Arte y Cultura en Europa_UNIDAD1

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Arte Cultura
 Europaen
1UNIDAD UNIDAD 
Del arte griego 
a la Edad Media
UNIDAD 1
Arte Cultura
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CRÉDITOS
Autoría: 
Edgar javier Garzón Pascagaza
Coordinadora de Innovación Académica:
Isabel Cristina Ramos Quintero
Diseño instruccional y revisión:
Lizeth Rojas Hernández
Diseño visual:
Alejandro Grisales Valencia
Maquetación y diagramación:
Karen Julieth Quevedo Mosquera
Imágenes:
Shutterstock
Universidad Católica de Colombia 
Decanatura Académica
Coordinación de Innovación Académica
2020
UNIDAD 1
Arte Cultura
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 Diagrama de temas 
De Grecia a la 
Edad Media
2. Pintura
1. Escultura
5. A modo 
de reflexión
4. Música3.Arquitectura
Figura 1. Diagrama de temas. Fuente: Elaboración propia
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 Objetivo general
Conocer la importancia del arte griego hasta el desarrollado en la Edad Media en Europa, a través de la escultura, 
pintura y arquitectura. 
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 Introducción
El papel de las artes y la cultura ha sido fundamental en la formación y educación en cada generación, con el fin 
de comprender la historia de su país y continente de origen. Conocer la historia a través de diferentes manifes-
taciones artísticas, permite analizar con profundidad aspectos destacados. 
 
Desde los inicios de la humanidad hasta nuestros días, el hombre ha manifestado a través del arte, su manera de 
percibir el mundo. Los vestigios de pintura (llamada rupestre) que se encuentran en cavernas, como por ejemplo 
en Altamira (España), o los pictogramas que aún se preservan en las Piedras del Tunjo en Facatativá (Cundina-
marca, Colombia), hacen parte de las múltiples creaciones que dan testimonio de la creatividad del hombre y de 
lo que hoy en día se conoce como arte. 
Las unidades que comprenden este trabajo, estarán dedicadas a recopilar y analizar la importancia del arte en 
Europa, y así mismo, las distintas manifestaciones artísticas que definieron de manera puntual y particular, su 
cultura y sus costumbres. El arte y la cultura del denominado ‘viejo mundo’, hacen parte de las tradiciones de 
sus habitantes, y al mismo tiempo, de la estructura que fortalece el ámbito cultural y político en la actualidad de 
cada uno de los países europeos.
Investigar la cultura y el arte de Europa permite profundizar la inspiración o las raíces del arte en diferentes con-
tinentes, las cuales, han construido la identidad de sus habitantes, y por otro lado, comprender la razón de sus 
invasiones, colonizaciones y guerras en diferentes partes del mundo. 
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Para analizar el ‘viejo mundo’, es necesario hacerlo desde diferentes ámbitos. Sin embargo, en esta unidad, y 
en las demás que componen esta materia, se pretende dar una visión general del panorama del arte y la cultura 
en Europa. 
La palabra Europa es de origen griego, y proviene de dos palabras: eur y opsis. El prefijo significa bueno o verda-
dero, y su terminación, ojos o vista, lo que podría traducirse como ojos grandes, o también, la mejor vista o buena 
vista. Europa es el único nombre de continente que no comienza con la letra a, lo que permite intuir que podría 
referirse, al menos desde el contexto de la mitología griega, al nombre de una mujer de origen fenicio llevada a 
la isla de Creta por el dios Zeus, quien transformado en Toro, la raptó para hacerla su mujer, una entre tantas. 
Rembrandt, el pintor holandés, representó en 1632 este episodio inspirado en la metamorfosis del poeta Ovidio. 
Es posible afirmar que tanto el arte como la cultura en Europa, ha significado un nexo de unidad entre quienes 
habitan el continente. El arte y la cultura han sido factores determinantes en el objetivo de generar conciencia y 
un espíritu común, que a lo largo de los años, han forjado el concepto de nación y continente. 
