arte brasileno

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La Secretaría de Cultura, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional 
de Arte, presenta siete décadas de arte moderno brasileño visto desde la Colección Fadel, de Río 
de Janeiro, en una exposición organizada por MALBA / Museo de Arte Latinoamericano de 
Buenos Aires, que incluye pintura, escultura, dibujo, gráfica, técnicas mixtas e instalaciones, 
de más de 70 artistas.
La colección de Hecilda y Sérgio Fadel, es una de las más importantes de Brasil, con alrededor 
de 3000 obras desde el barroco colonial a nuestros días. Bajo la curaduría de Victoria Giraudo, 
Coordinadora Ejecutiva de Curaduría de Malba, se mostrará una selección de 164 piezas, 
conformada por tres grandes módulos temáticos: el primer modernismo en Brasil (hasta 
los años treinta), entre las raíces autóctonas y la modernización internacional (décadas del 
cuarenta y cincuenta) y la ruptura de lo moderno y las primeras expresiones sensibles hacia lo 
contemporáneo(década del sesenta en adelante). 
Esta exposición, Antropofagia y modernidad, se focaliza en la constante búsqueda de la identidad 
estética brasileña iniciada con los primeros artistas de pensamiento moderno a fines de siglo 
xix y enfatizado en 1922 a través de un grupo de escritores y artistas, quienes organizaron 
la Semana de Arte Moderna, evento que marcó un momento de debate artístico clave de la 
modernidad. Poco tiempo después, el escritor Oswald de Andrade publicó los manifiestos Pau-
Brasil (1924) y el Manifiesto Antropófago (1928), que insertaron a Brasil en el lenguaje de las 
vanguardias internacionales a la vez que florecía un arte enraizado en lo autóctono y ancestral, 
que llevaría a varios artistas a explorar su propia historia colonial y el imaginario de la más espesa 
topografía y flora del Amazonas. La figuración se vería progresivamente diluida en una síntesis 
de abstracción geométrica que conduciría a un debate a mitad de siglo, entre un arte figurativo 
de cuño nacionalista y un arte abstracto internacional que consolidaría al arte concreto, como un 
triunfo de la llamada voluntad constructiva brasileña. Vendría poco después, una generación de 
artistas neo-concretos y neo-figurativos, quienes experimentaron con la interacción de las obras 
en el espacio circundante, con la música, las artes escénicas, el cine y el teatro en un contexto 
artístico liberador en medio de un momento político represivo. Esto abrió el paso a exploraciones 
sensibles, conceptuales que marcarían el inicio del arte contemporáneo. 
En 1994, el Museo Nacional de Arte recibió una importante donación de María Asúnsolo, 
entre la cual se encontraba un retrato de 1942 de la musa y patrona, a mano del pintor brasileño 
Emiliano Di Cavalcanti. Desde su ingreso al acervo, la pieza no había sido exhibida hasta la 
muestra Los modernos. En el continuo ejercicio por ampliar el estudio de su colección, en esta 
ocasión el museo ofrece una exposición dedicada a valorar la relevancia que el arte brasileño 
tuvo en la creación de los lenguajes modernos en la centuria pasada. Considerando que el arte 
moderno se dio en distintas geografías y de manera simultánea, resulta pertinente presentar no 
sólo el panorama de México y Europa, sino también el contexto de una parte de América del Sur.
El Museo Nacional de Arte agradece a Hecilda y Sérgio Fadel por la generosidad en facilitar obras 
de su colección para presentarlas en México. A Eduardo F. Costantini, y al equipo del MALBA, 
por invitar al Museo Nacional de Arte a sumarse a la tarea de difundir el arte brasileño en otras 
latitudes. A la Embajada de Brasil en México, así como al Centro Cultural Brasil México, por su 
aportación al programa de actividades paralelas que acompañarán la muestra. Al Patronato del 
Museo Nacional de Arte A.C., al equipo del museo y a todos los que hicieron posible esta exposición.
ANTROPOFAGIA Y MODERNIDAD
ARTE BRASILEÑO EN LA COLECCIÓN FADEL. 1908-1979
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CEDULAS
TEMÁTICAS
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PRIMER MODERNISMO 
EN BRASIL
En 1917, la exposición de Anita Malfatti en São Paulo –con obra realizada en su estadía en Berlín 
(1910-1914) y Nueva York (1915-1916)–, sería un hito inicial moderno, por lo audaz de su 
propuesta, influenciada por el expresionismo alemán, americano y un cierto fauvismo. Malfatti 
logró conmocionar a la sociedad provinciana paulista. 
En 1922, la Semana de Arte Moderna marcó el inicio del debate moderno en São Paulo al reunir 
a escritores como Mário y Oswald de Andrade, Graça Aranha, Menotti Del Picchia, Guillerme de 
Almeida, Ronald de Carvalho, Manuel Bandeira; a pintores como Anita Malfatti, Emiliano Di 
Cavalcanti, John Graz, Vicente do Rego Monteiro; el escultor Víctor Brecheret; y el músico 
Heitor Villa-Lobos, entre otros. Tarsila do Amaral no participó del evento, aunque sí formaba 
parte del llamado “Grupo dos Cinco”. 
En este periodo se dio, al igual que en otros países de la región, el fenómeno de los artistas 
latinoamericanos visitando Europa y la consecuente absorción de las vanguardias históricas 
por parte de ellos: la interacción con el cubismo y la producción en París, con el modernismo 
español, el futurismo italiano, etc. No se trató simplemente de autores de América Latina que 
viajaron a Europa y copiaron una manera o un modelo, sino que hubo una reelaboración de las 
vanguardias, propiciando la experimentación de diferentes lenguajes.
MANIFIESTOS PAU-BRASIL 
Y ANTROPÓFAGO
Oswald de Andrade escribió el Manifiesto Pau-Brasil en 1924 al regresar –junto a la pintora Tarsila 
do Amaral, el escritor suizo Blaise Cendrars, Mário de Andrade y Olívia Guedes Penteado– de un 
viaje por Minas Gerais y tras haber presenciado aquel verano el Carnaval carioca. En este afán por 
descubrir Brasil, encontró la identidad no sólo en lo indígena, también en lo popular y en lo rural. 
Oswald propuso una poesía de exportación a raíz del nombre del árbol Pau, uno de los productos 
más exportados a Portugal durante el periodo colonial. 
Cabe recordar que, en 1920, Francis Picabia publicó el Manifiesto Caníbal Dadá y que ese mismo 
año circuló la revista Cannibale. En ambos casos, el término canibalismo se utilizaba con una 
connotación asociada al sacrificio, muy diferente del sentido que planteaba Oswald de Andrade. 
En el caso de Brasil, es a partir de la obra Abaporu de 1928 de Tarsila do Amaral, que se consolidó el 
movimiento antropófago. Se fundó así el Club de Antropofagia, que editaba la Revista de Antropofagia 
misma que publicó el Manifiesto Antropófago de Oswald de Andrade, el que reelaboró y subvirtió el 
concepto negativo del caníbal. En éste se concentraba el Brasil, el ‘infierno verde”. Desde entonces, 
la antropofagia se consolidó como modelo identitario cultural de Brasil, que se explica a partir de la 
asimilación y deglución caníbal de lo extranjero para transformarlo en algo completamente nuevo y 
original. Con ello, se puso fin al modelo de copia académico y se proclamó la independencia cultural 
de aquel país. Oswald propuso la “antropofagia” como punto de unión de la cultura brasileña: 
“…sólo la antropofagia nos une. Socialmente. Económicamente. Filosóficamente”.
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Después de la crisis del 1929,que incidió económicamente en la producción de toda la región (en 
particular, en la economía agro-exportadora cafetera de Brasil) y con la subida de Getúlio Vargas a 
la presidencia, surgió una preocupación mayor por lo social, por el ser humano y lo popular. Vargas 
impulsó un estado fuerte, bajo el lema “que haga la revolución antes de que el pueblo la haga”, que 
se tornó en un aparato dictatorial de democracia con autoridad, cuyo fin coincidió con el de la 
Segunda Guerra mundial en el año 1945.
En esta época comenzó a incidir la figura del crítico de arte Mário Pedrosa, teórico marxista 
que impulsó una acusación dirigida a los artistas modernos en la que demandaba reducir las 
preocupaciones estéticas en pos de un realismo social. En este realismo se identifica una fuerte 
influencia del muralismo mexicano, por la adaptación de los grandes formatos, lo monumental 
de las figuras, lo épico de la narrativa, así como el uso de la fotografía y los encuadres del cine en 
la composición. 
Cândido Portinari, al regresar a Brasil en 1932, reflejó en sus pinturas una fuerte preocupación social 
y nacional, que identificamos en retratos de trabajadores mestizos (el nuevo modelo brasileño), en 
escenas rurales y festividades populares influenciadas por los metafísicos italianos. 
Por su parte, Alberto Da Veiga Guignard descubrió el Brasil por otros caminos. Al igual que el 
paisajista Roberto Burle Marx, tomó contacto con la naturaleza y sus verdes intensos en el Jardín 
Botánico de Río de Janeiro. En la década de los cuarenta, se mudó a la región de Minas Gerais, que 
sería el escenario de sus pinturas con paisajes montañosos repletos de iglesias barrocas que remiten 
a la historia sacra colonial. 
BRASIL POPULAR
Y SOCIAL
AMAZONIA 
El surrealismo, como arte que expresa lo que sucede en el inconsciente, en los sueños y las 
pulsiones, ya existía en Latinoamérica antes que se desarrollara como movimiento artístico en 
Europa. Era parte de la vida misma, de las leyendas y las mitologías. Cuando llegó el surrealismo 
de André Breton como movimiento moderno, el arte en las urbes de Brasil estaba más interesado 
en lo nacional. Pero se dieron casos excepcionales en relación a lo onírico, al psicoanálisis y a 
la experiencia de lo alucinante y lo mágico. Obras literarias clave de escritores modernos como 
Cobra Norato (1931) de Raul Bopp y Macunaíma (1928); la novela fantástica y de realismo 
mágico de Mário de Andrade; o la pintura El Lago, de Tarsila do Amaral, mezclaron conceptos 
freudianos con el culto Candomblé y con lo oculto en el corazón del Amazonas.
