UNED TEMA 5 Los nombres de la Historia del Arte

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Tema 5
LOS NOMBRES DE LA HISTORIA
Desde Giotto el artista deja de ser artesano. Tiziano , Rubens y Velázquez continuaron la batalla apoyándose también en sus mecenas. La iglesia sigue siempre siendo la gran comitente, pero se amplían enormemente las posibilidades temáticas. 
Filippo Brunelleschi publicó el descubrimiento de la perspectiva completo y enfocado , con una disminución matemáticamente regular en función de un punto de vista fijo o punto de fuga. Según Panofsky en su obra La perspectiva como forma simbólica, la construcción de una perspectiva lineal declara como norma la visión de un espectador inmóvil, con un solo ojo y se da por hecho que esa visión es natural, científica y objetiva. En 1435 Alberti en su tratado Della Pittura crea el corpus teórico de la perspectiva.
	
	En 1425 Masaccio pinta la Trinidad en Santa María Novella en la capilla Brancacci y en el Tributo de la Moneda las líneas en retroceso de la perspectiva retienen el ojo dentro de la envolvente quietud de los personajes centrales. Cristo, centro de la composición, es el foco en el que se concentra la unidad espacial. Los árboles disminuyen en la distancia y las montañas aparecen y desaparecen en un paisaje que es a la vez más cercano y más espacioso que ningún otro pintado en siglos anteriores.
	
	Ghiberti en escultura en la pieza que conforma las puertas del Baptisterio de Florencia y en concreto en la historia de Jacob y Esaú muestra el pavimento meticulosamente exacto en su construcción. No existe compulsión en el movimiento, puesto que justo en la zona que corresponde al punto de fuga no aparecen figuras.
	
	Pintores que trabajan obras religiosas para la Iglesia Católica triunfante frente a la Reforma protestante
Fra Angelico y su Anunciación, (Museo de San Marcos, Florencia) que interesa más que la perspectiva es representar la belleza y la simplicidad
	
	Piero della Francesca en El sueño de Constantino demuestra su conocimiento de la perspectiva y muestra a un ángel con un escorzo atrevido. Aunque quizá lo mejor de su cuadro se basa en el tratamiento de la luz que le ayuda a modelar las formas de las figuras. El soldado se halla en primer término es como una silueta oscura ante la claridad que ilumina la abertura de la tienda. De este modo notamos la distancia que separa a los dos soldados del escalón donde está sentado el guarda que parece abiertamente iluminado por el rayo de la luz que mana del ángel. 
	
	Leonardo da Vinci da un salto cualitativo al eliminar la rigidez de los cuadros anteriores. Destaca su Virgen de las Roca (1485 Louvre), destaca el paisaje. Los dos protagonistas son el Niño y San Juan, la técnica empleada es para evocar esta visión enormemente compleja: las hojas y algunos pliegues de las telas están representadas con una increíble minuciosidad, mientas que los contornos de las figuras y la perspectiva del fondo están progresivamente veladas por capas cromáticas repetidas y casi imperceptibles. El efecto que de esto deriva es el sfumato. Hace perceptible el espesor del aire dentro del que están las figuras y transmite a los contornos un margen de vibración que el pintor puede trabajar matizando los grados del movimiento potencial. La imagen adquiere así una perfección portentosa que obra todas las trazas del procedimiento ejecutivo y lleva, en sí misma a nivel de la percepción visual una de serie de prerrogativas vitales hasta entonces inaccesibles al lenguaje pictórico
	
	Rafael destaca su obra Madonna del Granduca (Palacio Pitti, Florencia 1505). Sobresale el modelado del rostro de la Virgen fundiéndose en la sombra, la forma de hacernos sentir el volumen del cuerpo envuelto airosamente en el manto o la firmeza y ternura con que sostiene al Niño. Todo el cuadro está en un equilibrio perfecto.
	
	Tiziano destaca su obra Madonna con santo y miembros de la familia Pesaro (1519-1526). Sitúa a la Virgen en el centro del cuadro y coloca a los dos santos tutelares (San Francisco con los estigmas y San Pedro con la llave en los peldaños del trono de la Virgen , no a ambos lados simétricamente, sino como participantes activos de la escena. El objeto de la pintura era constituir un testimonio de gratitud por la victoria conseguida contra los turcos gracias al veneciano Jacopo Pesaro que se haya arrodillado en la esquina del cuadro.
	
	Miguel Ángel. A él se le encargo pintar los techos de la Capilla Sixtina (1508-1512) en el Vaticano (Roma), construida por el papa Sixto IV y cuyas paredes habían sido decoradas por los pintores más famosos de la generación anterior.
Miguel Ángel decoró la bóveda con nueve episodios del Génesis. Las figuras del marco dispuestas en varias zonas, introducen otra serie que procede del simbolismo neoplatónico: las figuras de la faja inferior son los antecesores de Cristo y las figuras de la faja intermedia son sibilas y profetas que anuncian la venida del Mesías. Miguel Angel los pintó como hombres y mujeres poderosos, sentados en profunda meditación, leyendo, escribiendo, argumentando como si estuvieran escuchando una voz interior
La Creación de Adán es la escena más famosa del conjunto.
	