La cultura después de tantos siglos y épocas, ha sido un vínculo que explica la unión de las personas por medio 
de diferentes causas, las cuales generan cohesión de una identidad, en medio de diversas lenguas, manifesta-
ciones artísticas, hechos históricos, pensamientos, tradiciones y costumbres.
En Europa es posible validar la metáfora ‘hablar del arte y la cultura en mayúsculas’, ya que estas áreas, han sido 
relevantes en lo que ha acontecido, acontece y acontecerá en el continente, y en otras partes del mundo. 
Para hablar de su influencia en las manifestaciones artísticas de distintas escuelas, sistemas de pensamiento y 
marcos de referencia, es necesario comprender la razón de su vigencia en el mundo y no sólo en el continente 
europeo. 
El arte griego:
Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se carac-
teriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos, su interés por reflejar la expresividad genuina en 
la figura humana y por reflejar una genuina expresión de humanismo; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo 
(Courseheo, s.f). 
En gran parte de su arte, especialmente en la escultura y en la pintura, se encuentra representado el atletismo, 
una de las competencias que poco después, harán parte de los juegos olímpicos. Este deporte era una práctica 
popular que se fomentaba en muchos pueblos, y para los artistas, esto atletas eran fuente de inspiración. 
Según Gombrich (1999), características como la sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus 
formas artísticas. De esta manera, la cultura griega desarrolló su creatividad en manifestaciones artísticas como 
la cerámica, la escultura y la arquitectura. En Grecia surgieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura 
occidental, como afirma Gombrich (1999).
Parte del conocimiento y del pensamiento en occidente, es el resultado de la ciencia, la filosofía y el arte de esta 
civilización.
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La escultura escultura 
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 La escultura
“En la época en que la democracia ateniense alcanzó su más alto nivel fue cuando el arte griego llegó a su máxi-
mo desarrollo” (Gombrich, 1999, p.82).
La importancia del arte griego en la historia de la cultura se basa en la riqueza de sus obras, en las cuales, es po-
sible ver la vida de sus autores y el pensamiento de la época. Además, fue posible resaltar el principio humanista 
y el ideal de belleza que enmarcó el arte en Europa. 
Es así que: 
La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin 
embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a exaltar la fuerza 
física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la 
figura humana (Hartediejulgu, s.f) 
La escultura griega tiene tres fases de evolución (ar-
caica, clasicismo y helenismo) y diferentes estilos ar-
tísticos que han trascendido en la historia de la huma-
nidad. Estos estilos han sido pilares en el arte para la 
debida construcción, crecimiento y fortalecimiento de 
las expresiones artísticas hasta la actualidad. 
La evolución de la escultura en Grecia ha estado me-
diada por el logro de la belleza, expresión y movimiento 
en sus obras. Allí, se refleja igualmente el sentimiento 
del artista y se resalta la vida y la muerte.
Figura 2. Escultura en los Jardines del Palacio de Versalles. 
Estatua de Croton por el escultor Pierre Puget, por 
Shutterstock. Derechos de autor [s.f] por Ivvana Vasilevich.
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Milón de Crotona es una escultura que data aproximadamente del año 570 a.c. y es considerada como una de 
las obras maestras del periodo arcaico de Grecia. En este tiempo, era frecuente realizar esculturas en honor a los 
ganadores de los juegos o a los atletas reconocidos. 
El Milón de Crotona hace alusión a un hombre que entrenaba día a día mientras su ternero crecía y Milón se hacía 
más fuerte. La escultura hace referencia a Milón con el ternero sobre sus hombros.
 
La primera fase de la escultura griega es la arcaica, en donde se resalta el carácter religioso de la sociedad grie-
ga. Esto es posible observarlo en la importancia de las construcciones de los templos.
Figura 3. El Templo del Partenón en la Acrópolis de Atenas, Grecia, durante la colorida 
puesta de sol, por Shutterstock. Derechos de autor [s.f] por Sven Hansche.
La construcción de los templos poco a poco alcanza su perfección a través de su belleza. Sustituye la madera 
por la piedra e implementan en su decoración esculturas. La acrópolis es una ciudadela y se construía en un 
lugar alto la ciudad. Su nombre lo indica: ‘acro’ significa alto, y ‘polis’, ciudad.