La obra de Cícero Días de este periodo es fundamental para entender el concepto de lo alucinante 
a partir de la cultura local, en las que se da el cruce de lo popular con las artes cultas (como el 
manifiesto de Breton), y con el tema del imaginario de Recife.
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ABSTRACCIONES 
GEOMÉTRICAS
En la década de los cincuenta, el proyecto modernizador internacional tomó gran impulso en Brasil 
con la creación del Museo de Arte de São Paulo (MASP) Assis Chateaubriand en 1947; el Museo 
de Arte Moderno de Río de Janeiro (MAM RJ) en 1948; y el Museo de Arte Moderno de São 
Paulo (MAM SP); y que sumados a la I Bienal Internacional de São Paulo en el MAM SP creada 
en 1951, tuvieron un fuerte impacto en el desarrollo de la abstracción geométrica. 
El escenario concreto tenía a sus artistas reunidos en grupos. Por una parte, se destacaba el grupo 
Atelier Abstracción, fundado por Samson Flexor en su casa-atelier en São Paulo. Por otra parte, 
el Grupo Ruptura, creado en 1952 en São Paulo, a partir de teorías marxistas y liderado por 
Waldemar Cordeiro. Por su parte, en Río de Janeiro varios alumnos del curso de Ivan Serpa en el 
MAM fundaron el Grupo Frente, el cual conglomeró a artistas de distintas tendencias que giraban 
en torno al ideal de libertad de creación y a partir de los teóricos Mário Pedrosa y Ferreira Gullar. 
La pluralidad de caminos de experimentación de los distintos grupos y artistas, por una parte, y 
por otro lado, la similitud en muchas de las realizaciones, llevó a que los artistas comenzaran a 
interactuar y a relacionarse. Esto dio lugar a la organización de la I Exposição Nacional de Arte 
Concreta, realizada en el MAM SP en 1956, que se presentaría un año más tarde en el Ministerio 
de Educación de Río de Janeiro. 
María Martins, estuvo interesada en estudiar y revalorizar la antropología, la cultura local, los 
cultos religiosos como la Macumba y los rituales, y la etnicidad de su país. En sus obras escultóricas, 
incorporaba elementos surrealistas, exploraba la sensualidad y el erotismo del cuerpo femenino y, 
a la vez, desarrollando la metamorfosis de las formas sinuosas y monstruosas de la naturaleza, las 
leyendas y diosas de las mitologías de la Amazonia.
Por su parte, Flávio de Carvalho fue uno de los artistas más radicales del modernismo. Estudió 
filosofía, ingeniería civil y pintura. Tuvo un especial interés por la antropología y el psicoanálisis 
freudiano, centrado fundamentalmente en lograr la liberación de los tabúes religiosos y sociales. 
Realizó un arte de provocación y transgresión de las normas sociales tradicionales.
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NEOCONCRETOS
La década de los sesenta comenzó con la inauguración de la nueva capital del país, Brasilia, que 
significó la culminación de un proceso que inició veinte años antes, con la diagramación de la 
arquitectura moderna en Brasil por parte de Lúcio Costa y Oscar Niemeyer, junto al arquitecto 
francés, Le Corbusier. 
A partir de las exposiciones de arte concreto y con la mayor racionalización por parte del grupo 
Ruptura, empezaron las divergencias teóricas entre Waldemar Cordeiro y Ferreira Gullar. En 
1959 se realizó la I Exposiçao Neoconcreta en MAM, Río de Janeiro, que se distanciaba de los 
concretos racionalistas paulistas. En su Manifiesto Neoconcreto, Ferreira Gullar aclaró que aquél no 
era un grupo ligado con principios dogmáticos, y explica que se trataba de tomar una “…posición 
enfrentada al arte no figurativo ‘geométrico’ (neoplasticismo, constructivismo, suprematismo, 
escuela de Ulm) y particularmente frente al arte concreto, llevado a una peligrosa exacerbación 
racionalista.” También enfatizó que ellos no concebían “…la obra de arte como una ‘máquina’ ni 
como un ‘objeto’, sino como un quasi-corpus” y que ésta “…no se limita a ocupar un lugar en el 
espacio objetivo, sino que trasciende para fundar en él una significación nueva; que las nociones 
objetivas de tiempo, espacio, forma, estructura, color, etc., no son suficientes para comprender la 
obra de arte, para dar cuenta de su “realidad.”
Durante este periodo, Brasil comenzaba a vivir un contexto liberador, de interacción de objetos 
artísticos con espacios circundantes, de experiencias compartidas por todo tipo de artistas con la 
participación del público en diversos espacios, incluido el urbano. Hélio Oiticica llamó a su arte 
“ambiental”, donde nada está aislado, sino que domina el conjunto perceptivo sensorial. 
NUEVAS
FIGURACIONES 
Mientras que en Brasil se establecía la dictadura en 1964, en el mundo convivía el espíritu de la 
vuelta a las ideas duchampeanas dadaístas con diferentes versiones de una nueva figuración; el 
surgimiento del pop americano e inglés; el Nuevo Realismo y las mitologías cotidianas francesas; 
el cómic; la interacción con los medios de comunicación masiva; los novedosos happenings y 
performances; entre muchas otras expresiones. El pop neoyorkino apuntaba a un imaginario de 
elementos cotidianos y populares de las clases medias, como crítica a su sociedad consumista. 
En Brasil, en aquel momento, no existía tal sociedad consumista, por lo que si hubo una versión 
de pop brasileño fue en un sentidode crítica social, de denuncia, de caricatura cínica de la realidad 
desde un sentido antropofágico, es decir sin perder la autonomía, pero aprovechando las experiencias 
planteadas por otros. Por ejemplo, Décio Pignatari señaló la similitud entre la bandera Pau-Brasil y 
la americana de Jasper Johns. Los artistas tomaron del pop el tema de su propia realidad cotidiana, 
social y política, la cual era muy diferente a la de los Estados Unidos. En esto, había quizás más puntos 
de encuentro con los nuevos realismos cotidianos franceses, con la semántica, con el bricollage a la 
Lévi-Strauss y con el existencialismo. 
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SEGUNDA GENERACIÓN CONSTRUCTIVA 
SUPERACIÓN DE SOPORTES TRADICIONALES
La exposición Nova Objetividade Brasileira de 1967, en el MAM de Río de Janeiro, que mostraba 
múltiples tendencias, fue el inicio del proceso neofigurativo y el marco inaugural de la segunda 
generación constructiva al llevar a los artistas a una “desestructuración del objeto artístico con 
un consistente aparato teórico”. Contaba con dos textos clave: uno de Waldemar Cordeiro sobre 
la evolución del arte concreto a la nueva vanguardia y el manifiesto de Hélio Oiticica Esquema 
general de nueva objetividad, que describía la voluntad constructiva como un estado típico del arte 
brasileño que unía al arte con la arquitectura. 
En este contexto surgió el movimiento tropicalista, inspirado en el Penetrable de Hélio Oiticica, que 
retomaba a su vez, las construcciones y materiales precarios de las favelas. Tropicália se desarrolló 
principalmente en el ámbito de la música pero también en el teatro, en el cinema novo y en eventos 
performáticos que ponían en juego las nociones anti-arte. “El arte es un ejercicio experimental de la 
libertad” proclamó Mário Pedrosa sobre esta generación, quien fue pionero en utilizar la expresión 
“arte pós-moderna” para identificar la complejidad cultural que surgía a partir da década de 1960. 
Ya no se trataba de artistas agrupados con manifiestos sino de artistas independientes, que se 
encontraban en diálogo con el arte internacional. Abarcó nuevas reflexiones, cuestionamientos con 
diferentes posturas y libres aproximaciones al arte: desde resignificaciones semánticas realizadas a 
partir de la semiología; el lenguaje conceptual en la producción de libros de artista; la noción de 
ambiente arquitectónico; y la relación entre forma, instalación, arquitectura, urbanismo y ciencia. 
Algunos de ellos, realizaron citas al arte moderno retomando a Lucio Fontana, Constantin Brancusi, 
Jean Arp, a George Vantongerloo en lo constructivo y a Joaquín Torres-García en las geometrías 
y grafías simbólico-sensibles y semiológicas. Los artistas de esta segunda generación han sido una 
matriz proto-conceptual, en un país donde el conceptualismo va a ser clave. Hasta la fecha, Brasil 
se mantiene como una de las escenas artísticas con mayor tradición, peso e historia en el ámbito 
de lo conceptual.
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CEDULAS
COMENTADAS
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LOS MODERNOS ANTES 
DEL MODERNISMO 
VICENTE DO REGO MONTEIRO
TARSILA DO AMARAL
La idea romántica de América Latina estuvo moldeada por la obra de pintores y dibujantes 
viajeros que trascendieron los límites geográfico-políticos del continente, cuya enorme riqueza 
estaban por descubrir y explorar. A fines del siglo xix y comienzos del xx, numerosos viajes de 
intelectuales europeos con largas estadías en Sudamérica, reforzaron esta idea de la América exótica. 
Con el cambio del siglo xix al xx, surgió la necesidad de una renovación estilística y un cambio 
rotundo en las artes. En este sentido, el ambiente cultural de São Paulo compitió con el de Río 
de Janeiro por la punta reformista. Río “aspiraba a ser un París tropical” y sus artistas tomaron 
a la nueva ciudad moderna como temática en pinturas más sueltas y expresivas. Estos artistas 
considerados como los “primeros modernos”, representaron el traspaso y la primera discusión 
con respecto a la aparición de la noción de lo nuevo, que si bien no se inscribía todavía en 
términos de vanguardia, fungieron como bisagra.
