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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA UNIVERSIDAD DE LOS ANDES FACULTAD DE ARQUITECTURA Y ARTE ESCUELA DE ARTE Y DISEÑO COODINACIÓN DE TRABAJO DE GRADO Del libro de artista al diseño editorial. Diseñar un libro orientado a la producción editorial artística a partir de un libro de artista. Tesista: Sydow B. Karin K. Tutor: Nelson Gómez Callejas. Asesor: Ramses Antolínes. Asesor: Luís E. Márquez M. . CONTENIDO Prólogo……………………………………................………7 CAPITULO I Propósito……………………………………...……...………9 Justificación……………………………………….…………9 Antecedentes…………………………………….…………10 Bases conceptuales……………………………………….16 Partes de un libro………………..…………………………17 Portada Solapa Guardas Lomo Anteportada Portadilla Diagramación Libro de Artista…………………………..…………20 Libro Original Libro Objeto Libro Montaje Libro Reciclado Libro Seriado Ilustración La Intuición El Subjetivismo o Relativismo Lenguaje como Herramienta de comunicación CAPITULO II CRITERIOS METODOLOGICOS Metodología del pensamiento visual y creatividad en el Arte y el Diseño……………………………………….……25 Metodología del profesor Ramses Antolínes…………………………..………………………..27 CAPITULO III Libro de artista Zoológico………………………..…………………..29 Libro abierto……………………………...…………………32 Esencia………………………………...……………………39 CAPITULO IV Proceso de Diseño Fase situacional - Internalización………………43 Fase Práctica……………………………………..43 Palabras Claves Concepto Generador Retícula Formato Introducción al proceso de diseño Bocetos Iniciales Módulo Caja de Bocetos Bocetos Principales Imágenes Seleccionadas y en Contraste Tipografía Color Soporte Propuesta Final Propuesta de Diseño Sistema de Encuadernado Conclusiones y Recomendaciones…………………..…..55 Referencias Bibliográficas……………………………..….56 Referencias Electrónicas…………………………….……57 Glosario……………………………………………………..59 “Comprender es en sí un profundo acto creativo, tenemos entonces por un lado la persona que sabe y porque sabe hace. Hay gente que sabe hacer poesía, hay otras que son poetas. Hay gente que sabe hacer música, hay otros que son músicos, eso es en el fondo la profunda diferencia; ahora, no hay nada malo en hacer poesía, música o ciencia, lo que es malo es quedarnos solamente en el hacer, si nunca se llega a ser, y solo podemos llegar a ser, cuando dejamos o por lo menos hacemos un esfuerzo por dejar de ser fragmentos y nos integramos a aquello con quien o con que queremos potenciarnos como seres humanos, es allí entonces donde podríamos decir que el que comprende es aquel que hace y que es, por que comprender es ser parte de, es penetrar realidad”. (García G.1998, documento online). PRÓLOGO La comunicación Tiene su raíz en la palabra latina “comunicare”, que significa “poner en común”, y pertenece a la acción o al efecto de comunicar o comunicarse. El hombre siempre ha tenido la necesidad de comunicarse, anteriormente del lenguaje lo hacían por medios de signos y señales como pertenece a la era de la prehistoria. Posteriormente surgió el lenguaje en donde la significación de la comunicación ha sido de gran valor para el hombre, es por ello que hemos podido constatar sobre nuestro pasado y nuestros orígenes. Partiendo de ello el hombre a evolucionado, de la mano su entorno y sus necesidades, como fue la era de la escritura que se constituyó en una herramienta del progreso humano más importante, pasando por las representaciones pictográficas que reflejaban ideas u objetos hasta llegar a las letras que significaban sonidos fonéticos. La pintura es de suma importancia ya que formó parte y precedente de la escritura, ésta comenzó con imitación de los objetos, seres reales, y la realidad entre otras, que en su conjunto formaban fragmentos de historias narradas por medio de ellas, siendo un acto de comunicación entre ellos mismos por la ausencia de la escritura. El comunicarse verbalmente llevó al hecho de poder hacerlo de otra manera que traspasara el acto de persona a persona, es cuando la invención del alfabeto, el leer y escribir abrió fronteras, lo que obviamente después surgió la necesidad de hacerlo con el mundo entero. La necesidad de ampliar nuevas fronteras de comunicación y que no se perdiera la información, se dio con la aparición de la imprenta que remplazó a los manuscritos, lo que les brindaba la oportunidad de hacer llegar la información a más cantidad de personas en menos tiempo y con mayor alcance e igualmente que persistiera sin que se extraviara su contenido. La difusión de la lectura y de la escritura surgió a partir del nacimiento del libro por medio de la imprenta, siendo así en muchos sentidos el vehículo de transmisión de ideas e información, abriéndose nuevos horizontes para la expresión escrita, que igualmente significó, no sólo una mayor difusión de la cultura, sino también una nueva forma de recibirla y de trasmitirla. 