El templo “griego no era para el hombre, no se entendía el edificio como un lugar de congregación para fieles; era 
la casa de un dios”, (Harris, 2011, p.68). Cada templo griego era consagrado a un dios diferente para resaltar sus 
cualidades. Los nombres de algunos templos de la antigüedad son: Hera en Perajora, Apolo en Asine, El Heraión 
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en Olimpia, Zeus en Olimpia y en Cirene, Poseidón en Sounion. 
Desde la edad griega hasta la actualidad, el templo ha sido considerado el lugar para tener una comunicación 
íntima con los seres divinos, y donde se mantiene una relación entre lo humano y lo divino, por lo tanto: 
El templo, en este sentido, era el lugar de reunión entre lo humano y lo divino. Al mismo tiempo que los humanos están en-
cumbrados por la orgullosa y mesurada elevación de las columnas, las deidades descendían al nivel de la visibilidad humana. 
(Spiro, 1996. p.226)
Uno de los elementos característicos de la escultura griega en su primer periodo, es la humanización de los dio-
ses, es decir, se sostenía en una religión antropomórfica, la cual, humaniza la religión y se presentan los vicios y 
las virtudes de cada dios. Uno de los objetivos de los dioses y la religión era incitar el arte y la belleza. 
La escultura arcaica hizo representaciones del cuerpo humano, especialmente del hombre, revelando su extre-
mada rigidez, poniendo sus brazos pegados a los muslos, y los labios intentando sonreír. La pierna izquierda de 
la escultura que se muestra, está en posición de marcha.
Figura 4. The Doryphoros statue. Roman marble copy of classic greek contrapposto statue “Spear-Bearer” of 
Polykleitos. Isolated with clipping path, por Shutterstock. Derechos de autor [s.f] por Dima Moroz. 
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La pintura
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 La pintura
La pintura del mundo antiguo griego, ha desaparecido casi en su totalidad. Gracias a la cerámica de esta épo-
ca, se ha podido reconocer las características de esta manifestación artística. La pintura, se destacó por tener 
dos técnicas: las figuras negras y las figuras rojas. Las figuras negras tienen como objetivo hacer narraciones 
por medio de la pintura y representar figuras reales, se da inicio a la generalización de los ciclos homéricos 
e inicio a la generalización de los mitos en la pintura desde el siglo VII a.C. Gombrich (1999). Por ejemplo, la 
siguiente es una representación del mito de Prometeo. 
Figura 5. Prometheus incendiando a los humanos, por Shutterstock. Derechos de autor [s.f] por delcarmat.
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Una de las pinturas más sobresalientes de la técnica de las figuras negras, es la ‘Jarra de los corderos’ o ‘La ven-
ganza de Orestes’ de uno de los pintores de Toronto. Esta es una pintura del mundo primitivo que tiene imágenes 
de animales y una decoración en el fondo de la pintura. De esta manera, desarrolla temas narrativos. 
La técnica que combina figuras rojas con figuras negras, es reconocida como bilingüe. Esta expresión de la 
pintura, se encuentra expuesta en las ánforas, como por ejemplo, en la ánfora bilingüe donde se expone a Apolo 
entre Artemisa, Leto tocando la lira y Ares armada; todos ellos en figuras rojas. El pintor de esta obra es Andóci-
des. Esta obra se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid.
Figura 6. Ánfora griega con Apolo, dios de la razón, por Museo Arqueológico Nacional, 2015, http://
www.man.es/man/dam/jcr:a58fc058-6cc2-414f-a338-9868d346bdbc/man-pieza-mes-2015-
11-anfora-apolo.pdf Derechos de autor [s.f] por Museo arqueológico Nacional
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En el Siglo V a.C, se cambia la perspectiva de la pintura. Las temáticas que se destacaban por ser religiosas, 
mitológicas y populares, en realidad, eran escenas de la vida cotidiana, como se representa en el mosaico de 
Alejandro Magno en Pompeya, el cual narra la batalla de Issos contra el rey persa Dario. 