Mezcló las tradiciones culturales marajoara, barroca y pernambucana, con el cubismo de la 
Escuela de París; consolidándose como un artista preocupado por la reconstrucción de una 
memoria histórica desde un lenguaje moderno. A través de una simplificación formal y una 
paleta reducida, realizó obras de carácter monumental en las que se puede identificar una 
influencia del art decó, que fue latente no sólo en éste artista, sino también en la arquitectura 
de Río de Janeiro; en la escultura como Danzarina de Brecheret; así como en las pinturas de 
Antonio Gomide, Ismael Nery (el primer surrealista) y John Graz entre otros. En 1921 Brecheret 
recibió el encargo del colosal Monumento as Bandeiras del Parque do Ibirapuera en São Paulo, 
que fue inaugurado en 1954.
Pintó la obra Morro da favela (Colina de favela) con “negros, negrinhos, animales, ropas secando 
al sol, entre colores tropicales”, la cual es un claro ejemplo de pintura Pau-Brasil. Por su parte y a su 
regreso de París en 1925, Emiliano Di Cavalcanti instauró el tema de lo femenino en su obra, pero 
con un sentido nuevo: la mulata como resultado de la herencia colonial y la esclavitud, convertida 
en símbolo de lo brasileño. En esta etapa, el pintor exaltó las tonalidades cálidas del color local, 
en busca de una identidad cromática, como se observa en obras como Menina de Guaratinguetá 
(Muchacha de Guaratinguetá), y también la sensualidad melancólica de lo típico festivo –de lo 
cotidiano, los estilos de vida, el carnaval, la música, los ritmos autóctonos y sus bailes–, como se 
aprecia en Roda do Samba (Rueda de samba). Si bien el tema de los músicos pertenecía al cubismo 
picassiano, la propuesta de Di Cavalcanti se distanció totalmente de él. En el conjunto de obras 
podemos identificar una noción de lo local en términos de cultura regional, que es clave en este 
momento del arte brasileño. 
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SÍNTESIS
CONSTRUCTIVA LIBRE
INFORMALISMOS Y 
ARTE DESTRUCTIVO
En los años cuarenta, el ambiente moderno y nacionalista del momento frenó las búsquedas 
sintéticas. El cine, la música y la arquitectura fueron innovadores en la transición entre el 
modernismo figurativo a la abstracción de base matemática. En este contexto, fue clave la decisión 
del entonces presidente municipal de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek –quien posteriormente 
fue presidente de la República de 1956 a 1961–, en impulsar el gran proyecto de urbanización de la 
nueva capital, Brasilia, mismo que estuvo a cargo de los arquitectos Lúcio Costa, Óscar Niemeyer 
y Roberto Burle Marx. 
En este contexto comenzó el movimiento constructivista, cuyo pionero es considerado Cícero 
Dias, quien para el año de 1946 comenzó a pintar a partir de la geometría. En el trabajo de 
este periodo, condensó los planteamientos de la antropofagia en tanto a la disolución de los 
preceptos académicos a favor de una propuesta local y genuina, de acuerdo con el propio Oswald 
de Andrade. Por su parte, otros artistas como Alfredo Volpi comienzan a depurar la figuración, 
desvinculando entre sí los elementos que pudieran construir una narrativa, hasta llegar a una 
abstracción libre, en algunos casos, geométrica. 
En 1951 se creó la Bienal Internacional de São Paulo, tomando como modelo la Bienal de Venecia, 
convirtiéndoseinmediatamente en centro de atracción de artistas de distintas regiones de Brasil. 
En la edición de 1957, se mostró una exposición de las grandes cuadros de Dripping y Action 
Painting de Jackson Pollock, a la vez que se premió dentro de la Bienal a los brasileños de dicha 
tendencia. La v Bienal de 1959 contaba ya con una gran representación de abstracción sensible, de 
artistas solitarios que enfrentaron en la tela el drama existencial. En el contexto del arte informal 
regional de la década de los cincuenta, se diferenciaron de los concretos algunos artistas de origen 
japonés como Manabu Mabe, Flávio Shiró y Tomie Ohtake, y otros como Iberê Camargo o Antônio 
Bandeira. La materia, la pincelada gestual, el grafismo estilo tachista, la escritura en las caligrafías 
influenciadas por el grupo japonés Gutai y el horror de las bombas nucleares, o el pensamiento 
zen en el espacio pictórico “toman cuerpo a través de la experiencia de la pincelada como pulsión 
significante.”
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LOS GRUPOS 
POESÍA CONCRETA
El grupo Atelier Abstracción fundado por Samson Flexor, artista de origen judío nacido en Soroca, 
hoy Moldavia, defendió la abstracción de lo que el propio Flexor llamaba “copia de la naturaleza”. 
Promoviendo con ello, ejercicios con regla y escuadra, según las leyes naturales de la armonía y la 
proporción áurea.
Por otro lado, el Grupo Ruptura, creado en 1952 en São Paulo y liderado por Waldemar Cordeiro, 
quien promovía reuniones para el estudio de la abstracción y en pos de asegurar las condiciones para 
el desarrollo de un arte nuevo en el que participaron artistas como Lothar Charoux, Geraldo de 
Barros, Luiz Sacilotto, Kazmer Féjer, Anatol Wladyslaw, Leopold Haar y sus posteriores adherentes 
como Maurício Nogueira Lima, Hemenegildo Flaminghi y Judith Lauand. 
El grupo Frente, por su parte, promovía el eclecticismo y tenía una altísima misión social. Lo 
integraban, además de Serpa, Aluísio Carvão, Décio Vieira, João José da Silva Costa, Lygia Clark 
y Lygia Pape, entre otros. Poco después se sumaron Hélio Oiticica, Franz Waissmann, Abraham 
Palatnik y Ruben Ludolf. 
En 1952, Augusto de Campos, Haroldo de Campos y Décio Pignatari, poetas del grupo Ruptura, 
fundaron en São Paulo el grupo de poesía visual concreta y la revista titulada Noigandres, que 
pretendía romper los límites de la poesía, la enunciación y la palabra, para fusionarlos con el arte 
concreto. La palabra Noigandres, tomada de un poema del escritor y crítico de origen estadounidense, 
Ezra Pound, no significa nada, pero partía de la intención de experimentar innovaciones en el 
lenguaje poético. En el arte concreto también estuvo presente la musicalidad en muchas obras, 
como en los ritmos coplanares de Willy de Castro o en los Metaesquemas del propio Oiticica. 
LA EXPOSICIÓN
OPINIÃO 65
En el MAM Río de Janeiro en 1965, reunió a treinta artistas de diferentes países, ideada por 
Jean Boghici y organizada por Cérès Franco, la cual mostraba a partir de obras figurativas 
un compromiso social y político durante la dictadura militar. No se trataba sólo de un rechazo 
a la abstracción, sino también de una relectura del realismo social local. En la apertura de 
la exposición, Hélio Oiticica –acompañado de miembros de la scola de samba Mangueira– 
presentó su serie Parangolés, la cual marcó un hito en la historia del arte latinoamericano. 
Oiticica tomaba a la samba como herramienta de demanda. De esta forma, la samba pasó a 
ser un instrumento de protesta.
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HÉLIO OITICICA
Realizó 20 diseños para la escenografía y vestuario del filme A Cangaceira Eletrónica [Western 
electrónico], de Antonio Fontoura, que sería un filme futurista sobre la historia revisada del 
western María Bonita, con Gal Costa como actriz principal. El guión proponía mezclar “cowboys 
jugando ping pong en sus momentos libres en un auditorio de TV donde María Bonita –mezcla 
de cantora pop y bandida– se lanzaba desde un escenario en estado de delirio, y regalaba premios 
como electrodomésticos y viajes”.
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BIOGRAFÍAS
NÚCLEO 1
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ALBERTO DA VEIGA GUIGNARD 
(RÍO DE JANEIRO 1896-1962)
Nació en Nova Friburgo se mudó con su familia a Europa en 1907. Con 20 años de edad, ingresó 
a la Akademie der Bildenden Künste de Munchen, donde estudió con Herman Groeber y Adolf 
Hengeler. En 1918 se mudó a París y entre 1920 y 1923 continuó su formación en Florencia. 
Sus principales influencias fueron los artistas renacentistas, los pintores pos impresionistas 
Paul Cézanne y Vincent van Gogh, y el fauvismo francés. Participó en los Salons d’Automme 
de París en 1923, 1927, 1928 y 1929, y en la Biennale di Venezia de 1928. Durante estos años 
fue cercano a Raoul Dufy y Henri Matisse. Volvió a Brasil en 1929, cuya escena artística estaba 
dominada por el academicismo. Desde entonces y hasta 1943, expuso en el Salão Nacional de 
Belas-Artes, en Rio de Janeiro, e impartió clases en la Fundación Osorio, en la Universidade do 
Distrito Federal y en la Universidad Nacional de Estudiantes. Tras las renovaciones educativas 
de 1930 y 1934, las cuales impulsaron el desarrollo del arte moderno brasileño, obras suyas 
y de sus alumnos fueron destruidas por los profesores y alumnos de la Escola Nacional de 
Belas-Artes, acto iconoclasta contra el arte de vanguardia. En 1930 participó en la Brazilian 
Exhibition, del Roerich Museum International Art Center, de New York, y en 1943 formó el 
grupo Guignard, donde destacó Iberê Camargo. En años 40, Juscelino Kubitscheck, alcalde de 
Belo Horizonte, quiso convertir dicha región en un centro cultural activo y sentó los precedentes 
para la creación de la Escola de Belas-Artes do Belo Horizonte. Da Veiga Guignard impartió 
clases de dibujo y pintura en esta localidad entre 1943 y 1962, y en 1945 fundó un colegio 
municipal de artes. En estos años produjo arte religioso influido por los artistas del “barroco 
mineiro”, como O Aleijadinho; también realizó paisajes de Minas Gerais y retratos de los 
pobladores vecinos. En 1951 expuso en la Bienal del Museu de Arte Moderna de São Paulo 
y recibió la medalla de bronce en el recién creado Salão Nacional de Arte Moderna. Murió 
en Belo Horizonte el 26 de junio de 1962. En su memoria se han realizado las exposiciones 
retrospectivas en el Museu de Arte da Prefeitura (1974) y en la Grande Galeria do Palácio 
das Artes (1982) de Belo Horizonte.