8 Sin embargo la transmisión de ideas hoy en día sigue siendo nuestra relación con todo lo que nos rodea, estamos inmersos en variados lenguajes y simbologías que poco a poco descubrimos y podemos traducir por nuestros sentidos lo cuál nos facilitan el conocimiento del lenguaje visual. Los libros originalmente fueron dedicados a textos e imágenes que respaldaban a la palabra escrita, igualmente elementos fonéticos, visuales y tipográficos que respaldan la esencia del libro y, que son utilizados con la finalidad de comunicar visualmente con mayor énfasis. Sin embargo hoy en día el lenguaje visual busca dentro de cualquier estructura la aplicación de nuevos signos y símbolos que, al asociarlos crea propios y nuevos códigos de comunicación. Las imágenes y los variados elementos que se emplean en un libro enriquecen más la interpretación visual, en donde el texto no tiene que ser el más importante, por lo que puede haber sensaciones que no se pueden expresar, surgiendo así un nuevo lenguaje visual de comunicación tan valido como la palabra escrita, es por ello que el símbolo con significación de la imagen sugiere a la palabra escrita en muchos de sus casos. El libro como tal ha trascendido a sus diversas aplicaciones y/o funciones, ya que su gran variabilidad depende de las necesidades respectivas e independientes de cada sujeto, es así que el libro deja de ser libro con características tradicionales cuando pasa a ser un libro de artista, siendo una manifestación del sentido estético por medio de las amplias posibilidades expresivas aplicadas por la relación técnica-oficio-lenguaje-metalenguaje planteado de ésta forma por el profesor Nelson Gómez Callejas. La comunicación por medio de imágenes siempre ha estado presente, lo que hace al libro de artista sea una manifestación de nuevos signos y símbolos dando origen a nuevas composiciones y lenguajes visuales que conforma su contenido. 9 CAPITULO I PROPÓSITO Diseñar un libro orientado a la producción editorial artística a partir de un libro de artista. JUSTIFICACIÓN Son varias las causas que ameritan el trabajo según la experiencia obtenida en los años de pre-grado, la alianza entre arte y diseño enriquece fundamentalmente el producto planteado en el diseño editorial artístico. El libro de artista tieneuna limitación obvia cuando se trata de la obtención de un solo ejemplar, es necesario de tal manera, diseñar y generar un diseño editorial artístico que propongo, para su conocimiento, uso y contemplación estética. Y además por la falta de difusión de éste género como un recurso de consulta para el estudiantado en general. Generar un diseño editorial a partir de un libro de artista obteniendo así, resultados óptimos que funcionen visual y gráficamente en el diseño y en el arte sin que se pierda su esencia, siendo uno de los propósitos de la presente investigación. A partir de los lineamientos que se refiere un libro de artista como ejemplar único, abrir la posibilidad de editar un diseño editorial a partir del mismo, vinculando la esencia del artista y llevarlo al diseño editorial, para así poder estructurar y crear una continuidad en dicho diseño, donde el lenguaje del sujeto sea parte del concepto generador. Todo diseñador gráfico debe estar capacitado para resolver problemas de comunicación visual, lo que llevar el arte con la visión del diseñador es un reto, aplicando las bases conceptuales del diseño sin que pierda la esencia del sujeto del libro de artista al diseño editorial del mismo. Es necesario destacar los alcances del hombre y el predomino visual que prevalece hoy en día, desde que existe la necesidad de comunicación y su evolución, actualmente se desenvuelve gente especializada en estudiar e indagar el cómo representar y manifestar la expresión oral y llevarla a la forma visual. Es por ello que el trabajo de investigación se inscribe en la creación de una propuesta del diseño editorial aplicado al libro de artista, por medio de procesos creativos e indagando en el metalenguaje las necesidades personales y caracterizándose por la comunicación visual. 10 ANTECEDENTES El libro ha tomado diversos aspectos, conceptos y manifestaciones partiendo del hombre y su necesidad de comunicarse entre sí. Como toda metamorfosis y sus transiciones, el libro ha tomado sus variaciones ha través del tiempo, proyectándose en infinitas propuestas de significado y significación, infinidad de temas y un amplio público para su intercambio cultural, de enseñanza, aprendizaje y conocimientos. Igualmente el libro sigue manteniendo su concepto de comunicar la información por lo que su finalidad se mantiene con la función principal independientemente del contenido de éste. Sin embargo a partir de la revolución industrial, los libros y su producción se tornaron en un proceso mecanizado, es por ello que actualmente es posible la publicación de grandes tiradas de libros en bajo costo, gracias a la existencia del campo editorial. El libro no solamente esta compuesto de texto, generalmente incluyen imágenes que son utilizadas para reforzar la idea del autor visualmente o simplemente para adornar y crear un ambiente mucho más agradable para el lector. Uno de los libros ilustrados mas bellos y modernos, en donde el texto y las imágenes nos refuerzan visualmente la visión del poeta es posiblemente el de William Blake, el cuál con sus ilustraciones para el libro “La divina Comedia” de Dante, el artista realzó los conceptos y visiones del autor por medio de la misma que originalmente no disfrutaba. 