Las pinturas de este siglo presentan movimientos con características precisas y con profundidad. Los ojos tienen 
una proporción adecuada con la cabeza de la figura.
Figura 7. Mosaico de Issos, Wikipedia, s.f. https://es.wikipedia.org/wiki/Mosaico_de_Issos#/media/
Archivo:Alexander_(Battle_of_Issus)_Mosaic.jpg Derechos de autor [s.f] por Wikipedia.
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La arquitectura 
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 La arquitectura
Posiblemente, al construir diferentes sitios, los antiguos griegos pensaron en su perdurabilidad en el transcurso 
del tiempo. En la elaboración de estos lugares que han sido destacados por su arquitectura, se usó el mármol, 
“el cual pulían de forma cuidadosa y también emplearon la piedra” (Enciclopedia cultural de Manzanillo, s.f) 
En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron 
las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como 
exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y 
los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos 
griegos: Dórico, Jónico y Corintio. (sites.google, s.f) 
Vitruvio, padre de la arquitectura, escribió en Roma el libro ‘De architectura’, el cual fue escrito en 10 tomos. Este 
libro es conocido como el más antiguo, y es el único que existe de la antigüedad clásica.
Figura 8. Manuscrito, Wikipedia, s.f. https://es.wikipedia.org/wiki/De_architectura#/media/Archivo:De_Architectura027.jpg
Derechos de autor [s.f] por Wikipedia.
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• En el primer tomo del libro de Marco Vitruvio se describen algunas cualidades y deberes que debe poseer el 
arquitecto, además, menciona que la arquitectura debe ser entendida como ciencia y arte. Para Marco Vitruvio, 
el arquitecto trabaja en las construcciones de los edificios públicos y privados teniendo en cuenta sus implica-
ciones; y también, el autor de ‘De architectura’ describe los posibles problemas urbanísticos que debe asumir el 
arquitecto, como por ejemplo, la elección del lugar, las calles y las construcciones a realizar en diversas partes 
de la ciudad. En este primer tomo, el escritor especifica algunos detalles sobre el desarrollo de las construccio-nes en los primeros tiempos de la humanidad. 
• En el segundo tomo, Marco Vitruvio puntualiza todo lo relacionado sobre la elección de los materiales y las 
estructuras construidas en Roma y Grecia. 
• En el tercer tomo, el autor describe las características de los templos teniendo en cuenta el orden jónico, entre 
ellas: las columnas, las naves, la proporcionalidad y la simetría.
• En el cuarto tomo, el escritor detalla los templos dóricos, corintios y toscanos, a partir de preceptos técnicos y 
diversos rituales de construcción. 
• En el quinto tomo, Marco Vitruvio dedica su escritura, a partir de su experticia en lugares públicos (especialmen-
te en teatros y puertos), a las construcciones públicas que tienen una utilidad, como por ejemplo: la cárcel, la 
plaza, la basílica, la curia, los baños y la palestra. Estos lugares eran reconocidos como lugares de encuentro 
por el pueblo.
• El sexto tomo está dedicado a los edificios privados en Grecia y Roma. Reflexiona sobre estas construcciones 
a partir del clima y las costumbres.
• En el séptimo tomo, se da indicaciones para los acabados de los edificios. 
• En el octavo tomo, el autor reflexiona sobre las construcciones hidráulicas.
• En el noveno tomo, se describen los problemas geométricos y astronómicos en la elaboración de relojes de sol.
• Por último, en el décimo tomo, Marco Vitruvio toma como base el pensamiento de los griegos para hablar de 
las máquinas de la paz y la guerra.
En conclusión, Por lo tanto Marco Vitruvio ha elaborado y dejado para la humanidad este libro como un decálogo 
para las siguientes generaciones de arquitectos, en el cual, se describe aquello que se debe tener en cuenta en la 
construcción de edificios privados o públicos.
Por otro lado, la diferencia de la arquitectura romana con la realizada por los helénicos, es la realización del arco. 