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MARIA DA CUNHA VASCO VASCO 
(RÍO DE JANEIRO, 1879 – LAUSANNE,1965)
Fue hija Anna da Cunha y José Maria Vasco. Su padre formó parte de la sociedad industrial de 
Rio: poseía una fábrica de textiles y llegó a ser presidente de la Companhia Confiança Industrial; 
también fue un hombre interesado en las humanidades y las artes; en el ámbito cultural era 
conocido sólo como “Vasco” y era amigo de artistas y poetas brasileños y extranjeros. Esta 
proximidad a las artes favoreció que “Vasco” procurara la educación artística de sus hijas María 
y Ana, quienes estudiaron pintura con el alemán Benno Treidler. Este artista recién llegado a 
Brasil se formó en la Academia de Artes de Berlín y había trabajado como escenógrafo en el 
Teatro Imperial de la misma ciudad; en Rio ganó reconocimiento por las obras que hizo para 
el Bancodo Brasil y la Fabrica de São Paulo. Maria, su hermana Ana y la pintora França Júnior 
fueron destacadas alumnas de Treidler. Entre 1898 y 1908, Maria participó anualmente en la 
Exposição Geral de Belas Artes, de la Escola Nacional de Belas Artes de Rio, donde fue premiada 
en 1898, 1904 y 1905. Se inclinó por el paisaje, uno de los géneros que más frecuentemente 
plasmaron las señoritas pintoras a finales del siglo XIX; pintó escenas de los barrios y puentes 
más emblemáticos de Rio, como Copacabana, Ipanema, Praia do Leme o Lagoa Rodrigo de 
Fretitas; también plasmó apropiaciones pictóricas de la ciudad de Petrópolis. En su acuarela 
Cantinho do Leme, realizado en 1898, se aprecia cómo aprendió e interpretó las técnicas del 
impresionismo, como las pinceladas ágiles, cortas, sueltas y yuxtapuestas, así como el uso de 
manchas. El formato reducido, las cualidades plásticas de esta obra, así como el episodio de 
una mujer pintora que desempeña su arte, guarecida por una sombrilla y ubicada en la parte 
inferior izquierda de la composición, sugieren que pudo ser una acuarela realizada à plein air, 
procedimiento también común entre los herederos del impresionismo. La mujer representada 
bien puede ser un autorretrato integrado a su propia obra, o bien un bosquejo de su hermana 
Ana. En 1911, se trasladó a la ciudad de Lausanne, Suiza, donde se casó con Joseph Mamie, 
el médico que asistía a su hermana Adélia; en esa ciudad vivió el resto de su vida salvo por 
un intermedio en que volvió a Brasil huyendo de la Primera Guerra Mundial. El único hijo 
suyo que nació en Rio de Janiero, Paul Mamie, también inició una trayectoria como pintor 
y grabador, fue miembro de la Escuela de París, estudió con Fernand Léger y André Lhote, 
y en 1978 expuso individualmente su trabajo en Tel Aviv, por invitación de su primo Vasco 
Mariz, quien se desempeñaba como embajador de Brasil en Israel. Sus obras formaron parte de 
la exposición Mulheres Pintoras que organizó la Pinacoteca do Estado de São Paulo en 2004.
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ANA DA CUNHA VASCO
(RÍO DE JANEIRO, 1881-1938)
Fue la segunda de cuatro hijos que tuvieron Anna da Cunha y José Maria Vasco. Al igual 
que su hermana mayor Maria, Ana creció en una atmósfera frecuentada por artistas y poetas, 
quienes eran amigos de su padre. Los intereses de José María Vasco, tanto como coleccionista 
así como mecenas de las artes, además de su bibliofilia y erudición, fueron determinantes para 
que Ana comenzara su formación artística. Junto a su hermana Maria, perteneció al grupo 
de señoritas pintoras que estudiaron con Benno Treidler. Ambas hermanas desarrollaron el 
género del paisaje y practicaron la pintura al aire libre. La producción pictórica más prolífica 
de Ana se dio entre los años de 1897 a 1908; durante este periodo ejecutó principalmente 
obras en formatos medianos y pequeños, y empleó la acuarela como principal recurso técnico. 
Expuso consecutivamente de 1898 a 1904 en la Exposição Geral de la Escola Nacional de 
Belas Artes, donde fue premiada en 1905, 1907 y 1908. Los escenarios que gustó representar 
fueron los barrios y las vistas de Rio de Janeiro: Palneiras, Silvestre, Ladeira dos Guararapes, 
Corcovado, Pão de Açucar, Ipanema, Lagoa Rodrigo de Freitas y Leme, este último fue el 
más recurrente en sus acuarelas. Su formación artística no se limitó a la plástica, también fue 
aplaudida como una prometedora pianista. Su trayectoria de pintora quedo interrumpida 
en 1909 cuando asistió a su hermana menor Adélia, quien cayó gravemente enferma. Dos 
años más tarde, junto con Maria, se mudó a Suiza para acompañar a Adélia en su ingreso a 
un sanatorio en Leysin, provincia de Lausanne. Todavía durante estos años pintó los paisajes 
nevados suizos. En 1914 Adélia murió y Maria desposó al Dr. Joseph Mamie, antiguo médico 
de su hermana difunta. Con el inicio de la Primera Guerra Mundial, Maria, su esposo y Ana 
volvieron a Brasil. El 21 de junio de 1918 murió José María Vasco y en 1920 Ana contrajo 
matrimonio con Joaquim José Domingues Mariz, portugués amigo de su padre con quien 
concibieron un hijo único, Vasco Mariz, quien también se interesó en las artes, fue cantante de 
cámara y autor de numerosos y aclamados libros sobre música brasileña, pero quien también 
hizo una destacada carrera diplomática y llegó a ser nombrado embajador de Brasil en Ecuador, 
Chipre, Israel y Alemania Oriental. Una nieta de Ana llamada Anna Thereza Mariz Gudiño 
se desempeñó como restauradora de arte en el Museu Histórico Nacional. En 1982 la Galeria 
de Arte de Banerj dedicó a Ana una exposición retrospectiva. Su obra puede ser vista en el 
Museu Nacional de Belas-Artes y en la Biblioteca Nacional de Brasil, ambos en Rio de Janeiro.
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GIOVANNI BATTISTA FELICE CASTAGNETO
(GÉNOVA, ITALIA, 1851 - RÍO DE JANEIRO, 1900)
ELISEU D’ANGELO VISCONTI
(ITALIA, 1866 - RÍO DE JANEIRO, BRASIL,1844)
Desde edad temprana mostró fascinación por los navíos que llegaban a Génova y pronto 
comenzó a ejercer la profesión de marinero, actividad que desarrolló durante la mayor parte 
de su juventud. En 1874 con 23 años de edad decidió trasladarse con su padre a Río de Janeiro, 
en 1878 ingresa a la Academia Imperial de Bellas Artes donde estudió, dibujo figurado, dibujo 
geométrico, matemáticas y paisaje, conoce al pintor George Grimm quien lo invitó a formar 
parte del taller al aire libre en la playa de Boa Viagem, en Niterói, más tarde denominado 
como Grupo Grimm.
Desde sus primeras obras se interesó por la representación de la naturaleza, sobre todo por la 
pintura de marinas. Sus primeros trabajos revelan las características esenciales de su producción, 
con pinceladas libres y la tendencia a la pintura monocromática, sus obras reflejan un completo 
dominio técnico, con composiciones perfectamente equilibradas por medio del color.
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El pintor y diseñador Eliseu D’Angelo Visconti nació en Giffoni Valle Piana, provincia de 
Salerno, Italia. Siendo aún niño emigró junto con su familia a Brasil. Para la edad de 18 
años se integró como estudiante al Liceo Imperial de Artes y Oficios de Río de Janeiro. Sin 
embargo, unos cuantos años después se trasladó a París, donde tiene la posibilidad de seguir 
estudiando y experimentar las tendencias pictóricas de la época, teniendo como predilección el 
impresionismo. A su regreso a Brasil su obra seguió estando inscrita dentro del impresionismo, 
sin embargo al ser una estética ajena al estilo imperante en Río de Janeiro durante esa época, 
sus piezas comienzan a ser tan incomprendidas que pasan desapercibidas por el mercado y 
la crítica.
Las piezas realizadas por Visconti se apegan a las temáticas típicas esbozadas por los 
impresionistas, paisajes al aire libre y retratos, echando mano de los efectos de la luz, sus 
retratos crean una notoria resistencia a las técnicas pictóricas clásicas, la influencia que ostenta 
tanto su obra como su incursión docente en la Escuela Nacional de Bellas Artes, determinó 
la raíz pictórica de gran parte de las generaciones que le siguieron.
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OSWALDO TEIXEIRA DO AMARAL 
(RÍO DE JANEIRO 1905-1974)
BELMIRO BARBOSA DE ALMEIDA
(MINAS GERAIS, BRASIL 1858 - PARÍS, FRANCIA, 1935)
Estudió en el Liceo de Artes y oficios de Río de Janeiro y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. 
Fue profesor, crítico e historiador del arte. En 1924 recibió un premio por su obra Pescador 
Brasileño y viajó a Europa donde conoció Portugal, Francia y España. A su regreso se dedicó 
a la docencia en Brasil y fue nombrado en 1937, director del Museo Nacional de Bellas Artes 
en Río de Janeiro, cargo que ocupó hasta 1961.Entre sus publicaciones más destacadas se 
encuentran Getúlio Vargas e a Arte no Brasil de 1940. 
Teixeira mantuvo una postura en pro de la academia y en contra del modernismo, ésta lo 
condujo a debates con otros artistas y fue severamente criticado por sus posiciones políticas 
y su postura frente a la academia. Consideraba que el modernismo sólo era un refugio para 
artistas que no sabía dibujar, unicamente aceptó las propuestas de pintores como Cézanne, 
Picasso y Cândido Portinari. El arte renacentista fue su periodo favorito, en término de 
propuestas artísticas. 