11 La escritura, su utilización, manejo y presencia de nuevas formas en el libro, lo llevó a formas propias e impropias, las cuales son características de todos los movimientos neo- vanguardistas, aproximadamente desde los años sesenta. La participación de un conjunto de artistas se incorporó a estas corrientes como escritores, músicos, ilustradores, grabadores entre otros, que así determinaron al libro como nuevo concepto. Indudablemente el libro de arte ya era tradición por lo que el libro con nuevo concepto tenía una visión revolucionaria, tomando fuerza y determinando al libro de artista que recogía las diferentes artes aplicadas al mismo, ya sea impreso o elaborado artesanalmente, sin formato determinado, amplia gama de técnicas códigos, en que contribuya directa o indirectamente el artista y su oficio. El libro siendo un vehiculo de información tan generalizado se convirtió en tener su propia conciencia e individualidad. Antoni Tapies realizó trabajos para la creación de varios libros de artista, teniendo un gran afán por los mismos, disponiendo de una asombrosa colección de Códices e igualmente otras obras de género técnico sobre el arte y la imprenta, que luego vincula en narrar sus pinturas en libros variados de óptima calidad. Uno de los libros de Antoni Tapies más significativo es “El pa a la barca” realizado en el año 1963, que versa sobre un texto del poeta Joan Brossa. En donde el artista trabaja su oficio por medio de instrumentos litográficos, el cuál pone en manifiesto su vinculo que lo une como artista con la materia convertida en imagen, y como tal, en vehiculo de comunicación. Antoni Tàpies, El pa a la barca libro d'artista, 1963. Cm. 40,3x30,6. 12 Antoni Tàpies, Nocturn matinal coberta custodia, 1970. Cm. 47,1x34,2x4,5 Antoni Tàpies, Air cobert, libro d'artista, 1971. Cm. 29,5x23 En Francia el libro ilustrado ha tenido una considerable tradición que se manifiesta desde el manuscrito, prolongándose como una pieza para la imprenta hasta el libro ilustrado contemporáneo, deducido como un objeto de arte creado por el artista. En la historia del libro de artista se puede confirmar que el término se registra con la historia contemporánea del libro ilustrado en Francia a fines del siglo XIX y finaliza a mediados de la segunda posguerra. La alianza de variados artistas, editores, impresores hizo que se tramara en sí el ámbito perfecto de la creación artística. Vollard, Mellerio, Ancourt entre otros, como editores e impresores, quienes están asociados a Bonnard, Picasso, Matisse, Rendon, Miró, etc. Artistas quienes disfrutaron a París como núcleo de su trabajo artístico y en donde Francia pertenece al primer lugar en que se desarrolló el libro de artista. Entre ellos se asociaron artistas como fueron un editor, un artista y un impresor que actuaron decididamente para producir el conjunto de sus oficios y sus técnicas, en donde dieron forma y sentido a la imagen con el texto y así enriquecieron la experiencia imaginativa del lector, como fue en el caso del libro “ Lee Poete assassiné” de G. de Apollinaire. 13 Entre ellas, la aparición del libro de Cocteau y dibujos de Picasso que Miró utilizó para "Cheval, pipe et fleur rouge”, es un punto de referencia en cuanto al oficio del artista representado en el libro de artista. Las ilustraciones de Matisse van acompañadas de tipografía que refuerzan la idea. Henri Matisse, Jazz, 1947, libro. Roy Lichtenstein, Libro d'artista, uno de los artista que trabajó con ilustraciones de caricaturas que estaban dirigidas a un público determinado y que promocionaban productos de consumo masivo para su publicidad. La alianza de estos artistas abrió nuevas perspectivas en cuanto a la representación de sus oficios por medio del libro de artista, lo que permitió integrar al arte y llevarlo a nuevos esquemas, así mostrarlo al mundo de otra forma plástica visual. Entre los antecedentes más cercanos tenemos al artista Nelson Gómez Callejas, originario de Colombia-Bogota, establecido en la Ciudad de Mérida, Venezuela, quien utiliza el guadamecí, y el dibujo como herramienta para trasmitir su ámbito en el libro de artista por lo que genera sus realidades surgiendo por medio de la activación creativa desde el quehacer artesanal-artístico. Sus ilustraciones representan su ámbito y su mundo interno que, por medio de sus variadas técnicas interpreta diferentes temas y gestaciones los cuales surgen de sus aprendizajes y quien comenta que: 14 “partirde objetos estéticos que reflejan el encuentro con lo esencial en el arte, el aliento y la sustancia del vivir artesanal y artístico anteponiéndose a una cultura que por todos los medios quiere sustituir lo trascendental por lo frívolamente mundano y trivial. Consideración que surge como premisa visual hacia una filosofía perenne del arte abarcada en lo posible desde el oficio y hacia el lenguaje creativo, es decir, el oficio no como “albergue” sino como medio y así es el guadamecí, un oficio que como todo en su proceso se transforma, de ahí que los guadamecíes ahora son por supuesto contemporáneos. Son manifestaciones de profundas intuiciones, de pensamiento riguroso, de poesía visual, de unidad y encuentro con algunos fragmentos humanos de nostalgia por el ser y/o el Ser vueltos a dibujar, grabar, pintar y juntar en la piel y el corazón de la tradición universal y unánime.” (Callejas 2004, documento online) 15 Una de las imprentas que está dedicada e interesada a compartir el trabajo del artista para trasmitir su lenguaje sin que se pierda su esencia en el momento de imprimir es el Taller de Arte Dos Gráfico en Colombia. Quienes dedican parte de su tiempo en acompañar al artista en las técnicas de impresión y facilitar el acceso de las mismas para que su esencia se mantenga en el producto final. Los artistas disfrutan de la misma llevando sus trabajos a nuevas experiencias visuales quedando así el proceso completo y oportuno del artista. Taller de Arte Dos gráfico renace desde que surgieron las técnicas de impresión como parte y medio de expresión artística, en donde éste proceso de trabajo del impresor surge como elemento activo y mediador entre el artista y la ejecución de su obra. La experiencia técnica aporta elementos determinantes en el resultado, por lo que el artista se inclina con una nueva actitud ante su trabajo, no sólo en el estudio de su pintura (si fuera el caso), sino en la multiplicidad de los procesos técnicos de impresión que interactúa enriqueciendo su producto final. 