Los arcos representan el triunfo. En Roma los más reconocidos son: el arco de Constantino, el arco de Jano, el 
arco Septimio Severo, el arco de Galienus. También, es importante destacar construcciones como el acueducto, 
el coliseo, los teatros y los puentes, los cuales, han sido construidos en hormigos y luego recubiertos en ladrillos. 
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Figura 9. Coliseo en Roma, Italia. Símbolo de la ciudad antigua. Anfiteatro a la luz del 
atardecer, por Shutterstock. Derechos de autor [s.f] por cge2010.
Después, la cultura romana construye pueblos donde se encuentran enormes basílicas junto con imponentes 
cúpulas, como por ejemplo, la que se encuentra en la Basílica de San Pedro, la cual fue construida por Miguel 
Ángel. 
Figura 10. St. Peter’s Basilica, Vatican City, por Shutterstock. Derechos de autor [s.f] por Vinicius Tupinamba.
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La música
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 La música
Pablo Rodríguez, autor del artículo ‘La música en la Antigua Grecia’ afirma que el “término mousiké se refería no 
sólo a los sonidos sino que incluía poesía y danza” (Rodríguez, 2017). El término “mousikós anér”, se refiere a 
aquel “hombre culto que entendía de música, poesía, danza e incluso gimnasia” (Rodríguez, 2017). 
Al precisar la enseñanza en la Grecia clásica, se debe recordar que en los procesos de formación en diferentes 
escuelas, como por ejemplo en la Academia de Platón o en el Liceo de Aristóteles todas las disciplinas anterior-
mente mencionadas eran obligatorias, ya que permitían “formar el espíritu, para educar el alma (la kalokagathia)” 
(Rodríguez, 2017). Esto implicaba tener un orden particular en relación a lo que significaba estas artes, “primero 
estudiaban canto y a tocar instrumentos de cuerda, a leer, escribir (necesario para la poesía, la gran arte) y, más 
tarde, a bailar” (Rodríguez, 2017).
Para la cultura griega, referencia en diferentes campos del saber, existía una relación indispensable e inseparable 
“entre conceptos como el alma-música, universo o trascendencia” (Rodríguez, 2017), los cuales, fueron recrea-
dos en el siglo pasado por el pintor Kandinsky en su obra ‘De lo espiritual en el arte’ (Rodríguez, 2017). 
Estos elementos hacían parte de la disertación entre los miembros de las distintas escuelas que pertenecieron 
al corpus de esta civilización. “Pitágoras y otros filósofos plantearon que esas relaciones son las mismas en las 
que están construidos el alma y el universo: la música podía determinar conductas y reacciones entre las gentes” 
(Rodríguez, 2017). 
Se reconoce que el universo, por ejemplo, en su condición de estar formado por astros, “originan sonidos 
perfectos, por tanto la música de las esferas o perfecta es la que origina el universo, inaudible al oído humano” 
(Rodríguez, 2017). A esta condición de la naturaleza se le adjudica el término de ‘perfección’. 
A partir de esto, se determinó que para el desarrollo de las distintas artes, se buscará la perfección, sin importar 
las escuelas, los maestros o los cánones. Los griegos afirmarían que “descifrando la música desciframos el uni-
verso y el alma” (Rodríguez, 2017). 
En la Edad Media, “Boecio narra que Pitágoras calmó a un joven ebrio cantando un spondeo” (Rodríguez, 2017); 
a este ejercicio de calmar las pasiones humanas, de purificación o de limpieza espiritual, Aristóteles lo llamaría 
‘catarsis’, es decir, una manera de realizar “purificación a través de la música” (Rodríguez, 2017).
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La música estaba presente en las actividades panhelénicas, tales como juegos y ceremonias, pero también en 
“combates” de solos, danza, teatro musical o en un tipo de música que podríamos calificar de programática, y 
que evoca a la música descriptiva cinematográfica o más culta como la del poema sinfónico (Rodríguez 2017).