Su trabajo pictórico abarca desde naturalezas muertas, paisaje, temas religiosos, retratos y 
desnudos femeninos. Durante el final de su vida se dedicó a la docencia. 
APG
Estudió en el Liceo de Artes y Oficios y en la Academia Imperial de Bellas Artes, debido a 
su talento muy pronto comenzó a impartir clases en el Liceo en 1879 así como en la Escuela 
Nacional de Bellas Artes. Sin embargo, a partir de 1894 comenzó a vivir entre París y Río. 
Debido a su contacto con artistas y literatos como Èdouard Manet , Edgar Dègas y Emile 
Zola en París, consolidó otros intereses estéticos que lo llevaron a reformular sus postulados 
plásticos, se acercó también al movimiento futurista. Paralelamente a su carrera de pintor 
se involucró en el campo de la caricatura, pues trabajó para distintos periódicos en Río de 
Janeiro y de esta manera fundó el Salón de lo Humoristas al lado de otros colegas, en 1914. 
Con la caricatura logró expresar algunas de sus postura políticas y manifestó su interés por 
temas sociales. Actualmente se reconoce sus propuestas estéticas como innovadoras para las 
artes brasileñas. 
APG
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ANITA MALFATTI 
(SÃO PAULO 1889-1964)
ANONIO GOMIDE 
(ITAPETININGA SP 1895 - UBATUBA SP 1967)
Estudió pintura y grabado en Alemania con los artistas Fritz Burger-Mühlfeld, Lovis Corinth 
y Ernst Bischoff-Culm entre 1910 y 1914. En 1915, se trasladó a Nueva York para estudiar 
en la Arts Students League of New York y en la Independent School of Art. Después de que 
su primera muestra individual tuvo una fría recepción, en 1917 expone por segunda vez en 
São Paulo y su trabajo recibe críticas negativas por parte de los académicos de la época. Esto 
desata una polémica entre los defensores del canon artístico vigente y los intelectuales y artistas 
solidarios con Malfatti. Con éstos últimos se consolidó el grupo que organizó la Semana 
de Arte Moderna en 1922. El año siguiente se muda a París; allí tiene contacto con figuras 
como Léger, Matisse y Tsugouharu Foujita. Regresa a Brasil en 1928. A partir de entonces, 
forma parte de la Sociedad Pro-Arte Moderna, la cual organizó exposiciones que incluyeron 
obras de artistas extranjeros y eventos culturales diversos, así como de la Familia Artística 
Paulista, una organización que buscaba reintegrar a sus integrantes en la tradición artística 
brasileña, aunque sin dejar de lado la influencia del modernismo y la experimentación técnica 
característica de sus obras. El trabajo de Malfatti se considera marcadamente expresionista, 
cercano al fauvismo y a la simplicidad de la pintura primitiva en su primera etapa, pero hacia 
el final de su carrera abarcaría sobre todo temas regionalistas y formas más tradicionales. Un 
gran homenaje y una retrospectiva de su obra se realizaron en la 7ª Bienal Internacional de 
São Paulo, un año antes de su muerte. 
MFMG
Fue pintor, escultor y escenográfo. A la edad de 18 años se mudó con su familia a Suiza y 
frecuentó la Academia de Bellas Artes en Universidad de Ginebra. Entre 1913 y 1928 realizó 
viajes al interior de Europa y conoció a algunos artistas reconocidos. En París trabajó con 
artistas de la vanguardia y se relacionó con otros artistas de nacionalidad brasileña que también 
realizaban estudios de arte, como Victor Brecheret y Vicente Do Rego Monteiro. A su vuelta 
a Brasil en 1929 se unió a la Sociedad Pro Arte Moderna y al Club de Artistas Modernos. Entre 
sus actividades, también fue profesor de diseño en la escuela del Museo de Arte Moderno. 
Su producción de la década de 1930 se enfocó en resaltar temas de carácter nacionalista. Sin 
embargo, las piezas que realizó posteriormente son de temática diversa y algunos especialistas 
mencionan que el abordaje que presenta es más espontáneo. En su obra paisajísta se puede 
apreciar una inspiración en el arte cubista y otros movimientos de vanguardia con los que 
convivió. Gomide es considerado como el introductor del estilo art decó en Brasil. 
APG
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ALBERTO DA VEIGA GUIGNARD 
(RÍO DE JANEIRO 1896- BELO HORIZONTE 1962)
Se mudó con su familia a Europa en 1907. Con 20 años de edad, ingresó a la Akademie der 
Bildenden Künste de Munchen, donde estudió con Herman Groeber y Adolf Hengeler. En 
1918 se mudó a París y entre 1920 y 1923 continuó su formación en Florencia. Sus principales 
influencias fueron los artistas renacentistas, los pintores pos impresionistas Paul Cézanne y 
Vincent van Gogh, y el fauvismo francés. Participó en los Salons d’Automme de París en 1923, 
1927, 1928 y 1929, y en la Biennale di Venezia de 1928. Durante estos años fue cercano a 
Raoul Dufy y Henri Matisse. Volvió a Brasil en 1929, cuya escena artística estaba dominada 
por el academicismo. Desde entonces y hasta 1943, expuso en el Salão Nacional de Belas-Artes, 
en Rio de Janeiro, e impartió clases en la Fundación Osorio, en la Universidade do Distrito 
Federal y en la Universidad Nacional de Estudiantes. Tras las renovaciones educativas de 1930 
y 1934, las cuales impulsaron el desarrollo del arte moderno brasileño, obras suyas y de sus 
alumnos fueron destruidas por los profesores y alumnos de la Escola Nacional de Belas-Artes, 
acto iconoclasta contra el arte de vanguardia. En 1930 participó en la Brazilian Exhibition, 
del Roerich Museum International Art Center, de New York, y en 1943 formó el grupo 
Guignard, donde destacó Iberê Camargo. En años 40, Juscelino Kubitscheck, alcalde de Belo 
Horizonte, quiso convertir dicha región en un centro cultural activo y sentó los precedentes 
para la creación de la Escola de Belas-Artes do Belo Horizonte. Da Veiga Guignard impartió 
clases de dibujo y pintura en esta localidad entre 1943 y 1962, y en 1945 fundó un colegio 
municipal de artes. En estos años produjo arte religioso influido por los artistas del “barroco 
mineiro”, como O Aleijadinho; también realizó paisajes de Minas Gerais y retratos de los 
pobladores vecinos. En 1951 expuso en la Bienal del Museu de Arte Moderna de São Paulo 
y recibió la medalla de bronce en el recién creado Salão Nacional de Arte Moderna. En su 
memoria se han realizado las exposiciones retrospectivas en el Museu de Arte da Prefeitura 
(1974) y en la Grande Galeria do Palácio das Artes (1982) de Belo Horizonte.
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TARSILA DO AMARAL 
(SÃO PAULO,1886-1973)
Inició sus estudios de escultura a los veinte años con el sueco William Zadig; poco después, 
entre 1917 y 1919, fue alumna de los renombrados artistas y profesores Pedro Alexandrino y 
Georg F. Elpons. Viajó a París en 1920 para continuar su formación en la Academia de Emile 
Rénard. De vuelta en su país natal, en 1922, empezó a relacionarse con el grupo de artistas 
que organizó la Semana de Arte Moderna. Regresó a la capital francesa el siguiente año y ahí 
tuvo contacto tanto con el círculo intelectual de la vanguardia europea (André Lhote, Albert 
Gleizes, Fernand Léger, entre otros), como con los artistas brasileños que se establecieron en 
esa ciudad. De regreso en Brasil, en 1924, la visita Blaise Cendars, a quien conoció en Francia, 
y éste publicaalgunos trabajos de Tarsila en revistas parisinas. En 1926 la artista consigue 
presentar su exposición individual Pau-Brasil en París, que fue bien recibida y ampliamente 
comentada. Años después, en 1930, organizaría una muestra con obras de Picasso, Léger, Gris 
y algunos otros pintores en São Paulo, titulada Arte moderna da Escola de París. También 
expondría en el Museo de Arte Occidental de Moscú el año siguiente. A partir de 1950, 
participó en las bienales de São Paulo y Venecia, ganó múltiples premios y museos de varias 
ciudades brasileñas ofrecieron retrospectivas de su obra. Como consecuencia de sus relaciones 
con artistas europeos, la pintora provocó una serie de intercambios culturales entre ambos 
continentes en la primera mitad del siglo XX. A lo largo de su carrera, mostró interés en la 
estética vanguardista, pero su trabajo adquirió un marcado carácter social y político después de 
su viaje a Rusia. La idea de canibalismo cultural es uno de los temas recurrentes y característicos 
de su obra; éste fue ampliamente difundido, sobre todo en la Revista de Antropofagia, y llegaría 
a definir el modernismo brasileño en general. 
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VICENTE DO REGO MONTEIRO 
(RECIFE 1899 – 1970)
Inició sus estudios artísticos en la Escola Nacional de Belas-Artes de Rio de Janeiro, en 1908. 
Entre 1911 y 1914 vivió en París, donde estudió en la Académie Colarossi, la Académie 
Julien y la Académie de la Grande Chaumière. Durante esa estancia, expuso en el Salon des 
Indépendants (1913 y 1914), conoció a Amadeo Modigliani, Fernand Léger, Georges Braque 
y Albert Gleizes, y presenció los Bailes Rusos de Sergei Diaghilev. Volvió a Brasil en 1914, con 
interés en la música y los bailes tradicionales. Entre 1919 y 1921, celebró una exposición de 
acuarelas y dibujos sobre temas indígenas en Recife, São Paulo y Rio de Janeiro. Fue cercano 
a los artistas Anita Malfatti, Victor Brecheret y Emilio Di Cavalcanti. Viajó a la ciudad de 
Ouro Preto, en Minas Gerais, hacia 1920, con la intención de rastrear las raíces brasileñas. 