16 BASES CONCEPTUALES Partiendo de las bases conceptuales como eje y/o soporte en el cuál se apoyará el siguiente proyecto de investigación, y por medio de las metodologías que se han planteado se profundizará en el avance del proyecto, que nos permitirá el desenvolvimiento de las posibles propuestas en diseñar un libro orientado a la producción artística editorial a partir de un libro de artista. Un sistema editorial que permita enlazar los conceptos del artista y que permita una lectura visual en relación con su obra, que mantenga las bases del diseño como parte del concepto generador y que cumpla las funciones de comunicar visualmente. El diseño editorial es aquella disciplina dentro del diseño gráfico que por medio de los colores, formas, texturas, tipografías, imágenes y conceptos son herramientas que se utilizan para resolver problemas visuales con la finalidad de comunicar. El diseñador resuelve problemas de comunicación visual, por lo que un libro debe transmitir y comunicar la esencia del autor por medio de la palabra escrita, imágenes, etc. Así valiéndose de las herramientas para su mayor entendimiento. El problema de la comunicación ha existido desde que el hombre ha tenido la necesidad de transmitir sus pensamientos, comunicarse y relacionarse unos con otros, en donde la escritura fue el punto de partida de la evolución de la comunicación mucho antes de la imprenta, pero que trascendió a nuevos contextos para el desarrollo del mismo. El libro forma parte del gran desarrollo cultural por lo que contribuyó al cambio de costumbres y estilos de vidas en el mundo entero. Siendo uno de los medios de comunicación más antiguos el libro y la imprenta forman un conjunto de decisiones que al estar impreso queda un indicio en la historia. Todo diseño editorial debe ser analizado por el diseñador antes de efectuarse, ya que el objetivo de comunicar no sólo depende de transcribir sino de desarrollar el ámbito del autor por medio del diseño editorial. Las características que posee un diseño editorial son aquellas herramientas necesarias y utilizadas para comunicar visualmente, por lo que el comunicador utiliza la ortografía, la coherencia de estilo, las ilustraciones (si las hay), su proceso de edición, formato, y papel 17 entre otras, para determinar parte del diseño editorial. Partes de un libro Parte externa - Portada o cubierta que se define como lo que recubre al libro ya sea de papel o plástico, que tiene la finalidad de proteger al libro, el cuál posee datos del autor, imágenes (no necesariamente), titulo, editorial, logotipo o marca tipográfica que lo identifique, entre otras. - La solapa son aquellos extremos que se expanden del forro y que se doblan hacia adentro, es utilizada para adjuntar datos del autor, alguna reseña, etc. - Las guardas son hojas en blanco ubicadas en el comienzo y el final del libro para proteger el mismo. - El lomo es el extremo por donde se encuaderna el libro, y es utilizado para colocar datos, ya sean del autor, titulo del libro, etc. - La anteportada como la palabra lo dice es aquella página anterior a la portadilla y en algunos casos se utiliza para colocar datos pequeños. - La portadilla es en si la página utilizada para colocar todos los datos referentes al libro, como el titulo, subtitulo, el nombre, la edición, el número del volumen, registro de propiedad, lugar de impresión, editor, autor, etc. - Posteriormente se utiliza algunas páginas siguientes a la portadilla para anexar información que el autor necesite publicar como parte de su libro como el prólogo donde explica el enfoque de su obra, índice, conclusiones, bibliografía, etc. Parte interna - Es el contenido del libro y se divide en tomos, partes, secciones, capítulos, etc. Cuando es la primera edición es cuando hace presencia el colofón, parágrafo con que termina un libro que contiene las notas a pie de imprenta, fecha de culminación de la edición, numero de ejemplares, etc. Sin embargo existen otros tipos de publicaciones en que está integrado el diseño editorial esta la revista y los manuales entre otros, que conforman características 18 deferentes, que no obstante forman parte del mundo del diseño editorial. La tipografía creada por Guttemberg en los años 1436-1455 fue un aporte muy importante para el mundo entero, lo que se ha venido desarrollando con el tiempo hasta nuestro tiempo con nuevas tecnologías. La tipografía son letras o caracteres que a partir de códigos sonoros tienen significado en conjunto, siendo un elemento de importancia en el diseño gráfico. Cualquier texto no debe presentar dificultad de lectura para que no se pierda la comunicación que se quiere trasmitir. Es por ello que es de gran importancia el tipo de letra que sea escogida, el interlineado que es la distancia de las líneas de caracteres, el ínter letrado que es el espacio entre los caracteres, la longitud de la línea para que sea legible el texto, entre otras. Por lo que las características de estos elementos forman el conjunto que determinará el diseño editorial. Los colores, empleo de variadas tipografías, formas, contrastes, distancia, superposición de letras harán que el diseño sea fluido en su lectura y se de la comunicación. Todos estos elementos deben mantener un orden visual, una organización dentro del formato para que conserve una legibilidad apropiada. Es por ello que se emplea un sistema reticular de organización que forme parte del diseño. En donde los campos reticulares permitan una distribución de los elementos dentro del espacio para que el ojo tenga un recorrido y una lectura adecuada, es cuando la comunicación ha alcanzado su objetivo y evitar así que exista el ruido visual en su lectura.