	SIGLO XVI Tenebristas y manieristas
Parmigianino ejecuta la obra Madonna del cuello largo (Galería de los Uffizi, Florencia 1534-1540), el tema religioso se trata con artificiosidad y afectación de formas antinaturales y alargadas. Deseaba ser heterodoxo, demostrar que la solución clásica de la armonía perfecta no era la única posible y que existían otros medios de conseguir efectos interesantes para los amantes del arte.
	
	Caravaggio, ya en el final del siglo XVI y comienzo del XVII, siendo el comienzo del Barroco, vuelve los ojos a la realidad llena de emociones. Caravaggio se rebeló contra el artificio humano y ante la tradición manierista y quiso volver a la naturaleza buscando la absoluta inmediatez ante unos modelos formados por pordioseros, indigentes, trabajadores, etc. Son concesiones a la idealización. La función de la pintura será emocionar. 
Hombre de personalidad difícil, compleja, violenta y con constantes conflictos con la ley. Destaca su obra La vocación de san Mateo (Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma) donde muestra la captación de un isntante dramático, aunque lo transforma en el momento en que Jesús le dice a Mateo “sígueme”. Los gestos y las expresiones del os personajes son diferentes y no todos conectados en lo más importante que está sucediendo. Los personajes atrevidamente van vestidos a la moda de 1600. La luz asume toda su capacidad de alianza plástica, psicológica y simbólica. La luz de Cristo se deposita en los mortales como verdad, revelación y gracia. Se incluyen elementos de antítesis, así la luz ilumina al joven pecador avaricioso más que al propio San Mateo, señalado con barba. Incluso Cristo parece señalar al joven muchacho. 
En La Crucifixión de San Pedro La (Santa Maria del Popolo, Roma), Caravaggio, realiza una obra de realismo extremo en los modelos que incluye a un esbirro en primer plano con los pies sucios. El distanciamiento de los esbirros cuyos rostros no conocemos y que simplemente realizan su trabajo, contrasta con la expresividad del anciano San Pedro. El poder plástico de la luz al concentrarse sobre el cuerpo del santo, adquiere un decidido valor poético y espiritual .
	
	Bernini destaca con su escultura El éxtasis de Santa Teresa (Capilla Cornaro, Iglesia de Santa María de la Victoria, Roma 1647-1652) en pleno barroco. Sobresale la teatralidad y el uso del al uz así como la intención de emocionar o impresionar al espectador. En el trasaltar un foco de luz invisible se percibe un milagro del que nos permite ser testigo. Sobre un pedestal transformado visualmente en una nube en suspensión levita Santa Teresa, en su arrebato místico, mientras un bellísimo ángel le sujeta delicadamente el hábito y alza amorosamente la flecha del amor divino con la ha de traspasarle el corazón. Nos encontramos ante el momento previo a la definitiva unión mística. Santa Teresa vuelve el rostro hacia el focode luz, materializado por los rayos que descienden como una lluvia de flechas simbólica. La boca entreabierta, entornados los ojo en actitud desmayadamente pasiva, la santa se abandona a Dios, mientras todo el cuerpo palpita a través del movimiento agitado y diagonal de los pesados y quebrados ropajes que viste: éstos contrastan con la túnica pegada al cuerpo del querubín, cuyos breves pliegues marcan la directriz principal de la obra, una diagonal que de la flecha corre por el brazo hasta conectar con la santa para caer a plomo, cerrando el movimiento con sus manos. No se puede negar la sensualidad del conjunto.
	
	Ribera con su Martirio de San Felipe (Museo del Prado ) se concentra al igual que Caravaggio en los preparativos del martirio y en el enorme esfuerzo físico desarrollado por los verdugos para izar el cuerpo del santo a lo alto de la cruz. Si bien se desarrolla bajo un amplio y luminoso cielo azul. Destaca la aparatosa teatralidad. 
	
	Rubens en La erección de la Cruz (Catedral de Ntra. Sra. De Amberes ) compone un tríptico en el que cada uno tiene una cierta independencia de acción y psicológica, en el ala izquierda apenas hay movimiento y las figuras muestran un color contenido. En el ala derecha está dominada por el fuerte movimiento del caballo y cuyo tema son los preparativos para la crucifixión de los ladrones con tensión, violencia física y emocional. La tabla central está dominada por los esfuerzos de los sayones o verdugos para elevar la cruz y cómo se destaca el intenso dolor contenido de la Virgen. Impresión, emoción y espectáculo. 
	
	Corregio con su obra La asunción de la Virgen enla cúpula de la catedral de Parma, se inserta dentro de una decoarción de las cubiertas de las iglesias que se va a convertir en un arma fundamental qu se irá complicando en los siglos XVII y XVIII. Busca producir la ilusión de mostrar que el techo se abres y sus miradas penetran en la gloria celestial. La explosión de la teatralidad y riqueza en que estaba inmersa la Iglesia de la Contarreforma es evidente.
	
	Gaulli en la Iglesia del Gesú de Roma (1670-16839 de ricos efectos teatrales, el tema es la Adoración del nombre de Cristo como Jesús que aparece rodeado de multitud de querubines, ángeles y santos mientras legiones de demonios son expulsados dela mansión celeste. La atestada escena parece romper el techo que se desborda con nubes llenas de santos y de pecadores cayendo hacia el interior de la iglesia. 
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 Tema 5 UNED- Los nombres de la Historia del Arte 1