Hacia 1922 expuso ocho obras nacionalistas en la Semana de Arte Moderna de São Paulo 
e ilustró el libro Légendes, croyances et talismans des Indians de L’Amazonie, de Pierre-Louis 
Duchartre. El año siguiente realizó máscaras y vestuarios para el baile Legendes indiennes de 
L’Amazonie. Durante los años 20 expuso obras religiosas en la Galerie L’Effort Moderne de 
Léonce Rosenberg, asimismo volvió a exponer en los Salons des Indépendents y Salons des 
Tuileries. Entre 1924 y 1925 adaptó Légendes para convertirla en obra de teatro. En 1930 
fue incluido en la Prémiere exhibition des artistas latin-américans organizada por Joaquín 
Torres-García, en la Galerie Zack de Paris. Colaboró en la revista literaria Montparnasse 
con el poeta y crítico de arte Géo Charles; con él llevó a São Paulo, Rio de Janeiro y Recife 
la primera exposición internacional de arte moderno en Brasil intitulada L’Ecole de Paris en 
1930; esta muestra incluía obras de Braque, Léger, Pablo Picasso, Joan Miró, Gino Severini 
y Tarsila do Amaral, entre otros. Volvió a Recife en 1932 e inició una etapa de cercanía a las 
letras: dirigió la Prensa Oficial del Estado de Pernambuco, fundó la revista Rerenovação en 
1939, planeó el I Congresso de Poesia do Recife, publicó sus Poemas de bolso en 1941 y fundó 
la editorial La Press a Bras en 1945. A la par continuó con su producción plástica: decoró 
la Capilla Brasileña del Pabellón Vaticano, en la Exposición Internacional de París de 1937, 
asimismo expuso y fue premiado en el Salão do Estado de Recife de 1942. Cuatro años después 
volvió a París, donde mantuvo su carrera como poeta y colaboró en exposiciones; en 1960 
fue condecorado con el Prêmio Guillaume Apollinaire por su libro de sonetos Broussais - La 
Charité. En 1957 regresó a Brasil y fue nombrado profesor en la Escola de Belas-Artes da 
Universidade Federal de Pernambuco; además entre 1965 y 1968 fue docente en el Instituto 
Central de Artes de Brasilia. En 1971 se le organizó una exposición retrospectiva en el Museu 
de Arte Contemporânea de la Universidad de São Paulo.
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VICTOR BRECHERET 
(ITALIA, 1894-1 SÂO PAULO 955)
ISMAEL NERY 
(BELÉM, BRASIL, 1900 – RÍO DE JANEIRO, BRASIL, 1934)
A los diez años de edad se mudó a São Paulo con sus tíos maternos. Ahí estudió en el Liceo de 
Artes y Oficios. En 1913, viajó a Roma, donde se volvió discípulo del escultor Arturo Dazzi 
y entra en contacto con las vanguardias artísticas. Se interesa particularmente en el trabajo 
del artista croata Ivan Meštrović y del francés Auguste Rodin. Cuando vuelve a Brasil, instala 
un taller en el Palacio de las Industrias; el grupo modernista admira su trabajo y se dedica a 
promoverlo. Piezas como Ídolo y Eva son representativas de esta etapa. En 1921, Brecheret 
obtiene una beca para estudiar en París. Permanece ahí quince años: expone en el Salón de 
Otoño, en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses y en el Salón de los Independientes; 
convive con el círculo vanguardista, particularmente con Brancusi, Léger, Picasso y Archipenko, 
y con los artistas brasileños instalados en Francia. De este periodo son sus obras Tocadora 
de Guitarra, Dançarina y Mise au Tombeau. Participa con varias esculturas en la Semana de 
Arte Moderna de São Paulo, aunque no acude al evento; también forma parte de la Sociedad 
Pro Arte Moderna y expone en el Salón Revolucionario y el Salón de Mayo. A finales de la 
década de los treinta, se instala en São Paulo. Se dedica principalmente a realizar esculturas 
públicas y trabajos con temas religiosos; inicia, por ejemplo, la construcción del Monumento 
às Bandeiras y el Monumento al Duque de Caxias. En su último periodo, su trabajo adquiere 
una influencia notable de la cultura indígena, así como del primitivismo. Se consagra como el 
mejor escultor nacional en la I Bienal de Sâo Paulo en 1951; para la cuarta edición, se dedicaría 
una sala especial a su obra. 
MFMG
Ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1920 viajó con destino hacía Europa en donde 
realizó estudios relacionados con el arte. En Francia, mantuvo contacto con Picasso entre otros 
renombrados artistas del momento. De vuelta a su país realizó proyectos arquitectónicos en 
el Ministerio de Hacienda de Brasil. Su obra fue reconocida como parte del expresionismo.
Regresó a Europa en 1927, se relacionó con los surrealistas, inspirado por la obra del pintor 
francés Marc Chagall. Un año después se llevó a cabo su primera exposición individual en la 
ciudad que lo vio nacer, en Belém. Al año siguiente se efectuó una importante exposición en 
Río de Janeiro. Cuando su salud se vio deteriorada, producto de una tuberculosis, su obra se 
tornó metafísica. Participó en el Salón Revolucionario en 1931. Su inquietud filosófica allanó 
el camino a un sistema de índole tomista que él denominó como Esencialismo 
DAS
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CÍCERO DIAS 
(PERNAMBUCO, BRASIL 1907- PARÍS 2003)
Se trasladó a Río de Janeiro en 1926 y comienzó la carrera de arquitectura, pero la abandona 
poco después. Se involucó con el grupo de modernistas que se formó en torno a la Revista de 
Antropofagia en los años siguientes. En 1931, participó en el Salón Revolucionario con su obra Eu 
vi o mundo... ele començava no Recife, un panel de doce metros que fue ampliamente comentado 
en la muestra. Por causa de la dictadura de Getulio Vargas Dias se exilia voluntariamente en 
París en 1937. Ahí frecuenta, sobre todo, a los artistas surrealistas, así como a Pablo Picasso 
y a Paul Éluard, con quienes establece una relación más cercana. Debido a los conflictosocasionados por la Segunda Guerra Mundial, en 1942 el ejército alemán lo toma prisionero; 
sin embargo, el gobierno brasileño negocia su liberación en Portugal. Él vuelve a París en 
secreto, pero meses después regresa a Lisboa y se dedica a completar sus estudios artísticos; 
se interesa particularmente en las relaciones culturales entre su país natal y el que lo acoge en 
ese momento. Acabada la guerra, Dias se instala definitivamente en París, donde forma parte 
del grupo abstraccionista Espace. Sin embargo, hace frecuentes viajes a Brasil. Participa, por 
ejemplo, en la exposición inaugural del Museo de Arte Moderna de São Paulo en 1949; además, 
pinta los murales abstractos de la actual Secretaría de Hacienda del estado de Pernambuco y 
logra que El Guernica de Picasso se exponga en Brasil en 1953. En la segunda mitad de la década 
de los cincuenta expone su obra en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, el American 
Art Museum de San Francisco, el MoMA de Nueva York, entre otros. En los años sesenta, 
su pintura se caracteriza por un retorno a la figuración. Sigue produciendo y exponiendo su 
obra en las siguientes décadas, hasta su muerte.
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EMILIANO DI CAVALCANTI
( RÍO DE JANEIRO 1897-1976)
Comenzó su carrera a los diecisiete años publicando caricaturas en revistas cariocas. Poco 
después, se trasladó a São Paulo y en 1917 realizó su primera muestra individual, en un momento 
en que otros jóvenes pintores exponían nuevas formas e intereses artísticos alejados de las 
concepciones del canon paulista. Todos ellos pasaron inadvertidos o no tuvieron una recepción 
positiva en el medio cultural de la época. Sin embargo, formaron el grupo que en 1922 llevaría 
a cabo la Semana de Arte Moderna, que consistió en una serie de exposiciones de arte plástico, 
conferencias, lecturas de poemas y recitales de música de carácter marcadamente vanguardista. 
Di Cavalcanti participó activamente en este evento, que marca el surgimiento de la corriente 
conocida como modernismo brasileño; posteriormente viajó a París en 1923 y ahí conoció al 
círculo intelectual de la vanguardia europea (Picasso, Braque y muchos otros). A su regreso 
a Brasil en 1925, participó en el Club de los Artistas Modernos, del Salón Revolucionario y 
del Salón de Mayo, que marcó la incursión de los modernistas en las exposiciones oficiales y 
académicas, y definirían su marcada postura política, cercana al comunismo. En este periodo 
el artista, además de ser pintor y caricaturista, haría ilustración de libros, diseño de joyería 
y escenografías para teatro; también realizaría murales y decoraría espacios públicos. En 
1935, Di Cavalcanti deja su país por problemas con el régimen de Getulio Vargas y esto lo 
llevó a exponer en múltiples ciudades europeas, participar en bienales y obtener premios y 
reconocimientos. En 1960, viajó a México para participar en la II Bienal Interamericana, 
presentada en el Palacio de Bellas Artes, y recibe una Mención Honorífica especial por su 
participación en dicho evento. 