- La diagramación es la composición de la página en sí, la aplicación de las herramientas de diseño y en la distribución de aquellos elementos que la compongan. Es de entender que todos aquellos elementos aplicados deben estar organizado de una forma lógica, con equilibrio y estéticamente agradable. El diseño editorial aplicado al libro de artista es aquella observación de una parte del todo, sin perder de vista que el funcionamiento de esa parte está interrelacionado con todas las partes que forman ese todo. Se trata de una visión no estática, integral y no dividida, incluyente y no excluyente, ampliada y no limitada, total y no aislada. Es por ello que el conocimiento del hombre como una “unidad vital” no tiene nada novedoso, son conocimientos muy antiguos que han sido investigado por la civilización y que poco a poco se han ampliado y divulgado. 19 Tienen que ver con nuestra vida diaria, el estrés, las emociones y la relación que establecemos con el medio ambiente y con las personas con quien convivimos o nos relacionamos. El libro, en muchos sentidos, es sujeto y objeto al revelarse como vehículo idóneo para la transmisión de ideas. El libro es una unidad de algo que "interesa", pero con la cualidad definitoria de que "interesa de manera permanente". Los cambios tecnológicos y los medios de comunicación signica y visual abrieron puertas a la palabra como símbolo gráfico, las imágenes, fotografías, esculturas, ilustraciones que actualmente la comunicación es libre de pensamientos y de opiniones. 20 LIBRO DE ARTISTA Un soporte de manifestaciones artísticas es el libro, con un concepto mucho más amplio, el cuál es el resultado de un proceso creativo y artístico que es dictado por las necesidades personales del autor con respecto a su ámbito, logrando así establecer su lenguaje propio como forma de expresión y valiéndose de un proceso creativo. Desde la prehistoria hasta nuestros días hallamos una gran variedad de obras de distintas épocas y culturas, a pesar de que estén realizadas con diferentes fines son predecesoras del concepto del libro de artista que actualmente manejamos. Los libros de artista existen desde que la manifestación de emociones y de comunicación esta implícita por medio de símbolos o signos visuales que son representados a través de un formato X. La idea de comunicar sensaciones a partir de su ámbito por medio de un lenguaje propio abre puertas a lo que hoy en día llamamos “libro de artista”. No deja de ser un libro por no compartir las características de los libros tradicionales, lo que hace un libro único con carácter de autenticidad y que forma parte de una obra de arte. Por ser ejemplar único del artista no comparte los procesos de imprenta para su divulgación en masas. Las diferentes técnicas aplicadas y conceptos formales de los libros de artista hacen que se caractericen en varios tipos entre ellos mismos, su clasificación más cercana sería el libro de artista como ejemplar único, y el libro de artista seriado. El libro de artista único como su palabra lo dice es aquel que sólo existe su unidad como tal y que está autografiado por el autor. Igualmente este libro de artista se subdivide en: - Libro de artista original mantiene su estructura (formato) convencional de los libros tradicionales pero que aún siendo un ejemplar único mantiene las características del mismo, como el oficio, lo artesanal, y la huella del artista. - El libro objeto es una obra representada tridimensionalmente para ser observada y contemplada en su totalidad desde todas las perspectivas posibles halladas por el espectador. - El libro montaje son todas aquellas obras que están situadas en un espacio, lo que hace la función de que el espectador interactúe con las obras y su entorno, 21 rompiendo así con el formato tradicional del libro. - El libro reciclado parte de un libro ya existente a ser intervenido por el artista, así interactúa entre lo existente y su lenguaje propio para transformarlo en una obra propia. - El libro seriado es aquel libro de artista con la variación de que no es un ejemplar único, así el artista se sumerge en las diversas técnicas de impresión como una herramienta más para su interpretación, utilizando así la gran variedad de técnicas de reproducción, desde la repetición manual hasta la litografía, serigrafía, aguafuerte, offset, electrografía, entre otras. Los variables libros de artista que no compartan estas características se clasificarían por su contenido, movimiento al que pertenezca, materiales empleados, o la finalidad en que estén destinados, como sería el caso del libro de viaje, minimalista, conceptuales, móviles, entre otros. - La ilustración es un componente gráfico que es utilizado en la mayoría de los casos para complementar o realzar un texto. Las ilustraciones pueden ser planos, gráficos, elementos decorativos, etc. Por lo que