la Antigüedad de perfección, ejecución, belleza en la forma y 
originalidad en la manera de abordar la tipología que posee.	
Miguel Ángel no es tan sólo escultor, acometiendo, el encargo de decorar con un 
episodio de la guerra de Pisa parte de la Sala Grande del Consejo de Florencia, en 
la que ya estaba trabajando Leonardo da Vinci. El cartón de esta obra, maestro de un 
sin número de posteriores artistas, mostraría la tendencia a la dramatización y tensión 
de los cuerpos que posteriormente se apreciará en su obra pictórica cumbre, la Capilla 
Sixtina.	
 
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Tal era la admiración que entre sus coetáneos levantaba que el Papa Julio II le 
convertirá en el responsable de un proyecto de envergadura colosal, su tumba, 
encargo que a la postre tan sólo generará disgustos y frustración al artista. La muerte 
del Papa, el desinterés de sus sucesores en la finalización del mausoleo, la escasez 
de fondos para llevar a cabo el diseño original o la propia dispersión a la que sometía 
Julio II a Miguel Ángel con la encomienda de diversos encargos solapados, dieron 
como resultado que la ejecución de la obra se alargara durante décadas (1505-1550), 
llegando a finalizarse tan sólo una modesta versión de la tumba materializada en un 
sepulcro de pared que incluía la escultura, entre otras (la mayoría dispersas hoy día), 
del Moisés (hacia 1513-1515).	
Varios serán los encargos en este periodo que mantendrán a Miguel Ángel alejado de 
dicho proyecto funerario, entre ellos la decoración de la Capilla Sixtina. 	
Miguel Ángel iniciará los trabajos en la bóveda de la capilla en 1508, y los finalizará en 
1512 (posteriormente, en 1534, habiendo recibido el encargo de pintar la pared de 
esta, ejecutará un manierista Juicio Final); a pesar de la energía que el genio 
derrochaba en sus proyectos, éste en concreto da buena idea de la fortaleza de su 
carácter, capacidad y determinación.	
Decidido a realizar una decoración fabulosa capaz de asombrar a quienes la vieran y 
superar a pasados, presentes y futuros artistas, en primer lugar, hubo de aprender la 
técnica del fresco, pues de esta manera decidió trabajar aún no siendo ducho en la 
forma de prepararla. Catorce años pasó pintando sólo, creando este ingente y 
complejo universo bíblico, repleto de belleza, perfección y terribilità.	
Posteriormente a esta segunda etapa romana, vendría otra florentina (1513-1534), 
marcada por el mecenazgo de otros dos Papas, León X y Clemente VII, para quienes 
llevará a cabo obras como la de fachada (no construida) de la iglesia de San 
Lorenzo, la construcción de la escalera de la biblioteca Laurenciana (1524) o una 
serie de sepulcros conmemorativos de diversos miembros de la familia Médici (a la 
que pertenecían sendos pontífices). Destacables son las esculturas alegóricas del 
tiempo realizadas para acompañar las tumbas de los duques Lorenzo y Giuliano de 
Médici (especial atención suscita la representación del Día, con su cara desfigurada en 
clara alusión al sol que deslumbra la vista). 	
En su vejez (1546) se hará cargo de otro importante proyecto: la finalización de las 
obras de la basílica de San Pedro del Vaticano, cuya cúpula se convertirá 
posteriormente en paradigma a seguir en buena parte del mundo.	Básicamente, Miguel 
ángel tomará el plan trazado por Bramante y lo mejorará visualmente mediante la 
supresión de las torres laterales y la modificación de perfiles, permitiendo que la 
cúpula se erija en eje central de la composición.	
Cansado y desencantado del mundo, estos años marcan el inicio del cambio; a partir 
de este momento la lozanía y fortaleza de sus composiciones deriva en un misticismo 
desgarrado, que dará como resultado algunas de sus mejores obras. Es su última 
época en Roma, adonde llegará en el año de 1534, permaneciendo hasta su muerte.	
Son los años de su platónica relación con Vittoria Coonna, cuya amistad reforzará esa 
tendencia a la espiritualidad apreciable en su producción última. Terribles y 
absolutamente precursoras son sus Deposiciones de estos años (se puede apreciar 
claramente la idea de la capacidad de Miguel Ángel de "extraer vida de la piedra"), 
ejemplo clásico de las cuales ha de señalarse la Piedad Rondanini.