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JOHN GRAZ 
(GINEBRA, SUIZA 1891- SÃO PAULO, BRASIL 1980)
Comenzó sus estudios en arquitectura, decoración y diseño en la Escuela de Bellas Artes en 
su país natal a los diecisiete años. Entre 1911 y 1913, estudió diseño gráfico en Munich y se 
especializó en publicidad. También obtuvo becas para viajar a España en dos ocasiones; de 
estas estancias, resultaría una serie de paisajes y pinturas con escenas toledanas de influencia 
postimpresionista. A su regreso de Suiza, convivió con los artistas brasileños Regina Gomide 
y Antonio Gomide. En 1920, decidió mudarse a São Paulo. Ese mismo año llevaría a cabo su 
primera exposición individual en la ciudad. A partir del evento, establecería contacto con el 
grupo de artistas que organizó la Semana de Arte Moderna, en la que participó en 1922; además, 
formó parte de la Sociedad Pro Arte Moderna, el Salón del Sindicato de Artistas Plásticos y el 
Salón Revolucionario. Durante la década de los veinte, al igual que muchos otros exponentes 
del modernismo brasileño, viajó a París en varias ocasiones y mostró particular interés en 
el estilo Art Déco, que luego introdujo en Brasil. En 1923, colaboró con el arquitecto ruso 
Gregori Warchavchik en la decoración de las casas paulistas que éste diseñaba. La arquitectura 
de interiores fue su principal actividad desde entonces. Graz incursionó en el diseño de 
mobiliario, tapicería y otros objetos de uso cotidiano; se involucró, sobre todo, en los procesos 
de producción y en la introducción de nuevos materiales. En esta etapa también pintó algunos 
frescos con motivos históricos pero, al final de su carrera, exploró la abstracción geométrica. 
En 1976, expuso su vasta obra plástica en la IX Bienal de Sâo Paulo. 
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BIOGRAFÍAS
NÚCLEO 2
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CÂNDIDO PORTINARI 
(BRODOWSKI SP, 1903- RÍO DE JANEIRO, 1962)
LASAR SEGALL 
(VILNA, LITUANIA, 1891 – SÃO PAULO, BRASIL, 1957)
Fue hijo de inmigrantes italianos y desde muy joven se relacionó con pintores que le despertaron 
su interés por las artes. Fue hasta 1918 cuando se trasladó a Río de Janeiro que ingresó como 
alumno libre a la Escuela Nacional de Bellas Artes de esta región. Años más tarde participó 
en el Salón Nacional donde recibió una mención que posteriormente le permitió conseguir 
un premio para continuar sus estudios en Europa. A su vuelta a Brasil logró presentar una 
muestra individual y se vinculó con el gobierno encabezado, por Gétulio Vargas. Debido a 
lo anterior, fue comisionado para impartir clases de pintura mural en Río de Janeiro y para 
realizar murales en el Ministerio de Educación. 
Para 1944 ya era un artista consolidado y comenzó a trabajar con el arquitecto Oscar Niemeyer, 
en la decoración de la Iglesia de San Francisco Pampulha en Belo Horizonte. Su talento como 
muralista lo lleva a realizar obras en edificios públicos de Brasil e incluso en Nueva York donde 
ejecutó el fresco La Guerra y la Paz en 1953 para el edificio de las Naciones Unidas. Sus 
intereses políticos lo llevan a afliliarse al partido comunista en la década de los años cuartenta 
y se postula como diputado. 
La temática de Portinari radica en lo social. Desarrolló principalmente escenas vinculadas al 
trabajo y la producción del café. 
APG
Estudió en Berlín entre 1906 y 1909 en la Akademie der Bildenden Künste. Se mudó a Dresde 
en el año de 1910. Ganó el premio Libermann, junto con el grupo “Freie Sezession”, en su 
primera exposición individual en Gurlitt Galerie. Al ser parte del movimiento expresionista 
conoció a Otto Dix y George Grosz. En 1912 viajó por primera vez a Brasil, donde realizó 
diferente exposiciones que tuvieron gran trascendencia. En 1913 regresó a Dresde y fue 
confinado durante la Primera Guerra Mundial debido a su condición de ciudadano ruso. 
Durante 1919, fue cofundador de la “Sezession Grupe” en Dresde. Su obra expresionista 
también fue expuesta en lugares como el Folkwang Museum, Hagen y en la Kunsthalle Leipzig. 
Se mudó a Brasil en 1923 y realizó algunas exposiciones, una de las cuales reunió gran parte 
de su obra. En Alemania presentó obras con temática de la vida cotidiana en Brasil y sobre las 
diferentes clases sociales. También en Brasil, fundó la Sociedade Pró – Arte Moderna (SPAM). 
Durante la décadas de los treinta y cuarenta se enfocó en temasdel sufrimiento. Una décaca 
posterior su temática se basó en la realidad social brasileña y en el paisaje abstracto. Su obra 
tuvo mucho auge tanto en París como en Nueva York. El Museo Lasar Segall en São Paulo 
se fundó en 1970.
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FLAVIO DE CARVALHO 
(RÍO DE JANEIRO 1899- SÃO PAULO, 1973)
MARIA MARTINS 
(MINAS GERAIS, 1900 – RIO DE JANEIRO, 1973)
Estudió ingeniería civil y bellas artes en Newcastle, Inglaterra. Se mudó a São Paulo en 1922, 
donde trabajó en instituciones públicas y empresas, hasta que en 1926 abrió su propio despacho 
de arquitectura. Durante este periodo mantuvo una estrecha relación con el grupo de la 
Revista Antropofagia y en 1930 asistió como su representante al IV Congreso Panamericano 
de Arquitectura. Un año después, por su interés en el psicoanálisis y la antropología, realizó 
el polémico evento Experiencia Nº2, para el cual atravesó una procesión religiosa en sentido 
contrario con la finalidad de estudiar la reacción popular, que fue sumamente violenta. Para 
documentar su experimento, escribió un ensayo homónimo con algunas ilustraciones. En 
1932, De Carvalho fundó el Club de los Artistas Modernos, que proponía la colaboración 
entre sus miembros por la defensa de los intereses de clase, haciendo énfasis en los aspectos 
sociales y políticos del arte. Dentro de ese proyecto, también creo el Teatro de la Experiencia, 
donde presentó espectáculos experimentales (en ellos combinaba teatro, danza y música) 
que se consideran manifestaciones precursoras del performance. Además de su actividad 
intelectual, De Carvalho se dedicó a la pintura, al dibujo (destacan sus retratos de artistas con 
los cuales colaboró), al grabado y la acuarela. Incursionó también en el diseño de modas con el 
objetivo de hacer nuevos experimentos estéticos en lugares públicos (su propia vestimenta fue 
muy controvertida). Durante su carrera participó en las exhibiciones de los diversos salones 
de arte, en bienales y múltiples muestras internacionales; incluso, fue nominado al premio 
Nobel de literatura en 1939. La obra de De Carvahlo abarcó las más diversas disciplinas y se 
caracteriza por la inclusión de nuevos materiales, así como por la creación de espectáculos o 
actuaciones irreverentes. 
MFGM
Maria de Lourdes Alves Barbosa, mejor conocida como Maria Martins fue escultora, grabadora, 
diseñadora, pero también incursionó con gran talento en la música y la literatura. Estuvo 
casada con Carlos Martins, que se desempeñó como embajador de Brasil, previo a la segunda 
guerra mundial en Japón. Maria estudió escultura en Europa a lado de artistas reconocidos 
como Catherine Barjanski y Oscar Jespers. Su primera exposición individual se realizó en 
Washington en 1941. Tuvo otras importantes muestras en Río de Janeiro y en Paris. Utilizó 
diferentes técnicas para producir su trabajo en escultura, como madera, terracota, cerámica y 
mármol con cada una de ellas representó formas “orgánicas y sensuales”. Para crear su obra se 
inspiró en la naturaleza y en la magia de la cultura de su tierra natal. Se relacionó con Marcel 
Duchamp y con otros artistas de la corriente surrealistas. Fue reconocida con el premio de 
escultura en la IV Bienal Internacional de São Paulo. 
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AGNALDO MANUEL DOS SANTOS 
(ISLA DE ITAPARICA, BA, BRASIL 1926 - SALVADOR BAHÍA 1962)
ALFREDO VOLPI 
(LUCCA, ITALIA, 1896 – SÃO PAULO, BRASIL, 1988)
Es uno de los más importantes escultores de Brasil. Durante su juventud trabajó como leñador 
y fabricante de cal. Muy pronto conoció al escultor Mario Cravo Jr. y lo asistió en su taller, ahí 
se relacionó por primera vez con materiales para trabajar la escultura, igualmente aprendió 
diferentes técnicas relativas a esta labor. Decide, a partir de esta experiencia, dedicarse a 
la escultura y se inspira en el arte africano. Sus piezas están realizadas con madera y otros 
materiales orgánicos. Las temáticas que utiliza para desarrollar su obra van desde temas 
populares afrobrasileños y temas religiosos, aunque siempre inspirado en las culturas africanas. 
En 1957 participó en la IV Bienal de São Paulo, ese mismo año presentó su primera exposición 
individual en una pequeña galería en Río de Janeiro, otras muestras más fueron realizadas en 
en el Museo de Bellas Artes de Rio de Janeiro, el Grand Palais en Francia, la Galerie Petit en 
Rio de Janeiro, entre otros. 
DLPC
Fue un pintor autodidacta que emigró con su familia de Italia a São Paulo cuando tenía alrededor 
de dos años. A partir de 1910 comenzó a trabajar en espacios públicos como pintor y diseñador. 
En 1914 pintó su primer paisaje con un estilo postimpresionista. En 1935 se vinculó con 
otros artistas inmigrantes que, como él, no poseían un ideario estético ni pretendían crear un 
movimiento, simplemente buscaban explorar con la técnica para concretar propuestas estéticas. 
Por esta razón decidieron alquilar un local en el Edificio Santa Helena que rápidamente se 
convirtió en un punto de encuentro y de trabajo colectivo. El Grupo Santa Helena, fue el 
primer núcleo de artistas en São Paulo. Por esos años, Volpi se encontraba pintando paisajes 
de los alrededores de Sao Paulo, retratos y naturalezas muertas. A partir de 1940 comenzó a 
alejarse del impresionismo y del expresionismo y acercarse a la abstracción formal. A mediados 
de los cincuenta expuso en la I Exposición Nacional de Arte Concreto. En la siguiente década, y 
hasta mediados de los setenta, su obra se insertó en el constructivismo brasileño. Una de sus 
etapas más conocidas es la abstracta, que utilizó fachadas de edificios y populares elementos 
ornamentales para crear composiciones geométricas en las que resaltó la forma y el color. El 
Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro celebró exposiciones retrospectivas de su obra en 
1957 y 1972. 