 
Por otro lado, se debe tener presente la escala musical. Según diversas autoridades académicas en el tema y 
la fuente consultada, “la escala actual es ascendente, mientras que la escala fundamental griega, la doria, era 
descendente” (Rodríguez 2017). Pablo Rodríguez amplía en su artículo:
Los semitonos, sin embargo, se colocaban en igual sitio. Nuestra escala musical posee también tónica, con-
cepto moderno derivado de la armonía que, en el caso griego, no existía, por lo que la nota más importante era 
la mediante: el la. Su variación llevaba a los llamados modos, en los que se juega desplazando la citada nota 
de partida y la mediana, complicaciones que fueron en aumento bajo nombres como escala cromática o enar-
mónica. Seis modos eran los de las esferas: Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolídio y Eólico, de las que derivarán 
nuestras escalas. La clave de la música griega era su homofonía: reproducir simultáneamente dos melodías 
distintas les resultaba inconcebible; los coros siempre cantaban al unísono (Rodríguez 2017).
Es menester mencionar que también se generaron obras o tratados en torno al tema de la música. 
El célebre Píndaro, en su tratado llamado ‘de música’, hace mención a distintos géneros, entre ellos “citarodía o 
canto con cítara, Threnoi o cantos fúnebres, hymnoi o cantos en honor de dioses y hombres y poesía cantada” 
(Rodríguez 2017).
En esta época, surgieron una serie de instrumentos que reflejaron la riqueza de la instrumentación musical de 
este tiempo. Esto permitió expresar catarsis en el lenguaje de la música. Los instrumentos más comunes y famo-
sos de la época según Pablo Rodríguez (2017) son:
De cuerda. Lira/Cítara/Pandura: según la leyenda, Hermes mata a una tortuga y a unos bueyes, propiedad de Apolo, y con 
ellos construye la lira. Apolo decide matar a Hermes que, para aplacarlo, usa su lira. Apolo queda obnubilado y decide así con-
vertirla en instrumento. La lira tenía dos versiones: una de uso íntimo y, más grande, la cítara, para la gente del espectáculo. 
Del phormix de cuatro cuerdas viene la cítara desiete que se tocaba de pie. Después el laúd. El salpinx era otro instrumento 
de cuerda, de origen etrusco.
De viento. Aulós o flauta/trompeta/syrinx: Atenea era la intérprete de este instrumento, que causaba grandes carcajadas por 
parte de Afrodita y Hera porque se le inflaban los mofletes al tocarla. Al deshacerse de ella es descubierta por Marsias, un 
fauno, que desafía a Apolo contra su instrumento, quien será derrotado. La trompeta deriva del mismo mito y normalmente 
era de cuerpo metálico con embocadura acampanada. La syrinx o flauta de pan era dedicada a lo pastoril, a diferencia de la 
flauta doble o aulós.
De percusión: la krotala o carraca, kymbala o platillos y tympanon o tímpano. (Rodríguez, 2017)
Para finalizar este segmento, Rodríguez (2017) afirma que existen algunas obras de la antigüedad que pueden 
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ser recomendadas para su apreciación y deleite. Estas composiciones que por efecto de los años y luego de 
ser analizadas y estudiadas por expertos, han sido parcialmente reconstruidas. Algunas de estas obras son las 
siguientes:
• Ateneo, hijo de Ateneo (h. 138 a. C.): Primer hymnoi délfico a Apolo. Creado con sentido procesional y reconstruido por 
arqueólogos de fines del XIX.
• Limenius, hijo de Thoinos (h. 138 a. C.): Segundo hymnoi délfico a Apolo. Encontrado por los mismo arqueólogos, aún 
más incompleto.
• Seikilos, hijo de Euterpe (I d. C.): Epitafio de Seikilos. Considerada la composición antigua completa más antigua del mun-
do.
• Eurípides (ca. 485-ca. 506 a. C.): Stasimon de Orestes. Se recuperó del cartonaje de una momia, hasta que pasó a la 
colección real del emperador austrohúngaro Francisco José I.
Este breve recorrido nos convoca a profundizar más en el legado cultural del mundo antiguo, el cual es inago-
table. En estas páginas se han dado algunas pautas para disfrutar del arte antiguo y descubrir por medio de él, 
los mitos, las historias y las narrativas de esta época, las cuales, estaban inmersas en la tragedia en contraste 
con la comedia.