complementa la esencia del texto para un mensaje más directo, explicativo visual, en forma decorativa, o simplemente para reformar la idea de lo que se quiere comunicar en el texto. Su existencia es muy antigua lo que podría considerarse desde la prehistoria y los murales representando la caza del búfalo por los hombres primitivos como medio de comunicar una escena por medio de la narrativa visual, y que consecutivamente se vio en las culturas posteriores hasta nuestros días. Uno de los libros ilustrados más antiguos fue elaborado en un papiro egipcio aprox. En el año 2000 a.C. - La intuición del artista al representar su visión que quiere transmitir no se detiene por las regularidades de las características de un libro tradicional, por lo que no se hace presente un sistema reticular que encierre su perspectiva, su mundo interior y su lenguaje personal son las particularidades de su esencia. El subjetivismo, la intuición, las sensaciones, lo artesanal, el oficio, el azar controlado, y el metalenguaje son los conceptos consciente e inconscientemente aplicados por el artista, por lo que no hay estructuras que encierren su mundo de representaciones en un plano. 22 La intuición, según dicen los expertos, nos permite acceder a una gran reserva de conocimientos que no somos conscientes, o lo somos sólo parcialmente, viene a ser el modo de pensar “por defecto”, es decir, el que funciona cuando no aplicamos el pensamiento racional. Es nuestra capacidad de conocer nuestras verdades interiores, una función no racional y que proviene de un lugar muy profundo de nuestro interior que probablemente fuera nuestro primer nivel de comprensión. Precursora del pensamiento racional, que está asociada estrechamente con nuestra función de sentimiento racional. La intuición es la capacidad de saber que algo es verdad desde lo profundo de nosotros mismos. Es el modo más verdadero y en cierto sentido, el más inmediato de ver la realidad de nosotros mismos y de los demás. Sin embargo debemos aguzar nuestra conciencia de esta función aumentando nuestra percepción y por la práctica de escuchar nuestra voz interior. Debemos leer conscientemente las señales que se filtran a través de nuestras mentes, a fin de descifrarlas. Esto significa que necesitamos estar dispuestos a reconocer las proyecciones de nuestras propias emociones sobre la gente y el mundo que nos rodea. Son el eslabón esencial en el proceso que llamamos manifestación, esto significa que lo que queremos y deseamos puede ser transformado en realidad material por nuestra firme intención de crearlo. Nos recuerdan lo importante que es confiar en lo positivo y ser creativos en nuestro pensamiento. Somos la libertad misma, por lo que la intuición es una percepción interna y fugaz de una idea o una verdad que aparece como indudable a quien la tiene, y esasí el por qué al incorporar el resultado de la observación precisa de hechos particulares comenzamos a ver la posibilidad de generalizar conceptos. La intuición utiliza distintos niveles o vehículos para manifestarse: el físico, el mental, el emocional y el espiritual. No hay que descartar que utilice más de uno. El argumento fundamental de la Filosofía perenne es que los seres humanos estamos constituidos por la llamada Gran Cadena del Ser, es decir, somos: materia, cuerpo, mente, alma y espíritu, es por ello que se determinan en niveles como son el físico, emocional, mental o espiritual. - El subjetivismo o relativismo en líneas muy generales, sostiene aquello que la gente considera justificado creer o hacer, depende sustancialmente de su propia disposición o de sus condiciones particulares de vida (su peculiar 23 constitución, su tiempo y lugar, su cultura, su medio social, su forma de vida). Es la postura o teoría de rechazar la existencia de verdades y defender que todo es opinable, que todo depende del punto de vista. Es la posibilidad de diversas maneras de pensar y diversas formas de vida. Una cosa es decir que nada que sea verdadero, es verdadero, y nada que sea falso, es falso, sino que nuestro pensamiento hace que sea así, y que nuestros modos de pensar o ciertos «estilos de pensamiento» conforman su sentido hacen que lleguen a tener un valor determinado de verdad en ese contexto. El punto de vista puede fijarse más en un aspecto u otro, y acertar más o menos con la realidad. Pero la realidad es como es, con independencia de quien mire. “La intuición nos permite recurrir a la enorme provisión de conocimientos de los que no somos conscientes, incluyendo no sólo todo lo que uno ha experimentado o aprendido intencionada o subliminalmente, sino también la reserva infinita del conocimiento universal, en la que se superan los límites del individuo”(Francés Vaughan 1960, documento online). Kandinsky en su concepto de lo interior y espiritual no es más que una exploración del subconsciente, traducía su realidad a través de nuestra percepción y que constituye el fundamento de nuestras ideas. Lo complejo de la realidad en que vivimos habita nuestro subconsciente y todo lo que está fuera de nosotros ya existe de alguna manera dentro de nosotros. - El lenguaje como herramienta de comunicación que transmite la experiencia interna y propia de cada individuo al exterior, ya sea a un grupo o varios. Una facultad importante del ser humano es poder compartir la experiencia subjetiva a través de la expresión artística. Este carácter interdisciplinario, permite al libro de artista ser el medio de expresión en