XN
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RUBEM VALENTIM 
(SAN SALVADOR BAHÍA, 1922 - 1991 SÃO PAULO)
FRANS KRAJCBERG 
(KOZIENICE, POLONIA, 1921)
Se graduó en odontología e incursionó en la pintura, la escultura y el grabado de manera 
autodidacta en los años cuarenta. Entre 1946 y 1947, participó, junto con artistas como Mario 
Cravo Júnior y Carlos Basto, en un movimiento de renovación de las artes en Bahía. El año 
siguiente, ingresa a la universidad de su ciudad natal para estudiar periodismo y se graduó en 
1953. A partir de entonces, se dedicó a escribir sobre arte. Se muda a Río de Janeiro en 1957, 
donde se desempeñó como profesor asistente de cursos de Historia del Arte en el Instituto de 
Bellas Artes. En esta etapa, abandonó completamente la figuración de sus primeros trabajos 
y adquierió un carácter geométrico próximo a la estética concretista. Como premio por su 
participación en el Salón Nacional de Arte Moderna de 1962, obtiene una estancia de tres 
años en Roma. En 1966 participó en el Festival Mundial de las Artes Negras, en Senegal. 
Su producción artística de la década de los sesenta exploró la iconografía de las religiones 
afrobrasileñas. De regreso en Brasil, se instaló en Brasilia e impartió clases en el Ateliê Livre 
del Instituto de las Artes de la ciudad. Realizó su primera obra pública en 1972, un mural 
de mármol para la sede de Novacap, una empresa estatal brasileña; también realizó una serie 
de monedas conmemorativas con motivos afrobrasileños para la Casa de Moneda unos años 
después. En 1976 publica su Manifesto Ainda que Tardio. En la década posterior, continuó 
participando en las bienales de São Paulo y organiza exposiciones individuales en los principales 
museos de arte moderno de su país. 
MFMG
Pintor, escultor, grabador y fotógrafo de origen polaco. Nació dentro de unahumilde familia de 
comerciantes judíos, en los tiempos convulsos previos a la Segunda Guerra Mundial. Krajcberg 
perdió a su madre cuando era adolescente y tuvo que enfrentarse pronto a la guerra. De aquellos 
años, el pintor no guarda recuerdos. Al huir de los invasores alemanes, se refugió en territorio 
controlado por los soviéticos uniéndose al Ejército Rojo. Resultó herido en batalla y, mientras se 
encontraba convaleciente, se refugió en la pintura. Posteriormente vivió en Leningrado –actual 
San Petersburgo–, estudiando ingeniería hidráulica, al mismo tiempo que asistía a clases de 
arte. Al terminar la guerra se refugió en Alemania (1946-1947), donde retomó sus estudios 
artísticos, y vivió por poco tiempo en París. Krajcberg se trasladó a Brasil en 1948, país que le 
ha permitido liberar sus capacidades artísticas y, sobre todo, encontrar su verdadera vocación: 
la defensa del medio ambiente. Actualmente, Krajcberg trabaja activamente en escultura y 
fotografía, al mismo tiempo que denuncia los crímenes de la civilización contra la naturaleza 
–sobresaliente es su defensa del Amazonas–. Sus creaciones artísticas son el medio a través del 
cual el artista ha encontrado fuerzas para resistir y reconciliarse con su pasado. Sus esculturas, 
realizadas a partir de troncos, ramas, raíces y otros materiales orgánicos, nos muestran el daño 
que causamos a la naturaleza y nos recuerdan que somos parte constituyente de ella. 
JMC
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TOMOSHIGE KUSUNO 
(YUBARI, JAPÃO, 1935)
Pintor, grabador y dibujante de origen japonés. Inició su carrera artística en Tokio antes de 
establecerse en Brasil en el año de 1960. Ha participado en numerosas exposiciones que dan 
cuenta de su creatividad y talento. Creador de un lenguaje y un mundo pictórico propio, sus 
composiciones despliegan múltiples significados a partir de la experimentación con diversos 
medios y técnicas. 
A su llegada a Brasil, en la década de los 60’, Kusuno se aproximó a las corrientes neofigurativas 
que se desarrollaban en el país sudamericano y en otras partes del mundo. Estas tendencias 
pictóricas representaron un regreso a la figuración –negada por el abstraccionismo–, evitando 
caer en los modelos descriptivos tradicionales y privilegiando un tratamiento libre de la figura. 
En esta época, los pintores brasileños utilizaron nuevamente la pintura figurativa para realizar 
una crítica que denunciaba las circunstancias sociales de Brasil. En consonancia con su tiempo, 
Kusuno experimentó con el collage, el dibujo y el lenguaje de los medios de comunicación 
de masas. Participó en las exhibiciones Opinião 65 y Propostas 65 que tuvieron lugar en las 
ciudades de Rio de Janeiro y São Paulo, respectivamente; y que fueron de vital importancia 
para el desarrollo del arte brasileño. Se dedicó también con pasión a la docencia, difundiendo 
la importancia del arte en la vida. 
No obstante sus propuestas próximas a la nueva figuración donde los temas urbanos son 
centrales, Kusuno ha desarrollado también composiciones donde el trazo grueso sobre el 
lienzo es protagonista. Estas obras, posibles remembranzas del arte oriental, nos muestran 
cómo todo trazo con sentido lleva consigo múltiples significados. 
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FLÁVIO-SHIRÓ TANAKA 
(SAPPORO, JAPÓN, 1928) 
MANABU MABE 
(KUMAMOTO, JAPÓN 1924 - SÃO PAULO, BRASIL 1997) 
Pintor, grabador, diseñador, escenógrafo y fotógrafo brasileño de origen japonés. Hijo menor de 
descendientes de samuráis que emigraron a Brasil en 1932. Shiró Tanaka creció en Tomé-Açu, 
en la Amazonia, y se trasladó a São Paulo, en 1939, buscando mejores condiciones laborales y 
de estudio. Con 14 años, realizó sus primeras composiciones pictóricas. Naturalezas muertas 
y escenas cotidianas de la ciudad son el tema recurrente de su primera producción. Al cumplir 
15 años comenzó a trabajar en una fábrica de cerámica y, posteriormente, diseñó carteles para 
salas de cine. En aquella época, Shiró Tanaka conoce al grupo de artistas proletarios Santa 
Helena, entrando en contacto con Alfredo Volpi, Francisco Rebolo, Mário Zanini y Manoel 
Martins, entre otros. También participa en varias exhibiciones colectivas que le permitieron 
ganar reconocimiento, teniendo su primera exposición individual en 1950. Tres años después 
obtiene una beca para estudiar en París, ciudad que se convertiría en su segundo hogar. Este 
viaje representó una oportunidad de crecimiento artístico, al permitirle profundizar en el 
grabado, la litografía y el mosaico. Regresó a Rio de Janeiro años después, en 1983, pasando 
constantes temporadas en Francia. Actualmente Shiró Tanaka continua pintando. Su producción 
pictórica ha transitado por diversas temáticas y movimientos artísticos: desde obras figurativas 
y composiciones abstractas, hasta llegar a una pintura que tiende hacia una figuración apenas 
insinuada desde la que surgen seres y paisajes fantásticos, así como escenas oníricas. 
JMC
Pintor, grabador e ilustrador brasileño de origen japonés. Fue un importante representante 
del movimiento abstraccionista. Llegó a Brasil a la edad de diez años a bordo del navío “La 
Plata Maru”. Se instaló con su familia en el interior del estado de São Paulo, donde trabajó 
en una plantación de café al mismo tiempo que continuaba con su educación, estudiando los 
caracteres del idioma japonés por las noches. En 1941 se traslada a Lins, donde realiza sus 
primeros dibujos. En aquella época, se dedicaba a esta actividad sólo durante los días de lluvia, 
cuando no podía trabajar en las plantaciones. Su interés por la pintura lo llevó a relacionarse 
con importantes artistas como Teisuke Kumasaka, Tomoo Handa y Yoshiya Takaoka; con 
quienes profundizó en la teoría y técnicas pictóricas. En el año de 1951 expuso una obra en 
el Salón Nacional de Río de Janeiro, hecho que lo motivó a dedicarse definitivamente a la 
pintura. Pronto sus trabajos fueron reconocidos e inició un periodo de frecuentes exposiciones, 
lo que acrecentó su fama tanto nacional como internacional. Sus primeras composiciones son 
naturalezas muertas, paisajes y desnudos. También experimentó con formas geometrizadas. Sin 
embargo, Mabe sería reconocido posteriormente como uno de los precursores de la abstracción 
en Brasil, movimiento en el que destacó por su creatividad y complejo imaginario. Después de 
una vida dedicada a la pintura, Manabu Mabe falleció a los 73 años debido a complicaciones 
derivadas de la diabetes. 
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IBERÉ CAMARGO 
(RESTINGA SECA, BR, 1914 - PORTO ALEGRE 1994) 
Inició sus estudios con los Padres Maristas. Desde muy joven se interesó por la pintura y la escultura. 
Camargo estudió en la Escola de Artes e Oficios, aunque poco tiempo después abandona la institución 
sin dejar de practicar dibujo y de estudiar geometría, arquitectura. Retomó los estudios formales en la 
Academia de Bellas Artes de Porto Alegre. Se destacó en el dibujo al trazar escenas citadinas. Durante 
su viaje a Europa, la atmósfera de este continente, las nuevas corrientes artísticas, incluso las pasadas 
le resultan de enorme interés y lo refleja en sus temas y técnicas. En la obra de Camargo destaca el 
grosor y fuerza de su pincelada, aunque persiste la ligereza de la línea en el dibujo y los toques rudos 
en la pintura. Estos trazos rústicos son acompañados por colores secos, oscuros, claros. Su temática 
abarca desde escenas cotidianas, naturaleza muerta, figuras y arte abstracto. Impartió clases en la 
Universidade Federal do Rio Grande do Sul. Pasado el tiempo, su salud declinó, enfermo de cáncer 
y se resguardó en su hogar donde todavía dedicó empeño en su última pintura,