Se asume el desafío de conocer y adentrarse en una cultura rica en historia, arte, lenguaje, poesía, narrativa, es-
critura, pintura, arquitectura, música y cerámica. Sus artistas a través de sus manifestaciones artísticas, invitan a 
la sociedad actual a viajar en el tiempo para aprender cada vez más de la riqueza cultural de la civilización griega, 
la cual, marcó un hito importante en el desarrollo y crecimiento de la humanidad.
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A modo de 
reflexión 
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 A modo de reflexión
El placer de servir
Toda la naturaleza es un anhelo de servir. Sirve la 
nube, sirve el viento, sirve el surco. Donde haya un 
árbol que plantar, plántalo; donde haya un error que 
enmendar, enmiéndalo; donde haya un esfuerzo que 
todos esquivan, acéptalo.
 
Sé el que aparte la piedra del camino, el odio de los 
corazones y las dificultades del problema. Existe la ale-
gría de ser sano y la de ser justo; pero hay, sobretodo 
la hermosa, la inmensa alegría de servir. 
¡Qué triste sería el mundo si todo en él estuviera he-
cho, si no hubiera en él un rosal que plantar, una em-
presa que emprender!
No caigas en el error de creer que sólo se hace mérito con los grandes trabajos; hay pequeños servicios; regar un jardín, ordenar 
unos libros; peinar a una niña. El servir no es sólo una tarea de seres inferiores. 
Dios, que da el fruto y la luz, sirve. Pudiera llamársele así: El que sirve. Y tiene sus ojos en nuestras manos y nos pregunta cada 
día: ¿Serviste hoy? ¿A quién? ¿A qué árbol, a tu amigo, a tu madre?
Gabriela Mistral. (Mistral, citada en Prosalud, s.f.) 
El arte a través de sus creaciones guía pasos y narra historias. Una creación es una obra de arte que genera 
contemplación e ilustración en los otros. 
 
El texto de Gabriela Mistral sugiere esta y otras reflexiones, pero en sintonía con el sentido y la fuerza de la cultura 
griega, es posible pensar en un tópico común, el cual se basa en la siguiente afirmación: el ser humano es una 
obra de arte. 
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De las diversas enseñanzas recibidas de la cultura griega, es posible partir de la admiración que produce la 
idea de vivir la vida en función de otros. Esta condición de posibilidad, considera que el ser humano ha dejado 
diversas huellas a través del tiempo, siendo constructor y destructor, de acuerdo a sus acciones y al contenido 
de las mismas. 
Realizar formaciones sobre arte y cultura, implica reconocer todas las facultades que nos capacitan para hacer 
de nuestra existencia una verdadera obra de arte para guiar a otros hacia construcciones similares, al fin y al 
cabo, parece que al mundo le falta una pequeña maravilla.
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 Resumen
En esta unidad se hizo un breve recorrido por el arte griego hasta la etapa de la Edad Media, y se mencionó el 
impacto que ha tenido en la cultura europea, destacando a sus pioneros y algunas expresiones artísticas como: 
la escultura, la pintura, la arquitectura y la música, las cuales, son signos evidentes del desarrollo cultural de la 
humanidad. 
Se describieron aquellas expresiones artísticas que generaron conocimiento en el mundo antiguo, siendo este, 
ejemplo del patrimonio de la humanidad y la cultura, y referencia directa en los demás continentes. 
 
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 Glosario
• Arte: “Concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión 
sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario”. Definicion.de (s.f).
• Arquitectura: “Técnica y estilo con los que se diseña, proyecta y construye un edificio o un monumento”. 
Nicaragua Diseña (s.f).
• Cultura: “(…) todo complejo que incluye el conocimiento, las creencias, el arte, la moral, el derecho, las 
costumbres y cualesquiera otros hábitos y capacidades adquiridos por el hombre en cuanto miembro de la 
sociedad”. Tylor, E. Citado en Antropologies. (s.f).
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