el cuál se consigue en definitiva, una libertad creativa total. “El libro de artista es un soporte a través del cual se manifiesta el acontecimiento estético visual en diferentes combinaciones técnicas, creativas y del lenguaje artístico en donde el libro se hace una obra de arte en sí misma y no un medio de difusión solamente, esto quiere decir que el libro tradicional deja de ser y se convierte en una forma-libro ligada a la manifestación y al sentido estético en sí”. (Callejas 2004, documento online) 24 El libro es un medio de comunicación visual, y el diseño gráfico tiene la finalidad de resolver problemas de comunicación visual, ambos comparten un fin en común que es el proceso metodológico en el desarrollo, conformado por los procesos creativos y de diseño que abordan la integración de las necesidades que éste amerite. Por lo que el proceso creativo no debe tener limitaciones en cuanto a su gestación, desarrollo y aplicación que varían según las necesidades del artista, lo que llevaría a una propuesta personal, vinculando el arte y al diseño por medio de los diferentes métodos de impresión, logrando así un lenguaje, al igual de las posibles manifestaciones creativas y de conocimiento que se aplicarían en el diseño. Partiendo de estas notas doy una idea general del trabajo y plantear una propuesta de un diseño editorial partiendo del libro de artista (zoológico), en él cuál se mantengan los procesos creativos del sujeto como concepto generador, y al mismo tiempo aplicando los conceptos de diseño que formará parte de la composición del mismo. 25 CAPITULO II CRITERIOS METODOLOGICOS Metodología del pensamiento visual y creatividad en el Arte y el Diseño: (Aplicada para la creación del libro de artista) Toda metodología es aquel conjunto de acciones desarrolladas según un procedimiento preestablecido con el fin de lograr un objetivo, o bien una estrategia que utiliza diferentes disciplinas para resolver problemas específicos. Los métodos utilizan una gran variedad de enfoques que son utilizados por la investigación y por el tipo de investigación a implementar, con la finalidad de abordar datos que serian la base de la relación del objeto a ser investigado, entre su interpretación, explicación y predicción. Toda metodología de la investigación implica una serie de procedimientos y estrategias que inducen a cómo profundizar en un problema planteado y se sintetiza por un proceso ordenado de actividades en su totalidad. Por medio de la metodología del pensamiento visual y creatividad en el arte y el diseño perteneciente al profesor Nelson Gómez Callejas, siendo una adaptación metodológica de la Escuela de Pensamiento y Creatividad de la Facultad de Filosofía de la Universidad de Santiago de Compostela. España; que dirige el profesor Alfonso López Quintás, la cuál se implementó en la realización del libro de artista en cuanto a la utilización de las técnicas creativas, técnicas de activación, lenguaje, metalenguaje, y las técnicas de activación. El hombre utiliza distintos niveles o vehículos para manifestarse, y quizá más de uno a la vez como el físico, el mental, el emocional y el espiritual, lo que llamaríamos intuición, donde como sujeto que observa, percibe y se asombra, crea un mundo su ámbito y desarrolla un lenguaje por medio de su oficio. Las cuatro etapas-relaciones en el desarrollo del libro de artista que son el descubrimiento de modos diversos de la realidad a través de la apertura del sujeto y, que una vez percibido el sujeto se conforman los ámbitos que originan las relaciones que son: Objeto – ámbito Hecho – acontecimiento Procesos artesanales – procesos creativos Significación – sentido 26 En el proceso del pensamiento creativo es cuando la activación de las facultades mentales se emplea, así el descubrir los modos de la realidad se fundamenta en los objetos, los ámbitos y los sujetos. - Objeto son aquellas realidades que percibe el hombre y que pueden ser delimitadas, manejables, mesuradas, percibidas y analizables. - Ámbito son realidades que no están construidas de una vez y que acontecen por iniciativa, la cuál se van conformando a través de sujeciones interdependientes. - Hecho – acontecimiento es el origen del descubrimiento que tiene sus características de reflejar en lo vital que se revela, y que la observación, percepción e imaginación son actuantes e independientes. - Procesos artesanales – procesos creativos es aquel proceso determinado con el uso de una o más técnicas que son utilizadas para determinar el oficio y, que es un mutuo proceso de hecho – acontecimiento siendo la base de la creatividad. - Sentido – significación siendo el interior del sujeto que tiene significación propia y que por ende, es el ideal de una percepción interna de una idea o una verdad que aparece como indudable .Así al incorporar el resultado de la observación precisa de hechos particulares comenzamos a ver la posibilidad de generalizar conceptos. - El encuentro se da entre ámbitos por lo que el lenguaje como expresión continua abre opciones entre más posibilidadesy más ámbitos de vida. Por lo que si existe un encuentro de ámbitos y el hombre es un ser de encuentros nos origina una fascinación para nuestra vida en percibir, intimar e intervenir los objetos en ámbitos. Lo que la significación artística o bien, el sentido creativo significarían aquella realidad y acontecimiento que se puede transformar por el artista, por lo que sus realidades son sus ámbitos, no sólo como objeto sino que se contemplan los hechos como acontecimientos, lo que llamaríamos la actividad artística que es la creatividad. En el encuentro de nuestras realidades nuestro lenguaje, también irá ajustándose con precisión, día a día ya que es el reflejo de nuestro actual grado de conciencia. Y ésta nos indica que percibimos más cosas que las que nos llegan por nuestros sentidos físicos y todas sus combinaciones, a esto lo llamamos intuición que está definida como la facultad de comprender las cosas instantáneamente, sin razonamiento. Las cosas son las que nos mantienen ocupados, las que están dentro de 27 nuestro campo de atención. Las que han sido registradas en nuestra memoria siguiendo los pasos previos de observar, recordar, imaginar y clasificar. Ya cuando comprendemos nuestro encuentro, es cuando la intuición de nuestro ideal en la vida “es crear” como nuestra existencia misma, es cuando nuestros razonamientos y nuestra manera de ver la realidad y la vida, es el ideal que nuestra vida alcanza impulso y lleno sentido. La metodología del pensamiento visual y creatividad en el Arte y el Diseño es utilizada para la creación del libro de artista por lo que los abordajes en cuanto a las técnicas de expresión, el conocimiento y experimentación de diferentes soportes, las técnicas creativas por medio de los activadores creativos, enfatizan en el sujeto a partir del ámbito un encuentro que es trascendental y su intención es desarrollar un lenguaje propio y universal. Lo que en cuanto a creatividad y sus diversos abordajes como disciplina es la que estudia los procesos creativos desarrollados vivamente en secuencia y así dar origen a algo legítimo y único que encierre un valor y esencia. Metodología del profesor Ramses Antolínes Para la cuarta parte del proyecto se utilizará la metodología del profesor Ramses Antolinez que fue propuesta en el Congreso Nacional “Diseño en Venezuela 98”, en su ponencia titulada “Reflexiones en torno a una metodología para el diseño gráfico”, que fue llevada a cabo en Maracaibo en 1998. Esta metodología está fundamentada en procesos lógicos en función de interiorizar la situación. Consecutivamente la explanación o múltiples modos de ver sería un abordaje de la problemática en sí y sus diferentes modos de verla. En cuanto a la propuesta del profesor Ramses Antolinez, uno de los aspectos más importantes consiste en razonar en que existen diversas formas de abordar un mismo problema, igualmente el investigador debe alcanzar una forma de solucionar dando respuestas, tomando en cuenta que el diseñador puede guiarse por un método e introducirlo a una metodología acorde a su problema, ya sea personal, referenciada o una mezcla de las mismas sea el caso. La fase situacional es la internalización del problema utilizando las palabras claves en 28 donde se podrá pre-concebir conceptos para el diseño editorial partiendo del libro de artista. La segunda fase denominada la fase práctica está vinculada a los resultados obtenidos de la fase situacional y a la metodología de investigación, lo que es de carácter integral y se determinará de la siguiente manera. - Brief - Tormenta de ideas - Búsqueda de conceptos generadores - Definición raíz - Caja de bocetos, preparación y/o selección de ilustraciones - Memoria descriptiva - Bocetos finales - Maqueta final 29 CAPITULO III LIBRO DE ARTISTA Zoológico El lenguaje visual y la intención significativa de mi libro de artista es la interpretación de emociones con la libertad de expresión de lugares y vivencias obtenidas en mis viajes realizados a continentes e islas nunca imaginadas que visitaría. El recorrido de ambientes con diferentes esencias culturales e impregnados de estilos y autenticidad me abrió un enorme mundo de imágenes y experiencias que quise representar, lo que me llevó a una recolección de material que inmortalizarían el momento y las emociones por medio de imágenes, obsequios de los lugares, música, entre otros. La interpretación de mis viajes van directamente al punto de vista personal de lo que es el mundo actualmente y del juego de momentos y circunstancias que la vida brinda, igualmente una proyección de industrialización y pérdida de valores para muchos, siendo una proyección sin juzgamientos ni creencias que influyan para representarlas. El mundo evoluciona y el hombre busca nuevas fronteras en todos los sentidos, la extinción de los animales como producto de la industrialización, el hombre como maquina generadora, la experimentación de sensaciones y vivencias, el racismo, el sexo, entre otras. Siempre han sido interrogantes y acciones ya sean conscientes o inconscientes del hombre. Sin embargo el hecho de manifestarse el hombre por medio de sus acciones determina parte de la cultura, lo que hace referencia del futuro de la humanidad y del mundo. Los lugares brindan la oportunidad de trasmitir su identidad, por lo que hace único cada lugar en cuanto a ambiente, objetos, imágenes, música, estilo, comidas, etc. Esto hace que se caracterice entre su estilo, o por ser único, e igualmente lo caracteriza entre países por sus cualidades de belleza, cultura, flora, fauna, entre otras que determine su estilo de vida y trabajo. La interpretación de mi vivencia a países, entre sí completamente diferentes en su cultura y lengua me abrió perspectivas y nuevas fronteras en cuanto a interpretaciones, significaciones, comprensiones y entendimientos de la imagen por medio de las emociones, lo que proyecto en mi libro de 30